撰文：黃楚涵
上週末有「台北當代」、「水墨現場」、「One Art Taipei」以及「2019 ART FUTURE 藝術未來」等各種藝術藝博會，相信每個有在 follow 藝術圈級市場走向的人們應該都一飽眼福了！編者在這些藝博會也受到各種視覺的啟發，在此來分享一下其中幾場博覽會所帶給編者的一些想法吧！
在週末人潮爆炸的「台北當代」，編者感到不論是什麼樣的藝術媒材，他們感覺好像都想從畫框、展場空間延伸出去，並和觀眾們對話。除了杉本博司、Andrea Grusky、 Thomas Ruff 等這些國際攝影大師外，這次藝博會蠻多新生代的藝術家，如張遼源、高明根與 Nerhol，他們將攝影結合不同的媒材，藉由變形、加工後製等讓影像走出了平面的框架，來讓觀者更能體會、參與影像中的情境。
除了改變影像平面的特質外，也有很多藝術家重新定義了不同媒材的特質。如 Anish Kapoor 改變鏡子的形態，使得它無法完整反映觀者的面貌，但觀者會因這樣的特性與之互動；周世雄的石油畫則是利用石油畫在各種不同形狀的媒材上，來定義出屬於自己的油畫，而同時觀者也會出現在他的油畫裡。這些各種不同的展出形式，讓編者覺得藝術家們想要打通一條讓觀者接近、意會的橋樑，來使作品和觀者在同一時空下，來與藝術家溝通。
相較「One Art Taipei」多數都是靜態的作品，在「2019 ART FUTURE 藝術未來」有比較多元的呈現，如錄像、裝置等，它們幾乎都融入了整個房間，就像是房間所帶給人整體的感受和情境，而不僅僅是房間的裝飾。像是台北藝術大學藝術跨域研究所的創作者蔡士翔，他的作品《忘川》就將投影打在天花板，供人們躺著觀看；寧森則是在浴室結合 VR 、流水與投影，讓人在聲光中去想像自己的情境。
然而，靜態的攝影，要如何能突破既有的框架，來讓人參與呢？要怎麼做，才能在這些多樣化的藝博會裡面，能夠不被其他大型且能讓人直接互動的裝置以及展場本身吃掉呢？
編者覺得，不見得需要放大影像，也不一定需要透過複合媒材或新媒體。而是在這些照片中，攝影者是否親近眼前的被攝者，以及在展場的佈局上，它的空間佈置與留白是不是能夠呈現照片所想講的話。當攝影者想要透過相機來說話的意圖夠強烈，即使是用一般的黑框裝裱，在適當的舞台中，依然能安靜的與觀者對話。
