El sello de autor y el lado oscuro de la inteligencia.

Desde que me vi inmersa en el mundo del cine siempre esa frase rondo mi cabeza, “cine de autor”, y nunca la comprendí, hasta ahora.

Normalmente se asocia el cine de autor con un director que sea todo el tiempo original y se mantenga creando conceptos, que cree una atmósfera original y que no se copie de nadie, pero el concepto de la originalidad o mas bien el concepto del “cine de autor” se refiere mas a la interpretación de los directores sobre conceptos ya establecidos, me explico, por ejemplo en Psicosis Hitchcook no necesariamente inventaba nada, el cine policial ya llevaba sus años, pero lo que marca la diferencia es como Hitchcook enfrenta estos conceptos, por ejemplo la psicopatía, aquí el director lo enfrenta de una manera mas fría y calculadora, Norman Bates no es solo un loquito que anda pidiendo, es un frió psicópata que planea cada uno de sus pasos, pero que a la vez reacciona a la defensiva cuando todo empieza a salirse mal; Por ejemplo cuando nos vamos al cine de Lars Von Trier el interpreta elementos que ya están establecidos, como por ejemplo los animales, en su cine Von Trier los interpreta como algo casi divino que representa un mensaje que trasciende de la película.

La magia del cine de autor no es como los directores se sacan las ideas de la manga, si no como enfrentan géneros, como trastocan ideas y las vuelven suyas, como por ejemplo Michel Gondry, es un director muy peculiar no por apelar a la inventiva, si no por hacer suyas los conceptos y enfrentar de una manera peculiar conceptos ya establecidos, O con Kubrick, el maneja hasta conceptos como del des honor, o de nuevo, la psicopatía, de una manera fría y sin ninguna contemplación emocional.

¿Esto es lo único por lo cual aclaman al cine de autor?, si hasta Michael bay trastoca sus propios clichés en Sangre, sudor y gloria; pues no, lo diferencia mas grande entre un cineasta y un autor, es, su sentido de la inmersión, cada cineasta de autor comparte el mismo deseo de hacerte sentir parte de su mundo, de con sus planos transportarte a su interpretación de la vida, con su montaje llevarte a sentir cada emoción de el mundo que rodean. Esta en la prioridad del autor atraparte y no dejarte salir del mundo que ha creado.

¿Porque hacer énfasis en la inmersión?, crear mundos interesantes o bastos no significa automáticamente inmersión, ahora tomando como ejemplo a Tarantino, en ‘Reservoir dogs’ parecía que nos intentaba mostrar la ultra violencia de su mundo y rebuscaba dentro de los detalles mas íntimos de sus personajes para hacernos parte de el, en cambio, en ‘Matrix’ el mundo estaba ahí, para hacer juego con que podría ser el nuestro, pero no es un concepto que trascienda por lo tanto irrelevante.

Lo cual marca una transición a un tema que viene de mano con la inmersión, la ideología detrás de las obras, el cine de autor es uno muy personal, los autores expresan todo lo que piensan y sienten, por lo tanto no siempre la manera de expresarlo es la mas indicado a nuestro ojo, por ejemplo, Tarkovsky expresaba su amor por la naturaleza mediante sus planos y la composición de sus escenas, pero esto no siempre es llevado de la mejor manera, Lars Von trier, como muchos otros, tienen esa necesidad de dejar ver que su obra tiene trasfondo filosófico dejando un plano quieto por mucho tiempo, o dejar sin dialogo muchos minutos y solo expresarse visualmente, pero el problema aquí es que estos no en su mayoría se vuelven momentos anti climáticos, esta bien ser sutil, pero dejar en plano sin sonido y solo con imágenes “trascendentales” no es ser sutil para nada, daría lo mismo que le dijeras a la cara a tus espectadores “estoy haciendo una obra filosófica APRECIARLA!!!”, Stanley Kubrick en su filmografia logra hacer un buen balance entre imágenes poéticas y diálogos, en 2001 los momentos sin diálogos no es para dárselas de poéticos, es porque es importante para los mensajes que quiere dar, y porque por supuesto así marca el clima frió que tendrá la cinta sin por ello pecar de esta técnica, a demás de que en 2001 hay un perfecto uso de la sutileza, es filosófica sin pecar de ser pedante.

O vamos de nuevo con Gondry, en ‘Rebobine por favor’ no necesita nada para contarte que esta intentando homenajear a los que hacen el cine posible, las mismas acciones con dialogo de los personajes te expresan lo que intenta el autor expresar, sin necesidad de planos pseudo artísticos.

Y de ahí mi gran problema con obras como ‘El Renacido’ o ‘Koyanisqatsi’, si bien esta ultima es cine experimental y de hecho no me parece una mala obra, pero si es cierto que la primera vez que la vi me quede absolutamente dormida por su falta de ganas por usar otros medios que no sea el denominado “artístico”, ahora hablando de ‘El Renacido’ los flashbacks de el prota me parecieron super innecesarios, porque toda es información nos la pudieron haber mostrado con dialogo, en vez de llenarnos con “to deep for you” , simplemente Iñarritu forzando a una obra a ser artística porque si, otra vez.