老實說，我覺得自己的英文還算不錯，但是是台灣學生的不錯，也就是很會寫但不會講😬 ，就一股腦地栽進UAL(倫敦藝術大學)了，好死不死我讀的又是策展(MA Curating and Collections, Chelsea College of Arts)…
我們課程中的每一個策展計畫都是採取團隊合作的方式，從向組員提出個人的策展想法、整組討論策展理念、策略和方式、到與藝術家溝通和公眾活動(public programmes)，整個計畫執行到英文不好真的非常吃虧，所以，從九月開學，到十二月的第一個計畫執行完成，我才真的覺得自己能夠稍微喘一口氣，第一學期的我覺得每天出門都是一個可怕的全新挑戰，無論是專業知識的不足、工作習慣的不同，到文化的隔閡都是，每天都用100%的腦力和精力在生活，儘管如此，卻還是常常做不好，每天回家都非常沮喪，這種情緒再加上倫敦冬天灰濛濛濕漉漉的氣候加持，沮喪程度更是加倍，後來發現，這些情緒都是留學生常見但卻顯為人知的一面（線上雜誌分享）……要靠近自己的理想，就要先學會與孤獨相處。
之後有機會，我其實很想認真跟大家聊聊留學生的「孤獨感」這個複雜的情緒。
說太多廢話了，來，正式進入主題！
我的第二個策展計畫
之前有跟大家提過，我們老師共提供了4個不同性質的空間讓我們恣意發展策展計畫，除了上一篇提到與Chelsea Space合作會受到機構定位和策略的限制以外，其他三個空間都是我們班學生的專屬空間，會讓同學每兩個月輪流負責在一個空間進行策展。
計畫架構與原則：最少的干預，最大的自由
在這些計畫中，老師的功能只有提供最基本的架構，像是安排你的組員、排定展覽時間和場地，但要怎麼對這個場域策展，老師們則是給予最少的干預，最大的自由，這一點一開始我並不是很諒解，覺得老師似乎在教學上毫無貢獻，除了時常找不到老師外，也無法幫我們解決策展上的問題，但是，現在回想起來，反而覺得，這種放牛吃草的方式，其實比較適合藝術學院的學生，我們可以做任何想做的事情，即使想法有點荒謬、太實驗性或不夠專業。
只要你想做，你敢做，做得出來，並且能合理解釋做這件事的脈絡和背後思想，就沒有人能阻止你天馬行空的想法在這些空間裡被實現。
(Btw 雖然在放牛吃草下，老師最後看到展覽可能會直接說哪一組的展覽不是他喜歡的類型，但是若你有努力，他們還是會給予很大的肯定😆）
我的第二個展覽就被分配到跟不同的同學合作，除了要重新適應不同的團隊工作和溝通模式外，也要思考如何在這個脈絡完全不同的空間中，做出一個全新的展覽。
從空間脈絡發想……
第二個計畫空間叫做Landing Room，這個空間在功能上是一個防火逃生空間 (fire exit)，它的名稱來源，以我個人的理解，可能是因為學校師生要從校園廣場走進教室時，基本上一定要「登陸」的平台，所以這裡的往來人潮較多。但我們卻在這個空間觀察到一件事，就是這個空間雖然空曠適合同學聚集聊天或進行活動，卻幾乎沒有人這樣做過，大家都是快速經過這個空間，一心想快點進教室或到達室外，因此，我們希望可以藉由展覽探索這個空間的可能、挑戰它的限制，創造讓行人駐足、重新思考這個空間定位的機會，更能改變這個空間的脈絡，從一個「流動性高」的防火逃生空間轉變為「穩定」的對話及互動空間。
找尋藝術家
基於這個思維，我們組希望能邀請作品具參與(participative)和互動(interactive)性質，或是視覺上夠強烈而能吸引人們駐足的藝術家，以這個空間進行現地裝置(Site-specific installation)，以單一藝術家的口吻為觀眾訴說一個脈絡性較強的故事。
幾經討論後，我們提出了一位捷克駐英藝術家Eva Suhajek，UAL學士畢業，目前正就讀RCA繪畫碩士，她的作品已經發展出自己獨到且強烈的視覺風格和創作方向，擅長將她腦中具象的自然萬物轉譯為抽象且有機的圖像，她的作品使用了繽紛色彩和大量的圖樣(patterns)/符號，而藝術家將創作過程當作一個表現自身當下內心狀態的表演，以及作為一個邀請觀者探索新觀點及方向的迷宮冒險。她的作品從前期的平面抽象繪畫發展起，到近期開始嘗試大型繪畫式裝置(Large-scale painterly installation)，作品形式漸趨多元。因此，在與藝術家討論後，我們挑了7件既有作品，並邀請藝術家結合這幾件作品，將這個空間打造為一個大型裝置作品，藉由藝術家與自然和生活對應的有機抽象繪畫，帶大家進入一個探索童年記憶和初心的開放遊樂場，在這個遊樂場，你可以拋開束縛地與他人對話，或與自己對話，創造這件作品的主觀意涵。
與藝術家溝通討論
藝術家Eva本身也是策展人，在我們展覽同時，也有在其他小型空間策劃青年藝術家的聯展，因此，她對於如何擺設作品，如何創造出作品間的脈絡和對話很有自己的一番想法，她很快地就想好要如何製作這個大型裝置，這一點起初讓我們非常開(輕)心(鬆)，但當藝術家越來越天馬行空地發想她的現地裝置時，讓我們組員開始覺得不妙，布展時，藝術家說會帶她工作室的作品來，我們以為，她的意思是，裝置已經完成大部分，到現場將作品裝好即可，殊不知，藝術家只帶來了兩片貼有玻璃紙的板子，然後over…
What…?
藝術家開始跟我們說，她需要購置沙子、土壤、木板、油漆，還有一堆塑膠球，但是要怎麼用一堆木板原料組裝出她的裝置，她也是非常困惑……
再度What…?
所以，我們6個策(工)展(具)人，就這樣跑遍倫敦各個商家買齊各種材料，也好在Chelsea裡有木作工作室 (Wood workshop)，有負責協助學生木工創作、佈展和空間結構安全的專職導師，學校也能夠借到電鑽、梯子、電燈等各種展覽設備，致力於協助學生解決各式各樣的展示和創作問題，這就是我覺得我們學校最棒的地方，在地上鋪好沙子，只要你懂的善用這些沙堆上的資源，就不怕在嘗試的過程中跌倒。
因此，在學院專業導師的協助下，我們歷經一週的木作、油漆和作品裝設工程，終於順利完成這個現地裝置，甚至到開展的最後一刻，我們都還努力在找可以放在展間的植物和彩色燈具。我們的藝術家真的很有想法，也真的滿足了我們想要的策展目標。
但在策展過程中，我們還是要在藝術家熱忱提出各種方案時，冷靜下來評估方案的可行性，無論是經費、人力、技術、時程或策展概念上，都需要經過策展人與藝術家不斷溝通協調，才能完成展覽。
畢竟藝術家考量的是，要洋洋灑灑地把作品呈現到做好，但策展人考量的卻是實務面的事情，除了要盡力協助藝術家實現計畫、將作品文字化和脈絡化以外，更要適時拉住飛太遠的藝術家，雙方達到一個微妙的平衡。
結果，我們最後每個人總共花費了NT$3,000多在這個展覽，總共花了NT$20,000，但相較於其他組別基本上沒花到什麼錢也沒出到太多力的狀況，我們這一組真的是掏錢又出力，這就是策展人和藝術家合作關係失衡，策展人太free的代價吧，若是能事先跟藝術家談好預算和執行方式，讓雙方都知道計畫框架到哪裡，應該會更加順暢，但總歸還是個有趣的實戰經驗。
最後，老師還安排了一天課程讓各組互相評量展覽成果，我其實最喜歡的橋段就是這裡，同學和老師不斷提問，逼著各組說出策展的思考脈絡，互相較勁的同時，也讓人對於策展更有幹勁，直到現在我還深深記得，老師說了：「你們的展覽雖然我不愛，但可以看得出你的很用心，幹得好！」（雖然我也不知道這是真稱讚還是場面話😂😂😂）
雖然我也不認為我們的展覽做的有多好，但就是一個寶貴的學習經驗吧～
