6 avantages de la lumière continue en photographie

EXALUX BRIKS - Behind the scenes with Studio Grand Ouest

L’outil de travail principal du photographe est avant tout la lumière. Lorsqu’il est question de lumière artificielle, on retrouve deux écoles: le flash et la lumière continue. Malgré l’évolution des technologies avec notamment l’apparition de la LED, on constate que curieusement, peu de photographes semblent adopter la lumière continue. Je vais ainsi exposer les 6 forces de la lumière continue face au flash.

#1 - WYSYWYG - What you see is what you get

Premier avantage le plus évidement, avec un éclairage continu, on photographie ce qu’on voit. C’est un avantage dans beaucoup d’étapes d’une séance photo.

Dans la phase de réglage par exemple, il n’est pas nécessaire de disposer d’un flashmètre ou de réaliser quelques essais préalables puisque l’œil a une vision directe du rendu final. Lorsqu’on travaille en éclairage indirecte ou avec 2 à 3 sources de lumière, il est nécessaire d’être méthodique dans la phase de réglage pour pouvoir tirer correctement profit des sources. On peut ainsi travailler au liveview, ce qui est pratique pour les photographies d’objets ou d’aliments.

Certains flashs de studio sont équipés de lampes témoin qui sont donc un éclairage continu. Elles servent à contrôler les ombres mais ne permettent pas toujours de détecter certaines ombres que le flash, plus puissant, mettra en évidence.

Pour résumer la lumière continue apporte un confort de travail, en studio comme en extérieur, similaire à la lumière naturelle.

#2 - Maîtrise du rendu

Une maîtrise de la balance des blancs est cruciale en photographie. La nouvelle génération d’éclairage continu LED permet de proposer des sources calibrées précisément. Il suffit alors de régler son appareil sur la température de couleur annoncée par l’afficheur ou le constructeur.

Le contrôle des ombres se fait en temps réel, les photographes de beauté ou d’objets d’art sauront ainsi apprécier ce gain de temps et la facilité de contrôle du rendu final.

Les éclairages continu milieu et haut de gamme certifient une constance du flux lumineux. Il n’y a donc pas de mauvaise surprise possible à l’instar d’un flash qui parfois ne déclenche pas au bon moment.

Être assuré du rendu final libère l’artiste. Il peut ainsi se concentrer sur sa prise de vue, la composition et sur les échanges avec le modèle.

#3 - Pas de temps d’attente

Le temps est crucial dans n’importe quel travail, en particulier pour un photographe qui doit par exemple mettre en image une collection entière dans un laps de temps limité.

Voici une liste non exhaustive des temps morts possibles dans une séance au flash:

  • Phase de réglage du flash avant la séance
  • Temps de réglage du flash et de l’appareil photo dès lors qu’on déplace la source ou modifie la source avec un diffuseur ou des coupes flux
  • Recharge du flash. Tous les flash ne sont pas égaux.
  • Le temps de cycle ( temps minimal entre deux éclairs ), est lié au matériel.
    On va ainsi de la centième de seconde pour les meilleurs modèles à quelques secondes. Ce temps mort peut survenir au moment où le modèle propose l’expression attendue.

La lumière continue comporte également des phases de réglages mais bien moins fastidieuses puisqu’on a un visu continu du rendu. Le temps morts sont donc bien plus limités ce qui augmente la productivité et n’entraine pas un sursaut d’impatience et de fatigue du modèle, qui généralement arrive au dixième éclair.

#4 - Pas de limite de vitesse

Tous les appareils photos disposent d’une vitesse de synchronisation flash maximale. Elle oscille généralement entre 1/160s et 1/250s. Au delà de cette vitesse, si le flash ne dispose pas d’un mode haute vitesse, l’image ne sera éclairée qu’à moitié.

Caption by Neilvan Niekerk

En lumière continue, la synchronisation se fait à toutes les vitesses. De plus, avec l’absence de temps de cycle, le photographe peut travailler en rafale.

#5 - Polyvalence

Quand le flash ne propose qu’une température de couleur, l’éclairage continu en particulier la LED permet de passer d’un blanc chaud ( Tungsten - 3200K ) à un blanc froid ( Daylight - 5600K ).

On peut alors réaliser des effets créatifs en combinant la source avec une source tungstène ou halogène déjà présente dans la pièce. La source LED n’écrasera pas l’ambiance mais viendra contrebalancer l’ensemble. Cette technique est omniprésente au cinéma.

Enfin, pour les photographes d’enfants et nouveaux nés, la lumière continue ne réveille pas l’enfant et n’agresse pas sa rétine.

#6 - Passage du mode photo au mode vidéo

Le dernier avantage concerne tous ceux qui sont amenés à devoir filmer pendant leur séance photo. L’argument est court et simple : un flash ne permet pas d’éclairer une scène vidéo.

Avec l’ascension des appareils photos qui offrent des modes vidéos avancés, l’éclairage continu commence à conquérir le cœur de plus en plus d’artistes désireux d’explorer d’autres moyens créatifs.


# Principal point d’inégalité — Le mouvement

Caption by Austin Prock

La lumière continue ne semble conférer que des avantages au photographe. Cependant, une inégalité décisive dans la prise de vue, hormis la puissance, subsiste : photographier le mouvement.

Le capteur d’un appareil photo a pour unique mission de recevoir toute la lumière qui lui arrive. Un flash studio est “instantané”. Le capteur ne voit que ce qui s’est passé pendant la centième de seconde, le mouvement est donc figé.

A contrario, avec la lumière continue, étant donné que tout le mouvement est éclairé, il peut arriver que le mouvement ne soit pas correctement figé.


Que choisir ?

En définitive, le choix de la source dépend du type de photographie qu’on réalise. Pour des portraits posés, l’architecture, de l’alimentaire ou la photographie d’objets la lumière continue est géniale, en revanche pour des sujets dynamique, le flash reste roi.


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