Libro:

LA INDUSTRIA CULTURAL DEL ROCK EN VENEZUELA. CASO TÁCHIRA.

Universidad de Los Andes. Dr. Pedro Rincón Gutierrez. Trabajo de Investigación: LA INDUSTRIA CULTURAL DEL ROCK EN VENEZUELA. CASO TÁCHIRA.

Autor: Ramón Alí Mogollón T. 2006.

Profesor Ordinario. Agregado. Dedicación Exclusiva.

Trabajo de Ascenso categoría profesor Asistente.-

CAPITULO I

EL PROBLEMA

Existen antecedentes fundamentales en todos los escritos académicos sobre la música popular contemporánea, los cuales ofrecen la oportunidad de reflexionar acerca de los temas contenidos en la enorme cantidad de textos que tratan sobre la música rock con mayor amplitud y disgresión académica – conceptual. Por otra parte encontramos los fanzines, las revistas, los afiches, la prensa musical, además de los testimonios de la frenética vida en los locales, las actuaciones, los clubes, los eventos, y la vida diaria que comprende su esencia.

Es acá donde remitiéndonos a David Hesmondhalgh recurriremos tanto a los textos académicos como al periodismo musical, pues ambos representan, junto a los fans, la disertación elaborada de un nuevo producto cultural contemporáneo, alejado de los planteamientos basados en formas impulsivas y simplistas acerca de la producción de textos musicales.

Los antecedentes basados en el término “industria cultural” pueden encontrarse en la crítica de la Escuela Frankfort a la cultura de masas (Horkheimer y Adorno 1947, Adorno 1991). Para Horkheimer y sus colegas alemanes, el término “industria cultural” implicaba que la crítica marxista de la producción de mercancías en general, podía (y debía) aplicarse a la producción de bienes simbólicos en particular, a la producción de bienes cuyo “valor de uso” fuera estético, ideológico, y de entretenimiento. Las industrias culturales eran, pues, como cualquier otra industria capitalista: usaban mano de obra “alienada”; perseguían un beneficio, dependían de la tecnología — el maquinismo — para asegurar la competitividad; estaban primordialmente en el negocio de producir “consumidores”.

Este enfoque de la industria cultural tiene conocidas implicaciones: el modo de producción cultural determina el valor cultural; las cualidades formales de los bienes de la cultura masiva son un efecto de las técnicas de producción y la gestión de la competencia; los “placeres” de la cultura de masas son esencialmente irracionales, efectos de la eficiente manipulación comercial del deseo.

Irónicamente, el primer argumento (debido a su brillo romántico) se transformó en un lugar común dentro de las industrias culturales mismas, donde se empezó a hacer una distinción entre los bienes culturales producidos por razones “comerciales” y aquellos producidos por razones “artísticas” (este era el fundamento, hacia finales de la década de 1960, para distinguir entre la música “rock” y la música “pop”, por ejemplo). Y si, en la práctica, es difícil encontrar una forma de cultura contemporánea que no esté, en algún punto, implicada en el proceso de producción industrial (aún la música de Schönberg es escuchada principalmente en grabaciones), el argumento de Francfort se había vuelto contra sí mismo: asignarle a una mercancía cultural un valor estético entraña afirmar que, de algún modo, está producida “autónomamente” (con “fi nes artísticos”). Y a su vez, esto viene indicado por su cuestionamiento o su negación de las convenciones técnicas y fórmulas de venta usuales en la producción de la cultura de masas.

Otro antecedente fundamental lo constituye gran parte de la obra del principal investigador académico sobre la música popular, Simon Frith, quien ha manifestado un continuo interés por los problemas y contradicciones en el sistema de valores de las corrientes del rock y el soul. En el principal estudio de Frith sobre la música rock, Sound Effects (1981), se interroga acerca de un conflicto continuo entre música y negocio en las principales versiones de la ideología del rock. El rock es para él un negocio contradictorio, se trata de música producida comercialmente para una audiencia masiva, pero va ligada a una crítica del comercialismo y de la cultura de masas, por una parte, por otra el rock se basa en el uso que hacen de él las jóvenes audiencias como una forma de ocio hedonista y placentero.

El libro de Frith sigue siendo el análisis más profundo y riguroso de la música popular desde un punto de vista político, y sienta las prioridades para la investigación académica sobre la música popular de los años ochenta y noventa de dos formas relacionadas entre sí. En primer lugar, su escepticismo ante las suposiciones “de sentido común” de la ideología del rock y el soul contribuyó a derribar un enfoque ingenuo de la producción musical basado en la crítica de la cultura de masas. Del mismo modo que Frith, Stratton (1983) desafía una exagerada oposición entre lo artístico y lo comercial, pero va más allá de Frith al sostener que esta misma dualidad es fundamental para el mantenimiento de la producción y el consumo cultural en un contexto capitalista. La asociación efectuada por numerosos críticos entre las estructuras comerciales y una prevista homegeneización de la música, según Stratton, es un torpe intento de reafirmar la concepción romántica del creador individual como base de las funciones positivas del arte. De hecho, debido a que el capitalismo es una forma dinámica, precisa de ideologías como ésta para alimentar la innovación.

En otras palabras, las críticas a la estandarización motivadas por la producción comercial capitalista (como las de Adorno, por ejemplo) son simplemente versiones distintas de la forma de pensar que precisamente constituye el sostén originario del capitalismo.

La noción de subcultura, en particular, fue crucial para la comprensión sociológica implícita del rock en la cultura juvenil. La inversión de energía y pasiones en el consumo musical por parte de grupos de jóvenes pertenecientes (normalmente) a la clase obrera, servía como modelo para la idea de que la música podía forjar — o reforzar — comunidades. Los estudios de la “desviación” realizados por la sociología interactiva norteamericana (por ej. Becker 1973) y por los sociólogos británicos influidos por dicha tendencia (Cohen Taylor 1976) fueron pioneros en el análisis sociológico de las subculturas. No obstante, la tendencia más significativa en el análisis de la música popular y la cultura juvenil durante los años setenta y ochenta fue la de los autores vinculados al Centro de Estudios Culturales Contemporáneos (CCCS) de Birmingham.

Gran parte de los esfuerzos del CCCS se dirigieron a forzar una interpretación (neo) marxista de clase para analizar las subculturas juveniles, pero de cara al estudio de las audiencias musicales, su herencia más duradera ha sido el impacto del uso que hacía el CCCS del estructuralismo y la semiología.

Estas herramientas metodológicas fueron utilizadas para desarrollar teorías sobre el potencial para resistir ante la ideología dominante en ámbitos como el vestuario, los peinados, las formas de hablar, de bailar y de comportarse en los momentos de ocio. Los textos clásicos son los de Hall y Jefferson (1976), Willis (1978) y Hebdige (1979).

OBJETIVOS GENERALES

Evaluar la tradición de la cultura del rock and roll local como fenómeno intercultural, producto del sincretismo desarrollado en Venezuela, específicamente en San Cristóbal Estado Táchira hasta nuestros días, con el fin de determinar los problemas de su desarrollo en el marco de la Industria Cultural Venezolana, su evolución mass mediática, sus implicaciones comunicacionales, y la elaboración de una serie de propuestas de gerencia cultural que le son atinentes en el momento actual.

OBJETIVOS ESPECIFICOS

1.- Significar la importancia del área de estudio a partir de un análisis fundamentado en los estudios culturales y de la comunicación.

2.- Determinar el estado actual de la Industria Cultural del Rock Venezolano (Tachirense).

3.- Analizar mediante un estudio documental y de campo la pertinencia de una serie de propuestas para el desarrollo de la industria del rock regional.

JUSTIFICACIÓN

Para justificar el estudio nos planteamos dar respuesta a las siguientes interrogantes:

¿Por qué se realiza esta investigación?

La pertinencia en la ejecución de la presente investigación obedece a su carácter inédito en cuanto a su objeto de estudio, ya que nunca antes se ha realizado investigación alguna en relación al fenómeno del rock regional. Por otra parte tiene sus fundamentos en los en los nuevos estudios de La Antropología Social Británica, específicamente en cuanto a los Estudios Culturales y de la Comunicación o Cultural Studies, además aplica herramientas propias del Nuevo periodismo norteamericano, en cuanto a que nos internamos en el mundo de los personajes y en la investigación sobre su contexto, desarrollamos compromisos implícitos de fidelidad y franqueza con las fuentes y mediante las entrevistas como mecanismo de recopilación de la investigación se puede percibir una voz intimista que ayuda a construir una gran historia.

¿Por qué es conveniente realizar esta investigación?

Es conveniente realizar esta investigación porque es una manera de entender, en primer lugar, el comportamiento de la Industria Cultural Venezolana en uno de los renglones más importantes y que generan más intercambios comerciales a nivel internacional: La Industria de la Música. Por otra parte es pertinente desde el punto de vista del estudio del comportamiento de la juventud actual, tal como lo señala Martín Barbero, son estudios de envergadura antropológica referentes a los cambios que atravesamos y las posibilidades de inaugurar escenarios y dispositivos de diálogo entre generaciones y pueblos.

¿Para qué sirve?

Sirve como referente histórico; para comprender nuestra cultura y el sincretismo cultural a través de la historia reciente, los procesos interculturales, las lógicas del comportamiento de la juventud glocal, la que piensa global y actúa local, para así concebir productos estéticos y comunicacionales nuevos. “Quizás sea el fenómeno del rock en español el que resulte más sintomático de los cambios que atraviesa la identidad en los más jóvenes. Identificado con el imperialismo cultural y los bastardos intereses de las multinacionales durante casi veinte años, el rock ha adquirido, desde los años 80, una capacidad especial de traducir la brecha generacional y algunas transformaciones claves en la cultura política de nuestros países. Transformaciones que convierten al rock en vehículo de una conciencia dura de la descomposición de los países, de la presencia cotidiana de la muerte en las calles, de la sin salida laboral y la desazón moral de los jóvenes, de la exasperación de la agresividad y lo macabro. El movimiento del rock latino rompe con la mera escucha juvenil para despertar creatividades insospechadas de mestizajes e hibridaciones: tanto de lo cultural con lo político como de las estéticas transnacionales con los sones y ritmos más locales. De Botellita de Jerez a Maldita Vecindad, Caifanes o Café Tacuba en México, Charly Garcia, Fito Páez o los Soda Stereo y los Fabulosos Cádillac en Argentina, hasta Estados Alterados y Aterciopelados en Colombia”.

“En tanto afirmación de un lugar y un territorio, este rock es a la vez propuesta estética y política. Uno de los ‘lugares’ donde se construye la unidad simbólica de América Latina, como lo ha hecho la salsa de Rubén Blades, las canciones de Mercedes Sosa y de la Nueva Trova Cubana, lugares desde donde se miran y se construyen los bordes de lo latinoamericano” afirma una joven investigadora colombiana. Que se trata no de meros fenómenos locales/nacionales sino de lo latinoamericano como un lugar de pertenencia y de enunciación específico, lo prueba la existencia del canal latino de MTV, en el que se hace presente, junto a la musical, la creatividad audiovisual en ese género híbrido, global y joven por excelencia que es el videoclip” (Barbero 2002).

¿Cuál es su relevancia social?

Su relevancia social parte de hacer comprender a la colectividad la importancia de generar una industria que comprenda elementos de producción, reproducción, difusión y consumo, la cual genere empleo y recursos, para de esta forma hacer prevalecer nuestro discurso musical, que en el caso del nuestro rock estará cargado de elementos y particularismos propios de nuestra idiosincrasia como pueblo y nación. Tal cual lo señala el profesor Martín Barbero en su texto:

Jóvenes: Comunicación e identidad: “Atravesado por los movimientos que le impone el mercado, desde las disqueras a la radio, en el rock latino se superan las subculturas regionales en una integración ciertamente mercantilizada pero en la que se hacen audibles las percepciones que los jóvenes tienen hoy de nuestras ciudades: de sus ruidos y sus sones, de la multiplicación de las violencias y del más profundo desarraigo. Sin olvidar ese otro fenómeno cultural que son las mezclas de las músicas étnicas y campesino-populares con ritmos, instrumentos y sonoridades de la modernidad musical como los teclados, el saxo y la batería. Ahí el “viejo folclore” no se traiciona ni deforma sino que se transforma volviéndose más universalmente iberoamericano.

Aunque producto en buena medida de los medios masivos y de la escenografía de tecnológica de los conciertos esas nuevas músicas vuelven definitivamente urbana e internacional una música cuyo ámbito de origen fue el campo y la provincia”. (Barbero 2002).

¿Quienes se beneficiarán con el estudio?

Se beneficiarán de dicho estudio las comunidades de creadores y consumidores de las industrias culturales locales, desde un strictu sensu, y desde un latu sensu, nuestra región, ya que es el reflejo de su historia más contemporánea, del dialogo de las nuevas generaciones, de las producciones de una nueva camada de músicos, poetas, e incluso diseñadores y video artistas que se involucran en un fenómeno social que genera un impacto comunicacional reflejado en los códigos audiovisuales, las programaciones, eventos y costumbres contemporáneas.

¿Qué proyección social tiene?

El trabajo tiene una proyección social en cuanto a su naturaleza de registro de la cultura, su capacidad para poder contrastar las nuevas tendencias socioculturales, los nuevos comportamientos, necesidades y paradigmas, para así comprender mejor el fenómeno de la diáspora y la interculturalidad en nuestro país, entender la necesidad de integración en la diferencia, y de estos planteamientos postular al rock como expresión social yuxtapuesta, que mediante el presente trabajo se proyectaría como elemento integrador hacia nuestro estudio. Como dice Martín Hopenhayn: “… dos tareas fundamentales saltan a la vista para un proyecto integrador. Primero superar la larga tradición de lo que aquí llamamos la dialéctica de la negación del otro, donde una cultura (de la mujer, del indio, del negro, el pagano, el mestizo, el campesino, el marginal-urbano, etc.) constituye el cimiento en que a su vez se monta una larga tradición de exclusión socioeconómica, cultural y sociopolítica” (2000).

En definitiva el rock como elemento y producto intercultural debe entenderse como fenómeno de inclusión, integración y respuesta estética generacional al cambio.

¿Ayudará a resolver algún problema práctico?

Ayudará a construir una historia acerca de una expresión que ya lleva gestándose por más de tres décadas a nivel local, brindando un merecido reconocimiento a sus protagonistas, difundiendo sus obras y proyectando nuestra industria cultural local.

¿Tiene implicaciones hoy día con algún problema social relevante?

Nuestro trabajo está basado en el periodismo de investigación, sobre un tema histórico con repercusiones actuales. Es decir, es un trabajo que profundiza sobre hechos pasados cuyo conocimiento público puede repercutir directamente en una situación actual. (Quesada, citada por Caminos Marcet, 1998). Tiene implicaciones directas en nuestra industria cultural, la cual siempre ha permanecido en una franca desventaja, a pesar de lo prolífica de su producción en todas las áreas estéticas. De acuerdo a estudios del Centro Gumilla y del ININCO, Instituto de Investigaciones de la Comunicación, nuestro país ha tenido déficit en la proyección de nuestra Industria Cultural, a excepción del renglón de las telenovelas en los años 80, donde se produjo un superávit circunstancial de esa industria audiovisual. El profesor Fernando Vicario, Coordinador del Convenio Andrés Bello, asegura que la industria cultural generó más recursos que la industria aeroespacial y fue la única materia donde se trancaron las conversaciones entre EEUU y la antigua Comunidad Económica Europea CEE, hoy Comunidad Europea, en cuanto a los intercambios comerciales que se derivan de dicha industria. Por ello el presente trabajo brinda las alternativas necesarias, en base a lo expresado por sus protagonistas y conocedores de la industria de la música, de cómo lograr una proyección e inserción de éste tipo de bienes culturales musicales contemporáneos; ésta implicación fundamental resuelve un problema económico, social y cultural fundamental.

¿Llenará algún vacío teórico?

Desde éste punto de vista llena un vacío teórico, nadie ha disertado jamás sobre la Industria del Rock Regional, sus implicaciones, sus estrategias, sus proyecciones, las formulas que deberían emplearse, el reflejo de su historia como mecanismo de comprensión de sus potencialidades y deficiencias. Luís Brito García ha realizado un importante enfoque más referido a la industria internacional de la música en su texto “El imperio contracultural: del rock a la postmodernidad”, nosotros realizamos un aporte más detallado de un fenómeno local, con implicaciones antropológicas y comunicacionales.

¿Qué se espera de los resultados obtenidos con la investigación?

Esperamos elaborar un texto referencial para todos los seguidores del moviendo cultural del rock, estudiosos de la cultura y la comunicación y de la antropología social. Pero también queremos que ésta historia trascienda y se edite como parte de la historia de nuestro Estado Táchira, de su comportamiento social, intelectual, artístico y que sirva de referencia tanto a los futuros creadores de éste género, como para posteriores estudios.

¿De éste estudio se puede obtener alguna metodología para atender a problemas similares?

De él podemos derivar una metodología que si bien está basada en el periodismo de investigación, debe estar más centrada a los estudios etnográficos y de campo en general, donde podamos ejecutar en la praxis los planteamientos de Bronislaw Malinowski y el posterior perfeccionamiento de Mass Observation, desde el punto de vista del nuevo periodismo de Mark Kramer o Tom Wolfe.

Acercarnos al sujeto de estudio, permanecer en su campo de interés, ganarnos su confianza, entender su comportamiento, sus obras, su percepción de la realidad y de allí poder describir el fenómeno, registrándolo y aportando teorías para su perfeccionamiento como industria.

¿Es viable la investigación?

Es una investigación que siempre fue viable por mis conexiones personales con éste fenómeno cultural, tanto como creador y productor musical, cómo por mi línea de investigación orientada a los Estudios Culturales y de la Comunicación.

MARCO TEÓRICO

Antecedentes del estudio.

Quienes han estudio del Rock en Venezuela, su desarrollo, significado e implicaciones como objeto estético musical en el marco de las industrias comunicacionales; en que año, qué estudiaron, cómo lo estudiaron, qué resultados obtuvieron.

Bases Teóricas

La elaboración del marco teórico en todo proceso de investigación propone integrar junto con las teorías, los enfoques teóricos, estudios y antecedentes relativos al tema que nos atañe.

La naturaleza de la investigación precisa de una minuciosa búsqueda de fuentes que obligan incluso al tratamiento de primera mano. No se ha detectado hasta el momento ningún escrito relativo al tema, específicamente en el Táchira en cuestión, por lo que se presupone un largo trabajo de archivo. La información existente relativa a Venezuela, sus bandas, historia y evolución, será tratada y manejada siguiendo los lineamientos de la investigación.

Analizadas la relevancia y factibilidad del tema de estudio, es preciso sustentar su pertinencia y situarlo en el contexto de la bibliografía nacional. En cuanto a esa revisión nacional Gregorio Montiel Cupello, en su texto El Rock en Venezuela, es la fuente más actualizada y su tratamiento lo realiza de manera histórica.

Señala como desde el año 1953 en los Estados Unidos de América, y de 1955en Venezuela, el rock, heredero de la tradición negra del “rhythm and blues”, expresión típica afroestadounidense a la cual se incorpora la música country blanca, generando un nuevo concepto musical y sonoro, entra en nuestro país influenciado y promovido por las relaciones comerciales con los Estados Unidos, estableciéndose sus primeros puntos de eclosión en Maracaibo, debido al amplio asentamiento de compañías concesionarias de petroleras transnacionales, y generándose los primeros intercambios de discos con los jóvenes estadounidenses radicados en nuestro país, para luego dar paso a las primeras bandas nacionales a partir del año 1959.

En principio la ejecución de versiones, luego las primeras grabaciones, como las de Los Dinámicos y un 45 RPM de Los Zafiros, son el comienzo. A esta insípida industria en nacimiento se unen las radios, las bandas establecidas en otros géneros ejecutan temas de rock pop y al llegar el año 1964, se da su momento más álgido, máxime cuando Los Beatles se imponen como fenómeno mundial.

Programas especializados en la nueva tendencia musical llenan las pantallas y estaciones de radio, es en este punto donde el enfoque comunicacional es decisivo dentro del estudio del fenómeno, pues el estilo juvenil se impone en programas como “Too young” de Radio Cultura y otros pertenecientes al estilo juvenil de Radio Caracas Radio. Anteriormente Venevisión estrena su musical

“Ritmo y Juventud”, y en la televisión se imponen “Club Musical” en Radio Caracas Televisión (RCTV), y el “El Club del Clan” en la entonces cadena Venezolana de Televisión (CVTV, hoy día VTV), constituyéndose en tres puntas de lanza de proyección de esta industria.

Los eventos multitudinarios, acontecimientos que consolidan el movimiento años más tarde, como las Experiencias Psicotomiméticas, o el evento realizado en Maracaibo con sabor a Woodstock denominado 100 días por la paz, se convierten en catalizadores de nuevas influencias, del auge y la caída de la cultura de una nueva Venezuela Hippie, con performances de los Cerebros elásticos y mermeladas de LSD. Hasta estos momentos podemos distinguir dos etapas claras de nuestra industria cultural del rock en Venezuela, la primera, tal cual lo señala Cupello, que comprende su gestación y tiene un punto determinante que va de 1964 a 1967. La segunda, que es categórica en el año 1968 con una serie de happenings musicales, el apoyo institucional del INCIBA, hoy día el CONAC, los aportes de personalidades destacadas como Cappy Donzella, Isaac Chocrón, Iván Loscher, Napoleón Bravo, Cesar Maldonado, William Vallenilla y el hermano menor del Cappy: Alfredo Escalante, quienes trabajan como productores de eventos y promotores de esta nueva industria, es así como desde Radio Capital se convertían en referencia de la nueva cultura juvenil, con este cuadro de locutores que le consolidaron como portento de las air waves.

La tercera etapa, que arranca en 1970 y que llega hasta 1973, se va a constituir en el segundo momento de gloria del capítulo pop-rock. Los cimientos de la cultura hippie — pop — rock que empiezan a gestarse entre 1968–69 eclosionan en esta fase y tenemos entonces a la revista Gente Joven, al programa televisivo

“2001 Juvenil”, conciertos y festivales a granel en toda Venezuela, el premio Escenario Juvenil, Radio Capital en su Zenith y extendiendo su influencia a otras emisoras, obras de teatro que tienen que ver con este fenómeno de la juventud internacional y una nutridísima camada de solistas y bandas. (Cupello, 2004).

Es importante destacar que según los investigadores como Gregorio Montiel Cupello o Felix Allueva, de los residuos de la movida local desarrollada entre 1970–1972, irrumpen tres iniciativas frescas, innovadoras, que dejan de copiar los modelos foráneos, y tratan de conseguir una hibridez entre el color local, los instrumentos folklóricos, el jazz latino y el rock sinfónico. Spiteri, Gerry Weil y Vitas Brener son los encargados de buscar un sonido con personalidad propia. Entre 1973 y 1975 — en medio de una escasa actividad — varios de los músicos se pasaron al jazz fusión. Para fi nales de 1975 muy poco queda según los autores, de todo lo que se había gestado en el pop — rock venezolano; el único que mantiene un éxito es Vitas Brener, quien edita en 1976 La Ofrenda, y hasta 1980 se mantiene como el único exponente, en una época en la cual se mermó la producción del rock venezolano en general.

A partir de la década del 80 el género del metal y el cuero como elemento clave en la indumentaria estética, se apoderan del escenario. Arkangel era el grupo que promovía Alfredo Escalante, locutor clave que promovió la movida del rock desde la Televisora Nacional de Venezuela TVN 5 y luego en el canal 8 con “La Música que sacudió al mundo”, el cual fue el único vehículo de información del acontecer nacional e internacional. La cobertura en medios impresos también bajó, la prensa realizaba sólo pequeñas citas de las actividades relacionadas con esta industria. En la radio las circunstancias habían variado ya que más allá de Caracas 750, Éxitos 1.090 y Radio Capital 710, sólo Radio Difusora Venezuela cambió su programación a sólo rock durante 1982.

En este momento las bandas heavys y sinfónicas eran la materia prima de la producción nacional, distribuidas entre Sonográfica, Sonorodven, TH, Discomoda, Sony Music con cintas y acetatos. Bandas como Arkangel con su metal, Seguridad Nacional con las primeros antecedentes punk, La Misma Gente con su particular sonido urbano, abrieron espacio y fueron influencia para otra etapa y otro escenario en el rock venezolano, el que abre paso a una nueva generación de bandas, producto de la bonanza económica y los nuevos indicadores que nos apuntaban como uno de los tres países en el mundo, junto a Japón y Argentina, en vías de desarrollo.

Bonanza que permite el viaje acelerado de las noticias y las tendencias estético sonoras, que durante 1983 se afianzaron en el punk Europeo, el cual tuvo su auge determinante entre 1979–1981, llegando con casi tres años de retraso, pero con una fuerza que se combina con los ingredientes propios de la nueva urbe de Caracas, del joven citadino caraqueño, muy alejado del Punk inglés.

Según Eugenio Miranda el punk tiene como epicentro el Este de Caracas,en los hijos de las familias de buen vivir y era fácil imaginar porqué, pues ellos podían viajar e impactarse con lo que veían en las calles de Londres, Alemania, Francia o Nueva York, para luego traerlo y reproducirlo en las urbanizaciones del este de la capital, a su manera, de la misma forma irreverente y postindustrial, sembrándose así, y con las minitecas de por medio, las raíces de las bandas contemporáneas más importantes de nuestro país, Zapato 3 y Sentimiento Muerto, pilares fundamentales de este cuarto momento geohistórico denominado por algunos errados sociólogos como Edmundo Chirinos, la revolución de la generación boba. (Miranda, 1999).

La quinta etapa esta más signada por los elementos de la infraestructura de la industria cultural organizada, el midcult convertido en masscult, el underground comercializado y reinstitucionalizado en un mainstream, el cual se apoya en contenidos publicitarios más elaborados, con letras más directas en algunos casos: Amigos Invisibles, Caramelos de Cianuro, etc. Esto se consolida además con la explosión de bandas del interior, de nuevos proyectos institucionalizados en colectivos artísticos como el caso de LAE (Los Andes Electrónicos), o bandas como Dermis Tatú, PAN, Desorden Público, La Muy Bestia Pop, que heredan los frutos musicales y el liderazgo de los héroes de la cuarta etapa.

Así mismo la formación de íconos históricos, héroes del rock and roll local, como el caso de Cayayo Troconis, compositor, multiinstrumentista, productor discográfico y hacedor de espectáculos, quien muere inesperadamente luego de una intensa carrera artística, para convertirse en referente fundamental de nuestra historia musical contemporánea, que junto a otros aspectos reflejan la idiosincrasia del venezolano, su esencia cultural, su evolución conceptual y artística.

Además la institucionalización del rock se impone a través de personas jurídicas como la FNB Fundación Nuevas Bandas, la cual estimula a los noveles creadores, mediante concursos, refleja la historia mediante publicaciones y tributos, difunde la movida local a través de espacios audiovisuales, entrega premios a los mejores exponentes y produce bandas que son exportadas al resto de iberoamérica mediante conciertos como Rock en Ñ.

Para el 6 de Marzo del 2005, el diario El Nacional en su encartado Todo en Domingo N° 283, reduce a 4 las bandas promesas del Rock Venezolano, Todos Santos, Sónica, Billy se fue y Skin, algo limitado, al venirse desarrollando proyectos tan importantes en el interior y la capital como Radio Tigre Internacional, páramosoundsystem, Barbozza, KP 9000, Elektra, entre otros. Tal como lo señala Mercedes Yoyoba en su artículo “Lo que se ve y se oye. Música pop actual”, dentro de este estado de cosas, conviven furiosamente lo nuevo y lo viejo, compiten lo actual y lo retro y las microrrevoluciones sonoras, las tendencias independientes y alternativas que libran pequeñas batallas frente al proceso del mainstream o de los principales argumentos del marketing discográfico internacional.

METODOLOGÍA

Dankhe (1989) y Sampieri (1991) clasifican los tipos de estudio en la investigación en: exploratorios, descriptivos, correlacionales y explicativos. El presente trabajo apunta a ser un estudio exploratorio-descriptivo, pero también documental. Exploratorio porque “examina un tema de investigación poco estudiado o que no ha sido abordado antes”. (Caso Táchira) Descriptivo porque “…busca especificar las principales producciones y movimientos de grupos, solistas o cualquier otro fenómeno cultural musical que sea sometido a análisis”.

Esta investigación pretende hacer un trabajo de seguimiento documental a la evolución del rock venezolano, analizar los escritos de autores destacados como Luis Brito García, Felix Allueva, Ericka Tucker, Gregorio Montiel Cupello, que analizan el desarrollo de el movimiento musical nacional y determinar si su evolución se constituye en un elemento consistente dentro de la determinación de conceptos gerenciales, de legalidad en los derechos de autor, de legitimidad en los objetos culturales, de la dependencia del imperialismo cultural, de la consolidación de una industria. La información bibliográfi ca recabada hasta el presente denota en general, un escaso tratamiento del tema en nuestro Estado Táchira, y en particular un desconocimiento casi total de la existencia de trabajos que analicen la trayectoria de las bandas en San Cristóbal.

Los Registros musicales de las bandas que vienen trabajando en un movimiento del rock local en San Cristóbal y áreas circunvecinas desde la década de los 60, su seguimiento y las entrevistas a diversos exponentes, son necesarios para determinar su impacto cultural y hacer propuestas para su desarrollo en base a los principios de la Reproductibilidad Técnica de Walter Benjamín. En consecuencia se ejecutó un estudio de campo con el propósito de ubicar a las fuentes y sus registros sonoros. Se hará trabajo de gabinete y de campo para culminar en un breve estudio cultural sobre la música, el rock, el pop, el punk, la electrónica, la moda, etc.

Con el propósito de determinar el estado actual del rock en el Táchira Venezuela, se realizarán entrevistas para conocer cuales han sido los principales exponentes hasta la actualidad. Finalmente y en base a todo lo anteriormente expuesto, se hará un análisis para determinar a la luz de las teorías de la Industria Cultural y Sociedad de Masas, leyes actuales, documentos bibliohemerográficos, eventos, festivales, etc.

CAPITULO II

Contracultura de la periferia.

Rock híbrido made in Venezuela.

“ Esto no durará mucho tiempo

esto no durará mucho más creo que no te ayudo

si no te entiendo

el tiempo pasa

y nada sigue igual”.

Sentimiento Muerto: Nada sigue igual

Luís Britto García en su texto “El imperio contracultural: del rock a la postmodernidad”, realiza importantes análisis acerca del rock/pop como fenómeno cultural universal, capaz de transformar las costumbres y configuraciones locales, de hacer trascender estructuras, uniformar aptitudes, etc., pero adolece de una reducción político determinista, ideológica, de lucha de clases, que no debería aplicarse al contenido de lo estético. En este punto es fundamental entender que una parcialidad en este terreno cultural corresponde entonces a una subcultura del rock latinoamericano, donde se establecen elementos intertextuales producto de la interculturalidad, hibridación y capacidad de respuesta integrada, que forma parte de los patrimonios de una industria/sistema, que efectivamente está en proceso de integración y desarrollo, de autorespeto y de reconocimiento mass media.

En Latinoamérica las culturas locales de los 80–90 y 00 se han difundido a través de las letras y composiciones de bandas, que han integrado sus conceptos al imaginario de varias generaciones de fans. Tal como lo expresa la letra de Sentimiento Muerto, ya nada sigue igual… las generaciones cambian y con ellas trascienden nuevos productos culturales que buscan reivindicación ecológica, social, estética, pero no política, ni ideológica, ni revolucionaria como en los 70.

Es acá donde es fundamental la acción de la Cultura de la Publicidad y el Marketing unido a lo Estético, elementos que incluso disfrutan los impulsadores de la Radio Bemba como Manu Chau, en un doble discurso falaz: vendo discos, compro objetos, vivo como un rico pero critico al sistema, amo la revolución.

Otras bandas más sinceras protestan de manera estética y pop, cómo lo haría Warhol, al realizar un teléfono que te comunique con Dios, ejemplo de ello es Soda Stereo, primera banda argentina en exportar a Latinoamérica su rock, después de la represión de las dictaduras militares, sólo se quejan de cómo son interrumpidos “en el momento” por un misil en el placard: crítica a la guerra, crítica a la política, crítica al miedo, aceptación y disfrute de la cultura popular/pop, del sexo en el sistema.

Lo claro es cómo las tendencias del rock y del pop surgen en el marco de un sistema marcado bajo un paradigma cultural ligado a la empresa privada, bajo una privatización neoconservadora y bajo los intereses de las leyes del mercado, el punk por su parte insurge contra la racionalidad alienada, el modo de vida agresivo, la represión del sistema, pero a diferencia del pop, que tiene una firme fe en la posibilidad de crear una nueva civilización, el punk es la filosofía de los desesperados, que no cree en una mejora y ni siquiera en la perduración de la cultura a la cual enfrenta. (Brito: 1991).

El Punk como movimiento de negación en Venezuela surge entre 1982 y 1986, la incipiente escena punk caraqueña fue el lugar de encuentro tanto para bandas como para seguidores, el Boulevard de Sabana Grande fue el sitio, medularmente en la fuente de soda el Gran Café, la calle El Colegio -también conocida como la Vesuviana — y zonas aledañas. Su límite territorial era Chacaito, área de la ciudad frecuentada por los llamados anticristos - simpatizantes del heavy metal -, enemigos acérrimos de los punks. Como movimiento de negación extrema el punk no ofrecía alternativas vitales, el punk emparenta con los cínicos y nihilistas, como movimiento estético combina insólitos elementos de la imaginería simbólica de la cultura a la cual se opone., entronca con el dadaísmo. Es así como por estos predios urbanos y filosóficos deambularon grupos de la talla de Seguridad Nacional, Dead Feeling y 4to Reich.

En el interior algunas bandas del rock regional como los Residuos, en contra de esta filosofía, termina plegándose a un ideología política de izquierda, al gobierno de turno, a la praxis del sistema. Acá es importante determinar que el punk tiene raíces emotivas y sociológicas en lo que Luis Brito García llama el Culto al Monstruo. El ser que se siente alienado y rechazado se identifica emocionalmente con el extrañado por excelencia, el fenómeno teratológico.

Así, el marginado asume la exclusión como parte de su ser y no como impuesta; la incorpora a su identidad, sin dejar de considerarla como humana: extraña humanidad incomunicada por el disfraz. (Brito: 1991).

Acá entendemos como reino oficial del punk a una serie de símbolos contraculturales que buscan, mediante el paseo cotidiano, lo desechado y lo barato, lo gratuito, en lugar de la libido el tánatos, lo vacío, la oposición a la unanimidad del presente: a la cultura oficial. En las calles europeas se apalea los fascistas del Nacional Front y sus opositores de la Liga Antifascista. No violentos a pesar de su brutalidad alegórica, los punks esquivan las golpizas.

En Venezuela sucede lo mismo entre Anticristos y Punk caraqueños, en San Cristóbal entre pavos/ sifrinos y punks asentados a finales de la década del 80 en Barrio Obrero, en el Centro Comercial El Ángel. Los punks que tiene conciencia política son anarquistas o admiran a Trotski, máximo derrotado; en nuestra historia Punk, Los Residuos se plegan al sistema oficial, al Estado.

Soul, blues y jazz, por otra parte, se constituyen en la interculturalidad, la fusión, la mezcla con confl icto, la hibridación y en el caso específi co del jazz en virtuosismo. El Blues se originó en las provincias del sur de los Estados Unidos, evolucionando a partir de músicas tradicionales africanas que llegaron a Norteamérica en el siglo XVIII con el tráfi co de esclavos. Los ritmos, los cánticos y las canciones de trabajo se combinaron con infl uencias europeas e himnos religiosos hasta engendrar una forma musical sumamente expresiva, que constituye la raíz de gran parte de la música actual. En Venezuela Los Memphis, Ladies WC, Love Depresión e incluso proyectos más recientes como Dermis Tatú, Colectivo Proyectil, Cangrejo y Yatu ex Seguridad Nacional, han introducido esta influencia combinada con elementos más locales. En San Cristóbal bandas como La Flor del África, con exquisitos temas como El Blues de Marcela, Antes de la Línea, con Despertares o Accidentes de Carros Naranja con A la hora del té.

Por ello el blues merece capítulo aparte, pues de allí deriva todo, la fusión de África y América, la raíz del rock, de esa infl uencia que precede del curso sinuoso del Mississippi y el de su afluente Yazoo, desde la histórica ciudad de Vicksburg hasta la faulkneriana Oxford, desde Greenville hasta Menphis, desde Greenwood hasta Clarksdale, se extendió a la región denominada Delta, una de las que concentra mayor gente de color de todos los Estados Unidos, son el antecedente de nuestro blues del delta del Orinoco, caraqueño, citadino o andino. Esta zona constituía el fértil corazón agrícola del Estado del Mississipi, amplia alfombra de campos de algodón, constelada de pequeñas y perezosas comunidades rurales, reunidas en torno a una pequeña iglesia bautista de madera, a una oscura taberna de desnuda fachada y a la polvorienta casa de un prestamista. Richard Wright, William Faulkner y Eudora Welty han hecho de esos elementos el fondo y la materia de sus vividas obras narrativas.

Fue en el Delta — y paralelamente, en las tierras agrícolas y boscosas del este de Texas — donde, a caballo entre los siglos XIX y XX, el blues fue cobrando consistencia, a partir de rudimentarios y esporádicos hollers, hasta transformarse en la angustiada queja de los braceros, en una poética y una estructura que le es propia y reconocible, aunque siempre abierta. El blues nacía como alternativa profana del canto religioso de los spirituals (que, en el término de unos pocos decenios, evolucionarían y se urbanizarían hasta llegar a convertirse en los modelos modernos gospel songs), proyectando en sus sencillos y expresivos versos la imagen de la realidad cotidiana del negro, una realidad donde prevalecía el elemento erótico, carnal, dentro de un amplio abanico de situaciones trágicas, tiernas cómicas o conflictivas, pero de la que surgían, a través de una tupida trama de metáforas, dobles sentidos y un tono irónico peculiar, la problemática racial, la miseria el sueño hiperbólico de riquezas, la violencia de la naturaleza y de la sociedad. El blues se escucha en topos aquellos lugares donde existiese la vida social de las comunidades de color, en las calles de las aldeas, en los burdeles, en los mercados, en los bailes de las plantaciones y factorías, así como también en los parties privados, en los carromatos itinerantes de los minstreen shows y de los medicine shows, entre charlatanes y fantasistas, alternándose en una primera época, con otras formas musicales de la tradición negra y blanca.

Toda una cohorte de vigorosos pianistas y, sobre todo, un numerosísimo contingente de cantantes — guitarristas concurrían a interpretar blues, mientras iban configurándolo en lo que paulatinamente se estaba convirtiendo en su estructura estándar: la estrofa de doce compases, con las tres frases melódicas de tónica, subdominante y dominante, y la de ocho compases, más próxima a la balada angloamericana.

Es en este punto fundamental donde debemos acotar que gran parte de toda nuestra música viene de África. Los europeos, tal cual lo señala Jesús Chucho García en su texto Americano Soy, en su Capítulo III, La Diáspora del Eterno Retorno, saquearon durante 500 años al continente africano, se lo repartieron jurídicamente para ajustarlo a las nuevas exigencias del desarrollo. Por ello no entendemos muy bien iniciativas como el Live 8 Live, realizada ahora en Julio del 2005, luego del extraordinario saqueo a África, como por ejemplo fue la extracción del oro y diamantes del sur de este continente, hoy en día a pesar de esto se pretende hacer un concierto sin fines de lucro o recolección para proponer al Grupo de los Ocho condonar las deudas externas de estos nuevos Estados, apenas independizados en el siglo pasado y donde la manipulación llega al punto de reunir gratuitamente a los mismos Pink Floyd. ¿A quien van los derechos de autor y regalías de la grabación audiovisual del mismo, a Bob Geldof?

Y retomando la influencia angloamericana, la posterior incursión de bandas inglesas en nuestros mercados del disco regional es determinante, el influjo The Cure y Police en una de las primeras propuestas estético conceptuales de rock local: Tiempo Zero, quien también tuvo influencias importantes del blues y el rock, como de los new romantics, tan coherentes y bien estructuradas que llevarían a Rafael Giordanelli a fundar durante la década del 90 el primer y único estudio idóneo para la grabación de música contemporánea en San Cristóbal: El Estudio, que lamentablemente demolió al igual que su carrera muscial. Las influencias son múltiples, como la de los Tears for fears de los new romantics, Al Di Meola o Pat Metheny o Simón Díaz en Ronald Miquelerena de la Flor del África, o todo el rock argentino de Spinetta o Pink Floyd en la música de Walter Trujillo de Antes de la Línea.

Por otro costado tendencias como el dark de los 80 ejercieron una influencia considerable en las agrupaciones caraqueñas, tal cual lo expresa Fernando Batoni en el texto de Luís Bonilla Molina, donde interpreta el movimiento dark como aquel que ha infl uenciado en gran medida a Zapato 3. “Dark es oscuridad,… es sombra… un movimiento oscuro, de personajes de repente un poco siniestros, vampirescos, que hacían del culto a una gran película de vampirismo y a películas…todas de vampirismo. Bandas que le vendían su alma un poco al más allá;…cuyo canto era nostálgico, desesperado, de angustia. Música un poco tétrica…un poco angustiosa, con muy buenas armonías de guitarra, instrumentistas muy sencillos, que no eran grandes ejecutantes. Bandas que se armaban rápidamente pero con una puesta en escena muy teatral…velas,…luces oscuras, rojas, azules, proyecciones en cine…una cuestión que salió también mucho de las escuelas de arte y de cine en Inglaterra… acompañando la parte musical de la parte visual.” (Molina 2004).

La influencia del centro cultural y tecnológico británico también es fundamental, desde Bristol la infl uencia de Massive Attack se siente en proyectos de reciente data como La muy Bestia Pop. Con la llegada de los primeros samplers a Caracas Alejandro Loero “Chofa” en la guitarra y la voz y Edward Marshall en la bajo y la voz, confeccionaron en 1992 un proyecto al que se adhiere Carlos Schudeck en la batería y percusión Y Wyzton Borrero en los teclados y programación. Sus determinaciones sonoras se ampararon inicialmente en la combinación de rock industrial, música electrónica y algunos coqueteos con el punk y el hardcore. Acá observamos de nuevo la infl uencia del centro cultural anglosajón, es el estigma ineludible, pero posteriormente se acercaron al rap y a la salsa. Inclusive componen en el año 1995 el tema “Llave”, el cual es un testimonio de la evolución de la banda después del lanzamiento de su opera prima, pues incluye fragmentos de la canción “Maestra Vida” de Rubén Blades.

Es acá donde vemos como se da un proceso de interculturalidad sonora, donde el centro es buscado para conocer el proceso de manejo de las nuevas tecnologías aplicadas a la música, pero luego en nuestra periferia encontramos el ritmo idóneo y el proceso culmina con un producto absolutamente original y nuevo, que sorprende al mismo centro.

½ Hora Nacional.

Un taller, el Dj Muu Blanco encargado de un esmeril, el rodaje de un video asociado a la santería, la proyección de diapositivas sobre la anatomía del cuerpo humano, y un conato de pelea — justo en el desarrollo del cover de Nirvana “Territorial pissings” fue la puesta en escena en la que la Muy Bestia Pop (nombre inspirado en la canción “La Bestia Pop” de los argentinos Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota) desplegó su performance en la tercera Muestra de Nuevas Bandas. El literario y activista político Noam Chomsky dijo en alguna ocasión: “la máquina nos hará libres”… y así lo fue a lo largo de 45 minutos de show. Como antecedente de producción tenemos en 1994 la publicación de su trabajo debut titulado Deux ex Machina producido por el músico electrónico Miguel Ángel Noya. Amalgamaron una serie de argumentos sonoros que giraron en torno a un rock industrial venezolano. (Venezuela Pop and Rock Vol. 2)

En nuestro estado Táchira múltiples proyectos son fusión de electrónica con otras tendencias de esta línea de montaje: Tha Chewbacca Project, Death Abstein and the genius machine, páramosoundsystem u Organika entre otros.

Pero el crudo Rock and roll, el tradicional, más nortamericano se vino con Dermis Tatu y La Calle, crudo, áspero, bizarro, el primero como ya comentamos anteriormente con una tendencia más groove, el segundo más heavy; el primero llevó a girar al precursor local Cayayo Troconis a San Francisco, Los Ángeles, Buenos Aires, Bogotá, Londres; el segundo fue de carácter más local.

Es así como en 1993, José Echezuría “Pingüino”, ex compañero de guitarras de Cayayo en Sentimiento Muerto, junto a Miguel Toro (ex el quinto Combo) en la batería, Ángel Guanchez (ex Las Salchichas Asesinas) en el bajo y Ricardo Anthés ex (Fulano de Tal) en la voz esbozaron esta agrupación La Calle, hermana de sangre de los Tatú. Su tónica sonora se orientó más hacia el hard rock. En 1994, en la cuarta Muestra del Nuevas Bandas, se convirtió en la primera agrupación en ganar el evento -desde ese año adquirió un carácter competitivo- . Fue polémico el resultado puesto que, durante su intervención, contaron con un invitado de primera factura: Cayayo Troconis en algunas guitarras. Público y medios de comunicación pensaron que eso pudo haber influido en el resultado. Concursaron un miércoles y el domingo, luego del veredicto, acompañaron a Dermis Tatú en la Plaza de Los Museos (Caracas).

El negro y la densidad distinguieron sus escasos pero exclusivos recitales. En 1995, La Calle editó su ópera prima, de manera independiente, titulada A.T.C. En el transcurso de 1997 el cuarteto le dijo adiós a los escenarios, inmediatamente Echezuría integró Pacífica, Toro ingresó a PAN, Guanchez en Danza Mecánica y Anthés, una de las mejores voces de la época, incursionó en algunos proyectos periodísticos y radiales.

En los 90 San Cristóbal también se llena de rock and roll, Experiencia Kuriaira fue uno de los proyectos con dosis Hard Rock más destacado, con músicos de gran trayectoria en bandas de los 80 como la Flor de África y Antes de la Línea, como es el caso de Greys Hernández, Frank Mota Junior de G8, Juan Carlos Figueredo y Peribeco, consagrados exponentes de la percusión local. La fusión con la salsa y el hard rock de Experiencia Kuriara en alguno de sus temas tiene una resonancia mórfica en bandas caraqueñas como Bacalao Men, Sontizón y Colectivo Proyectil e incluso en algunos temas de PAN. Esto nos indica como la propuesta se nutrió, de acuerdo a lo expresado por sus integrantes, de la infl uencia de Dermis, banda que afecta a todo el movimiento musical de los próximos años, tanto para el centro/Caracas, como para la periferia/interior/San Cristóbal.

José Antonio Blanco alias Dj Muu Blanco o Dr. Muu, cuyo nombre es parte de las artes plásticas y musicales de nuestro país, muestra en su espacio televisivo “½ Hora Nacional”, los distintos videos que son parte de esta nueva generación de bandas de fusión electrónica y música mestiza. Su logo es una arepa, nada más venezolano que este recurso gastronómico. Su temática: el rock hecho en casa.

Es en este punto donde debemos hacer énfasis en la comunión necesaria entre los mass media y el fenómeno estético y artístico del rock, que es respuesta cultural y tecnológica de una generación y que debe ser producida y reproducida en el marco de una nueva industria.

Gerencia Cultural del Rock. FNB ruido sónico desde la periferia.

El proceso cultural tradicional ha sido desplazado por un mayor número de participantes, se ha diversifi cado y ha cambiado el monopolio de pequeña cúpulas gerenciales por el desarrollo de nuevas prácticas enmarcadas en la calidad cultural, dentro del rock los sellos independientes son parte de esta historia. Buscando mejorar su apropiación, su producción e incluso su difusión convirtiéndola en una diversidad de actitudes. Se sustituyen los tradicionales lazos creador — productor — consumidor, dando lugar a una diversifi cación de la cultura (cultura popular, cultura de masas, etc). A lo anterior debemos agregar que la cultura no es ya sólo una acumulación de obras y de conocimientos producidos por una minoría, recogidos y conservados para ponerlos al alcance de todos, o que un pueblo rico en pasado o en patrimonio ofrece a otros pueblos como modelo del que le habría privado su historia. La cultura no se limita al acceso a las obras de arte y a las humanidades: es al mismo tiempo adquisición de conocimientos, exigencia de un modo de vida y necesidad de comunicación. No es un territorio para conquistarse o poseerse sino una esfera que es necesario democratizar, poner en marcha. De allí que hoy en día hablemos de “La Cultura Democratízante y/o La Democratización de la Cultura”.

Por amplia que sea la creencia en que algunos tipos de cultura son mejores que otros y que más vale una cultura cualquiera que ninguna, no es fácil acordar criterios para realizar las necesarias distinciones, por lo que abordar cuestiones específicas y pruebas empíricas resulta aún más difícil. En general los criterios de calidad cultural no se aplican al contenido informativo (aunque puede aplicarse), sino a la ficción, el entretenimiento y la publicidad (esto es, la mayor parte de los temas que ocupan a los medios de comunicación de masas).

Es posible mencionar algunas expectativas normativas comunes acerca de la calidad cultural en el rock, evitando las cuestiones que pueden tratarse mejor bajo el encabezamiento “orden”. Una expectativa reside en que la cultura debiera presentar una calidad y autenticidad, es decir, que debiera refl ejar y extender la experiencia y ser fi el a las condiciones sociales de la comunidad en la que se produce y que la percibe. Una segunda expectativa común es de profundidad y originalidad, al menos en intención de las bandas. En tercer lugar, la cultura musical comunicativa no debiera tratar de manipular a las audiencias con fines que respondan al interés de las disqueras. En cuarto lugar, como sostiene la Teoría Crítica de la Escuela de Frankfort, entre otros, la cultura musical debiera resultar perturbadora para los modos de pensar establecidos. Estos requisitos no son fáciles de aplicar de una manera sistemática u objetiva, e incorporan valores culturales tradicionales o críticas comunes dirigidas a la cultura del rock inserta en la cultura de masas. En principio, los juicios pueden hacerse con respecto al contenido, comparando lo que se ofrece con la “realidad”, pero no es fácil evaluar la autenticidad, la profundidad y la originalidad, y los juicios cualitativos tal vez tengan que tener en cuenta la experiencia de la audiencia, que no se puede predecir, sin más, por el contenido. (Schroder 1987).

En la evolución empírica del rock latino, de su calidad cultural en las entregas a los medios de comunicación, lo anterior es un hecho común pero fi able, tal es el caso de evaluar indicadores entre el grado de producción propia (nacional versus importada), la presencia o no de elementos acreditados de tradiciones culturales establecidas (por ejemplo, la música clásica) o el equilibrio entre contenido fantástico y real. Las evoluciones de la calidad cultural pueden hacerse o bien por comparaciones entre canales, o bien a lo largo del tiempo, o gracias al establecimiento de algún modelo arbitrario de rendimiento aceptable. Una última expectativa que cabe mencionar para la industria musical contemporánea es que los medios de comunicación, cuando actúan como canales de cultura e información, ejemplo Mtv, no debieran distorsionar indebidamente el mensaje original con el inoportuno flujo de la “lógica de los medios de comunicación” aplicados a la obra de arte, al objeto estético sonoro. Esta advertencia alude a la conquista de la atención, la estimulación inmediata, la subordinación del significado a los requisitos de presentación, etc. Este problema se identificó originariamente en la literatura de investigación como un problema de sensacionalismo y efecticismo (Tannenbaum y Linch, 1960), pero tiende a formularse en términos de impacto de las formas de entretenimiento y su equilibrio con la verdadera industria cultural musical urbana. (Dominick 1975).

Desde hace más de una quince años, y como ejemplo de gerencia y calidad cultural, el Festival Nuevas Bandas (FNB) y su fundación homónima han venido promoviendo, registrando e institucionalizando la movida del rock nacional. Felix Allueva como presidente, con algunos colaboradores invisibles entre quienes se encuentran el ya mencionado Montiel Cupello, Yumber Vera, Marianela Vargas, Vicente Corostola, Lorna Hevia, Gelson Briceño y otros que han integrado al interior del país, tal es el caso de Carlos Eduardo Hernández, Ramón Alí Mogollón, Waldir Barranco, (los dos últimos fuimos los iniciadores de los Circuito Nuevas Bandas y Festival Nuevas Bandas Los Andes), en Táchira y Mérida respectivamente, logrando consolidar quince Festivales Nuevas Bandas, nueve Alma Mater e Intercolegiales de Rock, 20 discos y cinco libros, cristalizando una institución de reconocida difusión regional e internacional.

Los enlaces de la FNB con Rock en Ñ en España, Rock al Parque en Bogotá, la edición de trabajos históricos como Grabaciones Olvidadas son puntos a su favor, pero tres lustros se han constituido en un período de tiempo lo suficientemente largo como para evaluar logros, comenzar reestructuraciones y trazar líneas directrices que continúen el desarrollo de cualquier institución.

Respecto a los aciertos y limitaciones gerenciales de las iniciativas propuestas por la FNB, hay opiniones diversas: “Todo este movimiento desembocaría, adentrados los 90 (1994), en la emblemática FNB, que va a ser vital para el desarrollo del rock a la venezolana gracias a los conciertos, Los Premios Venezuela Pop and Rock, libros, discos, homenajes especiales y otras actividades. Esa ha sido su labor, la importancia de esa organización”, afirma Montiel Cupello. (Linares 2005).

Eric Colón, periodista y director de la publicación D-Mente — además de creador de la agrupación roquera Los Cacri, quien participó del FNB en su cuarta edición, en entrevista al diario El Nacional disiente en algunos aspectos: “Creo que se le puede reconocer a la fundación el haber creado un núcleo en torno a la movida de la música nacional: ahora hay un eje. Sin embargo, es una cosa monstruosa, que padece mucho de los males que aquejan a las instituciones en Venezuela y el Tercer Mundo. Ahí está la enorme concentración de poder en manos de una sola persona, esto se nota en el criterio para seleccionar las bandas, por ejemplo. Es muy propio de la identidad nacional y de la que somos, creo que la FNB es bastante autóctona en este aspecto”. (Linares 2005).

Por otra parte Luis Laya en el ejemplar N ° 2 de la revista Venezuela Pop and Rock resume el devenir de la Fundación Nuevas Bandas como un proyecto temerario, el cual se había iniciado con incierta permanencia en la escena local, bajo el nombre de “Los Insurgentes”, convirtiéndose al paso de los años en un encuentro más organizado y en pos de representatividad. De esta manera ya sea como compendio de pequeños recitales que aglutinaban raros exponentes de esa movida que quería asomar la cabeza entre las cenizas dejadas por el “Rock Nacional”, o bien como palestra de una nueva generación de músicos, el Festival, denominado en sus primeras ediciones Muestra de Nuevas Bandas, se proyecta hasta el año 1994 y hereda un cambio nombre, un nuevo formato, se anuncia una in{edita contienda y un feliz ganador.

Esto ocurre como resultado de lo acontecido entre 1989 y 1990 cuando funcionaron “Los Insurgentes” movimiento que funcionó como un eslabón perdido entre el movimiento de nuevas bandas que hoy florece y un inconexo cúmulo de precursores de las décadas precedentes. Es el 14 de mayo de 1991 en la Casa Rómulo Gallegos cuando se abre fuegos de una manera articulada, se dispara la primera bala de cañón de una escena que disfrutamos hoy, en vías de consolidación y con un nivel de convocatoria más que satisfactorio, hasta el punto de que algunos de sus representantes gozan del status de masivos, como es el caso de Los Amigos Invisibles y Caramelos de Cianuro.

En pleno 2005, Mochuelo, banda de trip hop de Valencia (ex cuna del metal), es la ganadora del décimo quinto Festival Nuevas Bandas, 15 Primaveras de la FNB y aún falta más: gente, bandas, más fusiones e hibridaciones y más trabajo. La FNB es el único ejemplo de gerencia cultural, de proyección internacional de la industria del rock local, es la única institución o persona jurídica que fundamentada en un paradigma basado en el mecenazgo liberal, con agentes de la empresa privada y con un modo de configuración basado en la distribución de la alta cultura popular, la identidad nacional intercultural, el patrimonio del neo folklore, se convierte en una reproducción latinoamericana del sistema la cual funciona bajo la lógica del mercado.

El Blues local.

Del blues como expresión surge todo, de esa escala pentatónica maravillosa, de esos cuatro, ocho o doce compases de estructura sencilla, con ritmos sincopados de temática diversa. Como ya habíamos mencionado de El blues nace, principalmente, en las plantaciones de algodón del sur de Estados Unidos, los esclavos traídos de África cantaban para drenar su dolor y opresión, así como el cambio cultural y geográfico. Interpretaban los llamados hollers, worksongs o “canciones de trabajo” que más tarde se convertiría en todo un género musical, el Blues. Estas “canciones de trabajo” cumplían varios objetivos, como transmitirse mensajes secretos entre ellos o intentar aplacar el dolor y el sufrimiento que suponía trabajar en las plantaciones de algodón o en la construcción de carreteras y ferrocarriles.

El blues prácticamente hablaba sobre los infortunios del compositor, muchas de las primeras letras eran muy realistas, lo cual contrastaba con la música de la época. Hacia el 1908, aproximadamente, el blues comenzó a sonar en New Orleans interpretado, obviamente, por bandas blancas. Por estas mismas fechas, W.C. Handy, tomó el blues y lo hizo respetable, pues el estudiado músico y compositor, se aferró a él, y lo popularizó de tal forma que hoy se le conoce como uno de los “padres del blues”. Handy fue uno de los primeros en transcribir y en orquestar blues como si fuese una sinfonía, con grandes bandas y cantantes. Hacia el 1917–20, el blues era ya una realidad en todo EEUU, ya formaba parte de la música popular norteamericana, y con el crecimiento de la industria, también hubo crecimiento de intérpretes tales como Blind Lemon Jefferson y Blind Blake, quienes grabaron para Paramount, entre otros.

Hacia el 1940–50, el nacimiento de los instrumentos eléctricos, las ciudades como Chicago, Detroit y Kansas, eran populares por su blues, y artistas como Howlin’ Wolf, Muddy Waters, Jimmy Reed, Little Walter y John Lee Hooker se convirtieron en inmortales.

El Blues fue el género musical más influyentes en la música rock. De allí que el rock herede su irreverencia y su carácter contestatario. Grandes bandas y solistas como Led Zeppelin, Cream, Eric Clapton, Jimi Hendrix, Ten Years After, Janis Joplin -entre otros- basaban la raíz de su música en el blues.

En nuestro país son pocas las agrupaciones que han dedicado su música casi de forma exclusiva a este género musical y entre esas pocas bandas se pueden mencionar a Pastel de Gente y La Soto Blues Band. Esta última agrupación se forma en 1994 estuvo de visita en San Cristóbal, gracias a la invitación del desaparecido amigo y músico Javier Burchi. La misma está integrada por Eduardo Soto (armónica), Cecilio Perozzi (guitarra), Alexis Escalona (bajo), Victorino “Kasino” González (batería) y Lesbia Mayorca (voz). En 1995 ganan el II Festival de Jazz de Maracay y es la banda revelación del II Festival de Jazz de Trujillo.

Esta banda es la más trascendente en el estilo blues a nivel nacional, pues para el año 2000 han editado varios discos, teniendo una nueva formación integrada por su líder Eduardo Soto junto con José Ángel Regnault (guitarra), Miguel Ángel Blanco (bajo), Héctor Didonna (teclados), Elio Fernández (batería) y Alexis Peña (voz). Es una banda relativamente nueva que se ha dedicado a interpretar el llamado “blues eléctrico de Chicago”. Su primera placa se tituló Total Blues Fusion (2001), donde presentan una serie de versiones de clásicos del blues, versiones que muestran el toque original que le imprimen los miembros de la agrupación y donde dejan entrever las infl uencias de pioneros del blues eléctrico como Muddy Waters, Elmore James, B.B. King; así como de los grandes del blues rock como Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan.

Recientemente han fi rmado con el sello discográfi co Musical Mind para la edición de su segundo trabajo discográfi co. Además de su álbum Total Blues Fusion, en el álbum recopilatorio Blues desde el Sur Profundo (2003) participan con dos temas grabados en vivo: Big boss man y Mr. Blues del año 1997.

En San Cristóbal la infl uencia del blues ha sido determinante y el mismo Carlos Eduardo Arellano, para nosotros el mejor guitarrista de blues y jazz, a quien realizamos una entrevista en el capitulo precedente, ha participado con estos músicos caraqueños en más de una oportunidad, en conciertos y giras nacionales y locales con la Soto Blues Band. El mismo Carlos Eduardo ha grabado Blues maravillosos como: Tepuy Blues, un jazzpick blues extraordinario, o Smooth Blues. Por otra parte La Flor del África con la preclaridad de Ronald Miquelerana edito en una grabación el tema El Blues de Marcela, un blues con una fuerza poética extraordinaria, dedicado precisamente al amor. Así mismo Frank Mota Jr. y Oliver Carmona, tanto en Oliverio y la que Vuela como en los Jammings locales han sabido ser deudores y estudiosos del género.

Versiones vs. Rock.

Es realmente inconcebible que a pesar de la calidad del movimiento expresado en los anteriores postulados existan bandas que sigan copiando, imitando y versionando, algunos con el pretexto del lucro, otras por la falta de creatividad. Lo cierto es que lo anterior perjudica profundamente al desarrollo de la industria, si bien en un principio sirvió de referencia, hoy es inadmisible que se confi squen los espacios, que por cierto son muy escasos, a las bandas con temas y creaciones conceptuales y musicales propias, originales, inéditas e incluso de vanguardia.

En San Cristóbal varias han sido las bandas que lamentablemente han contribuido a esta situación, entre otras: Brecovia, Cielo Líquido, Oliverio y la que vuela, e incluso Antes de la Línea, poniéndose de manifi esto que Walter Trujillo era el compositor y creador de temas, como Furia sin calma, Canción del recuerdo, Cambiando de alma cambiando de piel, El Bosque, etc.

Extrañamos entonces estas interpretaciones, no concebimos a una banda con temas tan trascendentes como Antes de la Línea ejecutando versiones en pleno 2005.

Incluso se han presentado casos de bandas de este tipo que han participado con versiones en audiciones para eventos de agrupaciones extranjeras, esto es inaudito, cuando la Asociación de Músicos del Estado, los reglamentos locales y la Ley de Responsabilidad Social en Radio y Televisión, de manera expresa defienden la producción local, el ingenio creador y el prototipo conceptual inédito. Ni siquiera como teloneros se respetan los espacios. El cambio debe producirse en el seno de las bandas, con un renacer de las productoras, de los espacios alternativos transgresores del stablishment, de la creación de festivales, encuentros, y de la planificación de buenos eventos que muestren artistas foráneos, no por snobismo o moda o como refritos de hace varios años, más bien orientados a la renovación de la estética del objeto musical contemporáneo, espectáculos que puedan dejar una influencia en nuestros músicos, managers, reproductores de los mass media y sponsors de eventos… y no seguir: haciendo la parodia del artista… Fito Páez.

Crisis y Vanguardia artística: “peace and love”.

Según el texto de J.A. García Martínez Crisis y Revolución en el Arte de hoy, la idea de crisis corresponde a las transformaciones de la sensibilidad artística y es puramente generacional. El concepto de revolución supone la existencia de un cambio total que llega a los fundamentos y a la estructura del arte contemporáneo. La presencia de crisis pone de relieve las fisuras que producen y que determinarán, a la postre, el gran cambio que está viviendo nuestro tiempo. Se desploma el edifi cio de Occidente y lo que, en última instancia, se cuestiona es el concepto de realidad tal como se plantea desde el siglo XIII. Es decir, la base misma del arte en el mundo moderno. (Martínez 1976).

Los Beatles masificaron el cambio de paradigma generacional a través de su música, esbozado por una propuesta estética de protesta que surgió del seno de la sociedad obrera inglesa, de las ideas que llegaron a través de los marinos de los puertos norteamericanos, que fueron reacción al problema de la existencia, la crisis de la postguerra y la integración al sistema. El vestuario, la afirmación por lo natural, la búsqueda de nuevos dioses, doctrinas, maneras de ver el mundo, de reencantarse a través de una contracultura juvenil que enfatizó lo vivencial por encima de lo teórico, con un carácter ritual determinado por la edad, el fenómeno Hippie fue ante todo una expresión de adolescentes.

Los Beatles estaban formado por cuatro jóvenes de Liverpool: John Winston Lennon (1940–1981), como guitarra rítmica; Richard Starkey (1940), más conocido con el nombre de Ringo Starr, como batería; James Paul McCartney (1942), como bajista; y George Harrison (1943), como guitarra solista. El grupo fue creado a finales de la década de 1950 por Lennon, con el nombre de The Quarrymen, al que posteriormente ingresaron Paul McCartney y, a instancias de este último, George Harrison. El puesto de batería constituyó siempre una fuente de problemas hasta que recayó definitivamente en Ringo Starr en octubre de 1962, en vísperas de la primera sesión de grabación del grupo. El conjunto era uno más entre los múltiples grupos que surgieron en Liverpool, ciudad portuaria a la que llegaban los ecos del rock and roll estadounidense de mediados de la década de los años cincuenta. En efecto, lo que The Beatles hacía en sus inicios era su propia interpretación de la música que realizaban figuras como Elvis Presley,

Chuck Berry, Little Richard, Carl Perkins, Fats Domino y otros pioneros de este tipo de música. En el año 1960 el grupo marchó a Hamburgo, contratado para tocar en locales nocturnos de esta ciudad. Ese periodo resultó fundamental para la banda. Cuando regresaron de nuevo a Inglaterra ya habían alcanzado su madurez personal y musical. Comenzaron a gozar de gran popularidad en la zona del Mersey, aunque no conseguían firmar un contrato con una casa discográfica. Por fin, y cuando se encontraban en una situación desesperada, lograron firmar un contrato gracias a George Martin, productor con formación de música clásica y personaje fundamental en la posterior carrera del conjunto Sus primeras grabaciones consistieron fundamentalmente en el repertorio que tocaban en directo, esto es, rhythm and blues y rock and roll. Pero a su vez empezaron a componer sus propias canciones, en las que destacaba la parte vocal. La fama del grupo creció y rebasó las fronteras de su región natal para alcanzar en el año 1963 dimensiones nacionales, dando origen al fenómeno conocido como beatlemanía, que en 1964 alcanzó de forma espectacular a Estados Unidos con ocasión de la primera gira que hicieron por ese país.

Varios autores relatan esta nueva travesía concebida en la crisis, que tuvo una banda sonora ilimitada, Margaret Randall en “Los hippies: expresión de una crisis; Michel Lancelot: “Los hippies”; Edgar Morin:”Diario de California”; Theodore Roszack:”El Nacimiento de una contracultura”, Jeff Nuttal:”Las culturas de Postguerra” B.M. Scoutt y S.M. Lyman:”La Rebelión de los Estudiantes”; donde se hace alusión a los diversos ritos improvisados para este ritual, el cual comenzó con el abandono masivo de los hogares, el peregrinaje, narrado de manera extraordinaria en la obra literaria del beatnicks “On The Road”, de Jack Keruac. Un ejemplo de esta vanguardia cultural se pone de manifi esto el 6 de Octubre de 1966, en el Golden Gate Park de San Francisco veintiocho mil jóvenes adeptos de la contracultura realizaron el primer love in, es decir, la primera reunión de amor entre seres humanos.

Desde entonces menudearon los encuentros de multitudes juveniles reunidas por un interés o una actividad común: los be — in. En un plano más reducido, se inició un movimiento de comunas que intentó dotar las bases económicas a las asociaciones de la contracultura y ensayar nuevos tipos de familia.

Pequeñas granjas o talleres artesanales crecieron al margen del gran sistema industrial norteamericano. (Brito 1996).

Cotidianamente y en las más diversas instancias comunicacionales (la calle, el trabajo, la escuela, la televisión, Internet), se producen las mediaciones urbanas, donde personas y grupos con percepciones, concepciones y significaciones diversas entran en contacto, dialogan, discuten, se entienden o no, negocian o no, se ponen de acuerdo o no. Las primeras interacciones sociales del rock surgieron en las calles, en las ciudades como espacios culturales e interculturales que desarrollan hasta hoy, inicios del siglo XX, redes de servicios comunicaionales, determinados por la denominada trama urbana.

Al finalizar este siglo, el movimiento rock es una muestra de la relación de inversión alternativa de los valores, como consecuencia del caos de las redes de servicio, las cuales van determinando a las tramas urbanas, haciéndolas perder coherencia y continuidad en algunos casos; lo cual apunta a una filosofía orientada a la naturaleza, donde lo exterior debe formar parte de lo interior, donde el equilibrio ecológico es parte fundamental del hombre, donde la expresión del arte nace de lo rural, lo artístico, lo cotidiano, lo nuevo.

En San Cristóbal la Plaza de los Mangos resultó un espacio alterno para la reunión de la música y el pensamiento joven de la década de los 70 tal cómo lo relata Hender Contreras, afamado sonidista y director radial. Además El Festival de Música Contemporánea es otro espacio que como Festival Antitaurino, organizado por Rafael Giordanelli. Iván Méndez con Antes de la Línea participó en un Concierto en Cúcuta de bandas binacionales a inicios de los 90 y el famoso concierto Salvemos el Planeta, organizado por el locutor Omar Labrador y RSC (Radio San Cristóbal 1060 AM), dio cita por una causa ecológica a un gran número de bandas. Estas son algunas muestras de estas concentraciones en nuevos puntos de encuentro, con nuevos destinos e ideas que nacen de lo musical y llegan a lo espacial.

Nuevos estudios de un fenómeno viejo.

Por otra parte los primeros pasos en los estudios sobre música popular fueron realizados por sociólogos antes que por musicólogos. Una referencia en este sentido es “Rock and Sexuality”, de Simon Frith y Angela McRobbie (1978), artículo que suscitó un gran número de críticas y polémicas, así en la obra se afirma que el mensaje sexual del rock se refi ere concretamente al contexto de las subculturas, y en él formula su teoría sobre la “ideología del romance en el rock”. Simon Frith además en el artículo sobre “La constitución de la música rock como industria transnacional”, nos propone que “la constitución de la música rock como una industria transnacional ha dado también lugar a la constitución de una industria musical transnacional según las leyes del rock”.

En este sentido, el autor británico sostiene que el rock ya no puede ser definido como un estilo musical en sí mismo, ni como una especie de ideología juvenil, sino que el rock es el término con el que han sido entendidos los procesos de producción musical transnacional contemporáneos.

Así, por ejemplo, lo que se conoce como World Music “está hecho en condiciones locales, utilizando recursos locales, pero con una comprensión del “oído” internacional, con un entendimiento del universo de sonido subyacente, dentro del cual debe ser expresada la “diferencia” si es que quiere ser escuchada. Y el rock se ha convertido en el gancho para este oído, para este universo. El rock describe menos un estilo musical (o un contenido) que un valor auditivo…”. Pero si esto puede entusiasmar a los rockeros por la capacidad hegemónica que “su” música parece haber adquirido, Frith es muy crítico acerca del futuro de una música popular hegemonizada por el sonido rockero, porque si antes hablar de rock “significaba referirse a una forma musical que se había comprometido con el futuro … hoy parece describir una forma (y una industria) que se ha hundido en su propio pasado … [de ahí que] el rock ya no será el mejor vehículo para dirigir lo que suceda en la música, en la tecnología y en el cambio”.

Frith está describiendo muy bien lo que acontece en los países del primer mundo, pero sus análisis deberían ser modificados cuando se hace referencia a la música de rock de países periféricos como, por ejemplo, Venezuela, Colombia México, Chile, Perú o Argentina.) ¿Cómo entender si no lo que acontece con las bandas del “rock chabón” (un rock producido y consumido por los jóvenes mal ocupados y desocupados del neoliberalismo menemista) que van a grabar sus discos a Los Ángeles, Nueva York o Londres? Si por un lado estos conjuntos rockeros argentinos caen como anillo al dedo a la afirmación de Frith de que “World Music es claramente defi nida aquí como una música portadora de un sentido de la “diferencia” local al “competir” en el mercado internacional. Lo mismo sucede con los proyectos del Hip Hop que nacen de los barrios caraqueños y luego son exportados como parte de la banda sonora de una película internacional, o el rock crudo venezolano exportado a los bares de San Francisco por los Dermis Tatú. Sus sonidos individuales pueden, por lo tanto, evocan lugares o comunidades del Tercer Mundo, pero la calidad de su sonido proviene de los estudios de grabación del Primer Mundo metropolitano. Con esto quiero decir que en algunos países periféricos, el contenido ideológico del rock sigue siendo central, mucho más de lo que Frith parece reconocer al rock internacional.

Reproductibilidad técnica e Industrias Culturales de la música Rock.

Lo cultural no esta asociado al mercado ni a la rentabilidad como tal, más bien a la reproductibilidad y de aquí nos remitimos al discurso propuesto por Walter Benjamín en su tesis sobre La Reproductibilidad Técnica en donde la cultura de las sociedades capitalistas del siglo XX se distinguen de todas las formas artísticas previas, y posee un contenido colectivo potencialmente progresista.

Al mismo tiempo, sin embargo, ese contenido aprisionado dentro del fetichismo de la mercancía, que aísla la experiencia del trabajo de una apreciación de los procesos sociales a través de los cuales es producida, recibida y transmitida a las generaciones futuras. Desarrolló la idea del autor como “productor”, siguiendo el modelo del análisis de Marx del proceso del trabajo. (Benjamín, 1934).

De esta manera Walter Benjamín es el precursor de la postura que se rehúsa a considerar la mercancía como reino de la falsa conciencia. En su lugar, intentó su “redención dialéctica” como forma de conciencia histórica, buscando, a través de su carácter fetiche, el acceso de una nueva forma (alegórica) de la experiencia de la historia como totalidad acabada. Al combinar Walter Benjamín, el rechazo a considerar la mercancía como mera falsa conciencia con un interés en su carácter de representación y objeto de fantasía, Benjamín anticipó, según algunos autores, de la actitud afirmativa respecto de la mercantilización característica de la Posmodernidad.

Sin embargo, es importante distinguir el concepto marxista de Benjamín de fantasmagoría (la interpretación del mundo de las mercancías como mundo de la ensoñación), de las nociones de Baudrillard de simulación e hiperrealidad, dado que Benjamín no dejó de estar comprometido en una concepción metafísica de la objetividad de la verdad.

En nuestro país, y en relación al rock actual, hay una tendencia generalizada a que los medios, si bien han aumentado el centimetraje en cuanto a las noticias que proyecta nuestra industria cultural del rock, no conceden suficiente o un amplio espacio a la información de este tipo de movimientos urbanos undergraund provenientes del interior, para ellos la única información importante es la que surge en la capital. Ciertamente, en la capital se desconocen las actividades culturales y musicales que se originan y realizan en la provincia, aunque en esta última el movimiento sea bastante dinámico.

Aparece el fenómeno de la centralización, que de hecho se produce paralelamente a la asignación de recursos destinados por el Estado al sector cultural, los eventos masivos, contrataciones de las compañías discográficas, etc. La cultura del rock nacional está colocada en un terreno poco competitivo en los distintos medios de comunicación social donde posee un carácter poco noticioso, escasa especialización de esta fuente si la comparamos con las distintas áreas musicales foráneas que cubren los medios. A lo anterior le podemos sumar la falta de investigación del hecho cultural del rock latinoamericano y venezolano, que trae como consecuencia el predominio de géneros foráneos, la difusión de artistas internacionales en detrimento de los músicos locales.

Entendiendo así que el rock abarca el sentido más amplio de la comunicación, es decir, no solamente el intercambio sonoro de mensajes sino también el quehacer individual y colectivo, de un modelo cultural contemporáneo y glocal, que engloba el conjunto de transferencias e intercambio de ideas, expresiones, hechos y datos de la cultura local. Cabe pues insertarlo según su narrativa actual dentro de la lógica perversa del Masscult, pues como señala Dwight MacDonald: “Es la narrativa fabricada por el mercado… que abarca desde Corazones y Flores hasta el rock and roll. Ahora tenemos pianos que ejecutan rock and roll y les sanglots longs des violons que acompañan a cantantes sentimentales. La Masscult no brinda a sus clientes ni una catarsis emocional, ni una experiencia estética, porque todo eso requiere un esfuerzo.

La cadena de producción elabora un producto uniforme, cuyo humilde fin no es ni siquiera divertir, porque eso supone la vida, y por lo tanto esfuerzo. Nada de eso; lo único que se propone es distraer. Puede estimular o narcotizar, pero lo importante es que sea de fácil asimilación. No exige nada a su público, porque está totalmente sometida al espectador”. (MacDonald 1992).

Este planteamiento de Dwight MacDonald, en su ensayo referido al Midcult y Masscult, donde menciona al rock como ese reflejo fiel de una de las Industrias Culturales más decadentes y perversas de la contemporaneidad, la Industria Cultural del Rock y el Pop, que si bien obedece a esta lógica, pierde su esencia a causa de la superfi cialidad y el hedonismo del falso sujeto postmoderno, idealizado y resumido en los íconos estériles y fatuos prefabricados por la agencias transnacionales discográfi cas. Se pierde la valoración por la riqueza armónica instrumental, la ejecución, la composición, y el producto comunicacional musical se reduce a simple objeto de culto esnobista, marcado por el fashion circunstancial, por la moda, por el uso excesivo de la tecnología, del doblaje, de la impostura.

Conviene ilustrar en este punto el concepto sobre el Aura de Walter Benjamín, la cual es aquello de que adolecen los objetos estéticos musicales contemporáneos en esta desviación de la industria:

“Equiparándolo el concepto de Aura a los objetos naturales; definiremos esta última como la manifestación irrepetible de una lejanía (por cercana que pueda estar). Descansar en un atardecer de verano y seguir con la mirada una cordillera en el horizonte o una rama que arroja su sombra sobre el que reposa, eso es aspirar el aura de esas montañas, de esa rama. De la mano de esta descripción es fácil hacer una cala en los condicionamientos sociales del actual desmoronamiento del aura. Estriba éste en dos circunstancias que a su vez dependen de la importancia creciente de las masas en la vida de hoy. A saber: acercar espacial y humanamente las cosas es una aspiración de las masas actuales, tan apasionada como su tendencia a superar la singularidad de cada dato acogiendo su reproducción. Cada día cobra una vigencia más irrecusable la necesidad de adueñarse de los objetos en la más próxima de las cercanías, en la imagen, más bien en la copia, en la reproducción. Y la reproducción, tal y como la aprestan los periódicos ilustrados y los noticiarios, se distingue inequívocamente de la imagen. En ésta, la singularidad y la perduración están imbricadas una en otra de manera tan estrecha como lo están en aquélla la fugacidad y la posible repetición. Quitarle su envoltura a cada objeto, triturar su aura, es la signatura de una percepción cuyo sentido para lo igual en el mundo ha crecido tanto que incluso, por medio de la reproducción, le gana terreno a lo irrepetible. Se denota así en el ámbito plástico lo que en el ámbito de la teoría advertimos como un aumento de la importancia de la estadística. La orientación de la realidad a las masas y de éstas a la realidad es un proceso de alcance ilimitado tanto para el pensamiento como para la contemplación”. (Benjamín 1935).

La profesionalización en la producción musical.

El rockero o blusero o músico contemporáneo en general, como joven productor cultural que busca un espacio dentro del devenir social y cultural, con capacidad en su desempeño y calidad en su expresión, se inserta en la lógica de las industrias culturales con el objetivo de conseguir un cambio, una respuesta, de manifestar una necesidad de inserción, de protagonismo, incluso de de cambio manifestado por una rebeldía generacional.

Pero hoy más que nunca el joven y adulto contemporáneo músico, se profesionaliza, tanto dentro como fuera de nuestro país múltiples instituciones educativas especializadas ayudan a mejorar su desempeño. Academias musicales tradicionales e institutos de reciente data lo confirman, ejemplos de ellos son:

1. Berklee Collage of Music: Fundada en 1945, la Universidad de Berklee es la universidad independiente más grande de la música a nivel mundial y la institución pionera en el estudio de la música contemporánea. La universidad tiene 3.800 y 460 docentes que obran recíprocamente en un ambiente diseñado para proporcionar el aprendizaje y la experiencia más completa posible, incluyendo todas las oportunidades y desafíos presentados en la industria contemporánea de la música. Consta de extensas instalaciones situadas en la bahía de Boston. EEUU. Los estudiantes desarrollan capacidades musicales en las áreas de la composición, el funcionamiento y recording/production, y también aprenden a tomar decisiones económicas referidas al éxito de la carrera. Desde el inicio de la universidad, una de sus metas fundamentales ha sido fomentar la comprensión internacional por medio de la música contemporánea. Los músicos jóvenes vienen a Berklee de diferentes partes de la tierra a estudiar música, y consecuentemente, Berklee es una universidad internacional. De todas las universidades e institutos de ESTADOS UNIDOS, Berklee tiene el porcentaje más grande de estudiantes foráneas y extranjeros de más de 70 países.

2. MIT: Musicians Intitute, Una de las escuelas de música más importantes del mundo en el ámbito del jazz, rock y pop. Ubicado en Hollywood, California, cuenta con maestros de la talla de Robben Ford, Scott Henderson, Bruce Conte (Tower Of Power) y Mike Stern, entre otros. Cuenta con el GUITAR INSTITUTE OF TECHNOLOGY, fundado en 1977, el cual es uno de los proyectos de formación de guitarristas para música contemporánea más avanzados a nivel mundial.

3. IUDEM: El Instituto Universitario de Estudios Musicales (IUDEM), es un servicio de educación superior del Estado venezolano que nace en 1985 para dar respuesta a la gran demanda de estudios universitario en música. Sus egresados cuentan con un destino profesional en los diferentes campos de la creación musical, la interpretación, la formación de nuevos talentos y la realización de investigaciones musicológicas. El IUDEM promueve y estimula el pleno desenvolvimiento de las potencialidades creadoras de los individuos que asumen la música como área de creación, medio de expresión e indagación y forma de vida.

Este servicio de educación superior fue creado mediante el Decreto Presidencial №593, publicado en Gaceta Ofi cial Nº 33.212 del 29 de abril de 1985, y en la actualidad está adscrito al Consejo Nacional de la Cultura (CONAC).

4. El Taller de Arte Sonoro: Avalado por la Audio Engineering Society, se encuentra ubicado en la Avenida Rio de Janeiro Chuao, Caracas. Donde el egresado es acreditado con el diploma de Técnico Superior De Audio/Audio Engineer Diploma. Con facilidad para el manejo de: 24 -tracks A/D studio, MIDI room, DAW: ProTools, Digital performer, Sonic solutions systems, Analog synthesis lab, librerías, e instrumentos musicales. Haciéndose en la grabación de sonidos, diseño de sonidos, acústica, edición, sonido en vivo y producción musical.

5. UPEL: La Universidad Pedagógica Experimental Libertador (UPEL), es una institución pública de cobertura nacional, la cual a través de su sede ubicada en Rubio, Instituto Pedagógico Rural “Gervasio Rubio”, presenta la opción de Licenciatura en Educación Musical, con fi nes más pedagógicos y educativos que de ejecución instrumental.

6. Datemúsica: Escuela de música contemporánea ubicada en San Cristóbal. Acepta alumnos desde los primeros años. Registrada en el Ministerio de Educación y Deportes, aplica nuevas metodologías pedagógicas al estudio de la música contemporánea.

CAPITULO III

La Historia del Rock Regional.

Una caricia es el viento en mi interior

una mirada abrirá tu corazón

las frías fl ores ya no emanan su rubor

y ese vestido azul no tiene su esplendor.

Cómo el arte de amarte

la erosión se descubre al dejarte pasar.

Accidente de Carros Naranja: Tierra.

Ramón Alí Mogollón Trujillo.

La Historia del Rock Regional

Los inicios del movimiento underground tachirense.

Hablar del rock regional es recordar historias que se disuelven en el tiempo y que son producto de la inspiración, la originalidad, la irreverencia, el amor por lo creativo y hacia lo creado, lo mítico y lo urbano, la simplicidad y el tránsito de una San Cristóbal rural a una ciudad más cosmopolita, de mayor información y nuevas ideas beligerantes.

La primera banda que se constituyo al fragor de una campaña política fue The Lorens, dicha banda estuvo integrada por varios músicos foráneos que generaron un impacto contracultural en la sociedad San Cristóbalense, estaba compuesta por un suizo llamado Franco Nassi, en la voz, músico oriundo de Valencia, quien trabajó en el tecnológico musical y estuvo estudiando en el M. I. T, Musicians Institute and Technology, en Hollywood, un baterista llamado Enrique Galué cuyo padre era de origen norteamericano, y ambos vivían en un hotel de nuestra ciudad siendo profesores de inglés para sobrevivir.

Los Lorens se crearon para apoyar la campaña de Lorenzo Fernández, candidato a presidente por el partido social cristino COPEI, y se presentaron en varios conciertos multitudinarios. Culturalmente manejaban muy bien la información de esta tendencia artística, conocían acerca de la fi losofía del rock, sus derivaciones e interpretes. Luego ingresó Gerson Cruz en la batería, el director musical junto con Franco era, Marcos Delgado que también tocó la primera guitarra en ese entonces, estuvo también Dimas Urdaneta que era otro guitarrista y cantante, también participo Rafael Delgado, el hermano de Marcos Delgado, en el bajo.

Según Omar Medina, baterista y músico local, asegura que otra de las primeras bandas se llamó The Thunders, los truenos. Allí participaron Marcos Delgado en la guitarra y un baterista que se llamaba Omar Peña, quienes ejecutaban esencialmente versiones, muy infl uenciados por el movimiento de 1969, el festival de Woodstock, los tres días de paz y amor y la revolución contracultural de los 60. De esta forma surgen entonces en estos primeros cofrades la iniciativa de sacar una banda de rock local e invitan al guitarrista

Marcos Delgado a formar The First Edition, que estuvo compuesta por Enrique Villafañe, Luis Francisco Cárdenas, Jorge Carrero Neker y el mismo Omar Medina.

Más adelante Carlos Eduardo Arellano, otro de los primeros cofrades locales de una nueva generación, asumiendo el bajo, junto a Eduardo Mogollón, quien tocó la segunda guitarra, forman parte de la Segunda edición y luego de la Tercera edición junto a Enrique y a Marcos Delgado. Carlos Eduardo Arellano, hoy en día uno de los mejores guitarristas de Jazz de nuestro país, tocó previamente con Franco Nassi en Free Motion su agrupación, pero con motivo de la partida de éste último de San Cristóbal se inician nuevos proyectos y es cuando surge la tercera edición, Carlos Eduardo Arellano, Marcos Delgado de The Lorens, Dimas Urdaneta y Enrique Villafañe en el bajo y posteriormente un proyecto denominado Kristal, proyecto más enfocado al Acid Jazz y el Soul, donde se logró reunir a maravillosos músicos locales.

Carlos Eduardo Arellano recuerda esta época de la siguiente manera: “Allí estaba Franco y estaba Omar también pero no se cual sería la historia por la cual ellos se separaron o no siguieron, lo cierto es que Franco y Enrique Galué me llamaron a mi para formar ese grupo, en ese momento estaban un poco distanciados, también había un Francés que se llamaba Roberto Bondanza que lamentablemente creo que tuvo muchos problemas con drogas y yo lo conocí, también fue una infl uencia enorme, un guitarrista loquísimo pero con una agilidad sorprendente y Franco Nassi me habló de grupos como Luis

Bonassi, los conocí, entonces para mí fue una escuela, encontrarlos a ellos fue para mi un despertar, no solamente a través de los discos sino a través de todo el contacto que tuve con ellos. En cuanto a la parte cronológica de los grupos creo que cuando todos ellos coincidieron conmigo y vieron mis ganas de hacer todo eso quisieron otra vez iniciar un grupo y el grupo que yo tuve, después de la tercera o segunda edición con Franco, fue Free Motion, que era movimiento libre, tocábamos Jazz-Rock y temas de blues y todo eso y yo tocaba el bajo ahí”.

En Kristal inicialmente estaba en el piano Abdel Arenas, un pianista que venía del Zulia con un sentido de la música muy gospel, en la voz solista estaba Gregorio Pérez hijo del profesor Rufo Pérez Salomón, que fue uno de los grandes maestros aquí en el Táchira, director de la escuela de música, estaba Gregorio Pérez en la voz, en el Saxofón Mario Zambrano, en la flauta Osiris Aragón, en las trompetas Emiro Yánez y el apodado Carlos demonio, también Nicolás Porras que pasó por la batería, Carlos Becerra, también fue baterista, Enrique Galué tocó un tiempo también la batería, Gerardo Chacón en la percusión y en el bajo Manuel Mendoza, quien fue uno de los pilares de la música en el Táchira.

El grupo Kristal fue una gran banda bien consolidada que ofreció conciertos por todas partes, Vitas Brener los prefería como banda de apertura, y junto a ellos varias fi guras como Hender Contreras, personaje siempre ligado al sonido y al audio de las bandas locales, estuvieron presentes, incluso ejecutó el cencerro con la agrupación. La agrupación Kristal alternó con Aditus, con Vitas Brener, con Mandingo y con Los Quinteros.

Seguidamente e infl uenciados por este movimiento surge una nueva generación de músicos, donde encontramos a Rabel Giordanelli. Según el mismo Rafael se inicia muy temprano en la actividad musical: “Yo empecé a tocar a fi nales de los años 70, aproximadamente 78–79, muy ligado al arte, fue una invitación que atendí de Carlos Eduardo Arellano para hacerle la música a una obra que se llamaba “Tu mismo tú” que montaron en la UNET con el fallecido Rafael Daboín, esa fue la primera vez que me subí a un escenario”.

La San Cristóbal de aquel momento histórico, a pesar de que estaba un tanto aislada entró en la onda de la música, los cambios generacionales de los 60, se sintieron en la ciudad, fueron un eco, una reverberación, en la década del 70, años 72, 73 aproximadamente, Rafael y otro nuevos músicos podían escuchar esos grupos en persona, ensayando cerca de su casa en Barrio Obrero y tocando temas de Cream, Yardbirds, Jimmy Hendrix inclusive, Eric Clapton.

El hecho de escuchar esas bandas en vivo les dio nuevas perspectivas para entender que este tipo de manifestación cultural era aprensible, que no el hacer éste tipo de música no era un mito, que era algo posible y por su puesto fue una primera motivación.

El espíritu de la época queda defi nido por Rafael Giordanelli en el siguiente comentario: “estaban conectados con California, con todas esas cosas, tenían equipos de las marcas que conocemos, Fender, Gibson, todas esas cosas, estaba muy adelantado, estamos hablando de comienzos de los 70, esa era la onda rock y de ahí marcó las dos tendencias, la otra tendencia más pop o más comercial que se llamaban The Thunders y también The match box. Este grupo Match Box, su cantante logró llegar a Venevisión en los 70, él se llamaba Max, entonces él llegó a Venevisión y le echamos broma porque lo hizo famoso versionar en español Lluvia y Lágrimas de Demis Russos y en esa onda se disparó él, pero cónchale para esa época llegar a Venevisión aunque fuera el lado comercial, era un logro, entonces habían motivaciones, en el caso mío había motivación, aparte de que se conseguían en lugares insólitos como el CADA discos setentones, llegaban cosas como Stephen Block Booster, cosas así de raras llegaban no se porque a San Cristóbal y esas películas que después aparecieron como Woodstock, como Bangladesh, como la gira de Joe Coker, llegaban a San Cristóbal, entonces sí no se de que forma pero llegó ese material cultural a San Cristóbal y nos motivó”.

Fue a finales de los 70, cuando Rafael Giordanelli se montó por primera vez en una tarima, acompañando a estos grupos de teatro, luego empezando los 80 se montó un grupo que se llamaba Oasis, donde le acompañó Carlos Eduardo Arellano, Argel Arenas, y otras fi guras de primera de la época.

En el año 81, 82 se forma el grupo Axioma, el mismo duró cinco años y logró grabar demos, en riel, en los estudios OHM de Barquisimeto. Grabaron también con el doctor Carrero Balza, e hicieron interesantes trabajos de composición de temas en español. Rafael Giordanelli comenta esta experiencia: “nosotros componíamos, eran mis propias canciones, las ejecutábamos y eran en español, por lo tanto sonaba muy raro, hasta ese momento estaba llegando Barón Rojo y Obus, a mi todo el mundo me decía que cantara en inglés, que porque en Español, ósea hubo toda esa resistencia, esa fue una época que yo tomé en los 80, cuando estos grupos que te nombre en los 70 se habían caído ya, y había un hueco, había un bache en el rock, no existía nada en San Cristóbal”.

Con éste testimonio es importante destacar dos aspectos, el primero el uso del idioma, lo cual es fundamental para el desarrollo de una industria cultural y estética que si bien se basa en un sincretismo, debe hacer perdurar rasgos fundamentales de su valores y costumbres culturales. El otro es definitivamente el comportamiento cíclico que se da en la manifestación del rock local, con épocas donde hay un hueco producto del cambio generacional de sus participes.

En Axioma tocaron figuras destacadas de la escena local, como el músico y guitarrista clásico Pedro Ángel, tocó la trompeta quien fuese director de cultura, Marcos Aurelio Méndez, en el bajo Gustavo Sandoval, Gerardo Hernández en la batería, luego ingresó Enrique Villafañe en el bajo, Yuri Bermúdez en la voz y también participaron los guitarristas que venían de paso como Walter Acevedo que venía de Bogotá y era un extraordinario Blusista. También participó Richard Wagner en alguna formación. Estuvieron infl uenciados por la década del 80, por un lado era el triunfo del pop y el acabose de los grandes del Heavy, asumiendo entonces una actitud más rockera y re-punk.

También existía Almas Eternas que después pasó a ser Travesía “rock local”, tal cual lo señala el profesor Cheo Cárdenas: “era otra cosa mucho más pesada, Travesía con los hermanos Thomas, Pedro Thomas en la guitarra, Alfredo Thomas en el bajo, quien antes estuvo tocando teclados, Yuri Bermúdez en la voz, y en aquel tiempo primero fue Luís Barrueta el baterista de Almas Eternas, y hubo un día en que el se fue, yo tocaba realmente era guitarra con ellos y él se fue y yo dije: “bueno yo toco batería”, y me monté ahí y les pareció chévere. En Almas Eternas tocábamos los mismos, sólo que Rubén Darío Rondón era tecladista, con los mismos hermanos Thomas, con Alfredo Thomas en el teclado, Rubén en el otro teclado, Pedro Thomas en la guitarra, el bajo a ratos, Luís Barrueta en la batería, y yo tocaba el bajo normalmente cuando Pedro no estaba, después cambiamos a Travesía, entonces quedamos solamente cinco que fue Yuri, Pedro Thomas, Alfredo, mi persona y otro compañero que después entró que se llama Cesar Mora, que estuvo cantando con nosotros también en la parte final, la última etapa”.

En ese momento histórico surge entonces éste otro grupo más Hard Rock denominado Travesía, que fue una banda trascendente por su fuerza y puesta en escena, donde estaban igualmente Cheo Cárdenas, que es un maestro muy reconocido en la percusión regional, los hermanos Tomas, Alfredo y Pedro Thomas, Rubén Rondón en los teclados y en un principio cantó con ellos incluso Fausto Chaustre, para que posteriormente ingresara Yuri Bermúdez antes de su participación en Axioma. Yuri nos relata parte de su ingreso a la agrupación:”el profesor Chaustre fue el cantante de ellos en principio, después salió Chaustre y entré yo, posterior a que yo salí de Travesía entró Cesar Mora, pero básicamente esa fue la formación de Travesía. Repito en el año 81 yo supe que un grupo estuvo buscando un cantante, y yo sin ningún tipo de experiencia, sino con el corazón, me uní a este grupo de amigos, con la buena suerte que todos estaban estudiando docencia musical y pertenecían a unas corales, a la Coral de la Normal. Entonces con los hermanos Thomas logramos cosas interesantes, con mi inclusión en la banda comenzó una nueva etapa para ellos, porque Travesía empezó como un grupo de rock pero muy suave, casi como Soft Rock, a mi no me gustaba mucho ese concepto y luego cambió, teníamos una versión en español de April Wine, Wanna Rock, y teníamos una versión del arranque lento de los muchachos de Tacón Alto de Traffic, lo teníamos todo en español, nosotros lo cantábamos en español, y el resto eran canciones propias, propias de la banda. Recuerdo que con ellos tuve que ponerme las pilas a hacer letras, gracias a Dios, me dio el don de poder juntar las letras rápido, de rimarlas e hice muchas letras, recuerdo una que se llamaba fi n de mundo. Hubo canciones interesantísimas, ya el estilo de Travesía en aquel momento era muy hard rock, no era heavy metal, el heavy metal vino fue después, los Thomas tenían una experiencia interesante, porque su formación musical, su infl uencia musical, era de hard rock de los 70, imagínate April Wine era un grupo que no era heavy prácticamente, habían otros grupos como Deep Purple y Zeppelín, ese tipo de hard rock era el que se hacía en aquel entonces”.

Por parte también estaba Carlos Eduardo Arellano, liderizando el Jazz latino quien continuaba con la extraordinaria banda Kristal, enfocado más al Jazz y a la producción y grabación, estudios que posteriormente comparte, cómo él nos comenta, con el maestro Virgilio Armas: “Si, se inicio la etapa del jazz, que es importante que la mencione, como sucedió, yo escuché en ese entonces hablar de la Tocata, la cual era un piano bar que se hizo como una emulación de Juan Sebastián Bar, el mismo concepto, encabezados nada más y nada menos que por el maestro Virgilio Armas, en la batería un señor de color, de raza negra, llamado LLoyd Wellington y está Rodolfo Buenaño y tienen sintetizadores ART, tiene un piano Baldwin de cola, entonces yo fui de curiosidad a visitar la Tocata una vez que estaba abierta y me impresioné. Además yo estuve en Miami Florida, visité los estudios Criteria Records, y allí pues vi los estudios impresionantes que habían en ese momento, eso junto con mis viajes a Caracas, porque allá estuve en Sincrosonido de Luis Oberto, también estuve en OHM de Barquisimeto de Oscar Moró, en varios estudios de Caracas, estudios del Este, siempre estaba buscando y la UNET me facilitó una serie de equipos, pues yo tenía ya acceso a los libros y yo hice prácticamente yo mismo mi propia instrucción, además el estudio de la ingeniería me facilitaba el estudio de la parte electrónica, la comprensión de todos los elementos que tenían que ver con la parte eléctrica, todo eso me dio una base que agradezco a Dios tenerla. Y lo de la Tocata sucedió entonces como cosas que ya estaban como escritas, yo conocí a Virgilio Armas, alguien me presentó al maestro Virgilio Armas, una persona que tenía catorce años tocando en Juan Sebastián Bar, el mejor sitio de Jazz de Venezuela y que se vino para acá con este proyecto que montaron varias personas, capitalistas de bastante dinero y un sitio súper exclusivo y por alguna razón me dijeron que fuera a hablar con él, y me llevé mi guitarra y nos sentamos a hablar, su personalidad siempre ha sido muy abierta, le gusta hablar muchísimo del Jazz y de todas las cosas que ha hecho,de los que conoce, entonces me dice: agarra la guitarra, y él agarra el piano y empezamos a tocar. Y arrancó con un blues, y entre los músicos del Jazz lo primero que casi siempre se toca para conocerse es un blues, y para mi en ese momento era natural el blues, la forma del blues, hay que saberlo tocar, el número de compases, un blues de doce, de veinticuatro, de treinta y dos, todo eso era ya un standard, entonces yo empecé a tocar con él y nos extendimos y llegó un amigo, llegó su mamá y llegó su papá y otro hermano, gente de la familia, y amigos, y yo miraba hacia los lados, pues era que la cosa estaba sonando muy bien y Virgilio se levantó, y terminamos y me estrechó la mano, y me dijo que donde había estudiado Jazz o el Blues, y sucedió lo que yo no me imaginaba, me invitó inmediatamente a tocar con él, con el trío.

Una nueva generación del hard rock al rock en español. Axioma, Travesía y el resto de bandas se van con los finales de los 80 y surge una nueva generación de músicos y bandas locales, tal cual lo señala Rafael Giordanelli: “Axioma arranca en el 81 y se acabó como en el 86–87, tocamos con bandas importantes como Resistencia, de Venezuela, Axioma comenzó en la Plaza de Toros tocando con Resistencia y terminó toda su carrera tocando con Resistencia en el Gimnasio de la Concordia, ósea nosotros empezamos con Resistencia y terminamos con Resistencia. Fuimos a Caracas a tocar, fuimos a Colombia, nos invitaban mucho, Colombia era simplemente Cúcuta, Pamplona y Bucaramanga, a ese tipo de sitios íbamos, y aparecíamos con todo lo que venía, taloneábamos y también tocábamos solos”. En este momento Rafael quizás observando el espíritu de los tiempos, ya también infl uenciado por otro visionario del rock regional, Ramón Hernández, decide terminar con Axioma e iniciar su labor con un nuevo proyecto llamado Tiempo Zero.

Otra banda que se inició en ésta nueva etapa con nuevos actores que se involucraron en esta historia del rock and roll regional fue Jolly Rogers, quienes asumieron éste nombre en homenaje a aquel famoso pirata. La banda tenía una onda algo funky, algo rock and roll, muy Rolling Stone, Surge en el año 1985 y para aquel entonces habían tres bandas en la ciudad, Travesía, una Axioma y la banda Jolly Rogers, en lo referente al rock. Así lo relata Abelardo Morales: “me acuerdo que por esos días yo conocí a Rafael, inclusive compartimos y tocamos con él, yo fui baterista de su banda Axioma en dos ocasiones recuerdo. Después de esto nosotros hicimos una banda llamada Fénix que era un poco más metalera, estamos hablando ya de 1987, 1988, esta banda fue hasta Ciudad Bolívar en dos ocasiones, y estuvimos en Caracas tocando. Jolly Rogers tocaba temas propios, Fénix tocaba versiones y tocaba temas propios, nosotros hicimos grabaciones, inclusive el Sr. Hender Contreras promocionó alguno de los temas, recuerdo que había un tema que a la gente le gustaba mucho, que sonaba en la radio, que se llamaba el Ángel de la Montaña y estegrupo más o menos duró hasta el 88, 89”.

Froilán García, otro de los mejores guitarristas regionales recuerda estos proyectos: “Jolly Rogers fue mi primer proyecto serio, yo me acuerdo que tenía exactamente quince años, fue con Abelardo Morales, con el tecladista que se llama Guillermo Antonio Leal, que era un tecladista que tocaba tipo Deep Purple, estaba Cheo Torrelles y Lorenzo Medina, un grupo de chamos más o menos y formamos un grupo que se llamó así Jolly Rogers. Jolly Rogers era un pirata, cuando la época de Morgan, entonces éramos los piratas del rock and roll de San Cristóbal. Entonces armamos ese grupo y con ellos tocamos en un festival en el año 83, 84 en el Gimnasio Arminio Gutiérrez Castro, inclusive salimos hasta por prensa y todo como una banda de chamitos tocando rock and roll. Duraríamos un año, canciones propias, en una onda hard rock. Hay una anécdota que vale la pena mencionarla, nosotros ensayábamos en la Iglesia de Barrio Sucre, con el padre Darío, que en paz descanse, él nos prestaba los amplificadores, la guitarra Teiko, un bajo Teiko, todo lo que tenía y nosotros ensayábamos rock and roll todas las noches, cuando salíamos del liceo nos íbamos para allá, claro el padre nos orientó muchísimo, nos hablaba mucho, pero él no tenía problema de que nosotros tocáramos rock and roll, y él daba su misa y nosotros en la casa cural ensayando, era cómico, a veces llegaba la vecina y decía: “Mire que estos muchachos están haciendo escándalo”, y el padre tranquilo, decía: “Ellos son muchachos y están tocando música”.

De esta forma al terminarse Jolly Rogers viene el otro proyecto de Abelardo y Froilán llamado Fénix: “ Después de esto viene otro proyecto más serio todavía que es Fénix, en Fénix estábamos Abelardo Morales, que era el cantante, yo era el guitarrista, Yuri Mirabal, el famoso Yuri cucaracho, era el bajista y estaba Jesús Jaimes en la batería. Con esa banda fuimos a tocar a Caracas, fuimos a tocar a Ciudad Bolívar, agarramos una fama entre comillas, ya que eran versiones, versionábamos Iron Maiden, versionábamos Judas Priest, versionábamos Saxon, versionábamos Van Halen”. Esta banda llega a la capital, pero ejecuta versiones, ahora es importante destacar cuando llega por primera vez a la capital una banda con temas propios.

Tiempo Zero surge en el 88, luego de un bache como de dos años, Axioma se acabó en el 86, esta nueva generación de bandas se despoja del Hard Rock y del Heavy Metal y se incorporan a otras tendencias musicales. La primera formación de Tiempo Zero estuvo compuesta por Willie Chiroque en la batería, Ramón Hernández en el bajo, Cesar Mora en la voz, Alejandro Reyes en los teclados y Rafael Giordanelli en la composición, las guitarras yla dirección.

Rafael se refiere a esta etapa con Tiempo Zero como una época de poco apoyo a las bandas locales: “Nosotros empezamos grabando de una vez, yo tenía un pequeño estudio en 4 canales, en ese momento todavía Ramón Alí, se sentía un rechazo hacia las bandas regionales, un tabú, si es del Táchira es malo, eso es chimbo, eso es de aquí, eso no puede ser bueno, entiendes, y menos si es Axioma, que habíamos protagonizado tantos escándalos, escándalos en el sentido de que, se montaban relajos, no tanto por nuestra culpa ves, era una novedad era un choque cultural realmente, se hablaba de que si habían drogas y nada de eso era cierto, tan cierto como ahorita, lo normal. Teníamos tiempo trabajando, cuando Tiempo Zero salió a su primer toque tenía ya temas propios como quince o veinte temas propios, entonces yo grabé un tema que nos gustó mucho que se llamaba “Algo extraño esta noche”, lo primero que hice fue grabar y llevarlo a RSC (Radio San Cristóbal 1060 AM), todavía existía RSC, todavía se ponían los discos, las cintas, entonces llevamos ese tema y le pedimos a ellos que simplemente dijeran “Algo extraño esta noche, con Tiempo Zero, que no dijeran si era de San Cristóbal, de Cúcuta, de México o de España, nada; esa fue la estrategia mía, que por favor no identifi quen nada, que no dijeran nada. Estaba José Antonio Loreto, Hender Contreras, la pandilla que conocemos, y a ellos les gustó mucho el tema, bueno y de hecho ponían lo que yo llevaba, pero pusieron este tema y yo les pedí que no dijeran nada y entonces empezó a sonar; la gente en ese tiempo pedía canciones y en verdad las complacían y estaba entrando el rock en español, y entonces cuando suena este tema a la gente le gustó muchísimo y empezaron a pedirlo y a pedirlo y yo les pedí que no dijeran que era yo ni nadie, ves, para tener éxito, entonces en el primer concierto dijimos, por fin, Tiempo Zero en San Cristóbal y todo el mundo especulaba de donde éramos ves, si son Españoles, si eran Argentinos, si eran Mexicanos, porque tenía mucha factura si supieras, y cuando salimos: ¡ah no pero si este es Rafael vale y son ellos!; porque habían conocido un Rafael del Heavy Metal y de ese tipo de relajos y de escándalos que veníamos haciendo con la banda y de suspensiones y de cosas así, entonces de otra manera ya hubiera habido un tabú, ya hubiera habido un prejuicio antes de escuchar la canción, hubieran dicho no, estos son los metaleros, esos son de aquí, etc. esa fue una pequeña estrategia, y te digo la verdad, y de ahí pa’ lante, gracias a Dios siempre que tocamos ha habido buena receptividad, bien, bien buena”.

Tiempo Zero ofrece conciertos casi siempre como teloneros, desde el primero de ellos en el Salón de lectura, hasta compartir tarima con bandas como Aditus y Miguel Mateos en la Plaza de Toros, tocar en Colombia, en Caracas en Mata de Coco, ser la primera banda en llegar a la capital y tener un reconocimiento. Tiempo Zero tuvo varios cambios en su formación, Rafael asumió la voz de la banda, presentando una propuesta más sincera y un performance más llamativo, otros músicos como Alberto Prieto, Andy Porras, Alfonso Paladino y muchos invitados y músicos permanentes enriquecieron las composiciones de Rafael. En una nueva etapa durante los 90 lo acompañaron músicos como Abelardo Morales, Omar Medina, Marlon Chacón, Luis Omar Fonseca, Julio De Santiago, Greys Hernández y muchos otros que ensayaron y formaron parte de este proyecto maravilloso, responsable de uno de los temas más representativos de nuestra cultural rock: Loma del Viento.

Tiempo Zero definitivamente fue una banda más dentro de la historia del rock regional junto a otras bandas de ésta nueva generación como Antes de la Línea, La Flor del África, G8, Accidentes de Carros Naranja, Triciclo, Venus de Nacar, La Diosa Salvaje e incluso de proyectos más contemporáneos como Páramosoundsystem.

El arte de la influencia.

Antes de la Línea surge en aproximadamente en el año 90, con una propuesta más sureña, infl uenciada por Charly, Soda, Fito, Paralamas, pero también influenciada por Tiempo Zero y sus predecesores locales. Además de ellos se encontraban Rack, posteriormente Edad de Piedra y Passion como precursores de un movimiento de la nueva generación. Así lo recuerda Iván Méndez, el líder y único integrante líder, que en el 2006 permanece consecuentemente en el proyecto: “Yo estudiaba en el colegio Juan XXIII y Walter Trujillo estudiaba en el colegio Juan Maldonado en esa época, y él compuso una canción, recuerdo que con tres tonos hizo una canción bien chévere, bien agradable, y de ahí surge la idea de pues formar una banda, ya yo tocaba guitarra de hecho fui fue quien enseñé a tocar algunos acordes a Walter y a Chucho, y entonces Walter comenzó a buscar entre sus compañeros de clase y del colegio a otros integrantes y ahí es cuando entra Fernando Villamizar quien en esa época se desempeñó como bajista, también estaba Alfonso Paz “Poncho”, quien estudiaba en la UNET, ya era como cuatro años mayor que nosotros y tocaba teclado, también vecino de allí de la urbanización Las Acacias, donde vivíamos y él pasa a formar parte de los teclados de Antes de la Línea, y en la batería estaba José Gregorio Ramones, quien en esa época tocó batería, él venia de otra agrupación, recuerdo que tocó para Potencia X, y se llamaba Goyo Ramones”. Luego transitan por Antes de la Línea otros músicos como Fernando Mora, Chucho Duque, Leo Sergal, Greys Hernández y Jhon Mendicoa en un segundo tiempo.

Antes de la Línea surge del programa de TRT: “Se busca una banda”, donde participaron en un concurso para escoger la banda telonera de Charly García en la Plaza de Toros, concurso que ganó la banda Passion integrada por Oscar Balza en batería, los hermanos José Eduardo Rojo Lorenzo en teclados y Leonardo Rojo Lorenzo en guitarras, Jhon Mendicoa en el bajo y Roberto Alford en la voz. También participó Rack, integrada por Chucho Duque, Greys Hernández, estaba también Rafael Gómez de la Vega y Andy Porras en los teclados.

Antes de la Línea tuvo el privilegio de tocar junto a Soda Stereo y a Sentimiento Muerto y otras bandas de trayectoria nacional como Zapato 3. Grabó maravillosos temas compuestos en su mayoría por uno de los compositores más prolífi cos en su época, Walter Trujillo, tocó en variados espacios, incluso en un inconcluso Festival en Cúcuta y ha sido referencia para bandas de la nueva generación.

La Flor del África surge en ésta misma época, producto de dos bandas anteriores Rack y Edad de Piedra, Ronald Miquelerena, músico que estuvo militando con anterioridad en las filas de Antes de la Línea, pero requería de un proyecto más personal y con mayor profundidad conceptual. La Flor estuvo más orientado al Jazz, la fusión con la música venezolana, la tonada, Vitas Brener, etc. Ya el maestro Cheo Cárdenas junto a Rubén Soto lo habían experimentado de manera profunda años antes con un proyecto denominado Experiencia Yagrumo, posteriormente surge otra banda, Experiencia Kuriara, el proyecto de Greys Hernández y Frank Mota que continúa una línea conceptual de gran bagaje artístico. Chucho Duque, uno de los mejores guitarristas de nuestra generación musical, productor e ingeniero de sonido por vocación, resume los primeros pasos de La Flor del África: “Ronald empezó a comprar equipos, siempre ha tendido dinero, compró equipos y se enhierró y de allí en adelante empezamos a ver mejores equipos, una Takamine, una Ibanez, una Fender Telecaster, una Gibson 335, oye habían hierros a montón, entonces empezamos a hacer ideas más depuradas, y cuando entró la Takamine se empezó a mover la nota más acústica de la banda y allí nace Llano Adentro, con la compra de la Takamine.

Así comienza La Flor uno de los conceptos más profundos y quizás el más depurado a nivel de composición en el Rock regional. Ronald escuchaba autores autóctonos del país, de Venezuela, y si mal no recuerdo Llano Adentro creo que fue la primera canción que se compuso para La Flor del África, fue la primera canción que hicimos. En ese momento conocimos a Julio De Santiago, baterista y profesor de percusión, que en esta época tenía más tiempo y le llamaba la atención la onda musical de la banda, entonces él decidió entrar a la banda, empezamos a hacer arreglos más profundos porque él es un músico de primera, Ronald se sintió que tenía que ponerse a la altura de él y empezó a estudiar muchísimo y logró todas las composiciones de la Flor del África que perduran hasta hoy día”.

La flor estuvo compuesta por Greys Hernández en el bajo, Chucho Duque en la guitarra, Ronald Miquelerena en las guitarras y voz y Julio De Santiago en batería y percusión, participó en el Festival Coro en Jazz, tocó en diversos eventos regionales junto a Antes de la Línea y G8, en fi estas de la época como Rumba Rock en el Club Tenis, en fi estas en El Castillo, y compartió tarima con agrupaciones como Zapato 3, se caracterizó por sus excelentes arreglos, ejecución impecable y la búsqueda e investigación. Hoy en día Ronald se encuentra residenciado en los Estados Unidos y nos sigue iluminando con temas como Sun is Rising, que merecen mención como parte de la continuidad en la labor musical de este talentoso músico y compositor.

G8 fue otra de las agrupaciones fundamentales en éste arte de la infl uencia de nuestra generación, casi contemporáneos marcaron un importante momento en la historia del rock local, Rodolfo Murillo en las guitarras y voz nos sigue iluminando desde el otro plano con sus creaciones, él junto a Albio Sánchez en la batería y acompañados por músicos como Frank Mota en las guitarras, Jhon Mendicoa en el bajo, Leo Sergal quien también fue su bajista también en una época, Leo y José Eduardo Rojo como invitados en algún momento. Albio Sánchez relata sus inicios de la siguiente manera:” La banda nace aproximadamente en el 1992. Los integrantes eran Rodolfo Murillo, Fabricio Báez, Michael cuyo apellido no recuerdo (Ex bajista de Letalia) y mi persona Albio Sánchez. En esa época tuvimos conciertos en el IUJEL y en fi estas de amigos, la mayoría de temas eran versiones y un par de temas originales. Después de un tiempo quizás dos años después ingresa en el bajo Leo Sergal y la banda comienza a trabajar más en temas originales, los conciertos eran cincuenta por ciento de versiones y cincuenta por ciento de temas originales. Debido a sus estudios de arquitectura sale de la banda Fabricio Báez e ingresa Frank Mota en la guitarra. Graban su primer sencillo “Almas negras” de leo y luego “Solo” de Rodolfo. Son teloneros de Zapato 3 en el círculo militar en esa época, nos presentamos en la Feria de Pregonero en y diferentes locales de la ciudad como Atenas Café, La Mosca y fi estas de amigos”.

G8 fue la primera banda que se presenta en vivo en la radio de San Cristóbal, en el programa Cabina Caliente el cual era presentado los domingos en la noche, en la emisora Imaginación 96.1. Finalmente la banda se disuelve el 96 por la partida de Rodolfo Murillo a Caracas, meses después, en el 97 Albio se muda también a la capital, pero antes participa durante ese año en otro proyecto de esa misma estirpe conceptual: Accidente de carros Naranja.

Accidente de Carros Naranja surge en un nombre inspirado de Andy Warhol el célebre padre del pop art, de una de sus obras: Orange Car Crash, una banda encabezada por mi persona, Ramón Alí Mogollón, yo venía de desempeñarme en proyectos como Obsesion y Tótem Tabú y en un principio de la mano de Jhoel Arellano que formó parte de la agrupación Sexto Sentido, Prófugos, Los Residuos y Triciclo, además contó con extraordinarios músicos de estas tres bandas precedentes en el arte de la infl uencia: Albio Sánchez de G8, Walter Trujillo de Antes de la línea, Greys Hernández, de la Flor del África y Frank Mota de G8. Éste mismo proyecto luego asumió la denominación de La Diosa Salvaje para la presentación en los Conciertos en Secuencia Directa, organizados por la Mega 102.1 y por Johan Parilli.

La Diosa Salvaje tenía la intención de ser un colectivo como el de Jean Paul Bluey Maunick de Incognito, un gran Jam de músicos Acid Jazz en torno a cualquier tema. En él se suman Rosendo Peña en las baterías, Myrni Duque en la percusión, continúa Frank Mota en guitarras y José Ángel Cavallín en teclados.

Jhoel Arellano recuerda esa época como parte de un gran crecimiento musical: “Bueno esa época fue brillante, me acuerdo que empezamos a tocar juntos aquí en mi casa, por tres y cuatro meses y no teníamos baterista, probamos trescientos bateristas con muchos estilos, muchas tendencias, tuvimos muchísima paciencia, teníamos un montón de buenos temas, que casi todos eran tuyos, al final logramos concretar a Albio Sánchez, que fue como llegar a la cumbre de una montaña, porque era un músico que ya tenía toda una trayectoria en el Estado con G8, y que entendió el feeling de la banda y se armó un trío que logró tocar así como trío y sonar contundente, que hoy muchas bandas necesitan seis músicos, ocho músicos y nosotros sin ser los mejores músicos del momento logramos hacerlo porque había una comunicación entre los tres, para el momento y entendimos los temas, por eso se pudo hacer conciertos de esa forma, también hubo grandes conciertos como los que hicimos con violines, con la participación de Lotto y Hessay, eso fue también muy bueno.

Pero también lográbamos sonar los tres solidamente, tocamos alrededor de tres años y logramos ser respetados por los músicos regionales por primera vez, porque yo toqué con Sexto Sentido y con Residuos, pero eran dos propuestas que no lograron esto, una era una propuesta muy pava, que entre los músicos no era una propuesta respetable entre los músicos de la ciudad, era una propuesta que era para la masa, no se que, y la otra era una propuesta política agria, con muy poco de musicalidad, para aquel momento, ahora ya los Residuos tienen otro tipo de concepción musical, sus músicos son músicos profesionales, leen teoría y solfeo, son académicos, pero para aquella época en que yo participé era muy agrio, tres tonos, entonces yo no había conseguido quizás ese respeto como músico dentro de la escena del Estado, ese reconocimiento lo consigo con Accidente de Carros Naranja”.

Sin embargo fueron contados los toques de la agrupación, básicamente tocamos en Café Teatro, en la discoteca El Ángel en Táriba y en eventos como los conciertos en Secuencia Directa, además de fi estas en casas de amigos, donde pudimos realizar espectáculos de alto quilataje, debido a que éste circuito era bastante reducido en cuanto a infraestructura comparado con lo que hoy en día es la movida underground del rock local para presentaciones en vivo, pues en esa época simplemente no se conseguía donde poder tocar.

En cuanto a la psicodelia Triciclo fue la agrupación más importante en nuestra historia musical psicodélica más contemporánea. Triciclo nace en San Cristóbal a principios de 1995, cuando contaban con un repertorio conformado por temas propios y algunas versiones de artistas ingleses y argentinos. Posteriormente, la banda fue adoptando su propia identidad, y complementaron su música con sonidos infl uenciados por la fuerte ola Psicodélica que se desarrolló a finales de los 60 y principios de los 70 en Inglaterra. Esta exploración sonora fue a su vez combinada con elementos actuales, para servir de ambientación a la lírica surrealista y metafórica con toques de poesía que se encarga de describir momentos de amor y sueños.

La banda estuvo conformada por Anecto Paredes en la voz y guitarras, José Antonio Varela en el bajo, Miguel “Yupie” Cantando en la guitarra, Gabriel Roa en baterías, quien luego fue sustituido por Pedro Gómez. Contó entre sus presentaciones más importantes con la participación en 3 giras de Zapato 3, (“Cápsula Para Volar” en el año 96, “La Razón de estar Aquí” en el año 97 y finalmente en la gira “Ecos Punzantes del Ayer” en el año 99).

En Abril del 2000, lanzan al mercado una producción en formato de cassette, titulada “Cosmovisión”, la cual se vio acompañada de una gira por varios locales nocturnos de Caracas, San Antonio de los Altos y San Cristóbal, luego la banda participó en una de las ediciones del ciclo capitalino “Al Ritmo de la Ciudad”, en la Torre Corp Banca en Caracas junto a Repe y Submarino, y realizaron una serie de conciertos junto a Los Oceánicos, en el circuito de locales nocturnos caraqueños.

Desde mi punto de vista Triciclo fue una banda importante por su aporte conceptual, su empeño y determinación, lo cual los llevó a tocar en diversos espacios que van desde los pueblos más recónditos del Táchira a la capital de nuestro país, donde incluso su guitarrista Miguel Cantando, alias “Yupie” fue acreditado con el premio a mejor guitarrista en el Festival de Bandas desconocidas. En su última etapa quedó registrada una grabación sin publicar, con la presencia del baterista local Luís Solano.

Otra banda fundamental entre éstas propuestas lo fue Danza Negra, la primera que edita un CD producido de manera impecable, numerosas presentaciones, un cuidado estético inmejorable y pertinencia visual, la cual se encontraba conformada por Felipe Restrepo en el bajo, Elbano Jiménez en las guitarras, voz y programación, Emmanuel Pascuas también en guitarras y voz, y Luís Solano.

Danzanegra se agrupa en marzo de 2000 con una visión que los aproxima al funk, el acid jazz y el ambient. Se presentaron en diversos festivales y fueron la banda más representativa de este género en la ciudad de San Cristóbal en ésta época. Sus infl uencias iban desde Los Tetas, Jamiroquai, Alex Kid, Kid Koala, St. Germain, Los Amigos Invisibles, James Brown, George Clinton, Medeski Martin & Wood, Incubus, Animal son Wheels, Freestylers, Buena vista social club, Willie Colón, Hector Lavoe, Massive Atack, entre otros… fue una banda multicultural.

Según Felipe “Los andes venezolanos presentan texturas urbanas y culturales que de cierta manera dejan entretejer todas las tendencias que se desarrollan en el mundo. Pero cuando pienso en ellos y en música electrónica no puedo imaginarme unos beats que te alejen de la naturaleza, en cierta manera, todos los que experimentan con música en los andes, tienen unas raíces creativas asociadas con el entorno, hemos crecido con la montaña” Al editar su primer cd de nombre “Brachofunkyexperience”, en honor a ese persona que perteneció al paisaje urbano de San Cristóbal, un buen amigo de la calle. Felipe definió el disco así: “definirlo es explicar mucho de lo que la vida tiene de bella y de funky, es un tipo que existió y permanece de alguna manera en nuestras avenidas, pidiendo dinero y hablando con la gente de lo difícil que estaba y está la vida”.

Danza Negra se encuentra en la praxis disuelta desde hace un tiempo, por los diferentes caminos y viajes tomados por sus integrantes, pero es probable que en cualquier momento puedan regresar a escena.

Las bandas heavys de Pirineos II:

Según Froilán García, uno de los mejores guitarristas regionales Pirineos II y Barrio Sucre fueron canteras formidables de bandas regionales, bandas como Amén, Necrosis, Esfifi nge, Letalia, tienen un circuito que tenía que ver con Pirineos II y Quinimarí, donde se realizaron importantes conciertos. Froilán recuerda ésta época cómo un resurgir del rock local: “Pirineos II ha sido una cantera de músicos, salió Gregory Pino, salió Amilcar Mirabal, salieron los chamos de Esfi nge, con su vocalista Franklin Mora y Erasmo, salió Rosendo Peña en la batería, Ernesto Medina cuando tocaba bajo, Oliver Carmona, a Oliver lo recuerdo muy chamito, a Oliver le llevaré cinco años, seis años, pero en esa época se diferenciaba mucho pues yo tenía 18 años y él 13, yo me acuerdo que él era con su guitarra para arriba y para abajo, él se fue a otra tendencia, o se quedó en otra tendencia que es lo que es el blues, muy muy buen guitarrista de blues, lo respeto mucho por eso. Y otro guitarrista ya que mencionamos a Esfi nge y recuerdo a Rock a Hood es Sherpman. Sherpman es el guitarrista del Táchira al cual usted lo escucha tocando y parece que estuviera viendo a Santana, de verdad que me quito el sombrero con Sherpman, muy bueno”.

Hablando de la gente de Pirineos, cuando estaba en la época mía de Necrosis, hubo una banda en Pirineos que se llamó Neurosis y esa banda Neurosis salió de Esfinge, Esfinge salió al principio de los 90, noventa y tanto, realizaron conciertos en Quinimarí, se presentó también Letalia, se presentaban todas las bandas de Pirineos, Mario Martínez, Rosendo Peña, Amilcar Mirabal, Ernesto Medina, el popular Secas, muy fan de Yngwie Malmsteen, su estilo de guitarra es similar a Yngwie Malmsteen y a Rata Blanca. Neurosis era más de Barrio Sucre, Letalia de Pirineos, Ignorancia con la que yo toqué era de Pirineos también, Necrosis de Pirineos al igual que Neurosis y Esfi nge, y se han caracterizado por ser bandas de Metal, hay mucha gente metalera en Pirineos”.

De ésta manera Froilán se inicia con éstas dos primeras bandas y luego empieza su carrera con proyectos de gente de Pirineos II y otros lugares foráneos, constituyéndose en una especie de referencia del movimiento en aquel sector, ya que era excelente guitarrista y profesor de varios músicos de la nueva generación: “Luego de Jolly Rogers y Fénix vino otra banda que se llamó Amén, “Yo creo”, que era con Halmer Rodríguez, un pana que está ahorita en España que era el bajista y tocábamos ya algo más fuerte que el Heavy Metal, el sonido que ya estaba más o menos de moda en ese entonces, un poquito más Power, ese grupo también duró poco, de allí se formó otra banda muy metalero aquí en San Cristóbal, que eso si era Trash Metal que se llamó Necrosis, en esa época estaba Letalia, ellos tocaban Megadeth, Metallica y nosotros tocábamos Slayer, Sepultura y buscábamos cosas más duras, lo más extremo. También esa banda duró poco, un año, dos años, y de allí me uno con Marino Vázquez, con Jackson, Marlon Chacón, el gordo Marlon de Pirineos II y un pana de Colón que era el baterista, y surgió la primera formación de Guerra Santa. Y antes de esto toqué con otra agrupación llamada antes de Necrosis e inclusive toque con Axa, que fue cuando Abelardo ya era guitarrista y formó su banda que se llamó Axa, donde cantó Abelardo”.

Axa es otra banda importante del rock local, del heavy de la época, liderizada por Abelardo Morales y donde Froilán también participo: “Lo de Axa fue algo casual yo siempre fui guitarrista, y Abelardo y yo siempre fuimos guitarristas desde muchachos, sólo que en las bandas el guitarrista era yo y él era el cantante, eso era lo único, ya cuando nos separamos y Abelardo pues forma su banda y él se convierte en lo que era un guitarrista también, entonces tenía un trío, que era él como cantante guitarrista, un bajista de La Grita, que no recuerdo su nombre y el baterista era Jesús Jaimes, entonces fueron a tocar una vez a La Grita y el bajista no era metalero y yo fui a acompañarlos a ese concierto, entonces yo le dije a Abelardo: “Abi porque yo no toco bajo” y me dice Abelardo: “bueno pero es que tu eres guitarrista”. Y le contesto: “Cual es el problema vamos a tocar bajo, no hay ningún problema”. “Y entré a Axa como bajista. Éramos dos guitarristas, claro yo tocando bajo y él guitarra y ahí volvimos otra vez a Caracas y volvimos a girar y volvimos a tocar en todas partes”.

El Power heavy de los 90:

Dos agrupaciones merecen especial mención en ésta historia en cuanto a los estilos más power y metálicos, se tratan de AXA la banda de Abelardo Morales y Guerra Santa, la banda liderizada por Marino Vázquez y Froilán García. AXA fue una agrupación de power metal que se formó por inspiración de Abelardo Morales, otro de los mejores guitarristas locales, invita a cantar a Yuri Bermúdez en la voz, logrando una alquimia que les permitió marcar parte de nuestra historia del rock regional. Yuri nos explica cómo se termina de consolidar la agrupación: “Ellos ya formados como AXA, propiamente dicho, que era un grupo incipiente. Fíjate AXA se hizo más famoso primero por afuera que aquí en el Táchira, a raíz de su éxito por fuera fue que más o menos le hicieron caso aquí en San Cristóbal, fíjate que Froilán, Abelardo y Jesús que fue el baterista, se fueron a Caracas y yo los veo y me impresiono de la respuesta de los caraqueños ante un grupo andino, eso es impresionante, o sea la cosa fue apoteósica, en el Cine Prensa, y el pana Paco que era el que administraba el Cine Prensa, les dio mucho apoyo, los invitó varias veces, ellos no tocaron solamente allí, tocaron también en otros lados. Pero a raíz de ese viaje yo le propongo a Abelardo: “Bueno pana si necesitan un cantante yo canto con ustedes” y empezamos a replantearnos a AXA, Froilán se va que era el bajista, porque Froilán es guitarrista, entonces él se estaba limitando allí, él empezó con un proyecto llamado Amén, en Necrosis, hasta desembocar en lo que tenemos hoy como Guerra Santa, que básicamente Froilán es el papá de Guerra Santa. Luego a raíz de un concierto que hubo acá, donde vinieron grupos del interior del país, Bután, Acero, otros grupos de Puerto La Cruz, de Puerto Ordaz, uno de los músicos de esos grupos se vino para acá y tocó con nosotros, me refiero al Doctor Oscar Medina, que era psicólogo, y el pana se sumo al grupo, y Jesús se salió del grupo y entró Sergio Gómez de la Vega con quien tuvimos una época muy chévere, tocamos en un AXA más plantado, más estilizado, más definido, era un metal más Power Metal, fuerte pero no era tan Trash y algunas letras si eran un poquito oscuras, como El Llanto del Monje, una canción de Abelardo. Tocamos en el Festival Salvemos el Planeta, ya con Danny Alba en la batería, y estábamos allí junto a Pipote cuatro, Antes de la Línea, Suramérica, Obsesión. Tiempo Zero. El caso es que esa época era ya el cenit, estábamos en lo máximo, cerramos el concierto y fue una respuesta buenísima, después como que quisimos grabar algunas cosas, existen unas grabaciones, no se donde estarán, hay un riel por ahí perdido en uno de esos archivos de Rafael, espero que todavía exista porque sería bueno rescatarlo.

Son como siete canciones de AXA, y buenísimo, un planteamiento que iba desde el power metal, hasta canciones como patea que tiene infl uencias de Faith no more, que era como un rapé heavy, un rap rockero”. Guerra Santa por su parte es una banda con 14 años de trayectoria, se formaron en diciembre del año 1991 y aún hoy permanecen activos. La constancia de Marino Vázquez, locutor y vocalista regional ha sido fundamental en el desempeño de ésta agrupación, a la cual hoy en pleno 2006 retorna Froilán García, después de algún receso. En cuanto a sus inicios Froilán hace referencia aun proyecto más progresivo: “Bueno en los comienzos de Guerra Santa yo ya tenía mi trayectoria como guitarrista, a Marino yo lo conocí también en la época de andar en la calle, cantar, las serenatas y todas esas cosas, Marlon Chacón de Pirineos y el baterista Luis Omar Fonseca, que era el que trabajaba en el estudio. Luego sale Luis Omar y entra Danny Alba que sigue hasta hoy. Prácticamente el único que no ha cambiado nunca ha sido Marino. Yo me retiré un tiempo de Guerra Santa y volví otra vez ahorita a ingresar a la banda. Guerra Santa cuando nosotros iniciamos fue que todo lo que queríamos, lo que soñábamos tocar lo tocábamos, tocamos canciones heavy, fuertes, también baladas como Tu, Hechizo, Sólo, unas baladitas dulces, románticas, un poquito así de la balada del heavy de los 80, pero también en ese tiempo tocábamos música extrema, no trash metal, pero lo que estaba de moda en esa época que era el deep metal o rock progresivo, el metal progresivo, a eso le dieron muchos nombres, nosotros también estábamos en ese perfi l. Tocamos Gillman, Zapato 3, Caramelos de Cianuro, tocamos en el Velódromo, en la Plaza de Toros, nosotros aquí tenemos todos los lugares con presentaciones, donde se halla probado sonido hemos tocado nosotros, Guerra Santa, en San Cristóbal. En Ciudad Zero, en todos los espacios”.

Guerra Santa realizó presentaciones en Mérida donde en el año 96 se hicieron ganadores 96 del Festival Overground y en el 97 del Festival de Bandas Desconocidas en Caracas. Han grabado tres demos: GUERRA SANTA ACÚSTICO `98, PESADILLA ´99 y SEVEN en el 2001. Tienen más de 400 presentaciones en su haber. Vale la pena acotar brevemente a otra agrupación contemporánea, hard rock y también infl uenciada por el sonido post grunge, se trata de Party Animal, la agrupación liderizada por Ernesto Fido y Segua, quienes tocaron en varias oportunidades en El Ángel, Café Teatro, La Hormiga y otros lugares de la época. Grabaron un video con el Cine Club de la UNET y lograron grabar un material inédito.

El Pop Rock de los 90:

La música pop (apócope de popular) es aquella que, al margen de la instrumentación y tecnología aplicada para su creación, conserva la estructura formal “verso — estribillo — verso, ejecutado de un modo sencillo, melódico, pegadizo, y normalmente asimilable para el gran público. Sus grandes diferencias con otros estilos están en las voces melódicas y claras en primer plano y percusiones lineales y repetidas.

Históricamente, la expresión “música pop” no era entendida como un género musical con características musicales concretas. Era, directamente, lo contrario a la música de culto, a la música clásica. Bajo esta defi nición entraban estilos como el rock, el funky, el folk o incluso el jazz. El pop era entendido como ese gran grupo de músicas para la gente de escasa cultura musical. Con el tiempo, el pop ha ido ganándose su acepción como estilo musical independiente, librándose, además, del sentido peyorativo y negativo al que se le vinculaba. Tanto en Venezuela como internacionalmente a pesar de ser un estilo absolutamente híbrido (pop-rock, noise-pop, britpop, electropop…), las clasificaciones más conocidas y aceptadas la magnífica proliferación del pop hace imposible que estas clasifi caciones representen divisiones puras.

En San Cristóbal siempre se dio sobre todo un pop rock, realizado por jóvenes que manejaban cierta información hacia la música más comercial, varias bandas podrían ser insertadas en esta categorización: Passion, Obsesión y Venus de Nácar, cómo algunas de las más representativas de éste movimiento durante la década del 90.

Passion, cómo ya lo habíamos mencionado, fue la banda ganadora del concurso “Se busca una banda”, organizado por TRT con motivo del concierto de Charly García, si calidad instrumental y el atractivo de lo jóvenes de sus integrantes les valió ser merecedores de acompañar al ídolo del rock argento. Ya en éste momento Leonardo Rojo Lorenzo mostraba dotes de virtuosismo, que luego perfeccionó mediante estudios en Berklee College of Music, en Boston. Estados Unidos.

Jhon Mendicoa recuerda esta época como un momento de iniciación musical:

“El inicio de Passion fue aproximadamente en el año 1990, yo en ese momento estudiaba en el Colegio Cristo Rey, pero Oscar Balza que era el baterista de Passion era mi vecino y en ese momento él era el que tenía la idea de formar una banda. Él estudiaba en el Colegio Don Bosco. Roberto Alford fue su vocalista y por su puesto los hermanos Rojo Lorenzo. Tocábamos temas originales y versiones, tocamos con Menudo, Charly García, y teníamos temas como Pasatiempos, la otra era A la orilla del Mar, Sólo tú, y otros.

Formalmente, así que la banda tuvo como más auge fue aproximadamente dos, tres años, hasta el 93. Porque ahí fue cuando ya nos graduamos, en 5to año, la mayoría. Leo se fue para Estados Unidos para hacer un curso de inglés y después el regresó un tiempo, pero volvió a irse nuevamente a Boston, a Berklee, que fue donde sacó su título en performance”.

Passion duró hasta principios del 93, lo demás según Jhon Mendicoa fueron toques esporádicos, que cada vez se hicieron más distanciados, porque cada uno estaba en sitios distintos. En cuanto a los primeros ensayos y experiencias musicales Jhon relata lo siguiente: ”En cuanto anécdotas de Passion, cuando estábamos chamos nos reuníamos a tocar y las primeras veces llevé un cuatro para el ensayo, al principio, cuando Oscar me dice que para tocar el bajo yo no sabía tocar bajo, lo único que había en mi casa era un cuatro, entonces yo para aprenderme las canciones del bajo utilizaba era el cuatro, hasta que después me compré el hierro, las cosas, el bajo y ahí si empezamos, pero al principio sacaba las canciones en el cuatro. Otra anécdota fue que antes de tocar la primera vez en Menudo, que nos tocó presentarnos en las Zapatería Marly en el centro. Creo que fue la primera vez que nos presentamos en vivo, nadie había escuchado ninguna canción del grupo, pero como estaba el furor de la menudomanía, estaban ese poco de chamitas, vueltas locas, y cuando ven a Oscar que era como el más galán y tal, que se peinaba así tipo Angelo, salen persiguiéndonos las chamas después que terminamos de tocar y a Oscar lo agarran las chamas, lo tiran en el capo de un carro y le caen a lata. Se le perdió un zapato, el zapato perdido, y nosotros viendo en el carro por el vidrio como se lo lateaban y nosotros imagínate. Otra anécdota es en una presentación, Oscar siempre fue muy malabarista con las baquetas, en una llegó y tiró una baqueta al público y se la pegó a una chama durísimo en la cabeza, se la sonó pana”. Éste era el espíritu pop de la época, las fans, los temas románticos más dirigidos al tipo balada y un concepto estético muy depurado musicalmente.

Obsession fue la banda derivada de Passion, surgió en 1991 y toca durante un par de años, también manejando éste concepto estético musical. Estuvo integrada por los hermanos José Luís y Andrés Humberto Lorenzo, primos de Leo y José Eduardo Rojo Lorenzo, José Manuel, primo de los cuatro anteriores, Andrés Benítez y por quien escribe ésta historia: Ramón Alí Mogollón, quien entra en un segundo tiempo cuando la banda ya estaba formada. Se ejecutaban esencialmente baladas y algunas versiones un poco más rock de bandas como Van Halen, muy inspirados en el sonido tipo Hombres G, Soda Stereo, etc.

Tocamos en el Festival salvemos el planeta organizado por Omar Labrador, junto a otras bandas de la época como Suramérica, Pipote 4, Antes de la Línea, AXA y Tiempo Zero, en los pabellones. Grabamos igualmente temas que tuvieron cierta difusión en RSC, como “No puedo vivir sin tu amor”, un éxito pop de colegio.

Por su parte La Venus de Nácar es otra de las agrupaciones pop de la década del 90. Nace de otro proyecto denominado Exceso, donde Johan Parilli como director musical, junto a Daniro Monsalve, en un principio, luego entran Gregory Pino y Eduard Barrios logran consolidar un proyecto rock pop bastante interesante para la época. Eduard y Gregory ya tenían anteriormente a Stratos, una banda de rock un poco más pesado de Pirineos II. Johan por su parte venía de desarrollar proyectos musicales en el Colegio Don Bosco y Pio XII, con una banda denominada Rictus.

Después de un tiempo y de consolidar una propuesta estética sonora llegan a éste proyectote Johan dos nuevos músicos José Chacón, otro de los mejores guitarristas locales y Gustavo Castro en el bajo, formando ésta agrupación Venus de Nacar, que además de haber realizado varias grabaciones importantes junto a Carlos Eduardo Arellano, compartió tarima con Franco de Vita y tocó en varios eventos como el Festival de Música Contemporánea en su segunda edición, donde tuvo una mención especial como banda revelación.

La banda además consiguió pegar varios temas en la radio local, tales como Se escapa y Feliz como la Lombriz, hoy en día Johan Parilli se dedica a la docencia musical, con un proyecto de escuela de música contemporánea denominado DATEMUSICA, Centro de Estudios Musicales, donde se forman muchos de los músicos y rockers de las futuras generaciones.

Johan sintetiza su momento estelar con la Venus: “Lo más importante que de momento le sucedió a la Venus fue cuando llegamos a la radio con el primer tema que fue Se Escapa. Realmente eso fue lo que terminó de destapar la olla con la Venus”. Quizás el único detalle de la Venus fue no haber salido del estado a la capital, para Johan fue lo único que faltó. “Ese fue el único error garrafal si se puede apreciar así, porque con la receptividad que tuvimos acá de la gente, habríamos logrado otra cosa importante en la capital. En el Segundo Festival de Música Contemporánea se presentó la banda, tu sabes que en ese Festival en sus dos primeras ediciones no se hacían premiaciones, pero como lo dijo el mismo Hernán Atencio lo dijo en su programa en repetidas ocasiones y el decía: “En el Festival nunca se dan premios, pero este año tenemos que darle una mención especial a Banda Revelación, no sabemos de donde salió, estaban escondidos estos chamos, pero hicieron tremendo espectáculo y nos gustó muchísimo su música”. Hernán era uno de los que les gustaba La Tierra de Gracia, y la colocaba mucho en su programa, porque él también era Ecologista y le fascinaban esos temas, y me contaba Hernán que en ese Segundo Festival estaba el productor de Mulato, que en ese entonces Mulato estaba sonando, nos escuchó y el productor de Mulato le dijo a Hender:

“Chamo mándame a estos tipos para Caracas, porque estos chamos están para montarles un productor, arreglarle unos detalles así y grabarles un disco”.

Hender me lo dijo, me dio el teléfono y todo y yo nunca lo quise hacer, por eso, porque estábamos todos claros en terminar primero la Universidad. Si todos queríamos terminar primero la universidad, y la cosa fue que cuando terminamos todos la universidad… todos se fueron y las intenciones de la banda se disolvieron. Pero fíjate los hitos importantes de la banda fueron, la receptividad de la gente en la radio y la apertura que tuvimos en la gente, oye la gente compraba los discos de nosotros, yo los vendía los cassetts como pan caliente, porque en la universidad católica siempre me compraban bastante”.

El punk sancristobalense:

Hablar del Punk es hablar de ese movimiento contracultural que se dio en nuestra ciudad a inicios de los noventa; paralelo a la onda del rock del español y del heavy metal; que en nuestra ciudad se confundió en una única estirpe de seguidores, reunidos siempre en El Ángel de Barrio Obrero y donde nunca se presentaron divergencias entre unos y otros, a diferencia de Caracas, en donde los punks y los anticristos luchaban por los espacios urbanos. En cuanto a las bandas podemos mencionar varias referencias, Basura Nacional, Me río del sistema y muchas otras, pero de todas éstas una se mantiene, adhiriéndose a una causa política específica:

Los Residuos. Jhoel Arellano lo expresa claramente en la siguiente síntesis: “Esa fue una época bella, una época llena de respuestas para muchos y de preguntas para otros también y aparte de eso tampoco fue un movimiento punk, o sea era un grupo de gente que se sentía quizás sin lugar, sin un lugar y se congregaron allí, pero había gente que lo que le gustaba era la música de los 60 70, había gente que le gustaba el punk, había gente que le gustaba el metal, mucho metalero, había gente que le gustaba el hardcore, y es interesante por que en las grandes ciudades eso no sucede. Los metaleros tienen rollos con los que escuchan hardcore, los que escuchan hardcore tienen rollos con los que escuchan punk.

En cuanto a las beligerancias que el punk pudiera suscitar por su fi losofía, Joel Arellano nos confirma las características pacífi cas del movimiento, que a excepción de los llamados “pavos o sifrinos”, (quienes buscaban peleas en la época), no se caracterizó por ser un movimiento de violencia: “Aquí no, aquí había una unión una cosa tolerante, tampoco era muy unida pero estábamos todos allí juntos y muchas personas de allí han conseguido cosas importantes en el plano de la comunicación, de la literatura, de los medios audiovisuales y de la música y otros ya están fallecidos”.

Es indudable que la banda más importante de éste género es Los Residuos, por sus filas pasaron su líder Freddy Ñañez alias Chucho Punk, que luego se volvió militante chavista, Onasis José Marcano alias Pepe Grillo, Carlos Villa: el Abuelito de los Monstruos, y Romero un guitarrista de Colón. Jhoel recuerda ésta época como un cambio permanente de músicos y roles: “Los Residuos surgen de este grupo que se llama Me río del sistema, que cambia el nombre, a Residuos. El líder absoluto de los Residuos siempre ha sido Chucho Punk: Freddy Ñáñez, de hecho el nombre me río del sistema era un nombre que se había barajado ahí entre varios, y él consideró que era un mejor nombre Residuos y convenció a todos de que ese era un mejor nombre y ahí se cambia a Residuos, que bueno empieza su carrera en ese momento.

Yo quería seguir haciendo Hardcore, y me uno con unos músicos muy malos de la ciudad. Allí se encontraban el poeta que se llama Onasis José Marcano, alias Lenín Pepe Grillo, que a veces aparece por esta ciudad, y hace desastres y se desaparece de nuevo, él era el cantante. Carlos Villa: el Abuelito de los Monstruos, que formó parte luego de Los Residuos, ahorita está en Nicaragua haciendo documentales para televisión, él era el bajista y yo tocaba batería, en ese grupo, un muchacho de Colón que se llamaba Romero tocaba la guitarra. Y bueno hicimos dos o tres toque nada más, muy mal elaborada la música, las letras eran mucho más groseras y mucho más duras, era un colmillo al piso, de verdad. Ese grupo tuvo dos o tres cantantes, no conseguíamos ni siquiera calar dentro del público que le gustaba la onda Punk, porque ese público es y ha sido en San Cristóbal siempre de Los Residuos, ha sido el grupo que ha podido capturar siempre a ese público.

Yo toqué con Los Residuos hasta el 94, luego me salgo hago muchas cosas que no terminaron de concretarse y en el 96 volví a los Residuos como bajista, porque no tenían bajista, tocaba Beto Ravelo, que fue bajista después de mi en los Residuos por más de tres años y él se sale del grupo, y habían unos compromisos y yo asumí el bajo para saldar esos compromisos. Luego de que yo me salgo de los Residuos ingresa El Abuelo, ingresa otro bajista que se llamaba Javier, es muy loco porque tocaban los dos, uno tocaba cinco canciones y el otro tocaba cinco canciones, era un grupo con dos bajistas. Los Residuos han tenido muchísimos bajistas”.

Pero es importante destacar la permanencia de Dennis Rana Max, quien a pesar de hacer empezado tocando la guitarra, ha sido su músico más prolífico, quien además se dedicó a la parte académica y quien aún hoy en día forma parte de la agrupación. Otro personaje y amigo inolvidable y parte de la esencia de ésta banda es su baterista David Dávila alias Bobí, quien fue el baterista más emblemático de la agrupación. Además al final de la carrera se contó con otro músico destacado Alejandro Sepúlveda, colega comunicador social y músico profesional de la Orquesta Sinfónica donde ejecuta el contrabajo.

En cuanto a ese cambio de integrantes que está presente hasta el día de hoy Jhoel nos comenta: “Ahora está un muchacho que se llama Diego que fue baterista de un grupo que tuvo Felipe que era Basura Nacional, creo. Lo cierto es que yo he estado a los Residuos desde su inicio, lo vi nacer, estuve en la mitad del camino de los Residuos y ahora cuando pareciera que Residuos tienden a desaparecer, también culminé tocando con los Residuos, siempre he estado relacionado con la banda a pesar de que estaba haciendo cosas contrarias a lo que los Residuos proponen.

En cuanto a Residuos como banda con un planteamiento político de izquierda, rechazados por algunos anarquistas, calificado como acertado por otros, Jhoel Arellano nos señala lo siguiente: “ Lo anterior es una cosa que es muy particular porque al principio incluso el tema de los Residuos era ir en contra de las tradiciones, de lo establecido, era una contracultura, y es muy extraño, porque yo ahora soy fundador y presidente de una fundación que promueve el rescate cultural y el mensaje de los Residuos también cambió porque era en esa época un mensaje adolescente y ahora es un mensaje un poco más maduro, un poco más consciente de la realidad y se transformó asumiendo un papel político, que puede hacer que la banda se proyecte quizás más en Venezuela o puede hacer que la banda desaparezca, eso es un arma de doble filo”.

En el punk local la infl uencia de los Sex Pistols, The Clash, La Polla Records de España se hacen sentir. Medios impresos como El Libertario, espacios tomados por las nuevas generaciones para la automutilación con finalidad estética, cuestionando todo lo que le rodeaba, con un desprecio por las modas y la manipulación mediática, defendiendo los principios de igualdad y de equidad, producto de los estragos postindustriales, también se hicieron sentir con irreverencia en la comunidad san cristobalense.

El Estudio demolido.

El Estudio de la 19 de Abril, de Rafael Giordanelli fue uno de los baluartes más importantes del rock regional, dudamos que en Los Andes Venezolanos haya existido o exista una estructura que se le pareciese. Fue un aporte fundamental de Rafael Giordanelli al Rock de San Cristóbal, ya que fue el primer estudio de grabación de rock, de tipo público, con una excelente infraestructura y sala de ensayo que ayudó a que la Industria Cultural del Rock Regional fuera registrada.

Rafael nos comenta de su historia: “Mira realmente, no me estoy echando méritos yo, pero El Estudio duró 10 años y por ahí pasaron Ramón Alí, todos los músicos y fue una escuela muy fuerte y muy adelantada a la época y era una casa con todas las comodidades, eso fue una locura antes de tiempo, como también después fue una locura Ciudad Zero también. Todo empieza por una amigo mío que se llama Ramón Hernández, no era ni bajista, ni sonidista, ni nada, pero era un señor que cuando se mete en algo logra meterse intensamente, intensamente, cuando yo fui a Caracas, le dio el capricho de la grabación y a él le compré los equipos de grabación, él fue el que me enseñó a grabar, él fue el que me transmitió la pasión, yo sólo pensaba grabar a mi grupo más nada, yo me compré los equipos para sólo grabar mi grupo, empecé a grabarme a mi mismo y luego seguí yendo a Caracas y ellos tenían tremendo estudio en las Mercedes, con Beto, el famoso James Capella, que era un músico demasiado fuera de nivel, y cuando yo vi lo que era la vida dentro de un estudio, el ambiente de ellos que no salían como un submarino, dormían allí, amanecían, entraban grupos a grabar, ensayar, vi esa dinámica y ese submarino y pensé: cónchale esto es lo que yo quiero, tiene el habitad para mi, estar dentro de un estudio encerrado y solamente salir a tocar, volver al estudio y salir a tocar. Yo estaba entregado. Me motivó mucho, mi papá, fue un mecenas, una bendición, me dio una casa y me dijo, toma lo que quieras con ella, la llenamos de aparatos y se formó el estudio. Motivado por este estudio de Caracas y por mí amigo”.

El Estudio se forma tiene algunas remodelaciones que perfeccionan su dinámica de grabación, adquiere la última tecnología en registro ADAT y fue una vanguardia donde todos los músicos tuvimos la oportunidad de ensayar y grabar. Porque era la dinámica de las bandas, donde había una pizarra donde se apartaban las horas de ensayo. Y él mismo tuvo dos épocas, la primera más sencilla y una segunda época del estudio con mayor tecnología e incluso un bar para las bandas, varias bandas regionales grabaron allí y fue un punto de encuentro para el rock regional. Rafa rememora dicha época “Toda la historia del rock regional pasó por allí, cuando lo desarmamos, y se llevaron los pedazos, sentíamos que se iban los pedazos de una historia. Y terminó con que yo de repente me armé muchísimo, logré tener todo lo que necesitaba un estudio, y te digo que fue un estudio de grabación de primer orden, de grabación, no era un estudio de matrizaje todavía, en las mezclas teníamos mucho que aprender, pero en las tomas estábamos excelentes, los salones todo y El Estudio se acaba cuando termina de grabar Tiempo Zero al fín, en el 97. El estudio empezó en el 87 y terminó en el 97, prácticamente con Tiempo Zero. 10 años.

Cuando cierra el estudio estaba armadísimo y la ópera última fue la grabación de Tiempo Zero con alrededor de 18 temas, excelente nos quedó el trabajo y 94 era para nosotros importante, duramos metidos aproximadamente 4 meses, encerrados y grabamos todo el material, gracias a Dios eso está allí, pendiente de publicarse en algún momento, de editarse. En el 97 que terminamos de grabar, pasaron muchas cosas, mi papá había acabado de morir, a mediados del 95, mi hijo nació en el mismo momento, en el 97 tuve yo un atentado de secuestro allí en el estudio y en el 97 se me metió el veneno de hacer el disco y de no tocar hasta no tenerlo, y después se me metió el veneno de hacer un local mucho más grande, para ahora no preparar y equipar el estudio, no era una cuestión de preparación, sino de salir, y me dije bueno ahora vamos a salir de la concha, preparé Ciudad Zero, para que igualito como todas las bandas pasaron por allí a grabar y a prepararse, ahora salieran a exhibir el material, las que son de afuera y las de aquí. Entonces hice un gran palco que se llamó Ciudad Zero, con todas las condiciones acústicas, me llevé todo el estudio para allá, para que allí pasase una gran cartelera nacional e internacional, y de hecho se hizo y se ha hecho”. Ciudad Zero también fue demolido al tiempo. La falta de continuidad en los proyectos Giordanelli son la principal crítica a su trabajo.-

El resto del Estado.

En el resto del Estado Táchira se dieron también manifestaciones musicales muy interesantes, el caso de la agrupación Mangle en Rubio. Yuri Bermúdez precisa información acerca de la interacción con ésta banda de Colón: “Bueno en la misma época de AXA, había un grupo en Rubio llamado Mangle, esos panas eran los sesenteros y setenteros de la época, hacían versiones de Neil Young, y hacían versiones de rock de esa época, no recuerdo si tenían música original pero lo hacían bien, tenían mucho feeling los panas, ellos vinieron para acá en la época de El Estudio y estuvimos compartiendo un rato con ellos. En cuanto a Colón hay un pana que organizó varios conciertos en el Gimnasio de Colón, nosotros estuvimos allá con Guerra Santa y no recuerdo con que otro grupo, y sonó buenísimo, era parte del circuito del conciertos”. San Juan de Colón se caracterizó por tener un público muy rockero y con muchísima información, varias bandas locales viajaron a varios Festivales, tales como Rock a Hood, entre otras.

Pirámide fue la banda de Michelena, quienes participaron en el 3er Festival de Música Contemporánea y su guitarrista Ivanovich se acreditó el premio a mejor ejecución. Ese fue el primer Festival donde se otorgaron premios y Pirámide era la banda con mayor inversión e infraestructura, tenían incluso una camioneta van propia que los transportaba hacia los conciertos.

En cuanto a agrupaciones de La Grita, Seboruco, Pregonero u otras localidades regionales no hay mayor conocimiento, de hecho el movimiento en el interior del Estado fue muy incipiente. Eran las bandas de San Cristóbal las que iban a presentarse en éstas locaciones. El caso de Triciclo, quienes tocaron en casi todos los pueblos del Estado Táchira, Sexto Sentido y G8 en las Ferias de Pregonero, Guerra Santa en Colón y varias localidades más, etc.

La nueva generación de bandas. Año 2006.

Hoy en día continua una nueva generación haciendo música, es el caso de LEECH, los antiguos Death Abstein and the Genius Machine, liderizados por Daniel Soto, quienes fueron la primera banda regional en llegar al Festival Nuevas en Caracas, luego de un comunicado publicado por Ruidoza, el medio de difusión del rock de la Cadena Global, perteneciente a la Cadena Capriles vía web, donde se criticó duramente la posición preferencial de la FNB con algunos proyectos del Estado Mérida y el monopolio de éste estado en la realización de las finales del Festival Nuevas Bandas Los Andes, además de la posición de desatención a los proyectos locales, en la llamada Declaración de San Cristóbal, redactada por éste servidor y publicada por el periodista Luis Villapol, además de apoyada por los a bajo firmantes, trascribimos su texto para una mayor comprensión:

“Hace días mientras me encontraba en la querida cuidad de San Cristóbal luego de mi visita a Colombia, un grupo de amigos de la movida musical de dicha ciudad, me hicieron llegar una carta donde manifestaban su descontento hacia la Fundación Nuevas Bandas, la cual me parece interesante publicarla para que el señor y Presidente de dicha institución Félix Allueva, tome en consideración el malestar justificado de un grupo de personas de tan importante ciudad andina, la cual detallo a continuación:

Declaración de San Cristóbal

En reunión efectuada el día lunes 9 de junio, quienes suscriben este documento, con el apoyo de los abajo fi rmantes, reivindicando la historia de la industria cultural del rock en el Estado Táchira, como consecuencia de lo acontecido el sábado 7 de junio en el Festival Nuevas Bandas Los Andes, efectuado en la ciudad de Mérida, declara:

1. La reafi rmación de nuestro apoyo y aprecio por el trabajo realizado por la Fundación Nuevas Bandas presidida por el señor Félix Allueva, quien ha desarrollado un trabajo de gerencia cultural loable por más de 13 años en pro del desarrollo de la Industria del Rock en Venezuela.

2. Reconocer y felicitar a la agrupación Stake ganadora del Festival Nuevas Bandas Los Andes, por su nivel interpretativo y merecida trayectoria. Así como felicitar a las bandas participantes, pues cualquiera de ellas pudo ser reconocida como ganadora.

3. Cuestionar el orden de selección para el orden de presentación de las bandas, el cual fue impuesto por el equipo de producción y no se efectuó por sorteo.

4. Cuestionar la ponderación del jurado, por todos desconocido e integrado por personas del Estado Mérida, lo cual afectó el criterio objetivo de elección, el pluralismo e imparcialidad.

5. Cuestionar en consecuencia la no presentación de los jurados, ni el conocimiento público de los parámetros de elección.

6. Cuestionar los problemas de imparcialidad en la producción, referidos específicamente al sonido, el cual fue realizado por el técnico de grabación del disco de Stake. Subrayándose lo anterior en detrimento de las otras bandas participantes, quienes presentaron problemas serios de sonido.

7. Cuestionar el hecho de no aceptar ningún tipo de asesoría técnica, por parte de ingenieros de sonido y técnicos para las otras bandas.

8. No aceptar la centralización de la Coordinación de la Fundación Nuevas Bandas Los Andes en la ciudad de Mérida.

9. Proponer la Coordinación Plural en cada Estado de la región Los Andes y plantear una Sede Rotativa, donde se pueda conjugar el trabajo mancomunado de las coordinaciones.

10. Proponer la delegación de dichas actividades de elección a representantes de los tres Estados involucrados (Táchira — Mérida y Trujillo), junto a otras personalidades del centro y oriente del país con reconocida trayectoria en el desarrollo de la industria cultural del rock en Venezuela.

11. Desconocer al Sr. T.S.U. Juan Pablo Jaimes como Coordinador de Eventos del Capítulo Táchira, por su probada incompetencia e incapacidad, que además de no tomar en cuenta los requisitos de la Fundación Nuevas Bandas, busca exclusivamente un lucro personal, faltando el respeto al trabajo de las bandas locales, sin importarle de manera real el desarrollo de la Industria Cultural de la Música Contemporánea de la región.

12. Reconocer y agradecer el apoyo del numeroso público de San Cristóbal, el cual asistió en una media considerable, ha dicho evento.

13.- Agradecer la solidaridad de los compañeros integrantes del colectivo Los Andes Electrónicos.

14.- Proponer al Comunicador Social, Pedro Gómez Sandia, como Coordinador de la Fundación Nuevas Bandas Capítulo Táchira.

15.- Expresar la negativa de las bandas de San Cristóbal y el resto del Estado Táchira, refrendado por los abajo fi rmantes, en lo atinente a la participación en Eventos de la Fundación organizados por el Sr. T.S.U. Juan Pablo Jaimes. Músicos, docentes, productores, locutores, comunicadores sociales y técnicos de sonido, agradecemos su atención a estos planteamientos, quienes suscriben:

Prof. José Chacón (Cátedra de Guitarra Eléctrica DATEMUSICA-Centro de Estudios Musicales), Lic. Jairo Osorio (Director Fundación Cultural BANFOANDES-Banco de Fomento Regional Los Andes), Lic. Ramón Alí Mogollón Trujillo (Cátedra de Periodismo Cultural- Universidad de Los Andes Táchira), Joel Arellano (Presidente Fundación Tres Cantos), Lic. Felipe Restrepo (Programa El Gheto-Mega 102.1 y agrupación Danza Negra), Lic. Pedro Gómez Sandia (Programa El Enlace-Mega 102.1), David Dávila (agrupación Los Residuos), Elix Monsanto (agrupación Tha Chewbacca Project), Santiago Pérez agrupación Radio Tigre Internacional), Ing. José Ángel Cavallín (Cavallín Studios), Loc. Eduardo Moncada (Programa Pínchalo en Español-Mega 102.1), Ramón Hernández (Programa Global Tempo), Gerson Alvarado (agrupación Tha Chewbacca Project) y las agrupaciones Neotribu, Acid Joint, Alucinación Negra y Sigma”.

El anterior comunicado denominado Declaración de San Cristóbal tiene gran peso histórico, ya que es la primera vez que las bandas locales asumen una posición común en defensa de sus intereses y proyección de la industria cultural del rock regional. Lamentablemente las relaciones con la FNB no han tenido un carácter realmente institucional desde la primera vez que contacté y tarje a San Cristóbal al Sr. Allueva en el año 2000, por ello apoyamos lo expresado por Eric Colón al referirse a la FNB como un proyecto unipersonal y viciado de la autocracia que caracteriza a todas las instituciones públicas nacionales. Acá por falta de coordinación y por quererse abrogar el título de ser el agregado cultural de está empresa personal, con motivo de montar un evento, Alexis Mora o Hernán Atencio precipitaron esta falta de coherencia, que luego se vio acentuada en la gestión de Juan Pablo Jaimes. Hoy en día se cometen algunos errores, seguimos viendo éste pequeño certamen como un evento más, con fines estrictamente comerciales y no de proyección. Eduardo Moncada hoy en pleno 2006 como su representante insiste en algunas deficiencias, tratando de mejorar otras.

Continuando con la historia más reciente de los nexos de San Cristóbal y el

Táchira con la FNB Twamb acaba de ser elegida la banda ganadora del Circuito Nuevas Bandas Táchira, esperamos pueda llegar también a la capital, NIPLE el año anterior no corrió con la misma suerte. Ya han sido cuatro las bandas que hemos enviado a éste FNB Los Andes: Tha Chewbacca Project que fue la que sufrió el inconveniente en Mérida, LEECH que pudo ganar el FNB Los Andes y participar en Caracas. NIPLE el año pasado sin ningún resultado y éste año nos representará Twamb.

Así como existieron proyectos rock en los 90 cuya vida útil fue algo efímera, tal es el caso de Nébula, Trauma, Ente, Restos de Nada, Las Rosas Negras, Overtime, Sinestesia. Entre los nuevos proyectos y otros que vienen desde inicios del 2000 podemos mencionar que son un tanto más constantes aunque algunos hoy ya no existan, hoy tenemos a Templo de Nadie, NIPLE, Acid Joint, Alucinación Negra, Neotribu, las más recientes Twamb, Dextrin, Dracko, Input, Natura y los amigos de Ziembra que ejecutan una onda más enfocada el Hard Rock.

Proyectos electrónicos:

La electrónica también ha estado presente en éste contexto creativo conceptual local. Podemos mencionar a algunos músicos radicados en Caracas de origen tachirense como es el caso de Microestudiosantacruz, integrado por Juan Carlos Espectro, ChuchoDuque, Greys Hernández, Walter Trujillo, Albio Sánchez, Frank Mota y tantos otros músicos derivados del arte de la influencia.

Audiosuites, también fue otro proyecto donde Chucho, Greys y Walter lograron grabar un material bien interesante, que luego derivaría en Wally Mix, el cual se estuvo presentando en vivo en nuestra ciudad.

Tha Chewbacca Project, es otro antecedente, liderizado por Elix Monsanto y Gerson Alvarado fue un proyecto de vanguardia con una propuesta muy interesante y global, la cual deriva en Radio Tigre Internacional, proyecto donde Elix Monsanto y Santiago Pérez alias Dj Pan de bono, que junto a Jhonatan Montoya en secuencias y tres músicos de trayectoria José Ángel Cavallín, músico local egresado del Taller de Arte Sonoro, a quien se le debe la grabación del disco, Joel Arellano y José Chacón, grabaron está ópera prima gracias al apoyo económico de Juvenal Branger como productor.

Páramo Sound System con presentaciones en el 2006 en Lo2 Chill Out, en una fiesta junto a Barbosa de lo más reciente de Los Andes Electrónicos. Músicos de alto quilataje como Chucho Duque en la producción musical y guitarras, Frank Mota, Joel Arellano, Eybar Serrano, Luis Solano, Rosendo Peña, José Ángel Cavallín, han participado. Contamos con la grabación de un demosound próximo a publicar y un video en rotación en PUMA TV.

Todos estos proyectos utilizan las nuevas tecnologías aplicadas a la música. Programas de elaboración de secuencias como Reason o Fruity Loops, registro en tecnología Pro Tools, Cubase, SONAR, Cakewalk, etc., y por su puesto la tecnología MIDI como apoyo.

Ésta es la historia que se escribe y se reinventa en la historia personal de cada músico, cada oyente, cada espacio, cada evento día a día. La historia de parte de nuestro sincretismo cultural como tachirenses y venezolanos. La historia reciente del comportamiento de las nuevas generaciones, de los espacios urbanos como red de comunicación, de la cultura y la comunicación, fundamentadas en la antropología y la sociología, en la etnografía, en la investigación, que es un eslabón más de otra historia, que puede ser escrita por ustedes.

ANEXOS

Buscando las huellas de la escena local. Algunas Entrevistas Concluyentes.

“ Sólo es la luna y el viento

sólo es un libro un espacio en el tiempo

cada segundo de paz es mejor

que voltear las esquinas buscando un alud

cada segundo de paz es mejor

cada lágrima del amor

leves suspiros de almas que van

más allá de la vida

un soplo de mar”.

G8: Solo.

Rodolfo Murillo.

Así como Rodolfo Murillo, músico y compositor de G8, quien hoy en día nos acompaña y sigue creando desde otro plano espiritual, escribió esta letra cargada de poética y musicalizad la cual resume el momento epocal de la San Cristóbal de inicios de los años 90; en este capítulo encontraremos los principales eslabones de una historia que es parte del inconciente colectivo de varias generaciones.

En el mismo realizamos una investigación de tipo etnográfi co, que bien podría evocar a Bronislaw Malinowski, padre de la antropología social británica y de la escuela funcionalista, en donde aplicamos una serie de entrevistas a buenos amigos que escriben día a día este maravilloso camino del rock and roll.

Utilizamos la entrevista como herramienta fundamental de recopilación de datos, y tal cual lo señala Malinowski en su trabajo realizado en las islas Trobriand, entramos en estrecho contacto con los sujetos de estudio, efectuando una comunicación en su propio argot y aplicando técnicas y estrategias basadas en la antropología de nosotros mismos, tal cual lo realizó el movimiento Mass Observation, siguiendo los parámetros de Charles Madge y Tom Harrisson. La Entrevista, como por todos es consabido, es el género periodístico más conocido y difundido el cual forma parte del bagaje técnico obligatorio del periodista, pues gran parte de la información se obtiene por este medio, es además un método de investigación que utilizan también otras disciplinas sociales conexas a esta investigación, como la antropología, la sociología o la psicología. Nuestra metodología de aplicación se basa en la transcripción textual de un diálogo con los personajes protagónicos de la historia del rock regional, con el objetivo preciso de que las respuestas de estos sean conocidas por el lector y sean referencia clara e ineludible de las anécdotas, circunstancias, evolución, giros estéticos, palimpsestos y resonancias mórficas.

1. Rafael Giordanelli. Viviendo en la Loma del Viento.

Rafael Giordanelli nace el 01 de enero de 1957 en San Cristóbal Venezuela, Hijo del Dr. Filiberto Giordanelli, quien fuera Cónsul de Italia en San Cristóbal por más de treinta años, abogado, intelectual y columnista reconocido. Nuestro amigo por todos conocido como Rafa, estudió Humanidades en el Colegio Juan de Maldonado y egresó de él en al año de 1974. En el 80 se gradúa como Licenciado en Educación mención Ciencias Sociales en la Universidad Católica Andrés Bello. Se desempeña como locutor y por supuesto como músico y poeta urbano. Estudio en la escuela de Música Miguel Ángel Espinel), y participó como escritor de poesía en el Taller Literario Zaranda.

Rafael se ha desempeñado como profesor de Yoga y Gimnasia Psicofísica de la Gran Fraternidad Universal A.C. 1973–1980, además de haber sido docente de materias humanistas en el Colegio Libertador y en el Liceo San José de Bolívar.

En cuanto a su Experiencia Artística:

Por todos es conocido su talento como cantautor, compositor y guitarrista. Fundador y propietario de “El Estudio” y “Giordanelli Publicidad Musical”, ambos estudios de grabación y música publicitaria, Sala de Ensayos y producciones musicales. Fundador y líder de los grupos musicales AXIOMA y TIEMPO ZERO, con más de quince años de experiencia en escena.
Además Rafael se desempeña actualmente como productor de eventos y espectáculos nacionales e Internacionales desde 1991, fundador y propietario del proyecto CIUDAD ZERO, Sala estable de presentaciones musicales y artísticas (2000- 2002 y retomada en el año 2005). Además de haber sido productor y conductor del programa de televisión del mismo nombre trasmitido por Televisora Regional del Táchira durante los años 2001–2002.

- ¿Coméntame Rafael en qué año empezaste a tocar y cuándo comenzaste con esto de la iniciativa del rock?

Yo empecé a tocar a finales de los años 70, aproximadamente 78–79, muy ligado al arte, fue una invitación que atendí de Carlos Eduardo Arellano para hacerle la música a una obra que se llamaba “Tu mismo tú” que montaron en la UNET con el fallecido Rafael Daboín, esa fue la primera vez que me subí a un escenario.

- ¿Y cuándo empiezas tú a agarrar la guitarra, a empezar a investigar el mundo de la música por iniciativa propia, tuviste algunos maestros?

Lo que pasa es que en San Cristóbal, a pesar de que estábamos aislados, nos llegó bastante la onda de la música, los cambios generacionales de los 60, se sintió ese eco, esa reverberación aquí en San Cristóbal, yo cursante de bachillerato, puede ser tercer año, segundo año apenas, escuchaba grupos que ya existían en San Cristóbal, estamos hablando de los 70, 73 aproximadamente, 72 principios de década, entonces escuchar esos grupos en persona, saber que ensayaban aquí cerca de la casa y que tocaban temas de discos que uno conseguía como Cream, como Yardbirds, como Jimmy Hendrix inclusive, Eric Clapton, entonces escuchar eso en vivo aquí me abrió la cabeza de entender que si se podía hacer, antes era como un mito, una cosa muy lejana, esos grupos, esos dioses, al escuchar las versiones, (de ahí la importancia de los versionistas), tan cerca, nos dimos cuenta de que era humano y era posible y era fácil, entonces eso por supuesto que motivó.

- ¿Cuándo empiezas con el rock a finales de los 70 qué bandas ya estaban consolidadas, y cual es tu memoria de lo que fueron las primeras bandas aquí en San Cristóbal?

Yo personalmente escuché tres bandas solamente, creo que eran las que existían, la que más me impacto se llamaba The Second Edition, La Segunda Edición, las bandas se llamaban en inglés y todo el mundo cantaba en inglés y generalmente se hacían versiones, era poca la parte en español, pero esa banda fue la que más me impresionó, estaba integrada por Omar Medina, Enrique Villafañe en algún momento, Marcos Delgado, también Dimas Urdaneta estuvo en algún momento, y la persona que murió, el cantante, que se llamaba Cárdenas, entonces ese grupo yo lo escuche cantando ese tipos de canciones y era pues muy ácido para la época, estaban conectados con California, con todas esas cosas, tenían equipos de las marcas que conocemos, Fender, Gibson, todas esas cosas, estaba muy adelantado, estamos hablando de comienzos de los 70, esa era la onda rock y de ahí marcó las dos tendencias, la otra tendencia más pop o más comercial que se llamaban The Thunders y también The match box. Este grupo Match Box, su cantante logró llegar a Venevisión en los 70, él se llamaba Max, entonces él llegó a Venevisión y le echamos broma porque lo hizo famoso versionar en español Lluvia y Lágrimas de Demis Russos y en esa onda se disparó él, pero cónchale para esa época llegar a Venevisión aunque fuera el lado comercial, era un logro, entonces habían motivaciones, en el caso mío había motivación, aparte de que se conseguían en lugares insólitos como el CADA discos setentones, llegaban cosas como Stephen Block Booster, cosas así de raras llegaban no se porque a San Cristóbal y esas películas que después aparecieron como Woodstock, como Bangladesh, como la gira de Joe Coker, llegaban a San Cristóbal, entonces sí no se de que forma pero llegó ese material cultural a San Cristóbal y nos motivó.

- ¿En esa época ustedes fueron precursores e investigadores, me dicen que ustedes incluso viajaban a buscar nuevas tecnologías como el distorsion, fue en la época de la revolución de los inventos sonoros, caracterizándose por tener instrumentos de calidad?

Bueno, quiero aclarar, la época que te estoy nombrando, fue la época que yo vi, pero no participé, yo era solamente un observador, pues yo estaba muy pequeño o era muy adolescente, entonces te estoy hablando de los 70, esa época pues yo no la viví como músico sino observaba y ciertos grupos estaban armados como te estoy diciendo porque normalmente los liderizó siempre alguien que podía tener dinero y acceso cultural y viajaba y traía de esas cosas, en el caso de estos artistas. Luego cuando yo subo, ya son los 80, ya yo me monté en el 81 aproximadamente, ya con bandas, y aquí no se vendía nada, la escena del rock estaba mucho más atrás, una tienda de música no existía, se vendía en las casa japonesas, donde aparecía una guitarrita sin marca, ese tipo de cosas, batería no tenía nadie, ósea, eran los combos que existían, lo combos, las orquestas, por ahí había uno que tenía timbales y un bombo y era lo que más se parecía a una batería y uno trataba de que tocara con uno, aunque no tocara nada porque tenía instrumento, ósea no había donde comprar instrumentos, mucho menos donde grabar Ramón Alí, mucho menos donde tocar, esto era un ambiente aislado totalmente, entonces los que nos reuníamos a tratar de hacer eso pues, necesariamente comprábamos nuestros instrumentos afuera, no había otra manera, y tenía que haber un nivel adquisitivo.

- ¿Eso era en Caracas o en el exterior?

En Caracas y en el exterior, yo por ejemplo en Caracas compré el Twim Reverb y en Roma compré la guitarra eléctrica, en Nápoles compré otros instrumentos, porque podíamos viajar, allá está mi familia, quien iba a los Estado Unidos pues la traía de allá, entonces un poquito el movimiento rock que siempre ha sido popular, quizás aquí lo liderizó la familia de los chamos que tenían posibilidades, compraban y llamaban a otros músicos que no tenían tantas posibilidades pero eran tremendos músicos y así hubo una fusión que rompió barreras económicas y sociales y todo.

- ¿Cuál fue tu primera participación en la música regional, con qué banda fue?

Fue a finales de los 70, cuando me monté en una tarima y eso me motivó que lo podía hacer, acompañando simplemente a estos grupos de teatro, invitado por un amigo, yo simplemente era un guitarrista, pero luego empezando los 80 monté un grupo que se llamaba Oasis por casualidad, donde me acompañó Carlos Eduardo Arellano, Argel Arenas, figuras de primera si se quiere ves, de la época.

- Que Oasis los ingleses ni existían, ni soñaban con nacer.

Esos Gallagner se copiaron de mí, jajajajaja, después, después, en el año 81, 82 más o menos, motivo de un incidente personal que me sucedió, decidí volcarme completamente a la música, y entonces se montó un grupo que se llamaba Axioma y duró cinco años, logramos grabar demos, en riel, en estudios de grabación, que era una odisea, salimos a Barquisimeto a grabar, en el estudio HM, grabamos con el doctor Carrero Balza, hice trabajos aquí y componíamos, nosotros componíamos, eran mis propias canciones, las ejecutábamos y eran en español, por lo tanto sonaba muy raro, hasta ese momento estaba llegando Barón Rojo y Obus, a mi todo el mundo me decía que cantara en inglés, que porque en Español, ósea hubo toda esa resistencia, esa fue una época que yo tomé en los 80, cuando estos grupos que te nombre en los 70 se habían caído ya, y había un hueco, había un bache en el rock, no existía nada en San Cristóbal.

- Siempre han habido baches y explosiones, en cuanto a las bandas, la historia es como cíclica.

Si.

- ¿Y con Axioma llegaron a tocar en que espacios, quienes eran los músicos de Axioma?

Mira te va a llamar muchísimo la atención, pero en Axioma tocaron figuras, yo siempre tuve la oportunidad, yo he sido el más malo de los músicos, pero me han acompañado los mejores, en Axioma tocó Pedro Ángel, que es un conocido guitarrista clásico, en San Cristóbal ha sido relevante; en Axioma, aunque tú no lo creas tocó la trompeta del que hoy es director de cultura, Marcos Méndez, en Axioma tocó el bajo Gustavo Sandoval que era bajista de aquel folklorista, que en estos momentos se me escapa el nombre, que junto con Vitas Brenner tenía la movida del folklore fusion en Venezuela, no recuerdo en estos momentos el nombre, que su hermano es teatrero, Gerardo Hernández fue el batería de nosotros, Enrique Villafañe siguió en el bajo, Yuri Bermúdez cantaba y también aparecieron los guitarristas que pasaban por aquí, y esa era la banda, se nos pegaron Walter Acevedo que venía de Bogotá y ahora está en Margarita es un extraordinario Blusista, Richard Wagner tocó en alguna formación. La formaciones cambiaban porque no habiendo dinero y habiendo cinco caracteres diferentes, siempre cambiaba la formación, nunca fue estable, pero yo considero que hicimos canciones memorables para la época, influenciados ya que veníamos de los 80, por un lado era el triunfo del pop y el acabose de los grandes del Heavy, que era lo que uno traía, traía en ese entonces y por otro lado estaba el lado derechista que era el jazz, el tabú de Berklee, que todo era Berklee, todo el mundo tenía que estudiar en Berklee, todo eso era lo máximo, venezolano y español sólo se escuchaba Frank Quintero para empezar, y empezando Tinaja y ese tipo de cosas, Melisa vino a cantar aquí cuando todavía no era Melisa, era mejor que cuando se volvió Melisa.

- Cuando se volvió Reina de Rock.

Era mejor cuando no era reina del rock, pero paralelamente, viniendo de la nada, yo no puedo atribuirme que yo fui el precursor, eso es falso, porque igualito como salió Axioma, en el mismo momento, no se de donde salió otro grupo que se llamó Travesía, que fueron amigos míos, donde estaba Cheo Cárdenas, que es un maestro muy reconocido actualmente, estaban los hermanos Tomas.

- ¿Los hermanos Tomas son extranjeros o eran de acá?

Son de San Cristóbal, no se en que momento llegaron a San Cristóbal, uno Alfredo Tomas está en Caracas, es profesor de una escuela de Audio muy importante, y Pedro está actualmente reincorporado otra vez, después de muchos años, es Abogado. Por eso si se dice que Rafael fue el precursor, en realidad no fue cierto, había otra banda y paralelamente, esta era la onda rock, en esos mismos 80 que yo volví a arrancar después de un hueco, también estaba Carlos Eduardo Arellano, liderizando el Jazz latino y tenia una bandota que se llamaba Kristal, una bandota compañero, entonces esa ola no era la propuesta nuestra que era irreverente, rockera, como un re-punk, una cuestión así; ni era el rock como trabajado y estudiado de travesía, habían tres tendencias claras, la irreverencia, el rock estudiado digamos así, muy conciente y el Jazz, en ese momento.

- ¿Y Axioma se presenta en diferentes clubes, fiestas, me dicen que en esa época como no había donde tocar, uno se inventaba los toques?

Si yo tuve una suerte muy extraña y eso se puede analizar, tu que estas haciendo esa investigación, porque yo logré que la Dirección de Cultura contratara al grupo Axioma, como su grupo, así como se llevaba la orquesta, la bandas típicas, en cualquier acto presentaban al grupo Axioma, solamente que en todos los actos culturales de la región, llamase el día del libertador, el día de la bandera, cualquier cosa que existiera, la inauguración del Batallón no se que; entonces entre el programa, la Lic. Luz Vivas Terán, que era un espíritu glorioso que está en estos momentos iluminándonos, que desencarnó, ella con su radiante sonrisa y su belleza definitivamente interpretó el espíritu de la juventud y vio en nosotros, así fuésemos destartalados y mamarrachos, que representábamos y se sentía y vibraba con nuestra música, y le encantaba ponerle controversia, a la parte formal, la parte de las orquestas típicas de estudiantinas y reventar con nosotros, ella tenía un concepto muy volado de la cultura, entonces nos contrató y como te digo, formalmente estábamos en nómina y cualquier presentación del Estado, o del Gobierno Cultural, salíamos nosotros, pero lamentablemente apenas salíamos nos mandaban a parar, porque no pegábamos con el tipo de acto, entiendes, y en los últimos tiempos ella se comprometió pero apenas nos llamaban, inmediatamente, después de la carta de invitación, venía una carta de suspensión, pidiendo excusas, había alguna fuerza que no nos dejaba tocar, a pesar de ella, y la fuerza era que realmente sonaba muy irreverente para unas ofrendas patrióticas o cosas así, pero logramos estar entre la nómina de la Dirección de Cultura.

- ¿Y Axioma hasta que año dura?

Axioma arranca en el 81 y se acabó como en el 86–87, tocamos con bandas importantes como Resistencia, de Venezuela, Axioma comenzó en la Plaza de Toros tocando con Resistencia y terminó toda su carrera tocando con Resistencia en el Gimnasio de la Concordia, ósea nosotros empezamos con Resistencia y terminamos con Resistencia.

- ¿Hubo algún toque de Axioma fuera del Estado?

Sí, fuimos a Caracas a tocar, fuimos a Colombia, nos invitaban mucho, Colombia era simplemente Cúcuta, Pamplona y Bucaramanga, a ese tipo de sitios íbamos, y aparecíamos con todo lo que venía, taloneábamos y también tocábamos solos.

- ¿Y en el 87 surge Tiempo Zero?

Tiempo Zero surge en el 88, ósea hubo un bache como de dos años, creo que Axioma se acabó en el 86, hay tuve que despojarme de mi tendencia Hard Rock y Heavy Metal e incorporarme a otras tendencias musicales. Realmente Tiempo Zero comienza en el 88.

- ¿Cual fue la primera formación de Tiempo Zero?

Willie Chiroque en la batería, Ramón Hernández en el bajo, Cesar Mora Cantando, Alejandro Reyes en los teclados y mi persona en la composición y las guitarras, la dirección.

- Y después ¿Cuál es la segunda época, la segunda formación que es la que graba el disco?

Nosotros empezamos grabando de una vez, yo tenía un pequeño estudio en 4 canales, en ese momento todavía Ramón Alí, se sentía un rechazo hacia las bandas regionales, un tabú, si es del Táchira es malo, eso es chimbo, eso es de aquí, eso no puede ser bueno, entiendes, y menos si es Axioma, que habíamos protagonizado tantos escándalos, escándalos en el sentido de que, se montaban relajos, no tanto por nuestra culpa ves, era una novedad era un choque cultural realmente, se hablaba de que si habían drogas y nada de eso era cierto, tan cierto como ahorita, lo normal.

Teníamos tiempo trabajando, cuando Tiempo Zero salió a su primer toque tenia ya temas propios como quince o veinte temas propios, entonces yo grabé un tema que nos gustó mucho que se llamaba “Algo extraño esta noche”, lo primero que hice fue grabar y llevarlo a RSC (Radio San Cristóbal 1060 AM), todavía existía RSC, todavía se ponían los discos, las cintas, entonces llevamos ese tema y les pedimos a ellos que simplemente dijeran “Algo extraño esta noche, con Tiempo Zero, que no dijeran si era de San Cristóbal, de Cúcuta, de México o de España, nada; esa fue la estrategia mia, que por favor no identifiquen nada, que no dijeran nada.

- ¿Y en ese tiempo estaba José Antonio Loreto o quién era el director?

Estaba José Antonio Loreto, estaba Hernán Atencio, Hender Contreras, la pandilla que conocemos, y a ellos les gustó mucho el tema, bueno y de hecho ponían lo que yo llevaba, pero pusieron este tema y yo les pedí que no dijeran nada y entonces empezó a sonar; la gente en ese tiempo pedía canciones y en verdad las complacían y estaba entrando el rock en español, y entonces cuando suena este tema a la gente le gustó muchísimo y empezaron a pedirlo y a pedirlo y yo les pedí que no dijeran que era yo ni nadie, ves, para tener éxito, entonces en el primer concierto dijimos, por fin, Tiempo Zero en San Cristóbal y todo el mundo especulaba de donde éramos ves, si son Españoles, si eran Argentinos, si eran Mexicanos, porque tenía mucha factura si supieras, y cuando salimos: ¡ah no pero si este es Rafael vale y son ellos!; porque habían conocido un Rafael del Heavy Metal y de ese tipo de relajos y de escándalos que veníamos haciendo con la banda y de suspensiones y de cosas así, entonces de otra manera ya hubiera habido un tabú, ya hubiera habido un prejuicio antes de escuchar la canción, hubieran dicho no, estos son los metaleros, esos son de aquí, etc. esa fue una pequeña estrategia, y te digo la verdad, y de ahí pa’ lante, gracias a Dios siempre que tocamos ha habido buena receptividad, bien, bien buena.

- ¿Y el primer toque de Tiempo Zero donde fue?

Fue en el Salón de Lectura, lo preparamos y se llamaba “Algo extraño esta noche en el salón de lectura”, la verdad es pequeñito, pero para que se llenara en ese momento era raro, y se llenó, teníamos un documento de esas cosas, y ahí empezamos a nosotros mismos producirnos en los toques porque quién te iba a contratar, después empezaron a llamarnos, empezaron a contratarnos, y éramos la única banda también, en ese momento pues llevábamos esa ventaja que éramos la única banda, así que todo artista que llegara, Tiempo Zero, y la música que llevábamos la ponían, entonces logramos cositas, siempre fue una carrera buena, la verdad que sí.

- ¿Sale Ramón Hernández y entra quién en el bajo, cuál es la segunda formación de Tiempo Zero?

La primera es la que nombramos anteriormente, el primer cambio fue que sacamos al cantante César Mora, porque era excelente cantante, porque todo estaba perfecto con él ves, y nosotros hemos sido muy sinceros en la música, la música la hacía yo y la música hablaba de imperfecciones, de insatisfacciones, de paranoias, ósea todo lo que le pasa a un ser humano por dentro, que no es tan perfecto, entonces mis letras eran un poco desbarajustadas, un poco irreventes, un poco de cuando uno llega mal a casa y César no encarnaba eso, encarnaba un personaje muy limpio, muy pulido, muy perfecto en la voz, nunca borracho, no es que yo lo sea, pero cantaba tan bien y a las chicas les encantaba, que estábamos volviéndonos como una especie de Aditus, y yo dije, ya va este no es el grupo, estaba muy lindo todo, nos estaban buscando ya para vídeos, casi románticos, con chicas por él, aparte de que era un galán, y yo dije, ya va esto no es, no esta reflejando eso porque lo hace muy bien ves, no está reflejando a un hombre que a veces canta mal, a veces se siente bien, ósea con más sinceridad que esa pose, entonces lo sacamos realmente a César porque cantaba muy bien y era muy perfecto en todo, muy disciplinado y nosotros éramos así, entonces esa noche dijimos: “Cantaremos sin cesar”, y entonces pasó eso, pero justo sacándolo a él llegó Miguel Mateos a San Cristóbal y nos buscaron para tocar con Miguel.

- ¿La experiencia con Miguel Mateos fue la primera vez en que cantaste en Tiempo Zero, a partir de la salida de César Mora?

Ese fue el primer cambio y para mi fue muy fuerte.

- ¿Tocó Ramón Hernández esa vez?

La misma formación, Ramón Hernández, los mismos, pero salí yo a cantar, primero era difícil convencer, convencerme a mí mismo primero que todo, porque yo siempre compuse y se que yo soy un tipo asmático, la nariz siempre tapada, tímido por naturaleza, un poco oscuro, ósea era muy difícil, pero era una necesidad, un compromiso con el grupo, además yo me moría de las ganas, realmente me moría de las ganas de cantar, pero no creía en mí mismo porque había escuchado cantantes a mi lado toda la vida, y decía pero por favor, vamos a ser sinceros y de hecho siempre después fue un lado flaco, el hecho de que yo podía tener mucho histrionismo, podía ser muy entregado, me sentía muy visceral, muy bien por ese lado, muy real, y yo también sabía y me autoestimaba en eso, pero realmente a la hora en que tu escuchabas la grabación pues la voz no era de un cantante y tuve a mi lado después a César Somosa, que fue una de las mejores voces de Venezuela, imagínate el compromiso, pero ese día salimos al toro y yo ya tenía muchísimas ganas de cantar mi propia música, porque eran cosas que yo escribía de mi mundo y entonces salió bien, y de ahí pa’ lante me quede yo cantando, ves, ese fue el primer cambio, luego cambiamos al bajista y entró Alberto Prieto, y así nos mantuvimos, en los teclados siempre estuvo Alejandro Reyes, hubo un momento que se fue y lo sustituyó Andy Porras, justo en el momento en que hacemos el trabajo de “ A Toque” y nos fuimos para Caracas y fue como la cúspide.

- Ese episodio es muy importante porque es la primera vez que una banda regional llega a Caracas y puede publicar un material a nivel nacional y tiene realmente un impacto en los medios de comunicación de masas nacionales, es decir, Venezolana de Televisión con Erika Tocker y un compilado en un disco.

Si así es y el compilado no era nacional, era internacional, allí estaba Soda Stereo y yo tuve la oportunidad de conocer a esa gente, nosotros llegamos a un punto, cónchale que bien.

- Recibir un premio incluso en Caracas, recuerdo que fueron acreedores del premio A Toque.

Si porque “A Toque” fue una especie de recopilatorio nacional que se hizo por primera vez y la idea era hacer un disco para ese programa y los invitados para esa gran fiesta a parte de los medios de comunicación, eran todos los músicos que habían participado y cómo salimos nosotros escogidos para tocar esa noche, el público que estaba frente a nosotros era Desorden Público, Sentimiento Muerto, La Máquina Azul. Los Gusanos, ese era el público que aplaudía, no era gente común, eran solamente músicos los invitados y gente de la prensa, entonces claro era un doble rollo, porque el músico no solamente te escucha la música para escucharte, sino que el tipo te está analizando, criticando y escaneando de abajo para arriba, porque el también hace eso, entonces los dos salimos a ver que iba a pasar.

- Y en este caso como representante de San Cristóbal.

Era insólito porque todavía el tabú allá era muy fuerte, San Cristóbal, realmente unos campesinos, que no sabían nada de eso, de verdad.

- ¿Y Mérida?

Esa movidota de la Mérida actual no había arrancado, sinceramente. Siempre Mérida ha sido acida y siempre ha tenido artistas, y siempre encaletados, pero no tenían esa difusión, más bien sorprendió un grupo de Barquisimeto, con nosotros, esta gente de A Toque, en su producción, comentaban: Recorrimos toda Venezuela y nos quedamos locos porque los grupos más maduros en su propuesta y en su formación y en todo, los conseguimos en San Cristóbal y en Barquisimeto.

Si, Barquisimeto siempre se ha caracterizado de ser la tierra de los músicos.

Exacto, se llamaba La Brújula de Boomerang, entonces esos fueron los dos grupos.

¿Y Mujeres y Niños Primero, esa banda era de adonde?

Esa era de Caracas porque necesariamente había que meter un grupo de Caracas, y en ese momento ese programa era muy bueno, porque era muy sincero y yo tampoco creía en los abanderados, en Desorden, etc. Ellos estaban buscando bandas nuevas en cierta forma, y de las nuevas de Caracas escogieron Mujeres y Niños Primero porque componían bestialmente ves, y usaron me acuerdo los metales de Desorden Público, pero querían otra banda del interior y estaban dudando entre la Brújula y nosotros y se decidieron por nosotros. Entonces claro, nosotros sabiendo que había un prejuicio, que había una especie, en ese momento de raya con lo gochos, no podíamos ocultarlo porque el acento salía por todos lados, y yo les dije a los de la banda, vamos a hacer una cosa, no lo ocultemos pue, vamos a picar alante, y vamos claramente a explicarles que “llegamos los gochos”.

- Tipo la Revolución Restauradora del Rock.

Yo dije: Bueno señores llegaron los gochos, claro y raspao, y aclaramos que éramos los teloneros, porque de paso eran dos bandas, pero siempre sentimos que era más importante la banda de Caracas, entonces nosotros presentamos el tema Somos los Teloneros, estamos aquí, y fuimos muy sinceros, esa ha sido la característica, somos gochos, somos teloneros y vinimos a esto y lo dejamos claro para no tener compromisos después de artistas no, en ese momento sentí, sentí de verdad que podíamos tener un empuje, que podíamos seguir subiendo, porque me había dado la mano con todos los de Caracas, el premio me lo dio Pablo Dagnino y tosas esas cosas, y nos abrazamos, y yo sentí que estaba bien todo, porque ya uno tenía una consciencia de lo que estaba haciendo, no era un fiebrudo y por otro lado después conocer a la gente que participó en el disco como Los Prisioneros, como toda esta gente, darle la mano a Herbert Vianna, por ejemplo, a Fito, a los otros, yo dije, cónchale estoy metido, ósea estoy metido, porque se me nota que estoy metido, ahora sigo ves, pero por esa bendita sinceridad ves, pasaron varias cosas, yo me fui para Italia, y dije lo que fue fue, no voy a regresar a vender mi grupo no, yo pensé que bastaba con hacer una muestra en Caracas y ahora esperaba, no sentado, que me contratarán, pero si esperaba que se hubieran dado cuenta, entonces cuando llegué el grupo se desordenó, cuando llegué de Italia y entonces yo dije, no, esto está forzado, yo no voy aquí a forzar el grupo, ni ahora a tratar de venderme porque me hace muy bien auto promoverme y auto publicitarme, ni convencerlos que el grupo es muy bueno, si de aquí para adelante no hay respuesta pues me quedo tranquilo, entonces esa especie de sinceridad por un lado, no nos llevó a salir duro, pero por otro lado nos llevó a hacer música más sincera también.

- ¿Y se edita el primer demosound en cassett de la banda, Grabaciones Clandestinas, donde está La Mujer del Astronauta, Loma del Viento, Paranoia del futuro?

Si, la época de Grabaciones Clandestinas es la formación cuando empiezo a cantar yo, y se va Ramón Hernández y entra Alberto Prieto, entonces en mi estudio grabamos esos temas, esa grabación se hizo en 4 canales, en riel, con micrófonos no profesionales, se logró con mucha mística y eso fue muy cómico porque recibí una llamada de Eugenio Miranda, furioso porque le había fusilado el nombre, porque el tenía el sello grabaciones clandestinas que había editado a Zapato 3, y él me llama, yo sin conocerlo y me pone contra la pared y me acosa y me acusa y me demanda casi, revisamos las cosa y mi nombre fue primero al de él, entonces yo me había registrado primero, entonces yo le dije: coño compañero sabe que yo me registré primero, en tal caso todo lo que me amenazaste ponte tu en guardia porque puedo actuar, y entonces dijo: no puede ser, y revisó y realmente yo me había registrado primero, y ese nombre se me había ocurrido primero, a mi siempre me pasa eso, con Oasis y con Grabaciones Clandestinas y entonces luego nos hicimos grandes amigos, sinceramente grandes amigos. Cuando la época de A Toque yo ya había hecho un segundo cassett que se llamaba Los Teloneros que fue el que le mostré a ellos y les gustó, y luego de eso, en ese momento se incorpora Alfonso Paladino.

- Que es un músico de Colón.

Si, que tiene una banda que se llama Liviano, tremendo músico, tremendo compositor, con una onda un poco Dark muy buena y es el único, no es que le permita, sino yo era el compositor, entonces hay canciones de él en el disco y unas dos de Alejandro también, porque era excelente, entonces nos sentimos muy bien con Paladino, después como todo te digo, por no andar buscando yo mismo promociones, porque no existen managers y a mi me fastidia un poco venderme, entonces el grupo se cayó, duró un bache hasta que yo me meto a productor y contraté a Fito Páez, fue un hecho, fuimos y logramos el concierto, para tocar con Fito Páez yo quiero tocar con mi banda, porque quiero, entonces ya la banda estaba sin músicos y entonces llamo a mi amigo Abelardo Morales que se había ido para Margarita, que yo nunca había tocado con él aunque somos amigos desde chiquitos.

- Abelardo, que todos sabemos es extraordinario guitarrista, ¿había participado en que proyectos?

Él empezó en una banda que se llamaba Jonny Rogers, inspirado el nombre del pirata aquél, después montó el grupo Fénix y después montó AXA y después se fue a Margarita a tocar en clubes nocturnos, yo nunca había tocado con él porque las tendencias eran muy distintas, yo estaba en una onda más vanguardia, él estaba pegado todavía con el Heavy Metal, pero cuando él se va, y veo después su maduración, yo lo llamo para que toque solamente para el concierto de Fito conmigo, como un guitarrista invitado y cuando él llega nos volvimos a juntar, nos hermanamos tanto y nos gustó tanto el trabajo en conjunto que se quedó en San Cristóbal, se quedó por mi, por el grupo y Fito Páez nos embarcó.

- Se enfermó en esa oportunidad Fito.

Supuestamente se enfermó y se paró todo, entonces para no dejar esa movida que había iniciado como productor me traje a Desorden Público y fue el famoso concierto en el Pabellón, de allí empezó la nueva formación.

- Y también antes de eso tocaron en el Pabellón Colombia en el Festival Salvemos El Planeta, donde tuvimos la oportunidad e tocar con nuestra banda Obsesión, organizado por Omar Labrador.

En ese momento nos quedamos sin baterista y tuvimos que meter a nuestro ayudante y asistente de grabación que era Luis Omar, y esa fue la formación con él. De repente cae en San Cristóbal Cesar Somosa, cuando yo lo veo, él me conoce y yo lo conozco, nos conocemos porque nos hemos visto en conciertos y yo redigo Cesar y me dice Rafael, inmediatamente pasó algo mágico y nos abrazamos, y él inmediatamente se unió, se unió a la banda y él era un cantante que me apabullaba, que voy a hacer ahora con todo mis temas, cuando llegó éste señor, pues voy a meter a cantar a Cesar, pero cuando Cesar Somosa canta con tremenda voz, pasa prácticamente lo de Cesar Mora, pero en una nueva versión, este era el nuevo Cesar, con una voz muy portentosa, mucho más rockera, más acido, pero era Resistencia y yo sentía que él era Resistencia y que yo era Tiempo Zero, no sé, que él tenía su puesto bien granado y es como que Buda diga: “Cónchale voy a dejar el Árbol donde estoy meditando y me voy a colgar en la cruz, y tu Cristo vente para acá y ven al Árbol”, cada quien tenía su espacio, su historia y sus seguidores, claro yo no estaba a la altura de estos señores, y Cesar me dijo: Rafa yo no quiero cantar, yo veo que tu eres el hombre para esto y yo colaboro, que hago, y le contesto: Nos falta un bajista, entonces compramos una pala y se le pegó al bajo y lo hizo muy bien.

- Y hacia Coros.

Y hacia Coros pero me apabullaba, pues tiene un oído excelente, excelente cantante, de verdad tiene una voz que tu te das cuenta, ahí es cuando uno defiende la sinceridad y es más importante lo que diga, cuando sientes lo que es tener un aparato acústico enclavado en el pecho, como lo tienen ellos, los cantantes fuertes.

- Uno de los baluartes, que es tu aporte al Rock de San Cristóbal, ha sido El Estudio, primer estudio de grabación de rock, de tipo público, con una excelente infraestructura que ayudó a que la Industria Cultural del Rock Regional fuera registrada, háblanos de su historia.

Mira realmente, no me estoy echando méritos yo, pero El Estudio duró 10 años y por ahí pasaron Ramón Alí, todos los músicos y fue una escuela muy fuerte y muy adelantada a la época y era una casa con todas las comodidades, eso fue una locura antes de tiempo, como también después fue una locura Ciudad Zero también. Todo empieza por una amigo mío que se llama Ramón Hernández, no era ni bajista, ni sonidista ni nada, pero era un señor que cuando se mete en algo logra meterse intensamente, intensamente, cuando yo fui a Caracas, le dio el capricho de la grabación y a él le compré los equipos de grabación, él fue el que me enseñó a grabar, él fue el que me transmitió la pasión, yo sólo pensaba grabar a mi grupo más nada, yo me compré los equipos para sólo grabar mi grupo, empecé a grabarme a mi mismo y luego seguí yendo a Caracas y ellos tenían tremendo estudio en las Mercedes, con Beto, el famoso James Capella, que era un músico demasiado fuera de nivel, y cuando yo vi lo que era la vida dentro de un estudio, el ambiente de ellos que no salían como un submarino, dormían allí, amanecían, entraban grupos a grabar, ensayar, vi esa dinámica y ese submarino y pensé: cónchale esto es lo que yo quiero, tiene el habitad para mi, estar dentro de un estudio encerrado y solamente salir a tocar, volver al estudio y salir a tocar. Yo estaba entregado. Me motivó mucho, mi papá, fue un mecenas una bendición, me dio una casa y me dijo, toma lo que quieras con ella, la llenamos de aparatos y se formó el estudio. Motivado por este estudio de Caracas y por mí amigo.

- Y se formó el estudio, que fue una vanguardia realmente, donde tuve la oportunidad de ensayar, porque era la dinámica de las bandas, donde había una pizarra donde se apartaban las horas de ensayo, me acuerdo lo que fue la primera época del estudio y después su mutación, coméntame lo satisfactorio de esa experiencia, de tanta grandes bandas que grabaron allí.

Y toda la historia del rock regional pasó por allí, cuando lo desarmamos, y se llevaron los pedazos, sentíamos que se iban los pedazos de una historia. Y terminó con que yo de repente me armé muchísimo, logré tener todo lo que necesitaba un estudio, y te digo que fue un estudio de grabación de primer orden, de grabación, no era un estudio de matrizaje todavía, en las mezclas teníamos mucho que aprender, pero en las tomas estábamos excelentes, los salones todo y El Estudio se acaba cuando termina de grabar Tiempo Zero al fín, en el 97. El estudio empezó en el 87 y terminó en el 97, prácticamente con Tiempo Zero. 10 años. Cuando cierra el estudio estaba armadísimo y la ópera última fue la grabación de Tiempo Zero con alrededor de 18 temas, excelente nos quedó el trabajo y era para nosotros importante, duramos metidos aproximadamente 4 meses, encerrados y grabamos todo el material, gracias a Dios eso está allí, pendiente de publicarse en algún momento, de editarse. En el 97 que terminamos de grabar, pasaron muchas cosas, mi papá había acabado de morir, a mediados del 95, mi hijo nació en el mismo momento, en el 97 tuve yo un atentado de secuestro allí en el estudio y en el 97 se me metió el veneno de hacer el disco y de no tocar hasta no tenerlo, y después se me metió el veneno de hacer un local mucho más grande, para ahora no preparar y equipar el estudio, no era una cuestión de preparación, sino de salir, bueno ahora vamos a salir de la concha, preparé Ciudad Zero, para que igualito como todas las bandas pasaron por allí a grabar y a prepararse, ahora salieran a exhibir el material, las que son de afuera y las de aquí. Entonces hice un gran palco que se llamó Ciudad Zero, con todas las condiciones acústicas, me llevé todo el estudio para allá, para que allí pasase una gran cartelera nacional e internacional, y de hecho se hizo y se ha hecho.

- Y se desmantela El Estudio y ¿Tiempo Zero desde ese momento, el 97, no vuelve a tocar?

No, paradójicamente, salimos a empezar a buscar un productor y estas cosas a Caracas, pasó el tiempo y pasó el tiempo, todo el mundo se enredó, se casó, salieron hijos, bajó un poco la presión de que tocáramos, estábamos muy cómodos esperando a ver cuando grabáramos eso y así se le pasa el tiempo a uno y así se nos pasó el tiempo, dijimos cuidado y llegamos al 2000 y no hacemos nada y ya vamos para el 2007, y no hemos vuelto a tocar, pero el material, gracias a Dios que no estamos tocando cosas de moda, si no ese material estuviera para la basura, por muy bueno que fuéramos.

- Ese material me comentó José Ángel Cavallín, que hay un proyecto para reeditarlo y sacar un box de Tiempo Zero.

Pues mira, yo quiero de meter la pata meterla completa, Ramón Alí, esos temas, fue la última formación y quedo muy bien, pero habían dos trabajos atrás que tú nombraste, entonces yo quisiera como sacar una caja con todo lo que ha hecho Tiempo Zero.

- ¿Con por lo menos tres Cd’s?

Sí, igualito como estaban, como se hicieron, para tener un archivo, ya no será comercial, ya no será que va a llegar al número uno en ventas ni nada, pero si un archivo interesante para cualquier músico y a nivel cultural.

- Para ponerlo a la venta en todas las discotiendas de acá y en Esperanto.

Y ahora que tú tienes una movida aquí en San Cristóbal, te das cuenta que desde el 87, 97, esos diez años en alguna forma tuvieron que contribuir y lo que te digo, gracias a Dios, gracias a la sinceridad, que hubo la musa de nosotros. Si yo hubiera cantado una música que estuviese ligada justamente a la moda de ese momento, tú lo escuchas referencial pero eso está obsoleto, esta out site, pertenece a otra época, tú lo estudias casi como folklore, pero como era música universal porque las tendencias, lo géneros, llámese blues, rock, son géneros que siempre persistirán, esa música tú la oyes ahorita y sigue estando vigente, no tienes que etiquetarla si se llama new, no se que guevonada, simplemente es rock y la puedes escuchar tranquilamente, entonces y por eso la saco, no por necio, pero tengo el objetivo de sacarla.

- ¿Y nuevas composiciones de Rafael de Tiempo Zero en estos diez años, sigues tocando aquí en tu casa, componiendo temas?

Sí, pero es increíble que uno necesita un amigo al lado sabes, otra persona, yo soy compositor, no soy compositor porque no es que me siento a componer, ósea a componer, a unir piezas, estudiar la mejor manera y ensamblarlas, hacer un trabajo intelectual, yo soy, suena antipático, un aspirado, un motivado, soy un motivado que me levanto con una canción urgente y me pasa algo y corro a hacerla, sea triste o alegre, entonces todo eso que he hecho he seguido haciéndolo y ahora con más calma porque no tengo el interés ni el ego de ir a exhibirme ni ganar nada por esto ni nada, esta más sincera aún, está hecha y no se cuando, pero siento que se pierden, yo no las anoto, no tengo escritura musical, no las grabo, no tengo estudio, entonces estoy un poco fastidiado conmigo mismo porque es un pecado botar un talento y es un pecado no concretar las cosas que se hacen pero día a día hay una canción en los labios, en los corazones, entonces estoy muy incómodo con esto que me está pasando de verdad.

- ¿Y proyectos con otros músicos de volverse a reunir, de repente hacer un toque o algo así?

Muchísimo pero no me gustaría subirme de necio ves, a mi todo el mundo me recuerda porque no he vuelto a hacer nada, entonces me encanta, me encanta, me llena conchale que mi trabajo haya funcionado y que estén más pendientes que yo, y al local llega gente y lo importante es que siento esa sinceridad, no masiva, pero aunque sea cuatro personas pero yo dije el día que se este hablando conmigo todo el tiempo del pasado, porque yo estoy vivo y estoy parado compañero y si fuéramos modelos de moda o hubiéramos escogido ser bailarines o futbolistas, estuviéramos ricos, estoy pisando casi los cincuenta, pero yo no escogí eso sino el arte y lo siento vivo, y yo siento, como te digo, estoy incomodo conmigo porque aunque estoy viviendo ahorita feliz de papá y tengo una vida familiar que me encanta y un descanso, no me voy a enmudecer, ósea, no me gusta que hablen de mí, me encanta que hablen de mi en pasado sumado a un presente y a un proyecto, pero que hablen de mi solamente en pasado, lo que siento es que estoy frito.

- ¿Próximamente, Dios mediante cuando lleguen ya los músicos, en cualquier momento vuelves a tocar incluso temas nuevos?

Paso algo muy importante que acaba de llegar Abelardo Morales, cada vez que nos vemos, ósea nosotros no estamos acostumbrados a sentarnos a hablar, nos sentamos a hablar con un par de guitarras, entonces eso esta pasando ves, es muy seguro que ya ahora que tengo local, que hay más tranquilidad, que llegó mi amigo, que ha sido un soporte también para mí, podamos subir.

- Seria interesantísimo volverle a poner Tiempo Zero que es como el nombre clave.

Seria interesantísimo pero eso obligaría a tocar lo anterior que también es bueno recordar, pero y las cosas nuevas.

- ¿Y ahora háblame tú en el plano persona, tú eres licenciado en educación, has tenido experiencia docente, háblame de esa experiencia, de comunicar no solo a través de las notas musicales sino de esa otra faceta y también de esa participación en la Gran Fraternidad Universal, ese carácter espiritual, el yoga, todo eso?

Si mira yo, como te dije, desde pequeño era muy tímido, bastante tímido, me costo mucho, yo estudie en el colegio Juan Maldonado todo el tiempo hasta bachillerato, tuve una influencia de mi papá muy fuerte como maestro porque mi papá la cultura Italiana me la sembró mucho, viajábamos constantemente para allá y pasábamos largos tiempos, aprendí el idioma desde pequeño y él me inyecto el clasicismo, el latín, todas esas cosas que a él le fascinaban, historia, la opera, toda una cultura Europea lírica muy bella, pero un día 7 de marzo del año 73, yo conocí a una persona que me influenció demasiado, porque uno siempre joven, yo tenía 16–17 años, uno perseguía ídolos jóvenes, es absurdo que un joven, persiga a un viejo, sus clichés, sus iconos, son los Led Zepellin, uno sigue que si Robert Plan, ese tipo de ídolos, de hecho son y eran mis ídolos; pero conocí un hombre de ochenta y pico de años y con el cabello blanco y la barba blanca, que me impactó y yo dije conchale, en el 84 este tipo tenía más liderazgo, más belleza, más arte que cualquiera entonces yo quise ser como él y él era un maestro y entonces él me dijo mira: “La manera de aprender es enseñar, si te sabes amarrar el cordón del zapato y el de al lado no lo sabe, enséñalo, para que veas que miras otra cosa inmediatamente porque acabas de vaciar tu vaso, tu contenido lo vacías totalmente”, cuando lo veo a él, veo que es vegetariano, que a esa edad tiene un hijo.

- ¿Lo conociste en San Cristóbal o dónde los conoces?

Lo conocí en San Cristóbal y yo cuando vi el festival de Woodstock, vi a una gente haciendo yoga, unos gurus, luego supe que los Beatles habían conocido a Maharaji Mahi Yogi, y habían ido a India y luego se puso de moda un escritor que se llamaba Losan Rampa, que hablaba sobre el Tibet, después se dijo que no era ningún Tibetano, que no era un Lama, sino que era un novelista Americano, eso no importa, pero sus trabajos motivaron tanto, que un día estando en el colegio, llegó un periódico y dice que hay un Gurú en San Cristóbal, cuando yo veo las fotos, me impactan y nos fuimos un grupito a verlo ves, cuando yo lo veo, inmediatamente, realmente y literalmente caí bajo su influencia, no que me lavara el cerebro ni mucha cosa, sino que tiene totalmente lógica, sentido común y todo, y su sencillez, cuando yo llego y le digo que puedo hacer maestro, me dijo toma reparte estos volantes, lee el servicio, es el trabajo, es enseñar.

- Era toda una filosofía del Ashram y todo eso que comprende a la Gran Fraternidad Universal, su cultura espiritual.

Con él pase directamente y luego pase indirectamente aproximadamente casi 17 años practicando asanas, yoga, vegetarianismo, viviendo en comunidades espirituales y sobre todo desarrollando el sistema de los chacras, el sistema endocrino, es increíble lo que puede pasar, la gimnasia que hay dentro del cuerpo, una cantidad de cosas y eso logró desinhibirme, de las timidezes, y presentarme a mi mismo como era no, yo antes pensaba que iba a ser un gran guitarrista, porque yo admiraba a los guitarristas, esos tipos como Jimmy Page, y a través de toda esta cosa me di cuenta, ya va mi espacio no es ese, y sentía presiones porque en un cumpleaños, me decían canta cumpleaños feliz y ni siquiera lo sabía tocar, nunca me he preocupado por saber cuales son los tonos de esa canción ves, porque no me motiva para nada, entonces a través de conocerme a mi mismo, pude delimitar, y dije bueno mi espacio es el siguiente, yo soy un creador de canciones, hacedor de canciones, no soy un compositor, hago las letras, las mías y quizás soy mi propio interprete, ese es mi espacio, no toco muy bien, no canto muy bien, simplemente hago lo que siento y si eso lo aceptan pues ya está bien, eso me dio una gran paz, no comprometerme a que era un gran guitarrista, ni que iba a ser un fenómeno, sino eso es lo que yo soy, entonces las ganas de enseñar, fueron al conocer un maestro de verdad, que enseñaba con su ejemplo, sin embargo yo me meto a estudiar educación equivocadamente, porque era muy apegado a mi papá mi familia y yo y no me querían soltar de la casa, del seno paterno y yo tampoco me quería ir, tenía todo, cuando yo veo el pensum de lo que yo iba a estudiar que tenía materias muy humanísticas, dije, yo quiero estudiar esto, después entendí que era para ser profesor, yo todavía no entendía que es la docencia y me desarrollé increíblemente, ósea yo fui un profesor que mis clases eran espectaculares, yo me sentía inspirado y los alumnos también, cada clase se volvía magistral y había una iluminación y seguía desarrollando un tema como cuando empiezas a desarrollar una guitarra y desarrollas solos que nunca habías hecho, entonces en las clases hacíamos cosas maravillosas y yo sentía que estaba inspirado por este tipo de personas que enseñan con el ejemplo, con la vida, no con la cotorra, por ejemplo, sembró en mi la no violencia, que empieza desde dentro mismo, simplemente romper tabúes, como la necesidad de que hay que comer animales, a estas alturas del siglo, eso fue una época del desarrollo evolutivo del hombre, que tenía que comer animales, luego pulió los colmillos y ya no necesitaba esas cosas y cada vez que vamos avanzando necesitamos menos comida y menos de ese tipo de comida tan fuerte que se refleja en tu música, en todo lo que haces, en tu personalidad.

- Esto influenció en muchísimas composiciones me imagino.

Totalmente, totalmente y la calidad del amor también influenció, la calidad del amor del dar y no recibir, no solamente ser pasional sino tratar de ir más allá, ves, ¿porque ir a la felicidad?, entonces marcó todo, decirte que marcó la música, marcó todo, la presencia de esas enseñanzas, porque él mismo decía no soy Dios, yo me muero y de hecho murió, no soy inmortal, ni soy ningún Dios, ojo, pero es un inspirador de estas cosas, entonces yo digo, si nosotros con nuestra guitarra o con nuestra música, o con nuestra familias, o con nuestra palabra, presencia, pudiésemos inspirar a otras personas a un mundo de equilibrio, donde se respete la naturaleza, al ser humano, al hombre, la mujer, el niño, que haya altura en todo, maravilloso, yo escucho a George Harrison y me parece escucharlo a él, un alma pura, etc, ese tipo de cosas.

- ¿Cuál sería tu propuesta para impulsar la industria cultural del rock regional, cambiar los paradigmas, hacer que haya una repercusión real de las bandas, y de los músicos tan talentosos que hay en estas tierras, no solamente a nivel nacional sino internacional, cuál es el modelo cultural a seguir, la bitácora a seguir para eso?

Es muy difícil la pregunta o por lo menos para mi en este momento me agarra desprevenido tratar de decir cual sería la brújula, porque en el arte lamentablemente por mucho que la dirijamos no son los artistas los encargados de dirigirla, ellos van haciendo, van protagonizando y la historia los va llevando, no fue que un artista dijo vamos a lanzarlos por aquí, vamos al movimiento dadaístas porque por ahí va la salida o vámonos hacia un surrealismo para que toda la gente entre en una ensoñación, el artista solamente presenta, conclusión la salida es la espontaneidad que tratemos de seguir retirando la moda de lo que hacemos, verdad, la contaminación de lo que hacen en Caracas para hacerlo aquí, y el mercadeo de lo que hacemos, si no componemos para pegar y si no tocamos para gustar, y si no nos copiamos de lo que hacen los demás, para no sólo ser influenciados sino para cantar como el Argentino, cantar como los Mexicanos, o como los raperos newyorkinos que no tienen nada que ver con el Tachirense, no se, yo creo que la salida no es el mercado sino el arte. En un momento el mercado llegó a la música, fue el arte que más a tocado el mercado, más que la plástica, más que la escultura, más que la lírica, la música rock es la que más se volvió comercial, ella antes era anticomercial, es la que más tiene afinidad con el negocio, porque puede manejar al adolescente, los adolescentes se dejan apabullar, entonces si apartamos el mercadeo y nos dedicamos más al arte ese es el camino, digo yo, ese es el camino pana.

- Ahora ya para finalizar quiero que me des un nombre, simplemente un nombre, de lo que para ti son los músicos locales ideales o emblemáticos o que para ti es el músico con el que te gustaría tocar en una banda.

Me da pena decir uno, porque excluyo a los demás.

- Pueden ser dos entonces.

En tal caso yo toque con un Señor que se llama Enrique Villafañe, que no se si en estos momentos siga tocando o pueda hacerlo, pero es el que más me impresionó, con esos dedos y ese estilo, Enrique.

- Un guitarrista.

Abelardo.

- Un baterista.

Es que aquí hay una escuela de bateristas no, yo escuchaba en mis tiempos de Axioma a Cheo y decía, quien lo tuviera aquí en su línea, a Cheo Cárdenas.

- Un tecladista.

Conmigo tocó siempre Alejandro que hubo una afinidad, Alejandro Reyes, que comparte lo mismo que yo, y lo que decía George de Ringo Star, pocas veces agarramos el instrumento, casi nunca, pero cuando lo hacemos hay como un contacto, algo así, yo seguiría con él.

- Y un compositor.

¿Puedo nombrarme a mí?

- Claro.

Rafael Giordanelli.

2. Carlos Eduardo Arellano. La Magia de la guitarra Jazz.

- ¿Cuándo y a qué edad comienzas con esto de la música?

Te saludo y Ramón Alí es un placer, gracias por esta entrevista, te auguro todo el éxito, pues es una labor que no muchos están haciendo, estas continuando en cierta forma nuestra labor. Bueno en los inicios lo que recuerdo, bueno, mi primer profesor se llamó Emilio Billi, incluso son hijas son grandes amigas mías y las hijas e hijos de ellas han estado en la coral del Táchira, ha sido una cosa casi de familia, el profesor Emilio Biyi es de origen Uruguayo, él murió hace muchos años pero él fue el que descubrió mi tendencia hacia la música, cuando yo estaba muy niño, podemos hablar de ocho, nueve años, a la vez él fue precursor de la natación aquí en el Táchira, además de profesor de música él fue el que creó la escuela de natación, y yo estudiaba doble con él, natación en el demócrata y música en la escuela de música, él me mando una guitarra pequeñita que se ajustaba en ese momento a mis manos, pero en cierta forma los métodos un poquito arcaicos, o quizás estancados en esa época en la escuela de música, para mi forma de pensar de un niño en cuya familia no había realmente tradición musical, fue un poco fuerte, yo tuve rechazo hacia eso, sin embargo seguí por mi propia cuenta, yo siempre rasgando la guitarra y rasgando la guitarra, hasta que ya más o menos a los catorce, quince años estudiando en La Salle aquí en San Cristóbal pude entrar en las diferentes estudiantinas, en los grupos, yo creo que tenía once, doce años cuando eso y la influencia de esa cultura hispana, española en esos colegios a nivel de música es muy fuerte, es muy grande, todos los padres prácticamente tocan un instrumento, uno toca acordeón, otro toca guitarra, el otro toca flauta, el otro canta y a mi eso pues me motivó, yo creo que parte de ese aprendizaje también tiene que ver con la interacción con el medio, en donde como te digo yo como te dije no tenía esa tradición, pero yo veía músicos populares tocando nuestros bambucos, tocando la música andina, tocando todo esto y pues me impresionaba muchísimo, sin embargo desde los doce, once años, empezó a ser la pasión mi descubrimiento con el rock, eso fue lo que marcó fuertemente mi futura vida, y mi futura trayectoria musical, pero nunca se desligó de la parte tradicional y de la parte folklórica, es más, en frente del Colegio la Salle quedaba la escuela de Maestro Rey, que era una escuela de violín y mandolina y todas estas cosas, y yo iba a esa escuela y después conocí más adelante en los primeros años en bachillerato al profesor Eufrasio Medina que en paz descanse, también conocí al maestro David Medina, Freddy, que son grupos locales de los cuales por ejemplo, David Medina es uno de los integrantes del grupo Raíces de Venezuela y entré en esa formación.

- Estamos hablando de los inicios de la música.

Exactamente, esos son los inicios digamos naturales, en la Salle yo me acuerdo que teniendo quince años de edad o catorce, yo empecé a rasgar la guitarra con ritmos technos, yo me sabía cuatro, cinco, seis acordes y ya para mi eso era una maravilla, entonces ahí fue cuando vino el descubrimiento, el descubrimiento del rock propiamente dicho, es cómico pero yo me inicie con dos grupos cuya filosofía era realmente antagónica cuando los descubrí, unos eran los Archies y otros los Rolling Stones y entonces aquello era una ensalada que realmente me pateo el cerebro, también hubo una gran influencia porque yo fui motorizado, en el sentido que desde niño me gustaban mucho los motores y todo eso y estaba la música de gente como Cream, Clearwater Revival, la película de Busco mi Destino y todo ese tipo de cosas, entonces esa influencia del rock de los 60 y 70 fue pues crucial, inmediatamente en ese proceso, debo confesarlo, pero no tuve mucha simpatía por parte de mi familia, mis padres hacia ese estilo se debe comprender que para ellos eso era una brecha muy grande y todo lo relacionaban de una manera negativa pues y realmente uno a esa edad mezcla todo y uno no está serio y a la vez es como parte de su vida, hubo un episodio por ejemplo que te quiero contar, hubo una banda que apoyaba a un político aquí, “Los Lorens”, yo tenía doce, trece años y yo conocí a sus integrantes, no recuerdo como pero los conocí.

- ¿Quiénes integraban esa banda?

En esa banda que yo recuerde, que todos son todavía amigos míos, estaba en la voz un suizo llamado Franco Nassi, que vivía en Valencia y estaba en el tecnológico musical y estuvo estudiando en el M. I. T, Musicians Institute and Technology, en Hollywood, supe que estuvo allá, creo que en Berklee también y a él yo lo conocí estando aquí, vivía en un hotel alojado con un baterista llamado Enrique Galué que su papá era norteamericano y eran profesores de inglés para sobrevivir, creo que ahí fue el contacto con ellos, había una banda en donde estaba Franco tocando guitarra, un amigo que se llama Eduardo Mogollón Gómez de la Vega que tocaba la segunda guitarra, y yo tocaba guitarra pero no había más pa’ guitarristas y aprendí a tocar bajo y Franco empezó a enseñarme bajo y el primer carnet musical que tengo del sindicato de músicos fue como bajista.

- Échame el cuento de Los Lorens, que eran para la campaña de Lorenzo Fernández que se lanzaba a presidente.

Se estaba lanzando a presidente, incluso ellos tenía un icono que los representaba que era una liana de tiros blancos, círculos verdes y blancos porque era del partido social cristino COPEI, entonces ellos se presentaban en conciertos y aquella rueda inmensa y esa cosa impresionaba, y ellos con unos equipos increíbles y también ellos fueron seleccionados quizás o ellos mismos debía haber habido alguna razón de los padres, alguna parte política, lo que sea; lo cierto es que ellos culturalmente estaban bien informados de lo que era el rock, de la filosofía del rock, no era simplemente que a ellos les dieron unos instrumentos y unas revistas para que leyeran como era un músico de rock, no nada de eso, sino de verdad se veía que les gustaba eso y lo conocían, estaba como te digo Franco Nassi en la voz y en la guitarra, estaba Gerson Cruz el popular mono que lo llaman ahorita en la batería, el director musical junto con Franco era, Marcos Delgado que tocaba la primera guitarra en ese entonces creo, estaba también Dimas Urdaneta que era otro guitarrista y cantante, estaba el hermano de Marcos Delgado en el bajo que se llama Rafael Delgado, quien luego estuvo viviendo conmigo en un apartamento en donde yo le di alojamiento, y no recuerdo más, lo cierto era que yo me iba con un grabador de cassette y rogaba para que me dejaran entrar a los ensayos, yo tenía trece años y escuchar aquella banda con aquellos equipos Marshall, Fender, guitarras gibson, efectos Wa-Wa, aquello era una cosa espectacular, verlos tocando de verdad, claro no era que aquello sonara musicalmente…como una banda de rock pues, y de allí comenzó la amistad con Franco, un poco más adelante y entonces nos conocimos y el quería sacar su banda, primero tuvimos la banda esa que te dije con Eduardo Mogollón, que no tenía nombre en ese momento, creo que se llamaba la segunda edición o la tercera edición.

- Hay una que se llamó The First Edition, The Second Edition y hay como una confusión, Omar Medina me dice que era The First Edition la de él.

Si porque Omar Medina estuvo anteriormente.

- ¿Y después vino The Second Edition?

The Second Edition que fue donde creo que yo estuve, no recuerdo bien, o la tercera, pero es que ellos me llevan unos años a mi.

- Era algo generacional, pero ¿era la misma banda o eran bandas distintas?

Allí estaba Franco y estaba Omar también pero no se cual sería la historia por la cual ellos se separaron o no siguieron, lo cierto es que Franco y Enrique Galué me llamaron a mi para formar ese grupo, en ese momento estaban un poco distanciados, también había un Francés que se llamaba Roberto Bondanza que lamentablemente creo que tuvo muchos problemas con drogas y yo lo conocí, también fue una influencia enorme, un guitarrista loquísimo pero con una agilidad sorprendente y Franco Nassi me habló de grupos como Luis Bonassi, los conocí, entonces para mí fue una escuela, encontrarlos a ellos fue para mi un despertar, no solamente a través de los discos sino a través de todo el contacto que tuve con ellos. En cuanto a la parte cronológica de los grupos creo que cuando todos ellos coincidieron conmigo y vieron mis ganas de hacer todo eso quisieron otra vez iniciar un grupo y el grupo que yo tuve, después de la tercera o segunda edición con Franco, fue Free Motion, que era movimiento libre, tocábamos Jazz-Rock y temas de blues y todo eso y yo tocaba el bajo ahí.

- ¿Tocaban versiones o temas propios?

Temas propios la gran mayoría, temas propios compuestos por Franco e ideas aportadas por nosotros, también tuvo unos cambios y unas variaciones pero lo que mi memoria le da, recuerdo que tocamos en diferentes sitios, tocamos incluso en el Club del Lago en la Avenida Libertador y aquello bien cómico porque era una cosa de un amigo, familiar y la gente no entendía que era lo que estaba escuchando y se acercaban e algunos ponían cara de desconcertados, otros de que no sabían que estaba pasando y fue la única vez que tocamos allá por cierto, pero por lo menos nos aplaudieron porque vieron algo raro y extraño que no entendían, tocamos en diferentes fiestas, tocamos en fiestas privadas y no recuerdo, no puedo llevar el recuento y llevar el recuento de todas las partes donde estuvimos para mi es un poco difícil pero tocamos en varios lugares, dimos concierto y Franco creo que tuvo un problema y tuvo que irse, irse de la ciudad, entonces eso motivo que la cosa llegara hasta ahí, entonces fue ahí donde se inicio mi etapa con mis propias bandas, realmente la primera banda que yo tuve se llamó Kristal que parece que es muy famosa, y en esa época lo fue, pero digo esto porque parece que trascendió, trascendió bastante, porque yo logré reunir ahí a varios músicos de acá, jóvenes y algunos un poquito mayores que yo.

- ¿Quiénes tocaban en Kristal?

En Kristal inicialmente estaba en el piano Abdel Arenas, un pianista que venía del Zulia con un sentido de la música muy gospel porque él incluso es de la iglesia evangélica, entonces dominaba mucho las armonías y los ritmos, en la voz solista estaba Gregorio Pérez hijo del profesor Rufo Pérez Salomón, que fue uno de los grandes maestros aquí en el Táchira, incluso fue director de la escuela de música y sus hijos estuvieron ligados a la música, y bueno en esa época yo estudiaba en la UNET y tenía el grupo y yo por una cosita de esas, por la ayuda de un rector, logre estudiar en la normal a la vez que estaba en la UNET y eso no se permitía, y estudiaba música en el normal porque allá crearon la materia de docencia musical y eso fue una cosa que fue evolucionaría, habían unos laboratorios de pianos eléctricos montados por la Wurlitzer que los ensambló el profesor Tomaso Romano, con más de veinticinco pianos Wurlitzer, una belleza, y yo les hacía mantenimiento, y él me decía: “No, Wurlitzer el piano de Supertramp”, el famoso piano, uno de los pianos como el Fender Rhodes, no tanto por lo costoso, sino el sonido característico, un piano eléctrico tipo Fender Rhodes, tenía un mismo principio, entonces imagínate tú, con la coral dirigida por Leonardo Pérez hijo también del profesor Rufo y hermano de Gregorio, fuimos a Caracas y ganamos dos veces como la mejor coral de Venezuela a nivel juvenil en el programa “Aquí Oscar” , y nos pagaron todo, valió la experiencia, yo fui de la banda, tocamos en diferentes partes, estaba Andel Arenas en el piano, Gregorio Pérez en la voz, en el Saxofón estaba Mario Zambrano que era un niño en ese momento, en la flauta estaba Osiris Aragón, en las trompetas tocaron varias personas pero entre ellos estaban Emiro Yáñez y pasó por cierto tiempo un trompetista que de verdad que el sobrenombre es muy feo, le decían Carlos Demonio, en ese momento le decían así pero él ahorita es una eminencia de trompeta en la Sinfónica Nacional y Osiris también, y Mario, son todos grandes solistas ahorita.

- ¿Y era un ensamble más dedicado al Soul, al Jazz o al rock?

Si, pero faltaban otros integrantes, estaba también Nicolás Porras que pasó por la batería, Carlos Becerra, un baterista local también estuvo aquí, Enrique Galué tocó un tiempo batería y en el bajo estaba Manuel Mendoza que es importantísimo nombrarlo porque fue uno de los pilares y yo tocaba guitarra, en la percusión estaba Jorge y no me acuerdo del apellido, estuvo también Gerardo Chacón en la percusión, uno de los músicos más importantes.

- ¿Gerardo Chacón es el esposo de María Ribas?

No, el esposo de María Ribas es Miguel Chacón con quien también más adelante hubo otra historia musical, te estoy hablando es inmediatamente después de la etapa con Franco que yo saqué mi propia banda, tuve otra banda también, que esa creo que fue precisamente la tercera edición, con Marcos Delgado, yo toqué con Marcos Delgado de Lorens y toque con Dimas y toqué con todos ellos y sacamos una banda y estaba Enrique Villafañe en el bajo.

- Que para algunos ha sido el bajista más emblemático de esa primera época, por su actitud, por muchas cosas

Sí, si, por muchas cosas y él fue extremadamente relativo conmigo, ósea estuvimos muy cercanos, salíamos juntos, tocábamos, ensayábamos, yo me quedaba en su casa, cuando su mamá murió, me dijo que por favor viera de Enrique, yo conocí todo, los instrumentos esos que él vendía, todo eso, su segundo apellido es un apellido alemán, la cosa es que yo conocí todos los instrumentos esos, igual que Dimas, igual que Omar Medina, que lo conocieron antes que yo, porque es que yo estudiaba en el colegio Juan de Maldonado y al frente quedaba la casa de Enrique y yo tenía ocho o nueve añitos, y Enrique ya era mayor, tenía diecisiete, dieciocho años y yo los escuchaba a ellos tocar y después con los años imagínate, los conocí y tocamos juntos, esta banda fue importante con Marcos Delgado, esa de la tercera edición porque ensayábamos al frente de la Plaza los Mangos, en una casa ahí, y eso ocurrieron las cosas más increíbles. Marcos Delgado fue una gran influencia porque como guitarrista, armonista y todo eso, él tuvo un gran peso, conocía armonía de Jazz, de bosanova y todo eso a mi me influyó, entonces Free Motion con Franco fue antes, un poquito antes, y después vino esta tercera edición y después vino Kristal, y con el grupo Kristal fue apoteósico, dimos conciertos por todas partes, Vitas Brener nos prefería como banda de apertura, Hender Contreras tuvo un gran papel con nosotros por su apoyo moral, por su amistad, incluso nos ayudaba a cargar los instrumentos y luego todo cansado se subía a tocar el cencerro con nosotros en los temas en la Plaza de Toros, fue una bonita historia con él y también recuerdo que habían músicos que pasaban, que no me acuerdo los nombres y llegaban y tocaban, con el grupo Kristal teníamos mega ensayos, nos prestaban fincas y haciendas para ensayar todo el día, dos días y era tal mi pasión por mantener ese grupo que yo tenía mi carro y yo los buscaba a todos, desde la mañana empezaba, a las siete y media de la mañana a buscarlos a todos en sus casas y a darles instrucciones, exponía todo preescrito ya tenía todo listo en alguna finca, alguna parte donde nos invitaban, las casas listas, las comidas, las mujeres que nos ayudaban con la comida, con la cocina, aquello era una experiencia total, completa, y después venían los conciertos, alternamos con Aditus, incluso ahí tengo una entrada de esa época, una entradita, con Vitas Brener tengo las fotos inclusive y me invitaron a tocar con ellos, me conocieron y me invitaron a Mérida a los conciertos para yo subirme y alternar con Los Quinteros, tocando y descargando y con Mandingo y con Los Quinteros y con toda esa gente.

- ¿Qué otras particularidades hay dentro de la historia del grupo Kristal?

Lo que pasa es que hay historias paralelas, pero es que tengo que hablar de mi amigo Rafael Giordanelli que él a su vez estaba liderando también un movimiento.

- ¿Tú fuiste el primero, según nos comentó Rafael Giordanelli, en invitarlo a tocar en la obra “Tu mismo tú” de Rafael Daboín, la cual fue su primera presentación?

Esa fue su primera, yo no sabía eso.

- Donde él ejecutó unas guitarras.

Me acuerdo de la experiencia y que él tocó, pero no sabía que era su primera puesta en escena, imagínate que bueno, que bien no sabía eso.

- ¿Después de eso si viene Axioma?

Bueno si, ellos siguieron un camino paralelo por su lado porque ellos eran más rock, yo encontré el Jazz, y ellos encontraron lo que podemos llamar ahorita alternativo, una cosa así, y el estilo de nosotros en ese entonces.

- ¿Lograron grabar algo?

Un amigo que me conseguí después de muchos años me pidió una cinta, porque nosotros teníamos una cinta que lamentablemente yo perdí, por prestarlas perdí unas cintas que no me devolvieron, con música del grupo, queda por ahí grabado un ensayo, y nuestro estilo era lo que es hoy, con las diferencias obvias de la tecnología y todo, aunque ellos suenan vintage, con lo que hacen los Amigos Invisibles, el mismo patrón de piano y de las letras, el mismo contenido en Acid Jazz, con cierta influencia latina también, tuve un concierto en el Gimnasio Arminio Gutiérrez, donde tuve una sesión de metales impresionante y aquello sonaba era como una mezcla, sonaba, vamos a referencia Venezolanas, como decir Desorden Público con Amigos Invisibles, pero estábamos fuera de época, nosotros tocábamos ska, tocábamos Acid Jazz, ese era el ritmo que caracterizaba nuestra producción, a la vez que yo tenía algo de…., no me gustaba la música disco, el ritmo, ese ritmo que llamábamos en ese entonces funky, era hibrido , se compartían en producciones en los Estados Unidos que eran alternativas y de vanguardia y a la vez eran ritmos en cierta forma básicos, para la música que no nos gustaba a muchos músicos, que era la música disco, y entonces ese fue el estilo que predominó en el grupo Kristal, y Abdel componía muy bien, Gregorio cantaba y Gregorio era la figura fashion del grupo, yo era el guitarrista, con los solos, con todo lo que era la parte de armonía.

- ¿Y tú también tocaste en Axioma?

Yo toqué un poco con ellos pero no mucho, yo recuerdo una etapa porque me invitaron varias veces a tocar, tocamos en algún concierto pero no está muy claro, igual que con Kristal no recuerdo porque fueron tantas experiencias, para mí fue muy intenso, porque yo no dormía, yo me levantaba a las seis y era música hasta la noche, de paso en la UNET yo estudiando ingeniería industrial y de paso en el sexto, séptimo semestre yo ya tenía una previa historia de hacer música para las películas, que es la otra historia paralela, entonces el rector se acerca y me dice, me ofrece que yo me retire de la universidad por un tiempo porque necesitaban de mi para hacer la música de unas películas y que después me reenganchaban, esto era con la misma gente del cine club, con Carlos Molina, con José Avendaño y con toda esa gente que estuvo ahí pues, mucha gente, el profesor Mario Esté, hay bastante personas que vienen a mi mente que para mencionarlas todas, la cosa es que para mi fue importante porque la UNET me facilitó a mi un estudio, me dieron todos sus equipos, para la casa, ni siquiera allá, para utilizarlos allá, sino que me dieron consolas, equipos de cintas, multipistas, ecualizadores, amplificadores, monitores, de todo para yo llevarlo a la casa y trabajar allá las películas y yo tuve ese equipo, dos, tres años, de hecho no regresé a la carrera y seguía teniendo el equipo, después cuando estuve viviendo en las acacias, que fue cuando estuvo viviendo conmigo Rafael Delgado, hermano de Marcos, que después de muchos años lo conseguí, y ahí fue donde se inició la etapa del Jazz.

- Viajas a Caracas a investigar.

Exacto, exactamente, yo ya había viajado pero la parte intensa empezó ahí, porque yo ya tenía una percepción del Jazz desde la infancia, porque mi papá compraba discos de Duke Ellignton, discos de Glen Millar y a la vez compraba música de carnaval, que llamaba él música de zamba, y él sin saberlo me estaba dando una fuente interesante de raíces y de sonidos que iban a permanecer en mi mente para muchos años, sucedió que empezaron a llegar aquí a Venezuela, aquí a San Cristóbal, y en Caracas, Maracaibo y Coro, una empresa que traía discos importados y llegaron los primeros discos de Jazz que tuve yo en mis manos, el Jazz ya tenía conmigo digamos un antecedente porque a mi me gustaban las bandas como, una de las bandas que más influyó en mí fue el grupo Wishbone Ash, una de las bandas más importantes de la historia británica, la llamaban la banda maldita porque fueron la banda más conocida pero no los más famosos, y ahorita, hoy en día siguen y estuvieron en sus líneas y tú escuchas esa banda y… ahí tengo un video, cuando quieras te lo muestro.

- ¿Camel también fue otra banda?

Sí, eso fue más adelante, aunque simultáneamente los dos existían para mí y también estaba Edgar Winter con su hermano Jhonny Winter, la influencia del blues, estaban también grupos como te mencioné Cream, grupos y bandas como Grand funk, “Three Dog Night “, tenía una influencia tremenda, el grupo Chicago. Yo conocí a uno de los músicos de Chicago aquí en San Cristóbal, sí el vino para curarse, tenía un tratamiento por consumo de drogas y vino para acá para desintoxicarse, a una institución religiosa, y lo conocí, y él tocaba con ellos, en sesiones de estudio y en vivo, y el se llevó una grabación mía tocando guitarra y se la mostró allá a Terry Kath, al guitarrista y todo eso, y allá me conocieron y al cabo de los años como a los 5 o 6 años me escribieron.

- Que bueno.

Y a la vez todo eso estaba cónsono y mismo tiempo se estaba desarrollando en mi la inquietud con la parte electrónica, la música, siempre la grabación con la experiencia de la UNET, y ya desde niño yo le dañaba todos los equipos a mis padres, inventando cosas y hacía grabaciones haciendo ping pong, grabador de casete a grabador de casete, aprendía a tocar batería, aprendí a tocar bajo, en la UNET para poder hacer las grabaciones en multipistas yo mismo porque no podía contar con los músicos en el momento que yo quisiera, si yo estaba a las dos de la mañana componiendo como llamaba a un baterista pues se me iba la idea, entonces yo mismo tocaba la batería y tocaba los sintetizadores. Compré sintetizadores análogos, yo tenía un minimoog, tenía un cielo orquesta, tenía un Roland SH03, tenía bestias, un ARP 2600 y vino el trancazo del viaje, cuando yo estaba en plena etapa orquestal, con la UNET con la música para las obras de teatro, con el difunto Rafael Daboín, fue una gran escuela porque yo amaba y amo hacer música para cine, y música descriptiva tanto teatro como cine, entonces eso me dio a mi una gran base, una gran base, a la vez que estaba adquiriendo los conocimientos en la normal, lo que había estudiado en la escuela de música, también estudié dos años con el profesor Rafael Suárez, de guitarra clásica, otro amigo Pedro Ángel, guitarrista clásico, también fue una gran ayuda.

- ¿Pedro Ángel en que bandas de rock tocó?

Él estuvo con Rafael, Axioma, y estuvo con otras bandas que no recuerdo el nombre, y como yo te digo yo estaba un poquito paralelo porque en ese momento estaba en mis inicios con el Jazz, yo estaba más con los músicos típicos, folklórico, pues yo hacía arreglos de música venezolana y a la vez tocábamos lo que llamábamos el Jazz Fusión, el músico que te iba a mencionar que es un gran amigo también es Fran Gálviz, él estuvo en esa época, cuando Franco, él tocaba bajo, era bajista también.

- ¿Era el bajista de la Tercera Edición?

Sí, el fue bajista ahí, en una de esas bandas, lo que pasa es que como esas bandas realmente nunca grabaron, no concretaron, muy difícil, había mucho menosprecio hacía ese tipo de música, es un fenómeno que a pesar de todo lo contemporáneo que estamos ahorita sigue sucediendo localmente, entonces volviendo a esa etapa, yo estando viviendo allá en las acacias.

- Las Acacias es la experiencia primigenia a nivel de grabación.

A nivel de grabación no, aún antes, yo vivía en el edificio Santuario, ahí en donde queda el santuario, allí era la casa, es que vivía con mi papá y después entonces abandoné mi casa y todo eso, estuve un tiempo cuando regrese de las aventuras que te voy a contar más adelante, ahí me mudé con mi compañera, yo tuve mi primera compañera en la Normal, a las acacias, de paso me quedaba cerquita a la normal y de ahí se desenvolvió un grupo interesante de gente que era toda, digamos en ese momento, internauta.

- ¿De qué año estamos hablando?

Ya te voy a decir, 1976–77, si esa era la época, entonces entre ellos estaba Rafael Delgado con quien había tenido yo la banda, a quien yo había visto tocando en Los Lorena, y con su hermano yo tenía la banda, que hoy es Rafael Delgado violinista clásico, entonces también él vivía conmigo, también vivió conmigo un personaje, que para mi fue un personaje de la radio underground, que no es mencionado quizás por esa misma injusticia que tiene la vida, del que está en ese lado underground de las cosas, que a veces tienen trascendencia, pero no llega a saberse quien es en la historia, muchas veces pasa eso, él se llamó Ciro Peña, un locutor, que él era muy conocido en Caracas junto con gente como estos famosos, como Iván Losher, amigo de todos ellos, él fue uno de los fundadores de radio satélite en Maracaibo y el vivió conmigo, problemas fuertes del consumo de drogas, que lo menciono porque eso era algo habitual en ese entonces, lo cierto es que a Ciro yo lo menciono porque él era un amante, él era un cultor total del Jazz, del nuevo Jazz, a través de él yo conocí a Pat Metheny, la música de Pat Metheny, uno de los discos que más me influyó me lo regaló él, fuimos a Mérida a tocar en un evento que ni recuerdo, ni pies, ni cabeza que tenía, pero se que descargamos con un montón de músicos de Mérida, con unos amigos mío de Valencia, con los hermanos Pérez, con Roberto, en ese entonces nos encontramos varios músicos y descargamos allá, era más bien un Jazz Session más que otra cosa, entonces a través de él con sus discos de Jazz, yo lo ayude a hacer a él también sus programas porque yo tenía música de Jazz también, la música que se conseguía aquí en Venezuela era la música de Herbie Hancock, el famoso tema Camaleón, y Chick Corea y su disco Return To Forever”, Joe Zawuinul, y junto con lo que él me presentó, más lo que yo tenía, ya aquello abrió completamente en mí en un sentido pues una tendencia hacía el Jazz que me terminó de llevar hacia el lado que yo estaba buscando y separarme un poco de la otra tendencia que estaba marcada por los otros amigos como eran Rafael y todos ellos con las bandas de rock, total que en ese entonces vi también hice radio, yo hice radio en ese entonces en Radio San Cristóbal (RSC) y más que todo en la Radio Difusora cultural, y el paso mío por radio San Cristóbal fue debido a mi banda a Kristal y que estaba Hender ahí y siempre estábamos nosotros dos abanderados buscando música muy especial, yo le prestaba los discos míos que compraba importados, el a su vez me prestaba a mí discos, estaba Loreto, y había una tendencia musical en aquel entonces que empezó en los años 70, 74–75, no recuerdo, por ahí es la cosa, lo cierto es que eso fue bastante interesante y me influyó muchísimo.

- ¿Ese es tu inicio con el Jazz en San Cristóbal?

Si, se inicio la etapa del jazz, que es importante que la mencione, como sucedió, yo escuché en ese entonces hablar de la Tocata, la cual era un piano bar que se hizo como una emulación de Juan Sebastián Bar, el mismo concepto, encabezados nada más y nada menos que por el maestro Virgilio Armas, en la batería un señor de color, de raza negra, llamado LLoyd Wellington y está Rodolfo Buenaño y tienen sintetizadores ART, tiene un piano Baldwin de cola, entonces yo fui de curiosidad a visitar la Tocata una vez que estaba abierta y me impresioné. Además yo estuve en Miami Florida, visité los estudios Criteria Records, y allí pues vi los estudios impresionantes que habían en ese momento, eso junto con mis viajes a Caracas, porque allá estuve en Sincrosonido de Luis Oberto, también estuve en OHM de Barquisimeto de Oscar Moró, en varios estudios de Caracas, estudios del Este, siempre estaba buscando y la UNET me facilitó una serie de equipos, pues yo tenía ya acceso a los libros y yo hice prácticamente yo mismo mi propia instrucción, además el estudio de la ingeniería me facilitaba el estudio de la parte electrónica, la comprensión de todos los elementos que tenían que ver con la parte eléctrica, todo eso me dio una base que agradezco a Dios tenerla. Y lo de la Tocata sucedió entonces como cosas que ya estaban como escritas, yo conocí a Virgilio Armas, alguien me presentó al maestro Virgilio Armas, una persona que tenía catorce años tocando en Juan Sebastián Bar, el mejor sitio de Jazz de Venezuela y que se vino para acá con este proyecto que montaron varias personas, capitalistas de bastante dinero y un sitio súper exclusivo y por alguna razón me dijeron que fuera a hablar con él, y me llevé mi guitarra y nos sentamos a hablar, su personalidad siempre ha sido muy abierta, le gusta hablar muchísimo del Jazz y de todas las cosas que ha hecho, de los que conoce, entonces me dice: agarra la guitarra, y él agarra el piano y empezamos a tocar. Y arrancó con un blues, y entre los músicos del Jazz lo primero que casi siempre se toca para conocerse es un blues, y para mi en ese momento era natural el blues, la forma del blues, hay que saberlo tocar, el número de compases, un blues de doce, de veinticuatro, de treinta y dos, todo eso era ya un standard, entonces yo empecé a tocar con él y nos extendimos y llegó un amigo, llegó su mamá y llegó su papá y otro hermano, gente de la familia, y amigos, y yo miraba hacia los lados, pues era que la cosa estaba sonando muy bien y Virgilio se levantó, y terminamos y me estrechó la mano, y me dijo que donde había estudiado Jazz o el Blues, y sucedió lo que yo no me imaginaba, me invitó inmediatamente a tocar con él, con el trío.

- ¿Con la banda completa?

Con la banda sí, tuvimos que ensayar y todo, y me dijo de hecho, móntate ya de una vez. Yo ya había estudiado standards, ya había visto standards y todo eso.

- ¿Y tu viaje a encontrarte con el Jazz capitalino?

Eso sucedió paralelamente, yo fui a Caracas a recibir clases porque yo estaba en mi avidez de la guitarra jazz fusion, entonces llegué allá, estuve en el edificio pacifico, en Sabana Grande en una tienda que se llama Bucci, una de las más antiguas, la Gibson mía la compré yo allá, una que me robaron, a mi me robaron la Gibson, mi Gibson Stereo tipo B.B. King. Lo cierto es que yo veo un aviso, veo un guitarrista, y yo digo bueno éste es, recién egresado de Berklee, tocaba con Melissa y con un poco de gente, estaba dando clase y entonces lo llamo, se llama Luis Alvarado, le dicen Bachaco, fue una gran influencia. Él tocaba con Ilan Chester, con Melissa, con todo mundo, uno de los mejores guitarristas, él es recientemente uno de los accionistas del sello Latin World, y fue uno de los directores del grupo Martes 8:30, él es el director musical, y entonces nos ponemos de acuerdo, me dice que es en El Llanito y yo me hecho el viaje, le pregunto que si llevo guitarra, y me dice no lleve guitarra que él ahí tiene una para las clases, que no me preocupe. Al llegar sucedió la primera parte curiosa, yo llegué al edificio donde él vivía y había ese día muchísima gente circulando abajo, sin él conocerme a mi, ni yo conocerlo a él, la energía de la música nos hizo identificarnos, quizás por la manera como nos vestimos, la forma de ser del músico. Subo ilusionadísimo, llego a su cuarto, hay una guitarra Gibson Les Paul, una Fender Stratocaster, él me da la Gibson Les Paul, y me dice: — OK, vamos a comprobar tu nivel, qué es lo que tu quieres aprender. Y yo le contesto: Bueno yo quiero tocar estándares, etc. Entonces me hace una prueba de nivelación, nos ponemos a tocar un tema que se llama Four, me pone el Real Book, que es la Biblia de la Música y entonces yo lo acompaño para ver como estaba mi lectura del cifrado, entonces se la acompañe y dijo: Oye, tu haces Walking Days, la cual es la técnica de tocar el bajo a ala vez que se tocan los acordes. Ya con eso me miro un poco extrañado, luego hizo un solo impresionante, y me dijo: Ahora has tú la segunda vuelta con el solo. Entonces cuando estaba yo haciendo el solo, e hice el solo, la primera vuelta me paró, me puso la mano en la guitarra, y me paro y me dijo: — “Mira pana tú me estás mamando gallo a mi chamo, a ti te mandó Ezequiel verdad pana, tu de donde eres, no joda”.

Y acá estoy citando las palabras textuales de lo que me dijo, y yo le decía, no profesor yo no sé quien es Ezequiel… risas.

Y él me seguía insistiendo: — “No vale no puede ser, en serio pana. Pero tu estudiaste donde en el M.I.T”.

Y yo le respondía: — no vale allá en San Cristóbal, y fue una vez a Criteria Records, e insistía y tomó el teléfono y llamó a Ezequiel Serrano, el productor famoso, saxofonista con Yordano, etc. Llegó y nos invita a tocar a Ezequiel, a mí y empezamos a descargar. Terminado el primer tema me felicitaron, estaban muy emocionados, en aquel entonces era difícil encontrar músicos que se identificaban y se sobreentendía que sólo aquellos que estudiaban fuera, eran los que estaban en la onda, los demás tendrían que pasar muchos años para descubrir eso. Entonces de una vez me invitó, me dijo: — mira Carlos, esta noche, yo tengo grupo, estamos sacando un grupo que se llama Victoria, tocamos en el Sunset de la Castellana, ¿donde estas tú viviendo?

Bueno ahí les di mi dirección y me pasaron buscando. Cuando llegué allá estaban, Otmaro Ruiz, que estaba antes de irse a estudiar a Berklee pero ya era un niño prodigio, Frank Quintero, Carlos Nené Quintero, Álvaro Falcón, un bajista que no recuerdo, el cual era muy famoso en ese entonces y estaba alguien que lo dejé de sorpresa para comentarlo ahorita que es Lorenzo Barrientos. Lorenzo Barrientos era uno de los bajistas medio precursores, y uno de los mejores bajistas que ha pasado por las bandas de Ilan y la de Yordano. Lorenzo Barrientos y yo fuimos compañeros aquí en La Salle.

- Ese colegio despareció.

Si, bueno yo estudié con Lorenzo Barrientos en La Salle y hay una foto guardada donde él está tocando el cuatro y yo la mandolina. Resulta que Luis me invita a tocar al Sunset, ese día no fue Lorenzo, y me presenta delante de todo el mundo: — Ahora con ustedes un amigo sorpresa, y no les voy a decir de donde es porque quiero que lo escuchen.

Entonces estoy tocando y él suelta la guitarra, y en ese momento hay intercambio de músicos, se pone Frank Quintero atrás, y yo estaba más asustado, emocionado, pero a la vez estaba seguro de mismo porque me gustaba lo que estaba haciendo, no iba a desperdiciar la oportunidad de disfrutar lo que estaba pasando. El Sunset cerraba a las 2:30/3.00, en aquel entonces cerraba a esa hora, y cerró a las 5:30 de la mañana, en esa oportunidad. Después me invitaron a otro sitio que fue una locura total, que fue Mat Chucky Lucky Jazz Club, estaban los dueños del grupo Esperanto, yo te puedo decir que en quince días, ya había conocido a todo el ambiente musical, en el mismo instante estaban lanzando el primer disco de Frank Quintero con los Balzehaguaos y conocí a Leo Quintero, Leo Quintero después vino para acá para San Cristóbal. Después fuimos a tocar a Caracas de nuevo con Lorenzo, con Luís Alvarado, con Victor Cuica, Ezequiel Serrano, me levé a Julio Flores, lo invité y a Lorenzo yo no lo reconocía y llega, estoy yo allí y antes de empezar a tocar me llama, sentado en las mesas del cafetín Rajatabla del Ateneo, y él me dijo: “Arellano”, y yo le saludé, y luego me dice: “Arellano presente, Barrientos presente, te acuerdas que jugabamos y tu decías por mí y yo decía por ti ”, y ese era un juego que teníamos, incluso a veces cuando decían Barrientos yo me quedaba callado. Éramos amigos y yo no me imaginaba que él seguiría siendo músico.

- ¿Y tu trayectoria de grabación?

De allí después vienen otras historias, yo trabajé con Enrique Hidalgo, él es un productor muy reconocido, el de la famosa agrupación pop Urbanda y a la vez produjo a Gualberto Ibarreto, yo le hice un arreglo para un disco de Gualberto, el de la parranda navideña, la mitad del disco la arreglé yo con mi amigo Delfín. A Enrique Hidalgo le grabé su disco tocando piano en el estudio. Además trabajé con Carlos Molina y Sara Robi, en grabación y edición, con mis equipos y sintetizadores y todo lo que tenía para producir música.

También trabajé en Caracas, contratado, para estudios y trabajos especiales. Yo tuve la oportunidad de tener el primer sintetizador MIDI, y junto a Enrique Hidalgo tuve la oportunidad de grabar en Sincrosonido, uno de los estudios más importantes que existió en ese momento. Tuve un Piano Rhodes, trabajé con Manuel Barreto, con la gente del Cine Club UNET. Tuve una Fender Stratocaster, que luego se la di a Nikky Brocanchair que me trajo una Ibanez de Inglaterra.

- ¿Y como músicos regionales de la época a quienes recuerdas?

Trabajé con Virgilio, con el maestro Nelson Rivera Useche, Nicolás Porras, Rodolfo Buenaño, Julio Flores, hoy en día nada más y nada menos que arreglista de Guaco, quien además toca con Oscar de León, con muchas bandas de Jazz. Trabajé en estudio con una banda donde estaba el profesor Benjamín K. Carriel, un norteamericano.

- El profesor de Julio D´Santiago, Jerry Cárdenas y una gran extensa generación de bateristas regionales.

Exactamente, un gran amigo y excelente baterista y percusionista.

También trabajé con Cesar Maldonado, el locutor, con Miguel Chacón, el esposo de María Rivas, con quien compartimos una etapa de aprendizaje. Compartimos tarima acá en la UNET y en la Plaza de Toros con Otmaro Ruiz, Frank Quintero. Ilan Chester y yo estaba en la guitarra. Dimos conciertos para el partido comunista inclusive.

- ¿De que año estamos hablando Carlos Eduardo?

1980 más o menos. También en esa época alternamos con todos ellos con El Cuarteto Novus, mi banda de entonces, donde estaban Miguel Chacón en el bajo y Julio Flores, que luego se fueron para Caracas y han sido músicos de mucha relevancia. Yo tuve en esa época mi estudio en el Edifico Don Vale, antes de empezar el trabajo con la televisora, esa fue la época donde yo trabajé mucho con Pedro Castillo, Pedro Castillo nos conocimos y él venía para acá y él se quedaba en mi casa, durmiendo, y él me vendió mi primera plataforma para guitarra MIDI, mi primer sistema MIDI Roland de guitarra, en esa época, período del 82 al 88, ocurre todo este crecimiento. Ya lo de Ilan fue en el 90 91, porque eso fue en la etapa de mi trabajo con TRT.

- Tú fuiste uno de los fundadores de la Televisora Regional del Táchira, coméntame esa experiencia.

Yo estando en la universidad ya había conocido los inicios de esa idea, con el Lic. Carlos Molina, él tenía ya amistad con el Lic. Jugo y otras personas que fueron claves en el nacimiento de la idea y yo me iba para Estados Unidos y entonces me pararon y me dijeron: usted no se va, me pidieron que trabajara con ellos porque yo tenía ya mi estudio MIDI, yo ya había hecho muchas cosas trabajando con audio, casi desde los 17 años, con la gente de la universidad y después con mis estudios. El MIDI, yo supe cuando surgió el MIDI porque yo estaba escrito en el periódico The Pass Port, que me enviaban por correo mensualmente, y Dave Smith el creador de el MIDI me escribió: Carlos tenemos el gusto de anunciarte la salida del protocolo del MIDI, estas son las especificaciones y te anunciamos que en noviembre de 1983, el protocolo dará la luz. Eso fue en el 82, y las personas pensaban que estaba loco porque en ese momento la música computarizada era muy limitada, o se hacía a través de equipos muy costosos con resultados que no llegan a hacer ni la milésima parte de lo que hace ahorita un computador casero, entonces aquello era una revolución, y cuando salió el MIDI me compré el primer equipo MIDI que hubo aquí, y a la vez Miguel Chacón se compró un DX7, un teclado, para su banda que tenía de música latina, Yagrumo, con un gran amigo mío, que también fue mi alumno y que es un gran maestro ahorita, que es Rubén Soto, en el piano.

Yo le dije a la gente de TRT, yo no quiero ser un empleado, yo tengo mi compañía de Jingles, Novus Producciones, entonces hicimos una pequeña sociedad con la televisora, entre producciones TRT y Carlos Eduardo Arellano Novus Producciones y empecé con ellos. Inmediatamente fuimos a los Estados Unidos y trajimos 40 mil dólares en equipos, los teclados más impresionantes, etc. Lo cierto es que esa etapa se inicio cuando se daba la plena evolución del sampler audio, y también otro de los amigos que compartió conmigo ese momento de la música fue Juvenal Branger, incluso él tenía teclados y yo tenía equipos y nos prestábamos, y todo ese tipo de tecnología de la época cercana al 90 se aplicó a la televisora. Y todo eso fue para mi un aprendizaje impresionante, tuve la oportunidad de hacer música para documentales, para cuñas, para programas, y sirvió como un trampolín para una época que es la que estoy viviendo ahorita más aproximado a Internet.

- Dentro de lo que tú consideras relevante dentro de la historia del rock regional, cuales son las bandas que para ti han marcado, desde mediados del 70 hasta el 2006, en cada una de esas décadas una base que tú puedas recordar por su calidad estética, conceptual, etc.

A parte de que se mencione a mi banda Kristal como una banda que tuvo mucha repercusión, para mi lo tuvo espiritualmente y para mucha gente también tuvo una trascendencia, debo mencionar las bandas como Axioma, Tiempo Zero, que ha pasado por una evolución indudable de muchos cambios, pero que reflejan en gran parte ese pensamiento que junto a Rafael Giordanelli y Abelardo, siempre mantuvo como una vanguardia rockera aquí en la región. Yo a Tiempo Zero le seguí mucho los pasos, y la verdad que siempre me pareció una banda trascendental. Axioma también tuvo un papel importante, y los Thomas que era la banda de Cheo Cárdenas, también otro gran amigo, que también tocó conmigo en diferentes agrupaciones, en el Cuarteto Novus y todo eso.

- Eventos importantes de la época.

En Rubio, una vez, tocó The Match Box y yo fui con Franco Nazzi a tocar por allá, y de repente se apareció una banda italiana con un sonido increíble, impresionante. También venían muchos músicos de Mérida. Además de ese Festival y el de la Loma del Viento, en el cual participé, se realizó un Mega Festival en Mérida y nosotros fuimos hasta allá en moto, en ese momento nos sorprendimos mucho porque llegamos y habían unos músicos de Holanda y nos invitaron a tocar.

Otro episodio importante fue en Valencia, íbamos a tocar en Teatro Municipal, estaba Franco Nazzi allí conmigo y llegó la banda a Puerto Cabello en un buque, era Tiny Teen y su banda, e hicieron escala en Venezuela, pues tenían un compromiso, yo terminé en su yate, descargando con guitarra, con un montón de músicos británicos que apenas yo veía en las Revistas Pelo[1], y aquello fue durante tres días descarga y descarga, hasta que llegó la policía, y sacó el barco de allá y nos sacó a nosotros.

- Para que la Industria Cultural del Rock Regional evolucione a otro estado, rompiendo paradigmas, con el objetivo de que nuestro mensaje se convierta en un bien cultural reconocido y productivo tanto nacional como internacionalmente, ¿cuales son tus apreciaciones fundamentales y directrices fundamentales?

Bueno, en la última parte de mi carrera he desempeñado una actividad que está muy ligada a esto, a partir del año 1996 1997 mi profesión está íntimamente ligada a Internet, y esto abrió unas puertas impresionantes, porque incluso me permitió entrar en contacto con muchísima gente de todas partes del mundo, mis temas están en los salones de la fama de algunos sitios web, hemos hechos trabajos virtuales, y a través de eso me he dado cuenta que una de las claves que existe ahorita junto con el cambio de la mecánica del mercado discográfico, ha sido un espaldarazo a la independencia del músico, por un lado, ese apoyo, o ese recurso valioso también tiene sus pro y tiene sus contras, porque es indudable que la maquinaria movida por dinero de las grandes disqueras siempre va a lograr una penetración inmediata prácticamente, casi que te toco y te convierto en lo que yo quiero, verdad, eso por un lado es bueno y por otro lado es malo también, pero la producción individual que logra el músico a través de internet, que es lo que yo recomiendo, el músico debe ampliarse ahora a las nuevas tendencias. Ya tiene que acabarse el mito de que aquello que si no soy famoso y no vendo millones de discos, entonces mi vida esta arruinada y frustrada como músico, eso es mentira, es más quienes dicen que no están en eso internamente tienen un paradigma y tienen algo así como un mensaje imbuido en ellos, que los hace inhibirse, para salir más adelante, porque piensan que no vale la pena, resulta que no ahorita se ha diversificado el mercado mundial de la música pero muchísimo, lo importante es que tu mensaje llegué a quien debe llegar a la cantidad de personas que deba llegar, es mucho más importante a que no llegue a ninguno. Yo por lo menos ahorita estoy preparando mi disco, que podría ser mi primer disco completo de todas mis obras, sin embargo antes de ese disco ya mi música ha llegado a centenares de miles de personas en internet, para mi eso es un logro personal muy grande. Lo que yo expongo en este momento es buscar y aprovechar las virtudes y las bondades de esta gran revolución que estamos viviendo ahorita, ya en este momento incluso con la informática podemos tener la posibilidad de crear un estudio en casa, lo cual también ha generado mediocridad en muchos casos, pero también ha demostrado que si se puede hacer. ¿Que es lo que realmente hay que establecer?, Un balance, ¿En que consiste ese balance? En no desbocarnos pensando que esta apertura que existe ahorita es la clave de todo, porque podemos estrellarnos, si nos olvidamos que detrás de todo esto también tiene que dársele la importancia al hecho del aprendizaje a la formación, tanto musical como tecnológica, el músico ahora es como un Cyber Androide espiritual, es decir, pongo el espiritual porque debe tener corazón, y Cyber Androide porque debe estar al día con todas las tecnologías que existen o por lo menos tomar lo mejor de cada una de ellas, para poder auto producirse y a la vez llevar su mensaje lo más lejos posible, que sucede que si el músico no toma conciencia de esto siempre va ir un paso, o dos o tres o cuatro atrás, eso está cambiando, yo me doy cuenta porque estoy ahorita en una etapa de dar clases y talleres a varios muchachos y todos tienen la inquietud, hasta lo más tímidos de aprender, para poderse producir ellos mismos, ese ya es un gran paso, porque antes tu no podías hacer eso, costaba muchos millones y mucho dinero poder producir un material, ahora lo puedes grabar. Suponte que no tienes un sello disquero, lo guindas en un sitio en internet, buscas la política adecuada, la tecnología adecuada de dispersión de tu mensaje y en pocos meses ya esta en muchísimas partes, ya te están escuchando, esa parte global, que tanto está en boga ahorita, tan polémica la palabra, ese lado de la globalización es el que yo considero positivo, sin embargo no dejo de ver con preocupación que hay mucha superficialidad.

- ¿Y cómo percibes el movimiento de los mass media, de la payola tradicional, de la gerencia perversa de la industria musical?

La mass media pareciera estar desesperada, por la eclosión que existe ahorita, deben darse cuenta que hay tanto material ahorita, que hay tantas tendencias, que lo que refleja en realidad es que hay mucha más gente dispuesta a trabajar, por lo tanto debemos ser sabios en los medios de comunicación y entender que si nos diversificamos demasiado no vamos a ningún lado, y si nos encerramos demasiado en un estilo tampoco, como dije la palabra clave es equilibrio, es balance, saber mirar y entender el mensaje del artista y en ese caso reflejar lo que ese artísta quiere decir. Si tenemos ahí uno, dos, tres, artistas específicos, aquí están, vamos a apoyarlos, no importa que haya cien por allá, porque si no no hacemos nada.

- Es decir que para ti Internet es la clave en el presente milenio para la reproducción y comercialización de los bienes culturales.

Internet es el medio, pero la clave es como nosotros utilicemos ese medio, es el criterio y la filosofía que adoptemos ante ese vehículo, como la misma que adoptamos ante un vehículo automotor, si lo manejamos con influencia nos estrellamos, y si no nos subimos en él llegamos tarde, igualito pasa y sucede con internet, para mi es la clave de muchas cosas, porque ello va íntimamente ligado a la evolución de otros aspectos, que ya los hemos mencionado, la música ahorita no es un hecho aislado, personalmente yo seguí en la música, yo tuve mis crisis a los 27, 28 años, existenciales con la música y realmente lo que me salvó y lo que me permitió seguir fue que yo había estado en varias disciplinas a la vez, eso fue importantísimo, que la música para mí tiene sentido es si yo la rodeo de diferentes disciplinas.

- Carlos ya para finalizar nómbrame un bajista, un baterista, un tecladista, un guitarrista y un compositor que para ti son trascendentes dentro de la historia del rock regional.

OK.

- Un bajista.

Indudablemte Enrique Villafane, lamentablemente no ha podido plasmarse de una manera perentoria, que hubiese trascendido, pero quienes lo escuchamos tocar sabemos que él fue una gran influencia para muchos músicos de aquí por su enorme inventiva, por su sentido extraordinario de la armonía, por ser un cultor no solamente del rock sino del jazz, a mi me pareció uno de los mejores bajistas que hubo aquí en la ciudad. Luego tengo que mencionar a dos más contemporáneos Gerardo Chacón y Miguel Mendoza, ambos bajistas extraordinarios y un bajista emblemático que tocó en muchos estilos y con muchos años de experiencia que para mi creo que es como el símbolo de los bajistas en San Cristóbal es Manuel Mendoza, porque él tocó de todo, es como el músico más versátil porque tocaba de todo un poquito. Y si vamos a bajistas trascendentales tenemos a Rodolfo Buenaño, pues él fue prácticamente el bajista de Virgilio Armas. Ahora si mencionamos dentro del rock pues yo tendría que decir, Enrique Villafañe.

- Un Baterista.

Cheo Cárdenas, indudablemente, un gran baterista, y antes de él, aunque son de otra parte, Enrique Galue y Nicolás Porras, quien ahora es el presidente del Sindicato de Músicos.

- Un tecladista.

Como pianista Virgilio Armas en el sector del Jazz, en la parte del rock y el pop estaba Abdel Arenas un tremendo tecladista también, e indudablemente Rubén Soto, de las nuevas generaciones quizás fue el más destacado, como pianista y continúa hoy con su labor.

- Un guitarrista.

Abelardo Morales, par mi siempre fue uno de los músicos más relevantes, pero tengo que acotar algo, hay músicos que me han impresionado, Rafael es un gran acompañante con la guitarra, el tiene su estilo y siempre lo mantuvo, y eso es algo que se respeta, se mantiene con su estilo de acompañamiento y bien hecho.

Hay un músico que a mi me impresionó mucho, de los actuales pues está José Chacón, que para mi también es uno de los mejores que ha surgido, pero estos ya son una generación muy reciente, y de esa generación más reciente hay uno que yo si quisiera que alguna vez estuviera y que yo le sentí cualidades muy especiales, sobre todo cuando lo escuché tocando blues, que es Fran Mota hijo, siempre me pareció extraordinario.

Hubo otros músicos que te podría mencionar en el saxo Mario Zambrano, en la flauta Osiris Aragón que es un maestro.

- Un compositor.

Rafael Giordanelli, indudablemente, Rafael no tiene rival, siempre me pareció que lo que él hacía reflejaba un mundo, una sabiduría, un contacto. Él y yo estuvimos muy ligados a la parte de La Gran Fraternidad Universal[2], a la parte filosófica diferente, otra forma de mirar la vida, él incluso más que yo. Yo estuve un tiempo y luego me retiré, pero conservé mi esencia en esas cosas y nos identificamos, aunque estuviéramos en corrientes diferentes nos identificamos mucho, y sus letras y todo son de verdad bastante trascendentales.

3. Omar Medina. A la saga rítmica.

- ¿Qué instrumentos ejecutaste y en qué bandas?

Batería, en la percusión batería normal, especialidad rock and roll, blues, guitarra y un pelo de armónica.

- Tu vives acá cerca de Rafael Giordanelli que es otro de los precursores, coméntame ¿Cuándo se conocen ustedes, cuando empiezan a tocar y en qué año más o menos?

Nosotros empezamos desde chamos, ponle tuvimos la influencia del cambio generacional, a partir de 1969 cuando Woodstock, vino el festival de Woodstock, los tres días de paz y amor y Rafael es la secuencia de nosotros como inicio de grupos de aquí, de música rock en el Táchira, después Rafael sacó el grupo Axioma.

- ¿Estamos hablando más o menos de qué años?

Como 74.

- ¿Y entonces la primera banda de los anales primigenios del rock regional cuál fue?

La primera banda se llamaba The Thunders, los truenos. Allí tocaban Marcos Delgado en la guitarra, un baterista que se llamaba Omar Peña y no me acuerdo de los otros.

- ¿Ellos tocaban versiones o temas propios?

Versiones, y entonces nosotros a raíz de que el tipo era muy bueno, el guitarrista, hablamos con él y vino a ser guitarrista nuestro y fue cuando se formó The First Edition, que fue con Enrique Villafañe, Luis Francisco Cárdenas, Jorge Carrero Neker y yo en la batería.

- OK. ¿En ese tiempo es anterior Axioma, Travesía y Kristal?

Es el inicio de la música rock en San Cristóbal a partir de nosotros como grupo The First Edition, se término el grupo The Thunder, se acabó, después salió aquí el grupo de nosotros, después salió un grupo que se llamaba The match box, La caja de fósforos, creo que competían con nosotros más o menos en ese estilo.

- ¿Quiénes integraban La caja de fósforos?

Un ingeniero, ahorita, que se llama Edgar Nieto y no me acuerdo de los nombres de los demás.

- Coméntanos un poco ¿Cómo era la movida en esa época, en qué locales tocaban, se hicieron festivales?

En los festivales de la época, tocábamos siempre, como la misma gente se reunía en los mismos club, tocábamos siempre en todos los cumpleaños, en las fiestas que hacían en los club de cierre de año, en el Club Táchira, en el Club Tenis, en el Demócrata o en todas las fiestas de las amigas del grupo de nosotros.

- ¿Cuándo entra ya Axioma, Kristal, las bandas en qué ha estado Rafa, contigo?

Axioma entra ya cuando Rafael crece, porque Rafael y yo nos conocemos desde niños, por ser vecinos y después entonces Rafael a partir de lo que veía en nosotros, él fue creando el grupo de Axioma.

- ¿Esa fue su primera banda, Axioma?

Fue la primera banda que él tuvo.

- ¿Y allí tocaste tú con él?

Yo toqué con él, pero después de muchos años, yo no estaba acá, pero sí se reunía con Carlos Eduardo; Carlos Eduardo Arellano fue evolucionando mucho como guitarrista y toda la gente que vivía aquí en San Cristóbal en esa época apoyaba muchos grupos que surgieron en ese entonces, que en realidad no sé los nombres. Enrique Villafañe también tocó en Axioma.

- Y la proyección a nivel de grabaciones. ¿Quedan registros de esos temas de las viejas bandas, de la década del 70?

Yo estudiaba en Mérida, después establecimos contacto con la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Los Andes, entonces ahí era donde se hacían los Festivales, entonces los festivales eran como un concierto normal en la Facultad de Arquitectura, y después trajimos la gente para acá y hacíamos fiestas en el Circulo Militar, hubo un Festival en la Loma del Viento que es muy famoso, que Rafael Giordanelli tiene una canción de la Loma del Viento.

-¿Ese Festival de la Loma del Viento fue en qué año?

Yo creo que fue llegando a los 80.

- ¿Quién fue el organizador?

Nosotros, junto con el grupo de Mérida, Underground Emigration, que el grupo en la evolución musical, el baterista Edgar Sauma, llegó a ser el director de la banda municipal de Caracas.

- Y en ese Festival de la Loma del Viento. ¿Qué bandas tocaron?

La banda de Mérida, nosotros con Axioma, invitamos a todos los grupos que empezaron a sobresalir en esa época, The Match Box, etc; y también en esa época vino para acá el grupo Los Hippies de Maracaibo, que nos conocíamos todos, éramos muy amigos y aquí mismo a media cuadra de mi casa, llegaron ellos donde un amigo nuestro de apellido Chacón.

- Ese Festival marcó un hito, ¿Cómo lo organizaron?

Fue un esfuerzo de nosotros mismos, era de entrada libre, todas las presentaciones que hacíamos nosotros, tanto el los Clubes como en las fiestas, todo era gratis.

- ¿Y ese sonido y esa infraestructura necesaria para llevar allá arriba la música, Tarima, etc, quién puso todos esos recursos?

Pues todos nosotros, nosotros cada vez que salía un instrumento nuevo, o un aparato de sonido nuevo, como en la época del “distorsion”, cuando se da el “distorsion”, nosotros nos íbamos para Caracas o para donde fuera o sino se iban Mario Francisco con Enrique para Estados Unidos y compraban equipos y se venían para tocar el fin de semana.

- ¿Viajaban inclusive permanentemente?

Inclusive nosotros cuando se acabó el grupo los Darts, nosotros le compramos a Augusto de Lima parte de los equipos para tener nosotros, una buena amplificación, la batería nuestra era Roger, teníamos puros equipos Fender y teníamos equipos Vox, también que le compramos a Augusto de Lima, porque siempre nos caracterizamos por tener los mejor de los equipos que habían en la época.

- Los amplificadores Vox son ingleses, son buenísimos, incluso Rafael Giordanelli tiene una Gibson Les Paul Standard.

Gibson Les Paul, guitarras Stratocaster, todo era lo mejor.

- Ustedes pudieron disfrutar en esa Venezuela Saudita con instrumentos de primera línea, que hoy en día son muy difíciles de poder adquirir por un músico común.

Yo siempre he dicho algo que es: en el Táchira se han caracterizado los grupos por ser más o menos de familia clase media hasta la clase alta, siempre aquí se han formado los grupos con instrumentos buenos, ósea no han empezado a descargar su música con equipos malos, sino con equipos de marca porque cada vez que sale alguien acá y hace su formato, presenta su formato, todo el mundo presenta un trabajo de alta calidad como músico.

- ¿Asististe al Festival de la Plaza de Los Mangos?

No vivía acá en esa época.

- ¿Cuál sería tu propuesta para hacer que tanto talento que hay en el Táchira y que ha existido en toda su historia musical, incluyendo el Rock por supuesto como una manifestación de la Industria Cultural Contemporánea de la música, cuál sería la formula o el paradigma a seguir para que esta Industria Cultural y estos Bienes Culturales, específicamente el del Rock, el Pop, el Soul, que se hace acá, pueda salir al mercado nacional e internacional?

Bueno da la casualidad que ahorita cuando tu llegaste, estaba viendo televisión y ví tocar al Gordo Miguel Hernández, en Vive Televisión, que toca Jazz. Él es muy amigo de Carlos Eduardo, pues ellos hicieron aquí un fusión de Jazz, la última fusión de Jazz que yo ví, fue al frente de la Plaza de Los Mangos, en una empresa de Telefonía Celular, allí en el cierre de un Diciembre hace muchos años. Entonces Miguel se iba a ir para Estados Unidos, a una broma de los Hijos de Dios, algo así, algo de Cristianos no se como es la cosa, pero se quedó en Caracas, y está haciendo una fusión de Jazz allá con dos o tres muchachos más. Yo creo que aquí lo que pasa es que, como todo, el Rock and Roll siempre ha sido supuestamente de violencia, de Hippies, de drogas, de toda esa vaina, pero ya se han dado cuenta las personas o el entorno que hay mucho valor musical, tanto joven como de personas ya adultas y lo que falta sería que alguien se preocupara de organizar, de hacer un centro cultural musical, donde se le de más cabida a estos, aunque la única persona que yo conozco aquí que le ha dado cabida a ese poco de eventos para seguir explotando y no desaparecer ha sido Rafael Giordanelli.

- ¿Y en cuanto a las bandas como es la evolución de la música, como percibes el movimiento actual del Rock Regional?

Puedo nombrar algunos músicos: Jerry Cárdenas, Julio Desantiago, estamos hablando de la excelencia de la percusión, entonces ellos hicieron su fogueo con varios grupos. Está Oliverio y la que Vuela, de Oliver Carmona, muy buen grupo y el grupo tremendo, que yo les digo que cada vez que van a tocar, que van a dar una bueno cabilla, tú no puedes definir el formato del grupo porque cada canción es diferente y están actualizados a los sonidos contemporáneos, entiendes, que es Guerra Santa. Guerra Santa es una de las mejores bandas de Venezuela.

- Y un patrimonio cultural de lo que es la industria del rock regional, porque Guerra Santa tiene años existiendo y han participado en festivales importantes y están haciendo un trabajo bien interesante de metal.

Creatividad, tanto musical como de letras y bueno toda la composición de la parte musical.

- Un bajista.

Hay dos. Uno no esta ejecutando ahorita, que es Enrique Villafañe Whethenjel, que es muy buen bajista y también guitarrista. Él ya no está con la música. Y el otro bajista de lo que a mi me gusta como estilo es Alejandro Morales, que también es tecladista, el hermano de Abelardo Morales.

- Un tecladista.

Alejandro Morales o Rubén Rondón.

- Un guitarrista.

Abelardo Morales y Carlos Eduardo Arellano.

- Un compositor.

Marino Vásquez, el cantante de Guerra Santa.

- Un baterista.

Danny Álvarez de Guerra Santa y yo por supuesto que toco Blues and Rock.

4. Hender Contreras. Vivir del Rock and roll.

- ¿Cuál es tu primer recuerdo de las primeras bandas regionales, y tu trabajo como sonidista con las mismas?

Bueno, la historia, realmente en el tiempo sufre transformaciones que tienen que ver con los recuerdos. La gente recuerda unas cosas bien y otras no, hay algunas que necesitan ser refrescadas, por algún motivo, una foto, una canción. un sonido, pero lo que te puedo decir es que a grosso modo es que San Cristóbal era una ciudad perfectamente rural, en los años 60, era una capital de provincia, muy, muy provincia, que tenía bandas que yo recuerdo como niño, que no existían como tal, sino eran más bien uniones de personas que tenían una guitarra eléctrica, otro que pudiera tener un bajo, otro que tenía la batería, pero nunca algo en serio bien formado. Lo que yo te puedo decir que en mi recuerdo cabe como primera banda regional, ya como tal, puedo decirte sería la banda Loren’z, que fue un cuarteto armado al fragor de una campaña política, la de Lorenzo Fernández por COPEI, en las elecciones que ganó Carlos Andrés Pérez en 1973. Lorenzo Fernández fue candidato por COPEI a Presidente de la República. No era Eduardo Fernández, era Lorenzo Fernández. Entonces ese grupo Lorenz estaba integrado entre otros, que yo recuerde por Carlos Eduardo Arellano y por Franco Nassi que era un guitarrista de Valencia que había venido a vivir a San Cristóbal en esa época, según me cuenta Carlos Eduardo porque, él era amigo era de Carlos Eduardo, no mío y tuvieron el grupo, entonces ese grupo fue muy bueno y fue el primer grupo que yo escuché en la tarima, en la 5ta Avenida, donde durante mucho tiempo estuvo la Wolskvagen de San Cristóbal, que era un estacionamiento, hay frente a los buhoneros de la 5ta Avenida, frente a donde está la imaginación 96, hay estuvo la tarima, de esa gran concentración multitudinaria de COPEI para apoyar a ese candidato, y ahí tocó el grupo Lorenz. Por otro lado hay un personaje cuya huella ha permanecido inalterable, aunque su condición mental se ha deteriorado mucho, que es Enrique Villafane, Enrique Villafañe es un super músico que ha permanecido en la escena rock a pesar de todos los sinsabores que ha tenido en la vida, que es quizás la persona con el recuerdo más preciso, si es que hoy en día quizás puede decirlo, su testimonio, pero Enrique yo recuerdo que tenía una de las primeras bandas también, lo que no recuerdo es el nombre y ellos ensayaban ahí en la casa de Enrique, al lado de 8 ½.COM, entonces yo pasaba todos los días y escuchaba la banda ensayando y por supuesto ya eso me llamaba la atención, pero yo no conocía a Enrique, ni a ninguno de la banda y por eso yo no podía entrar, a la casa.

- ¿Esa banda fue de Firth Edition?

Exacto, ese era el nombre, pero nunca recuerdo ver a The Firth Edition tocando en ningún lugar, pero en la Plaza de Los Mangos, que no se conocía como Plaza de Los Mangos, ni era como es ahora.

- ¿Cómo era ese espacio en esa época?

Ese espacio era un parque natural de los de antes, con unos ladrillitos chiquitos allí en el piso, nada más, que eran los límites, era muy muy chévere, y era un vacilón porque al frente no había sino una sola casa, que era donde está hoy en día el edificio TIYITI, que era la casa de los Guerrero Tablante, era una cuadra muy simpática donde jugábamos pelota, que era la calle hoy en día donde está el Banco Sofitasa, en esa esquina se lo pasaba siempre Marcos, no recuerdo su apellido, que era conocido como el popular Pelo e Rata, tocaba muchísima guitarra, que era con una acústica y con su hermano Max Fedor, que era su nombre artístico, que durante esa época, estoy hablando del año 1971, hizo una suplencia a Guillermo carrasco en el grupo Sima de Venezuela. Sima fue uno de los primeros grupos de rock, rock nacional, yo diría que incluso no versionaba a nadie, eran sus propios temas, es más pego muchos temas, y allí Max Fedor cantó, entonces en la esquina de la Plaza de Los Mangos, siempre, a las siete u ocho de la noche, estaba Marcos con su hermano Max tocando, entonces siempre a las siete uno se dedicaba a escuchar a los tipos tocando las canciones de Croos The Still Nash and Young, eran muy influenciados por el sonido americanos de la época, que más que el rock británico, en Venezuela se escuchaba muchas cosas que tenían que ver con el rock californiano, más bien, habían cosas de Clearwater Revival, que también ellos tocaban que era también música Wayu, y cosas como Hendrix, cosas como Beatles, por decir lo que tocaban, y las canciones en español de la época, de los grupos españoles que eran los que más llegaban, esa fue la segunda formación, por decirlo de alguna manera, era un dúo, pero Marcos tocaba muchísimo, era muy habilidoso y sonaba muy bien, y luego recuerdo la primera formación de la primera banda de Rafael, que no recuerdo el nombre horita, pero si recuerdo la segunda que fue indudablemente Axioma, yo toqué en Axioma, yo hice algunas labores allí como bajista, simultáneamente a la salida de Axioma salió Travesía, ya ahí cuando pasamos a eso tenemos que pasar primero por el Capitulo del Jazz Rock de Carlos Eduardo.

Carlos Eduardo hace su primera banda que se llamó Kristal, que era una banda de Jazz Rock que tenía en su formación a un flautista, Osiris Aragón, que era de la Banda Filarmónica del Estado, allí también estaba Abdel Arenas, un tecladista venezolano, excelente compositor, letrista y pianista, estaba Carlos Cárdenas, Cara e capilla, un músico de Táriba, hermano de Carlos Becerra hermano de Jesús Becerra, célebre locutor, lamentablemente fallecido, tenía una percusión con un percusionista muy bueno también que no recuerdo su nombre y Manuel Mendoza en el bajo. Esa banda Kristal marcó una época porque la onda era Jazz Rock, y Carlos Eduardo siempre buscando algo mucho más allá musicalmente, la únicas versiones que hacían eran cosas muy elaboradas, tocaban recuerdo El Ganso de las Nieves de Camel, por ejemplo, tocaban del sello Novus, de RCA al cual pertenecía Camel, el tema Rhayader, era un disco sinfónico totalmente y hacían versiones, me acuerdo que era muy ecléctica la cuestión. Aparte de tocar Camel, también tocaban Chuck Mangione, estaba muy de moda el disco Los Hijos de Sánchez del año 78, y tocaban eso también, y otros temas.

- ¿Y temas clásicos del Jazz, Standard del Jazz?

Sí, ya en este momento también más de la música brasileña, en este momento ya yo trabajaba con ellos como atrilero, yo era el que le cargaba los equipos al grupo.

- Lo que conocemos hoy día como Rodi.

El Rodi del grupo Kristal, que se llamaba en esa época atrilero, ahí comenzó mi contacto directo con la música y con el mundo de la música y ahí empecé a trabajar en la radio, en el 80, debo decir también que la época en que Rafael Giordanelli tenía Axioma, su grupo de competencia era Travesía, el grupo de los hermano Thomas que ensayaban exactamente antes de llegar a la plaza de Los Mangos allí donde hoy está la licorería Hull, un poquito antes bajando, todo era como muy cercano.

- ¿Aparte de los hermanos Thomas quienes más tocaban en travesía?

Yuri Bermúdez era el cantante de Travesía, posteriormente se fue a Axioma, no recuerdo los otros integrantes, recuerdo las caras pero no los nombres, bueno, empezó el trabajo ya con el sonido, y ese tipo de cosas, y ya en ese momento yo creo que hubo un pequeño receso que el único que continuó prácticamente trabajando fue Rafael Giordanelli con su banda Axioma, ya después del año 85 más o menos, yo conocí a Greys Hernández, conocí a Ronald Miquelerena, conocí a todos ellos porque hubo un concurso para buscar a una banda que acompañara a Menudo.

- ¿Fue en el año 85 o más adelante, 86, 87?

Sí tienes razón 86–87, entonces esas eran las bandas que existieron que fueron Rack que es la primera banda de Greys, Passión que se llamaba antes DDT y también hubo bandas como Antes de la Línea y La Flor del África que surgieron más cerca de los 90, más o menos a grosso modo es lo que puedo recordar de esa parte del rock.

- ¿The Thunders fue una de las primeras bandas del rock regional?

Sí creo recordarla.

- ¿De la misma época de Los Lorenz?

Sí es de la misma época exactamente, aquí también habían otras bandas pero hacían otro tipo de música que no nos gustaba, porque la onda era el rock entonces habían muchas bandas que yo recuerdo pero no hacían rock, eran bandas que hacían más bien música bailable, ese tipo de cosas, pero así creo que eran las más destacadas en esa época.

- ¿Las bandas de finales de los 80 e inicio de los 90, como Antes de la Línea, La Flor del África, G8, qué me puedes decir de ese movimiento, y qué diferencia tienen con las bandas de la década anterior?

La diferencia era que había una propuesta más adecuada al soniodo de la época, como te digo, Kristal cuando sale en el 78 estaba muy en el Jazz- rock, era quizás la onda que tenían los músicos de Kristal, era más Jazz-rock y Rafael Giordanelli, por otra parte, tuvo varias etapas, siempre ha estado dentro del rock, pero tuvo una etapa pop, con sus baladas hasta el new way, y a tocado Ska, tuvo un tiempo anterior muy duro, muy duro Hard rock que yo diría que ya cuando llega Abelardo a la banda la cosa sonaba un poco más a Metálica, y estas bandas nuevas vienen a ser como más originales en cuanto al sonido, G8 su primer tema Almas Negras que lo cantaba, lamentablemente también fallecido, Rodolfo Murillo, fue un tema que grabamos en el estudio de Alirio Macabeo que yo había montado en el año 90, fue un temazo, y Antes de la Línea también hizo un par de temas funky, Despertares y otra canción más que no recuerdo ahora.

- Desorden…

Sí Desorden, además grabé con La Flor del África, que es un capítulo aparte, La Flor del África viene a ser si se quiere como un rompimiento completo con todas las propuestas que habían existido en esta región, de la mano de un tipo que tiene una creatividad infinita como es Ronald Miquelerena, haciendo algo que tenía que ver más con una onda que no sabría con qué comparar.

- Más tipo Luis Alberto Spinetta, Pat Metheny, Al Dimeola

Más esa onda que sin ser Jazz, tenía cosas y elementos del Jazz, pero sonaba rock y el nombre era muy sugestivo, las letras eran poesías, poesías espectaculares, yo tengo todas las grabaciones que hicimos por allí y creo que si eso se grabara hoy en día con la tecnología de hoy en día, serían temas verdaderamente importantes para sonar en la radio.

- Entonces hablando de grabaciones y sonidos, ya Hender Contreras como sonidista, porque fuiste músico, incursionaste como bajista y has sido un hombre ligado a la radio a RSC (Radio San Cristóbal) y hoy en día eres Coordinador del Grupo Radial González Lovera, háblame de tu interacción como técnico en sonido en vivo y en estudio.

Hacerle sonido a todo el mundo, ya perdí la cuenta de a cuantos porque le he hecho sonido a todo el mundo acá, pero por ejemplo grabaciones recuerdo que yo hice todas las tomas del disco de Rafael de Tiempo Zero, por cierto un disco que no han terminado, el disco inconcluso, pero todas las tomas de la batería con Julio De Santiago que hoy en día reside en Suiza, las hice yo, ese trabajo me encantó como quedó la parte de percusión, las tomas fueron hechas muy bien. Otra agrupación fue G8, Flor del África hicimos algunas cosas, cuando Ronald regresó del extranjero, en el año 95–96 y quedó muy bien también. Por supuesto Antes de la Línea, Triciclo, pueden haber sido unas 10 o 12 bandas locales.

- ¿Y la diferencia del rock regional al resto del rock venezolano, del centro y la capital?

Hay una parte fundamental que siempre he visto, el caraqueño es muy dado más bien a lo que le viene de afuera y se pega a las corrientes que están en boga en el mundo entero, no por eso sacan cosas malas, hacen cosas muy buenas, hay grupos nuevos como Chuck Norris que me parece espectacular, pero yo creo que el tachirense por algunas razón particular, a pesar de que los medios de comunicación son tan instantáneos y promueven todo lo que queramos, el tachirense tiene un sello, una particularidad, hay como más búsqueda, yo creo que incluso con los elementos electrónicos ahora, con el trabajo que tu mismo haces ramón alí, yo siento que hay cosas allí que suenan muy diferentes a lo que hacen en Caracas y me gustan mucho más, no porque viva acá y porque quiera defender lo mío, porque si fuera malo no lo defiendo, entiendes, simplemente creo que tiene una calidad. Vamos a ponerlo de esta manera los caraqueños son como más a lo norteamericano y aquí somos como más a lo británico.

- Muy buena esa apreciación, y Hender ¿cual sería por ejemplo tu propuesta para que éste rock de calidad que se hace en el Táchira pueda salir como una Industria Cultural emergente al mercado nacional e incluso internacional y sea conocido, tenga una repercusión y una presencia real y se puedan establecer esos puentes?

Bueno como tú sabes ya todo cambió, ya no es asunto que hay que tener contactos y tener una disquera y jalar mecate y pegarse, ya eso es mentira. Estoy seguro que ahorita todo pasa por el grado de compromiso que tenga un músico con lo que hace, porque por ejemplo Chucho Duque tiene un Laptop, tiene ProTools, le acaba de hacer un trabajo a Antes de la Línea maravilloso, bueno le puede gustar a unos, a otros no, pero muy bueno, bien hecho, excelente calidad, entonces que puede pasar con eso, el riesgo es que ya no se hacen discos para venderlos, creo es que se hacen discos es para difundir la idea, si la idea cala, si la idea pega es posible que tu sueltes ese disco a la red y no se si algún día te llaman de argentina y te dicen: mira me gusta lo que haces quiero traerte para que toques aquí, vas a tener un papel, pero lo vas a tener en base a un riesgo que lo vas a asumir, el riesgo que vas a asumir es: quiero hacer esto, lo voy a hacer bien hecho, con todos los recurso tecnológicos que ahorita lo puedes tener en tu cuarto. Cualquiera los puede tener, tienes que invertir un poco si, y no tanto como antes, ahora con un buen micrófono y un buen Laptop, haces lo que tú quieras, entiendes, un par de cornetitas buenas, un par de monitores, eso es lo que necesitas, más nada, entonces ya el límite es la creatividad, entonces yo estoy viendo que están haciendo cosas muy buenas, se están haciendo grabaciones espectaculares, entonces yo creo que en este momento, el asunto tiene que ver es con el compromiso que adquiere el músico al momento de hacer algo, hasta donde hay que llegar, el propio techo es el propio músico, si lo hace bien, si hace un trabajo de nivel mundial, con todos estos elementos que te estoy diciendo, vuelvo decirte a lo mejor por allá en California lo están esperando.

- Ahora ya para finalizar Hender un nombre de un bajista, un baterista, un guitarrista, un tecladista y un compositor del rock regional que para ti tenga una relevancia especial.

OK.

- Un bajista.

Un bajista, puede ser Eybar Serrano el bajista de Twamb. De ayer un bajista por supuesto Enrique Villafañe y hoy este pana de Twamb que me parece espectacular.

- Un guitarrista.

Un guitarrista de antes Carlos Eduardo Arellano, indiscutiblemente, un músico completo y de paso como guitarrista es espectacular. Un guitarrista de ahora me gusta mucho el trabajo de Chucho Duque, el Pollo José Chacón, me fascina como toca, su sonido.

- Un tecladista.

Me gusta mucho como toca José Ángel Cavallín porque tiene todos los elementos en su cerebro, él es un muchacho que tiene Jazz, tiene escuela Clásica por su padre y madre, tiene pop, tiene rock, tiene todo, entonces es una persona que puede encarar cualquier estilo con muchísima versatilidad. Como tecladista de siempre dentro del rock, porque ha tenido sus toques con el rock a pesar de que es más del Jazz y de la Salsa, es Rubén Soto. Un músico excepcional.

- Un baterista.

Un baterista es por supuesto un maestro de maestros que es Cheo Cárdenas, pero después de él hay personas como Julio De Santiago, que ya no está en la ciudad, está en Suiza pero que es un animal tocando, espectacular, y de los de ahora los más recientes te puedo decir, no tengo alguien en particular que diga que toca muchisísimo, pero por ejemplo me gusta el sonido de Luís Solano, me gusta el sonido de él, como le suena la batería.

- Y un compositor.

Rafael Giordanelli, a nivel de ideas, Rafael es un tipo versátil, es un tipo que no tiene límites en su mente, un hombre que ha hecho de todo dentro del rock y que de paso escribe muy bien. No hace cosas complejas, las cosas que hace las hace con un sentido estético muy particular, quizás Rafael yo diría y añadiría que es un genio incomprendido, no, lo digo de esa manera porque actualmente dentro del rock rock sabemos quien es y lo respetamos, pero dentro de la música en general, no se reconoce mucho su trabajo, yo si lo reconozco, creo que Rafael es un tipo importantísimo dentro de la escena local, y lo que él a propuesto a nivel de estética de concepto, de composición es importante, muy importante.

- Y más actual.

Ronald Miquelerena, me parece que fue también un genio incomprendido y el llegó en un momento en el cual, lo que él proponía, debería haber sido tocado por puros músicos de muchísimo nivel, entonces a mi me gustaría escuchar esas canciones de Ronald pero tocadas en este momento por esos mismos muchachos que las tocaron, ya que no está Ronald acá, pero con el nivel que tienen tocando ahorita, yo creo que eso sonaría espectacular. Yo creo que es el mejor homenaje que se le puede hacer a un genio como Ronald, hacer las canciones que él dejó grabadas volverlas a retomar y volverlas a tocar como el las tocaba, pero grabarlas y dejarlas grabadas, eso debe ser espectacular.

5. José Cheo Cárdenas. Escuela de la percusión regional.

- Cheo eres un maestro y precursor de la percusión y la ejecución de la batería en nuestro estado Táchira, ¿cuando empieza usted en sus estudios musicales y en que época interviene dentro del movimiento musical del rock regional?

Bueno yo comienzo con la percusión a la edad de dieciséis años, estaba estudiando 5to año de docencia musical en el Liceo J. A Román Valecillos, la antigua Normal, y bueno conozco a dos amigos allí, pero mucho tiempo antes se que existía un grupo de rock, ponle cuando yo tenía ocho o nueve años, siempre iba a ver a un grupo cerca de mi casa y casualmente pues era el trabuco que tenía Carlos Eduardo Arellano, que en aquel tiempo se llamaba el grupo Kristal y bueno de ahí empezó mi interés por la música y por muchas cosas, yo ya venía tocando, yo estaba trabajando en la Escuela de Música de Capacho, desde la edad de trece años, trabajaba allí dando clase de guitarra, mandolina, cuatro y entonces bueno todo esto me llevó a ingresar a la normal como una forma de legalizar académicamente mis estudios, y que mi padre que era demasiado tranca, me dejara hacer más o menos lo que yo quería y en la vía que yo quería, cuando salgo de allí a los diecisiete años ya graduado de normalista, lógicamente ya tenía experiencia tocando, ya estaba tocando con un grupo que se llamaba Almas Eternas, después pasó a ser Travesía “rock local” que era otra cosa mucho más pesada, Travesía con los hermanos Thomas, Pedro Thomas en la guitarra, Alfredo Thomas en el bajo, quien antes estuvo tocando teclados, Yuri Bermúdez en la voz, y en aquel tiempo primero fue Luís Barrueta el baterías de Almas Eternas, y hubo un día en que el se fue, yo tocaba realmente era guitarra con ellos y él se fue y yo dije: “bueno yo toco batería”, y me monté ahí y les pareció chévere.

- ¿Quienes tocaban en Almas Eternas?

En Almas Eternas tocábamos los mismos, sólo que Rubén Darío Rondón Liodano era tecladista, con los mismos hermanos Thomas, con Alfredo Thomas en el teclado, Rubén Liodano en el otro teclado, Pedro Thomas en la guitarra, el bajo a ratos, Luís Barrueta en la batería, y yo tocaba el bajo normalmente cuando Pedro no estaba, después cambiamos a Travesía, entonces quedamos solamente cinco que fue Yuri, Pedro Thomas, Alfredo, mi persona y otro compañero que después entró que se llama Cesar Mora, que estuvo cantando con nosotros también en la parte final, la última etapa.

- Cesar Mora también fue vocalista de Tiempo Zero.

Si él trabajó con Tiempo Zero también y eran como dos bandas, te digo en mi período, eran Axioma y Travesía, porque estaba primero Axioma y después cambió a ser Tiempo Zero, que estaba Rafael, con Mario Cecilio Escalante, y tenía un trabuco ahí armado y sonaba bien Rafael cantaba y era muy interesante.

- ¿Y se podría decir que las primeras bandas fueron The Lorenz, después de Firth Edition, The Second Edition, The Three Edition?

Y Kristal, esas son antes de Carlos Eduardo Arellano y su Kristal, claro que si. Ahora yo recuerdo es a Kristal porque ellos ensayaban a cuadra y media de mi casa entonces yo vivía en el 23 de Enero, en la urbanización San Sebastián y Carlos Eduardo Arellano ensayaba allí en la casa del conguero, estaba “Capilla” en la batería Carlos Becerra, era excelente ejecutante, era profesor de la sinfónica, en el año 1977 se inicia el movimiento de La Orquesta Juvenil acá y él era el profesor de la cátedra, y bueno fue un excelente maestro, ahora vive en Táriba, está tranquilo, retirado, ya jubilado, es la gente que en cierta forma tu viste y te dio motivo a comenzar por allí.

- A parte de ese maestro existieron otros inspiradores de lo que fue los inicios de la percusión regional, me hablaba usted de Benjamín K. Carriel, un personaje muy destacado, que usted recuerda con bastante cariño profesor.

Si Benjamín K. Carriel pues tuvo un período acá de casi once años, tuve la suerte de compartir con él, es mi compadre, es el padrino de mi hija mayor, es mi gran maestro de toda la vida, y es la persona que me enseñó pues lo que fue a organizarme ante la música, porque de hecho yo recuerdo una vez que estaba tocando en La Plaza de Los Mangos, junto a Axioma en ese tiempo, y él llegó y se paró, imagínate aquel pueblo San Cristobalense, tu sabes el promedio de altura aquí no es muy alto, y aquel catire canario en el centro viendo el toque, yo estaba tocando con Travesía, y Travesía ya tenía bastante tiempo tocando, y Travesía éramos los duros, éramos los que grabábamos, los que estábamos ahí, y teníamos como dos bandos, Giordanelli que tenía las guitarras Gibson y tenía todo y Pedro también era medio capitalista el tipo no, pues los Thomas también tenían su cuestión no, entonces resulta que eran como dos bandos, y nosotros que éramos chamos de barrio buscamos a ver quien tenía y de repente mi primera batería recuerdo que me costó 2.500 bolívares, esos fueron ocho giros y fue un sufrimiento, un calvario, bueno mis padres eran separados y era mi mamá la que me compraba las cosas, mi papá estaba en contra de todo eso, porque el quería que yo me organizara como mi hermano médico, el otro ingeniero y yo soy músico imagínate. Gracias a eso hizo que uno fuera encaminado seriamente en lo que uno quería, y entonces bueno explorando todas esas cosas pues yo tocaba con Regionales de la Gaita, mataba tigres con el Rock and Roll, tocaba con Carlos Eduardo Arellano, o sea era una locura, pero en cierta forma lo que es el movimiento del rock acá comienza mucho tiempo antes de la etapa nuestra, para mi era Carlos Eduardo, Carlos Eduardo de hecho fue y es el papá de Julio Flores, de Miguel Chacón, de Cheo Cárdenas, de Rubén Soto y de todo lo que es la camada de cualquier movimiento dentro del jazz.

- Incluso dentro del rock porque el primero que le da la oportunidad de tocar a Rafael Giordanelli en un escenario es el mismo Carlos Eduardo en una obra de teatro, “Tu mismo Tú” de Rafael Daboín.

Si en el teatro de la UNET.

- Entonces Benjamín te ve tocar y cual fue la impresión, es anecdótico el encuentro.

Era un Festival organizado por el Consejo Municipal, era una noche de Rock.

- ¿Quienes tocaron ese día aparte de Travesía?

Axioma y Travesía, solamente, y entonces yo estoy tocando y terminamos el concierto, nosotros cerramos y yo me bajo de la tarima y entonces el gringo se acerca y me mira, él hablaba poco español, y me dice que si yo había estudiado en Rochester, o estudiado en Boston, o en Juilliard, y entonces yo le digo no yo toco de oído, le digo, y el gringo se volteó y se fue me dejó ahí loco. Luego como dos años después yo llego a La Orquesta Juvenil y hablando con él, ya cuando éramos panas me dice: “Oye mira yo comencé a estudiar en Nueva York cuando tenía siete años de edad, toda mi vida fui percusionista, estudié allí, estudié en Boston, pase por Juilliard, hice cursos con Vic Firth, toda mi vida fajado y de repente vengo a un pueblo, a una selva — porque esto para él era una selva — en una selva aquí consigo a un pelao que toca muy arrecho, y es impresionante, y lo que me dio fue rabia, pues yo toda la vida he estado estudiando y estudiando, y este que no ha estudiado nada y míralo como toca”. De ahí en adelante me llamó Chamo Candela, y siempre me preguntaba que vamos a hacer hoy, y yo siempre lo incorporaba en todos los proyectos que teníamos.

- ¿Que otro proyectos tuviste en es época?

Después tuvimos el Cuarteto Novus con Carlos Eduardo Arellano, después tuvimos Unidad Yagrumo que era un grupo donde tocábamos pura música de Seis del Solar y arreglos de nosotros, era un sexteto también excelente, tocaba Rubén Soto, Gerardo Méndez, Miguel Chacón el esposo de María Rivas tocaba el bajo, tocaba Alirio Contreras en las congas, los hermanos Piña que eran Armando y Alexander, el primero el timbal, el segundo el bongó, Gerardo Méndez era el vocalista, y Benjamín K. Carriel en el vibráfono.

- Ahora Benjamín llega a San Cristóbal por un proyecto del Sistema de Orquestas.

Si, él se incorpora a Venezuela, él llega a Caracas, cuando llega a Caracas lógicamente la calidad era excelente como percusionista, como timbalista, como maestro y entonces la gente empieza a buscarlo, caracas se da cuenta que el tipo era muy bueno y sencillamente llegaron tres gringos acá a Venezuela por los que todos se peleaban, entonces mandaron a dos a Ciudad Bolívar y uno para San Cristóbal y tuvimos ese honor de tenerlo aquí tanto tiempo, la ciudad le encantó, y bueno gracias a eso fue mi maestro durante tanto tiempo y bueno producto de eso toda la camada de alumnos que si Julio D´Santiago, Jerry Cárdenas, infinidad de alumnos que luego tuve Mirny Duque, Fredy Ruíz, Nelson Sánchez, Richard Wagner, mucha gente que ha estado que ya son mis alumnos, como estos que mencioné y hemos pasado ese conocimiento, de hecho ellos son nuevos, esos ya de la generación mía, gente como Juan Carlos Figueredo, Manuel, tanta gente que ha pasado, yo ahora cumplí el 02 de mayo de 2006, veinte años de estar dando clase ahí en la Sinfónica, después que Benjamín se fue, yo fui, concursé y gané, y me quedé aquí trabajando para ellos, para la Orquesta Sinfónica Juvenil, y desde ese entonces acá bueno se ha hecho un trabajo en todos los aspectos, yo siempre he pensado que el músico percusionista, tiene que estar en cualquier lado que le tiren la pelota, uno tiene que aplaudir, pintar el campo, barrer, batear la pelota, ir a recogerla, o sea tu tienes que estar en todo, narrando el partido, porque ahí se ve la esencia de un músico, conocer todos los estilos y estar parado en todos los estilos, de manera muy clara.

- ¿Cómo ve usted esta evolución del Sistema de Orquestas Juveniles, del apoyo gubernamental de una experiencia que se ha convertido en prototipo a nivel internacional?

Bueno la Orquesta Juvenil es una de las glorias que tenemos en nuestro país, un ejemplo que el mundo lo está siguiendo, tu sabes que vienen maestros como el director de la Filarmónica de Berlín, Simon Rattle, vino Claudio Abbado, es gente que se ha dado cuenta que en Venezuela hay un potencial en lo que es el movimiento de las Orquestas Sinfónicas Juveniles, que se fundó en 1975 en Caracas, dos años después se funda acá en San Cristóbal, ese movimiento pues lógicamente ha ido creciendo, se ha ido consolidando, en el año 1992 comenzamos en Colón con el proyecto, para 1994 yo me fui a Colón, viajaba todos los días, cinco días a la semana estuve viajando desde el 94 hasta el 97, tres años seguidos, y hasta que el núcleo estaba bien sólido bueno ya después me vine para acá a dirigir la Orquesta Sinfónica Juvenil, después estuve desde 1997 hasta el año 2000 dirigiendo allí, después pasé a la Sinfónica Simón Bolívar como director, allí estuve dos años, pero lo que ha sido el proceso de evolución de la Orquesta Sinfónica es muy interesante, ¿por qué?, porque lamentablemente nuestro país carece de muchas cosas, de muchos valores, de marginalidad y muchos de esos jóvenes se rescatan con la música, a través de la música, a través del Sistema de Orquestas, fíjate ahora salió la película Tocar y Luchar de Alberto Arvelo, que se ha venido cocinando, ya eso tiene como tres años, se hizo un libro y bueno tu sabes que nosotros acá en lo que es la Orquesta Juvenil, en el caso mío por ejemplo yo soy directivo, está Javier Reyes, el señor Luís Domingo Mendoza, siempre hemos mantenido el hecho de consolidar la música, en el 98 se organizó un proyecto entre Javier, yo, los que somos de la orquesta y la Román Valecillos, donde estudiamos, ¿por qué?, porque los pianos en que nosotros estudiábamos, los instrumentos, los laboratorios, todo estaba arrumado allá, entonces fuimos a Caracas, defendimos el proyecto, con Antonio Luís Cárdenas, Norma Odremán nos apoyó, y bueno hicimos el primer bachillerato de música, que ha sido un éxito y se ha mantenido porque corren con la suerte de que los que estamos dando clase, pues lógicamente somos profesionales de la música, licenciados, trabajamos allí y no conformes con eso tenemos el nexo con La Orquesta Juvenil, que es la que nos conecta y hemos mantenido el bachillerato, de hecho es el único bachillerato que permanece en Venezuela.

- ¿Ahora ya no hablando de la parte pedagógica, sino instrumental, usted es precursor del Jazz, en que bandas de este género ha tocado?

Bueno yo he tocado con todo el mundo, yo he hecho de todo, he tocado con Regionales de la Gaita, he tocado con Almas Eternas, Travesía, pero proyectos de Jazz lo que fue ya con Carlos Eduardo Arellano, mi primer proyecto que fue el Cuarteto Novus, después hicimos otro proyecto donde estaba Carlos Figueredo, Jorge Castro, los hermanos Gómez de la Vega, Eduardo y Chicho y se llamaba Grupo Amigo, después Unidad Yagrumo, después lo que fue Café Colao, del cual yo era el director musical, y ese período de Café Colao de ese entonces acá hubo un hueco en Venezuela en donde no se produjeron muchas cosas, de hecho los sitios nocturnos no presentaban grupos en vivo, sino un teclado y un cantante y date, eso fue un gran hueco que hay allí, un retroceso y no sólo eso, hay un bache, un gran bache, tu sabes que hay una generación del “uno por uno”, donde salieron Yordano, Ilan Chester, Franco de Vita, de hecho existía una resolución gubernamental. Frank Quintero por ejemplo venía trabajando toda la vida, pero otros artistas como Aguilar, Colina, un poco de proyectos que salieron muy interesantes, pero eso se perdió a partir de que el mismo gobierno no permitió y apoyo ese tipo de grupos que de verdad estaban haciendo un trabajo muy interesante, y propio, era un rock nuestro, era una balada nuestra, incorporando todo lo que era la música afrovenezolana, es impresionante, tu escuchabas la banda de Yordano en vivo y tenía una fuerza, un arrastre, un concepto tan especial, y nosotros siempre dentro de lo que es la música hemos estado en esa búsqueda. Hubo un período que en Venezuela yo tocaba todos los fines de semana, hoy con Juan Gabriel, mañana con Wilfredo Vargas, tu tocabas jueves, viernes, sábado, domingo en la tarde, en los matinés del Círculo Militar, siempre porque en ese período no sé si había mucha plata, mucha liquides, después vino un período de sequía total, hasta hace poco que se ha medio reactivado la cuestión, pero también la ciudad ha cambiado, ha dado un vuelco, ya hay sitios que buscan música en vivo, quieren Jazz, ya hay un público muy maduro que quiere venir a ver Jazz, hablar y a compartir con su familia, con su pareja, con sus amigos, entonces tu te das cuenta que ese hueco que hubo allí, hasta ahora es que está comenzando otra vez a medio levantarse, pero hubo una gran brecha al período actual, fíjate que el mismo Ilan decía: “me retiro, me retiro”, ¿porqué?, porque las condiciones, a pesar de ser una persona tan conocida, tan famosa, que dice voy a grabar y todo el mundo le graba, mira la crisis del país ha afectado todas esas facetas, totalmente.

- ¿Cual sería entonces la fórmula para que en este caso el rock regional y San Cristóbal, que ha tenido tantos músicos trascendentes, pueda insertarse dentro de la lógica de las industrias culturales, es decir de el mercadeo de esos bienes culturales que se deben reproducir a través de los mass media y deben llegar a la masa, al público? ¿Cual debe ser la aplicación de esos conceptos de producción — reproducción y cómo hacer para que lleguen y se inserten en la lógica del consumo tanto de la capital como al exterior?

Fíjate que yo te voy a demostrar una cosa, en la época en que nosotros tocábamos, llegó un momento de la crisis, en que estaba tan crítica la situación, que personas como Julio Flores, Gerardo Chacón, Miguel Chacón, emigraron, ¿porqué?, porque lamentablemente los que estamos aquí teníamos estabilidad, yo estaba full de horas en el Ministerio de Educación, Rubén Soto también, Carlos Eduardo Arellano tenía toda la televisora full para él, o sea todo lo que era producción musical, películas, productos los cuales él podía comercializar, tenía su mercado, pero había gente, excelentes músicos que se fueron de acá, que lamentablemente tuvieron que emigrar.

- Bueno de la generación mía todos los que son, Julio D´Santiago que está en Suiza, Jerry Cárdenas, Greys Hernández, Alvio Sánchez, José Chacón, etc.

Jenny Jud Cárdenas que está en México, Marcos Facho que también está allá, mucha gente se fue porque lamentablemente la crisis es difícil, y el músico de acá normalmente cobraba Enero en Noviembre, imagínate tenías que trabajar todo el año y después agarrabas el acumulado, como un retroactivo, pero oye cuando eso llegaba estaba más devaluado, ahora fíjate ¿que es lo que pasa?, bueno lógicamente, la cultura tiene que ser una política de Estado, y si el Estado no concibe la cultura como eso, pues realmente está perdiendo el tiempo, porque hay muchos experimentos, tu ves a hora bueno el remix de Simón Díaz, las nuevas cosas que se están haciendo con la música el maestro Simón, y en cierta forma algunos dicen que horrible, otros oye que chévere, pero tu tienes que abrirte a todos esos conceptos, porque es una nueva generación que está tratando de buscar a sus ancestros e incorporarlos a lo que es el ahora. Y tratar de incorporar música a las nuevas generaciones, mucha gente no conoce lo que es Cecilia Todd, Soledad Bravo, Lilia Vera, el Cuarteto Pueblo, nadie supo por ejemplo que acá en el Táchira tenemos lo que es Raíces, el grupo de Freddy Medina, Tierra y canto, incluso el Grupo Amigo, que era un grupo que estaba consolidado, en una movida impresionante, pero era la gente que estaba allí, pero bueno no pudo hacer nada, por falta de apoyo, no sólo apoyo político y económico, que el Gobierno diga vamos a poyar realmente, vamos a aportar para que la gente pueda grabar y conseguir lo que es la producción de cada uno. Nosotros estamos haciendo en este momento algunas grabaciones, de hecho ya hicimos dos discos, hicimos uno con Claroscuro Jazz Trío, con Rubén Soto, Jairo Tolosa y yo en la batería, y acabamos de hacer en noviembre el segundo de San Cristóbal Jazz Session que es un grupo conformado por los mismo músicos que te nombre de Claroscuro más Sofía Zambrano que es la cantante, estamos haciendo de todo un poco, tu te encuentras en el disco música anglosajona, música brasilera, música nacional, hicimos en este disco nostalgia andina de Cesar Prato, pero que interesante sería que la gente de los entes privados se motivaran a aportar para hacer un disco de pura música original. Sería bueno hacer festivales con canciones inéditas, pero es muy difícil, porque la gente que puede hacer canciones hermosas y concebir cosas bellas esta dedicada a trabajar mañana, tarde y noche, pero si tu supieras que tienes un gran premio de cuatro o cinco millones por grabar un tema, mira van a salir diez mil canciones, que pasaba con el Festival Pampero, que era el ente privado, apoyando lo que es el frente cultural, de allí salían canciones tan hermosas como Frailejón, temas bellísimos como Serenata Trujillana, temas que realmente tu decías oye que buena música se hace en Venezuela, pero eso hay que propiciarlo, y eso debe venir como una política no sólo del Estado, sino cuando las demás personas coincidan en aportar para buscar sus raíces en la esencia de lo que somos. Si tu no haces cosas realmente originales, estás haciendo algo más e lo mismo.

- Profesor Cheo Cárdenas, ya para terminar, me gustaría que me nombrara un músico destacado para usted dentro de la escena de la música contemporánea del rock regional, uno o algunos nombres de lo que para usted son los mejores compositores, instrumentistas y protagonistas de esa historia.

Un baterista.

Juan Carlos Figueredo.

- Un bajista.

Gerardo Chacón y Miguel Chacón, excelentes.

- Un tecladista.

Rubén Soto, Virgilio Armas, con quien estuve trabajando seis años también. Rodolfo Buenaño, excelente bajista también.

- Un guitarrista.

De siempre Carlos Eduardo Arellano, y de las nuevas generaciones Arturo Antequera que está recorriendo la senda del señor, por ahí viene.

- Un vocalista.

Me encanta Sofía Zambrano, en la época de antes Yuri Bermúdez, Cesar Mora, Rafael Giordanelli, Morelia, la que era cantante de La Orquesta Típica, excelente.

- Un compositor.

Compositor acá hay muchos, está el doctor Edgard Carrero Balza, está Carlos Eduardo Arellano, está Cesar Prato, el máximo maestro de todos que es Jesús Chucho Corrales quien tiene treinta y dele de canciones que lamentablemente muchos no las conocen.

6. Yuri. AXA el ministerio de tocar rock and roll.

- ¿Cuando empiezas a intervenir en la música y el rock regional?

Bueno alrededor del año 80, yo me estoy graduando de bachiller y me fui de mi casa, como cosa común entre los rebeldes, que queremos hacer algo diferente y fui a caer a la casa de unos amigos quienes tenían un grupo, te estoy hablando más o menos del año 81, sonaban en aquella época dos bandas fuertes acá en San Cristóbal, eran Travesía y Axioma, habían algunas otras anteriores, pero en ese momento esas eran las dos bandas que se escuchaban, Travesía formada por los hermanos Pedro y Alfredo Thomas, con José Cheo Cárdenas en la batería, Rubén Rondón en los teclados y en un principio cantó con ellos Fausto Chaustre, el profesor Chaustre fue el cantante de ellos, después salió Chaustre y entré yo, posterior a que yo salí de Travesía entró Cesar Mora, pero básicamente esa fue la formación de Travesía. Repito en el año 81 yo supe que un grupo estuvo buscando un cantante, y yo sin ningún tipo de experiencia, sino con el corazón, me uní a este grupo de amigos, con la buena suerte que todos estaban estudiando docencia musical y pertenecían a unas corales, a la Coral de la Normal, por ejemplo. Entonces hay una base musical importante allí, y eso a mi me ayudo mucho, porque yo recuerdo que me corregían afinación, me corregían tiempo y prácticamente con ellos fue que yo aprendí a cantar en un grupo, en una banda, porque no es lo mismo cantar con una pista o sobre una canción, un disco, lo que sea, cuando te montas con una banda mes manejar el tiempo y es manjar todas las situaciones. Entonces con los hermanos Thomas logramos cosas interesantes, con mi inclusión en la banda comenzó una nueva etapa para ellos, porque Travesía empezó como un grupo de rock pero muy suave, casi como Soft Rock, tenían una canción de un cantante norteamericano llamado Leif Garrett, que era como el Ricky Martin de esa época, y teníamos una canción montada de él, que a mi no me gustaba por cierto porque era muy sosa, pero tenían una versión en español de April Wine, Wanna Rock, y teníamos una versión del arranque lento de los muchachos de Tacón Alto de Traffic, lo teníamos todo en español, nosotros lo cantábamos en español, y el resto eran canciones propias, propias de la banda. Recuerdo que con ellos tuve que ponerme las pilas a hacer letras, gracias a Dios, me dio el don de poder juntar las letras rápido, de rimarlas e hice muchas letras, recuerdo una que se llamaba fin de mundo y otras que no recuerdo el nombre ahorita, porque me confundo con todas las canciones, pero hubo canciones interesantísimas, ya estilo de Travesía en aquel momento era muy hard rock, no era heavy metal, el heavy metal como que vino fue después, los Thomas tenían una experiencia interesante, porque su formación musical, su influencia musical, era de hard rock de los 70, imagínate April Wine era un grupo que no era heavy prácticamente, habían otros grupos como Deep Purple y Zeppelín, ese tipo de hard rock que se hacía en aquel entonces, había un grupo en aquella época que se llamaba Air Angel y ellos tenían un estilo de música como de hard rock pero con el sonido de los teclados que le daban un aire sinfónico.

- Así tipo Jhon Lord en Púrpura.

Más o menos, su guitarrista, toco luego en otro grupo que se llamó Kingdom kong, bueno el caso fue que nosotros nos fuimos por ese estilo, ahora bueno, los Thomas, sobre todo Pedro, Pedro no era un guitarrista virtuoso, pero un guitarrista con mucho Feeling y hacíamos mucha música blues, y de hard rock propiamente dicho, y grabamos un cassette, en aquella época se grababa cassette, esa fue una presentación en el Liceo Simón Bolívar y un pana de una discoteca de aquel momento graba eso y quedó tan bien como si hubiese sido en un estudio, no me preguntes como fue eso, pero eso ocurrió y yo se lo mostré a unos panas en Maracaibo y los chamos se quedaron locos perplejos, y me preguntaban: ¿bueno chamo esto es un grupo de donde, cómo es?, suena como Angel, me decían, uff impresionante que bueno.

El caso es que hubo un problema de orden personal con los Thomas y yo arranco.

- ¿Con los dos hermanos Thomas?

Sobre todo con Pedro, Pedro y yo teníamos personalidades muy fuertes, hacia el liderazgo, ya yo estaba un poquito más asentado, yo quería salir un poco más, comercializar un poco más la cosa, dejar de ser tan underground, porque tacábamos a nivel de fiestas de los liceos, pero ya queríamos una cosa a nivel de conciertos, venían grupos ya de Barquisimeto, de Maracaibo, estaba empezando a salir ese movimiento llamado en los 80 Rock Nacional, hubo una timidez por parte de ellos y yo me arranqué. Fui a hablar con Rafael Giordanelli, quien estaba reestructurando Axioma. Axioma comienza como una banda de rock progresivo, con Mario Urbina en la voz, inclusive estuvo allí Orlando, de quien no recuerdo el apellido, él después tocó con Regionales de la Gaita. Aquí ocurría algo interesante, Alfredo Thomas, Cheo Cárdenas, Rubén Soto, Orlando, tocaban gaitas con los Regionales. Fíjate tu yo en lo personal diferencio el concepto de rockero de el de músico, yo soy rockero porque me gusta el rock básicamente, pero yo soy músico, yo me abro a otros aspectos, es más yo me inclino más a la música Soul, el Rhythm and Blues, el Blues propiamente dicho, me encanta mucho la música Afro norteamericana. El caso es que cuando llego a Axioma, ellos querían replantearse, y yo los denomino como el Black Sabbath de aquel momento, tocábamos un Heavy pero Oscuro, teníamos canciones llamadas como La Muerte por Pan, Aquelarre, fuimos a Barquisimeto y grabamos seis canciones en el estudio OHM y las voces quedaron espectaculares, porque Axioma en aquel momento eran: Pedro Ángel en la guitarra, Rafael Giordanelli en la guitarra también, en el bajo un pana de nombre Carlos, pero no me acuerdo el apellido, que era compadre de Rafael y en la batería Gerardo Hernández. Gerardo Hernández era hermano de Josué Hernández, un compositor tachirense de música con raíces andinas.

- ¿También tocó Carlos Eduardo Arellano en algún momento?

Hubo muchas reuniones, porque eran poco los músicos, entre panas y Carlos Eduardo tuvo mucho contacto con Rafael y ellos son panas desde hace diez mil años.

- Y, ¿Ramón Hernández también tocó bajo en una época?

Si posterior. Lo que pasa es que Rafael es una persona que se está replantando todos los días. Y entonces él en una época de Axioma, que quizás ya era la temporada en que Axioma se iba a convertir en Tiempo Zero, no es que una cosa era lo mismo que la otra, pero quiero decir cuando Rafael pensaba en otro proyecto, en la transición, Ramón quien es un pana que trabaja en Caracas con audio y sonido, en estudios, con la gente del Sindicato de Radio, Cine y Televisión, y trabajaba básicamente en la parte de grabación en donde adquirió una experiencia con toda la influencia musical de la época, y él estuvo tocando en una temporada con Giordanelli, y recuerdo que sus influencias eran muy techno, tipo el grupo Devo, incluso yo tengo una grabación que me regaló Enrique Villafañe, es un cassett, donde por cierto hay una canción propia de Rafael, dedicada a su ex esposa que murió.

- Quizás el nombre de Axioma venga precisamente de Sin Xiomara.

Puede ser así, puede ser también por el término matemático filosófico, puede ser también por la ausencia física, más no espiritual de Xiomara, y la canción en cuestión se llama Si tu no estás, y la canta Rafael, fue la primera canción que yo escuché cantando a Rafael y nosotros le hacíamos los coros, por cierto que en El Castillo de la Fantasía, cuando inauguramos el lugar, le hacíamos los coros y sonaban horrible, pero la canción bellísima.

- Y por cierto en ese toque del Axioma donde invitó a un guitarrista Colombiano.

Nosotros en ese momento teníamos a Jaime Reyes, el actual escultor y artista plástico, como guitarrista, inclusive la esposa de Jaime, María Esther, ella cantó algunas canciones con nosotros, pero después vino un pana de Bogotá, Walter, no recuerdo el apellido, muy bueno el tipo, buen guitarrista, un feeling bestial y nosotros decidimos tocar con el pana y nos montamos en Agosto del 85, y sonó muy muy bien, con un arrastre. Fíjate de algo importante Axioma y Travesía que eran los grupos que más sonaban consecuencia de aquellos grupos primarios, de aquella primera tendencia, que eran The Lonrenz, The Firth Edition, que eran Omar Medina, Enrique Villafañe, uno de los Belandria creo que estuvo allí metido, y bueno nosotros somos consecuencia de ellos, porque ellos nos abrieron un poquito el paso, el camino.

- Almas Eternas también, la banda de Cheo Cárdenas.

Almas Eternas, estaba Cheo, uno de los Thomas, creo que era Pedro, Rubén Rondón.

- Y Axioma ya se abre entonces a una nueva etapa dentro de la escena del rock incluso nacional.

Exacto. El caso es que esa época se vio marcada por un luchar, incesante, por un salir del anonimato, de dejar de ser unas bandas de fiestas juveniles, que se proyectara más, salirle al toro, esa proyección la logré con Axioma y con Rafael, logramos ir al estudio OHM en Barquisimeto, tocamos aquí varias veces, invitamos una banda de Caracas, Tarot, con quien estuvo tocando Fernando el posterior guitarrista de Gillman, la cual fue la primera banda que grabó con el sello CBS, ellos tocaban en un sitio en Caracas que se llamaba Roller Boggie, y un ejecutivo del sello los vió, lo escuchó, les pareció buenos y nada fueron a grabar y pegaron esa versión de Judas Priest, Breaking the law, a la cual le colocaron Rompe la Ley por supuesto, y eso sonó en las emisoras bestial, entonces nosotros en vista de ello dijimos vamos a invitarlos, y los panas de Tarot se presentaron con nosotros en la Casa Sindical, era la segunda vez que yo tocaba en la Casa Sindical, lo había hecho antes con Travesía y en esta oportunidad ellos se quedaron perplejos de la calidad del grupo, estaba Enrique Villafañe en el bajo, Pedro Ángel y Rafael en las guitarras, Gerardo Hernández en la batería y este servidor pegando los gritos y entonces ellos nos dijeron: “Ustedes que hacen aquí, váyanse para Caracas”, ellos se asustaron, de vernos como tocábamos, porque salieron asustados y nos lo dijeron después: “Después que tocaron ustedes lo pensamos dos veces para salir, porque que íbamos a tocar pana”, para que se pueda tener una idea de la calidad que había en Axioma en aquel momento, la mejor formación de Axioma es la que te nombré ahorita, hubo otras, pero la mejor formación, porque hacíamos un Heavy Metal bien duro y consolidado y con muy buenos arreglos. Había una canción que se llamaba Kamala, basada en el libro Siddharta, de Herman Hesse y había un solo de guitarra a dúo, que hacían Rafael y Pedro Ángel, excesivamente complejo, tan complejo que lo ensayábamos, pero nunca lo tocábamos en público, porque la canción tenía mucha energía, una energía impresionante.

- Otro tema tengo entendido se llamaba Aquelarre.

Si bueno porque cuando fuimos a Barquisimeto estábamos marcados por una idea oscura, y Rafael siempre ha sido extremo y pa’ lante con todo, y grabamos Aquelarre, La muerte por Pan, Necrófago, ese tipo de cosas que eran letras fuertes, sin embargo también teníamos letras como Barrio Obrero que decía: “Váyanse, váyanse ya de Barrio Obrero, no queremos escuchar Rock, al diablo con tu canción, no queremos perdición” y había una canción que se llamaba No funciona, esa canción era una canción de protesta, contra lo que era el planteamiento mundial de la guerra, que todavía es vigente, ahora creo que está más vigente que nunca. Nosotros tocábamos en la UNET, y la sesión de fotos nos la hizo Gregorio Aparicio e hicimos un afiche donde aparece Rafael y aparezco yo, desde una perspectiva de la parte superior.

- Si esa foto aparece en la Revista Mazato, en un artículo que escribió Gerson Alvarado.

Exacto, esa foto es de esa época y en otro ejemplar de Mazato aparece una foto de Travesía, donde aparezco con los hermanos Thomas y Cheo en el Tennis Club, imagínate y recuerdo que un señor nos preguntaba: “Epa cuando son los del combo” y nosotros le decíamos: “Cual combo señor”, y él repreguntaba: “el combo que va a tocar”. Y nosotros le explicábamos: “No si es un grupo de rock”, entiendes, la gente no sabía, no estaba acostumbrada a un grupo de rock en aquel momento.

- Axioma tuvo entonces tres vocalistas, primero Mario Urbina, luego tu que fue la época dorada y al finalizar Cesar Mora que ingresó, quien también llegó a ser vocalista de Tiempo Zero.

Si, inclusive Cesar Mora también cantó con Travesía, es más ellos grabaron una canción, donde intervino Mario Urbina, en esa época vino para acá Melissa y Aguilar, y ellos tocaron con ellos, y Cesar Mora era un pana que cantaba como el cantante de Rata Blanca.

- Un cantante lírico.

Había un pana que se llamaba Clayder.

- Clayder De Canterville de Valencia.

Ese pana, es el Yngwie Malmsteen venezolano, se viste, duerme, sueña, come como Yngwie Malmsteen, se fue a la casa de Yngwie Malmsteen a esperarlo, el tipo fanático full y buscó a un cantante que se ajustara a su música, y consiguió a Cesar Mora, Cesar es tremenda voz.

- Ahora hablando de la época con AXA, conoces a Abelardo Morales cuando tocaba en Jolly Rogers, en la época de Fénix, después el tenía formado AXA y te invita a cantar, tu le haces también una propuesta después de verlos tocar en Caracas en la Sala del Cine Prensa.

Exacto si, ellos ya formados como AXA, propiamente dicho, que era un grupo incipiente. Fíjate AXA se hizo más famoso primero por afuera que aquí en el Táchira, a raíz de su éxito por fuera fue que más o menos le hicieron caso aquí en San Cristóbal, fíjate que Froilán, Abelardo y Jesús que fue el baterista, se fueron a Caracas y yo los veo y me impresiono de la respuesta de los caraqueños ante un grupo andino, eso es impresionante, o sea la cosa fue apoteósica, en el Cine Prensa, y el pana Paco que era el que administraba el Cine Prensa, les dio mucho apoyo, los invitó varias veces, ellos no tocaron solamente allí, tocaron también en otros lados. Pero a raíz de ese viaje yo le propongo a Abelardo: “Bueno pana si necesitan un cantante yo canto con ustedes” y empezamos a replantearnos a AXA, Froilán se va que era el bajista, porque Froilán es guitarrista, entonces él se estaba limitando allí, él empezó con un proyecto llamado Amén, en Necrosis, hasta desembocar en lo que tenemos hoy como Guerra Santa, que básicamente Froilán es el papá de Guerra Santa. Luego a raíz de un concierto que hubo acá, donde vinieron grupos del interior del país, Bután, Acero, otros grupos de Puerto La Cruz, de Puerto Ordaz, uno de los músicos de esos grupos se vino para acá y tocó con nosotros, me refiero al Doctor Oscar Medina, que era psicólogo, y el pana se sumo al grupo, y Jesús se salió del grupo y entró Sergio Gómez de la Vega con quien tuvimos una época muy chévere, tocamos en un AXA más plantado, más estilizado, más definido, era un metal más Power Metal, fuerte pero no era tan Trash, y algunas letras si eran un poquito oscuras, como El Llanto del Monje, una canción de Abelardo.

- Abelardo además de haber cantando en un principio, siempre fue muy buen guitarrista, tu me comentaste una vez que cuando agarraba la guitarra le daba con un power particular, una fuerza.

Abelardo siempre ha tenido una influencia de Richie Blackmore, pero en aquel momento él estaba inmerso en esa época de Metallica y todos estos grupos del momento, entonces él como que descargaba su rabia tocando, de allí que nosotros grabamos dos canciones en TRT, una de ellas es de mi autoría, se llamaba La Orden de los Templarios, y el solo de esa guitarra es pura rabia pana, pura velocidad, queriendo demostrar todo en un solo, la guitarra le sonaba hasta sucia, la cosa era cabilla. El Abelardo de ahorita es una Abelardo más estudiado, más precavido, sigue teniendo ese feeling, pero a mi me gustaba el Abelardo de aquella época porque era salvaje puro, dándole durísimo a esa guitarra y Abelardo siempre fue una inspiración. Con Abelardo me ocurre a mí, en particular, lo que pasa con Plant y Page, por ejemplo, nos entendemos mucho. Hay una versión que hacemos nosotros de Simpatía por el Diablo, donde hacemos un dialogo, él con la guitarra y yo con la voz, y el entendimiento es buenísimo.

- Y ustedes tocan en el evento organizado por Omar Labrador, Salvemos el Plantea.

Si después tocamos en ese evento, ya con Danny Alba en la batería, y estábamos allí junto a Pipote cuatro, Antes de la Línea, Suramérica, Obsesión. Tiempo Zero. El caso es que esa época era ya el cenit, estábamos en lo máximo, cerramos el concierto y fue una respuesta buenísima, lamentablemente después como que quisimos grabar algunas cosas, existen unas grabaciones, no se donde estarán, hay un riel por ahí perdido en uno de esos archivos de Rafael, espero que todavía exista porque sería bueno rescatarlo. Son como siete canciones de AXA, y buenísimo, un planteamiento que iba desde el power metal, hasta canciones como patea que tiene influencias de Faith no more, que era como un rap heavy, un rap rockero.

- Y ¿después viene la época de versiones?, ¿es paralela quizás?

Si bueno como te decía, lamentablemente la escena musical no daba, no arrancaba, cómo que no teníamos más proyección, a pesar de que existían oportunidades, pero hay que atreverse a hacer las cosas, y eso implica mucho trabajo y tiempo, y no se te da fácil, y nada tuvimos que buscar los reales, y le propongo a Abelardo, con la misma formación de AXA, hacer un grupo de versiones llamado Rock and Billi, y empezamos a tocar, de Rock and Billi posteriormente viene Ibiza, y bueno Abelardo también pasa por otros proyectos como Brecovia, pero con él hicimos esos proyectos y hoy en día estamos con un proyecto bueno, nuevo llamado Ícaro, con un amplio espectro de versiones pero ya con otra mentalidad, el tiempo te enseña a querer replantearte, empezarte e respetar más ti mismo como músico.

- ¿Otras agrupaciones referencias para ti en el Estado?

Bueno en la misma época de AXA, había un grupo en Rubio llamado Mangle, esos panas eran los sesenteros y setenteros de la época, hacían versiones de Neil Young, y hacían versiones de rock de esa época, no recuerdo si tenían música original pero lo hacían bien, tenían mucho feeling los panas, ellos vinieron para acá en la época de El Estudio y estuvimos compartiendo un rato con ellos.

- También en Colón siempre ha existido un movimiento rockero, se ha organizado siempre muchos festivales y conciertos allí, que me puedes comentar al respecto.

Si hay un pana que organizó varios conciertos en el Gimnasio de Colón, nosotros estuvimos allá con Guerra Santa y no recuerdo con que otro grupo, y sonó buenísimo, era parte del circuito del conciertos. Bueno se intentaba tratar de colar, incluso AXA tocó con Ricardo Montaner, vino Ricardo Montaner a un concierto y Abelardo pegando gritos antes, eran cosas como incongruentes, pero esa era la forma de hacer las cosas, hasta que se dio esta iniciativa para un candidato presidencial que quiso hacer un concierto y fue cuando vinieron grupos del centro del país y participaron bandas regionales.

- Hay una Anécdota de un concierto pro fondos de Axioma, realizados sin fines de lucro y desde el punto de vista benéfico, para rescatar a la gente incluso de las drogas, siempre tocando en eventos organizados por la gente de la Dirección de Cultura, lo hicieron también incluso a beneficio de una candidata de la Feria.

Si, de María Alejandra Niño, ya fallecida, éramos amigos de su familia y ella se acercó aun grupo de panas y ellos promocionaron el evento, estaba mi hermano Joaquín Bermúdez, junto a una pequeña empresa promotora, y nos propusieron hacer un concierto y en aquella época estaba sonando Resistencia, el grupo de Cesar Somosa y estaban muy pegados y bueno nos trajimos a Resistencia, invitamos a Axioma, yo estaba con Travesía todavía y yo estaba tan nervioso que Pedro Thomas me dice: “Vale aclárate la garganta ahí, con un palo de ron”, y ese palo de ron se convirtió en media botella de ron, entonces salí medio subido de tono al escenario y canté, pero recuerdo que yo iba por un lado y la banda iba por el otro, yo estaba ya casi listo, entonces pegué un brinco y me quedé en el piso, tuvieron que ayudarme a levantar, tanto así que eso le quedó en el recuerdo a los panas de Resistencia porque el baterista de Axioma se consigue con el baterista de Resistencia, con Ricardo, y le pregunta: “Mira chico y el loco aquel, tremendo trancazo en el escenario”, estaba nervioso, era mi primera vez cantando con dos grupos y Resistencia, imagínate cantar junto a Cesar Somosa. Después la experiencia que tuvimos con Cesar, cuando se convierte en parte de Tiempo Zero, bajista y cantante en algunas partes, fue una experiencia maravillosa, de verdad que si.

- ¿Cómo era el movimiento de las bandas de rock en ese momento?

Es bueno acotar que hubo muchos grupos que nacieron y murieron al mismo tiempo, está Dakota por ejemplo, de los hermanos Márquez, ellos hacían versiones de 007, y Los Darts, eran los zanahorios de la cuestión. El caso es que el movimiento rockero de ese momento, era un poco difícil, había que plantearlo desde el punto de vista cultural para que tuviera más aceptación, de lo contrario te excretaban, es decir solamente por la pinta, por el pelo, no te aceptaban.

- Bueno, cómo me comentaste alguna vez, subirse con unas muñequeras, unos pantalones de cuero en una buseta de Barrio Sucre, eso era algo que generaba animadversión.

Si te miraban como un extraterrestre, lo que pasa es que yo era un poquito extremista para vestirme, a mi me gustaba, tenía mucha influencia del punk de los 70, Sex Pistols, The Clash, entonces yo me ponía esos lentes estratosféricos y la gente me miraba como un bicho raro. Yo actualmente tengo una novia que es diecisiete años menor que yo, y yo le digo, mira si tú me hubieses conocido en la época en que tu naciste, tu no te empatas conmigo. Porque es que yo cargaba una pintita loca, era muy extremo para vestirme en ese momento, pero eso era lo que yo sentía, porque como todo era tan al contrario, una de las cosas, y lo voy a decir con mucha responsabilidad, yo odio las ferias pana, no quiero nada con matanza de toros, ni quiero nada con eso, la feria se puede utilizar para otro tipo de cosas.

- Bueno los mismos Festivales de Música Contemporánea que organizamos sirvieron para eso.

Eso fue una idea buenísima, un buen punto de partida, que bueno era la antiferia, y yo recuerdo que el tiempo de feria era difícil ser tu mismo, porque todo el mundo andaba en una nota de feria, de toros.

- Con sombreros y botas.

Si y yo nada, me ponía más muñequeras y más balas alrededor y un chaleco con unos ganchos que tenía por ahí, que me lo regaló una loca de Caracas que vino por ahí, se lo cambié por otro chaleco que yo tenía y esas notas así y la gente me miraba como un extraterrestre, mi papá llegó a pensar que estaba loco, me decían: oye pero que le pasará a este muchacho, éste era un extremismo con rabia, yo quería ir en contra de todo, yo recuerdo que una vez fui a una cervezaza por allá arriba en la feria y bajé caminando de allá, con esa pinta y yo mismo me rompí la franela, y otros panas me dieron otra franela después, pero yo venía bajando sin franela pana, no me metieron preso de broma, porque esa era otra cosa, antes la policía no te pelaba, ahorita tu puedes andar con un pearcing, un zarcillo, una cosa, te miran y no te hacen nada, por las nuevas leyes, pero antes te arrastraban, te veían y decían: “mira este bichito, ven pa’ ca,” y te llevaban y te preguntaban sarcásticamente si tu eras rockero. Yo recuerdo que yo viajé a Maracaibo y fue difícil encontrar gente de la misma comunidad, gente que se identificara contigo.

Lamentablemente yo boté una grabación de Travesía que hicimos en el Liceo Simón Bolívar, cada vez que digo esto, Cheo casi me mata, Cheo Cárdenas me dice: “No Yuri, no lo repitas porque te voy a matar”, la única grabación de Travesía que se logró conmigo, porque ellos después grabaron una canción con Cesar Mora, no se si la tienen aún, y la pegaron en la radio. Ahora con Axioma pegamos dos canciones en radio, se llamaban Músico de ciudad y Ven y siéntelo, que sonaron mucho aquí en Radio San Cristóbal, nosotros tuvimos que ir y hablar con el director en aquel entonces José Antonio Loreto, y el musicalizador era Hender Contreras y un operador por ahí en esa época, llamado Hernán Atencio, y teníamos prácticamente que rogar para que nos colocara la canción, pero siempre consecuente con el movimiento, y eso nos ayudó, el sonar en la radio nos ayudó, por lo menos a nivel local nos ayudó, lamentablemente no viajamos a Caracas a grabar allá, por lo menos como Axioma no, ya con Tiempo Zero fue otra cosa, el proyecto de Rafael si llegó a Caracas, a la capital. Pero en lo personal yo me quedé con el gustico en la boca, de querer ir allá a grabar a Caracas y todo esto, y yo pienso que todo lo que he vivido como cantante de rock, o como me dijo una amiga: “el que pega los gritos”, ha sido un aprendizaje, ha sido un adherirme de experiencia, una cultivar amistades, de panas de toda la vida, yo todavía viajo a Caracas, visito a los panas de Resistencia, Gillman se convirtió en pana, nos conseguimos en el concierto de Iron Maiden y después vino por acá y podemos decir que las cosas han cambiado, antes tu tocabas y lo hicieras más o menos bien o lo hicieras más o menos mal, la gente te escuchaba, hoy en día no, hoy en día hay una base musical más formada, más generalizada, al punto de que como anécdota, hace un tiempo, hace como un año, dos años en un local de acá de barrio obrero, estaba tocando un grupo de chamos, chamitos que son de estos grupos incipientes, pero estos chamitos viene de la orquesta sinfónica infantil y juvenil, con una formación académica, muy buena por cierto, e inclusive son hijos o nietos de músicos, lo llevan en la sangre, entonces son buenos bajistas, buenos guitarristas, buenos percusionistas y algún pana llegó a montar una de guitarrista de rock, y el chamo le dijo bueno móntate, móntate y toca, y el chamo se quedó así, tú sabes, los chamos hoy en día llegan y te dicen bueno móntate, dale, a Dios gracias, lo que yo hago es cantar, porque yo canto lo que sea, de lo que me pongan y con quien sea, porque yo en mi caso me he preocupado en ampliar mi espectro musical y yo escucho mucho rock and roll, soul, rhythm and blues y heavy y todas esas cosas, digamos que viví en la época heavy del momento, pero me he abierto a las nuevas tendencias, a Incubus por ejemplo por hablar de algunos grupos actuales, entonces me han hecho propuestas algunos chamos, pero es que yo ya no soy ningún chamito, imagínate a Ozzy Osbourne tocando con los de Hanson, una cosa así.

- ¿Cuál sería el paradigma a seguir, la estrategia para que la industria cultural de la música contemporánea en el estado, específicamente el rock se inserte en la lógica del mercado nacional e internacional, es decir, que todos estos grupos y todos estos talentos del Táchira puedan salir efectivamente y tener éxito en el exterior?

Yo pienso que hoy en día hay una disyuntiva, me preguntaba una compañera de la ULA, qué opinaba yo del neofolcklore, entonces a mi me dio risa y le pregunté: ¿Cuál neofolcklore?, tú no escuchaste a Alexis Rossel, no escuchaste a Vitas Brenner, eso se viene haciendo hace años, antes había más difusión, hoy en día es más difícil porque, como dijo Gillman, nos convertimos en la capital de cualquier cosa, hablando él de Caracas, yo diría que Venezuela es el trampolín de cualquier cosa, entonces a nosotros se nos ponen las cosas como dicen aquí “de a pa’ arriba hermano” entiendes, porque yo pienso que lo primero que debemos hacer es buena música, ósea una música de calidad, no cualquier cosa ahí mediocre o fácil de hacer y es un gran problema porque yo fui testigo de la evolución del movimiento rockero en los Andes, en este caso de San Cristóbal y he visto que hay es una evolución gracias a esa formación académica de base que esta por ahí presente, ha habido propuestas muy buenas, ahora es innegable que todos los grupos tienen una influencia anglosajona, muy pocos van a tener la influencia londinense, más que todo sí norteamericana y de los clásicos, hay muchos panas que les gusta todavía Led Zeppelin y Deep Purple y se agarran de ahí, por decir algo, hay otros que se viene más acá y se vienen a la época de Metallica y se agarran de ahí como punto de partida, hay otros que se vienen de la época de Foo Fighters por ejemplo, y se agarran de ahí, de Nirvana, etc., entonces al mismo tiempo con las fusiones, donde se enredan unas tendencias con otras y resultan en un sonido supuestamente original, hay una propuesta, ahora lo que ocurre es que hay dos formas de hacer las cosas, hacer lo que a mí me gusta hacer, como yo quiero y otro plantearlo desde el punto de vista venezolano, es decir, hacer un rock venezolano que indefectiblemente se esta haciendo, yo no lo llamaría neofolcklore, porque tu agarras una canción de Simón Díaz y la convierte al rock, inclusive con Abelardo estuvimos hablando de hacer música de Jesús Sevillano al rock, pero de repente es un poco como un cliché también.

- Quizás una moda derivada de la Ley de Responsabilidad Social en Radio y Televisión.

Sí, es como para cumplir con la Ley, voy a hacer una canción de Simón Díaz y con eso hago neofolcklore, no pana, Alexis Rossel y Vitas Brenner hacían su propia música, con tremendos músicos, con Pablo Manavello, Iván Velásquez, yo pienso que es hacer la música que uno quiere hacer, rock venezolano porque lo hacen aquí en Venezuela, rock tachirense porque lo hacen aquí en el Táchira. Acá hemos tenido buen eco, yo orgullosamente he leído en el Nacional que aquella banda que surgió de acá del Festival Nuevas Bandas Los Andes, que estuvo en Caracas representándonos, tuvieron eco.

- La agrupación Leech, la banda de Daniel Soto.

Sí, esos mismos, y lo importante es que como estos panas, hagas lo que hagas, hazlo bien. Entonces eso, lamentablemente no toman en cuenta los productores, los que manejan el dinero a nivel de las empresas, a los empresarios hay que irles enseñando que el movimiento rockero es una buena inversión, que deberíamos ya pensar en incursionar en una proyección nacional e internacional, la ventaja de hoy en día es que tú puedes hacer tus propias grabaciones, tú puedes mandar por internet, tú puedes enviar demos, y hay panas como los de Calvarium de acá, que enviaron unas cosas a Bogotá y van a tocar allá, por dar un ejemplo, pero si vamos a hablar de industrializar el rock, de que yo invierto en un grupo porque me va a dar un dividendo, es un poco difícil desde el punto de vista de la mentalidad del empresario venezolano y más en los tiempos que estamos viviendo, ojo, es una alternativa que a lo mejor no la han querido explotar, pero es una alternativa. Yo pienso que el movimiento rockero venezolano para generalizar, y si nos venimos aquí al Táchira yo agarro dos o tres grupos de los mejores, y los proyecto, respetando sus ideales, porque uno no les va a decir, te vas a vestir así y vas a tocar de esta manera, sino respetando lo que ellos hacen, yo invierto en ellos, les doy una publicidad, manejo un marketing de imagen, los proyecto y ganaría porque la gente va a escuchar a estos grupos, pero hace falta la difusión.

- Y allí es donde los medios de comunicación juegan un papel fundamental

Inversión y promoción por supuesto, pero claro para yo proyectarla debe ser una cosa bien hecha y sobre todo un problema que ocurre con los músicos venezolanos, esto me lo dijo Miguel Mendoza, oriundo de acá, bajista y ex esposo de María Rivas, ellos estaban en una gira allá en Caracas, estaban tocando en Altamira y me dicen en su modo de hablar: “¿Mira tú sabes que es difícil?, terminar una gira con los mismos músicos, porque todo el mundo está matando tigres”, entonces el decía por ejemplo que el saxofonista se le fue pa’ un lado, el bajista se fue por otro y tuvieron que buscar otro, en fin, entonces hay una cosa importante, dentro de una banda hay que ser amigos, yo tengo que ser pana de los de mi banda porque si no soy pana en cualquier momento me voy, yo duré mucho tiempo con Travesía y duré mucho tiempo con Axioma y con AXA por eso, por una base de amistad, y sobre todo porque creíamos en lo que estábamos haciendo y lo hacíamos con rabia, lo hacíamos con ganas, con una rabia bien dirigida, quiero decir la rabia de que lo estoy haciendo porque quiero hacerlo, ahora a veces caemos en esa tendencia de seguir la moda y eso no te deja nada, porque nosotros lo hicimos varias veces y que va, yo en particular pienso que hemos también involucionado un poco, se escuchan más grupos de versiones que grupos de temas propios, ahora en lo personal yo siempre he tenido en mi cabeza un proyecto de grabar mis canciones, las canciones de Yuri, y eso está ahí, está palpable, ya tengo letras, tengo algunas ideas musicales, algunos panas me están ayudando, y bueno ahí esta el proyecto, entonces no es que yo me considere que ya estoy muerto musicalmente hablando, yo continuo cantando, lo hago más a nivel comercial, pero si alguien me dijera, tenemos una banda así y tenemos esta propuesta, yo lo haría. Pedro Thomas está tocando en una banda que hace música de Tierra Rara y cosas así. Ahora hay que hacer caso del producto, el producto tiene que estar bien elaborado para poder ofrecer dos o tres productos buenos, de tendencias diferentes, lo que sea, no nos matemos la cabeza que si hago neofolcklore o no hago neofolcklore, has lo que tu quieras hacer pero hazlo bien, con una buena base musical, creer en lo que están haciendo, ser panas entre los miembros de las bandas para que el proyecto continúe, no se disgregue, no se disuelva en el camino. El empresario no va a invertir en un proyecto que dure tres meses, sino en una cosa que vaya a durar un tiempo

- Ya para finalizar para ti cuales son los músicos más trascendentes dentro de la historia del rock regional, mencióname cada uno de los integrantes más destacados dentro de lo que sería la estructura básica de una banda de rock, en este caso de San Cristóbal.

Un guitarrista.

Yo he visto poco guitarristas acá en San Cristóbal, pero el que más me ha impresionado y me sigue impresionando es Abelardo, definitivamente, he visto chamos buenos, pero no pana me perdonan los panitas, los de antes y después pero Abelardo Morales está por encima de ellos.

Un bajista.

Lastima que Enrique esté viviendo en Saturno ahorita, pero hay un chamito que toca en una banda nueva que se presentó en La Feria en la tarima Polar

Sería Twamb, Eybar Serrano.

Ese chamo pana, me dejó impresionado, yo le decía a Rafael, mira pana esta es la nueva generación, míralo como toca, que bien, muy bueno ese chamo.

- Un tecladista.

Mira es impresionante, yo te podría decir Rubén Soto, pero voy a ser sincero, Rubén Rondón, ¿por qué Rubén Rondón?, porque es muy versátil y ha estado más involucrado con el rock, el tipo hacía desastres con un sintetizador pequeñito y un pianito y lástima que las grabaciones de Travesía se desaparecieron, pero bueno lo que te dije un pana escucho en Maracaibo la parte de teclado y pensó que era Angel. Buscas dos buenos teclados y pones a Rubén a tocar pana y es excelente.

Un baterista.

Bueno Cheo Cárdenas, los demás son consecuencia de él, por ejemplo Jerry Cárdenas, también es muy bueno y fue alumno de Cheo, pero Jerry siempre se quejaba, porque cuando Cheo se montaba en la batería de él, hacía siempre algo que él nunca había podido hacer, y decía: Oye pero ¿cómo lo hace?. Cheo empezó como cantante, su voz era como la de una jevita, muy finita, él es bueno para hacer coros, pero le escuchas la voz y entonces se montó en la batería y era un baterista de guataca, hasta que vino Benjamín K. Carriel y lo encamino y lo pulió y Benjamín decía: ¡Oh pana ese Cheo si es arrecho! Es decir en tres meses se pulió con Benjamín y fue a un concurso y quedó por encima de todos los tradicionales bateristas y percusionistas de aquí del Táchira y se ganó una beca. El caso es que a Cheo Cárdenas hoy en día, yo lo oigo, lo escucho, y cada vez me impresiona más porque es algo nato en él. Cheo se levantaba a las cinco de la mañana hasta las siete de la mañana a hacer goma, nada más , rudimento, entonces imagínate esa es la base de Cheo y además de lo nato, él es nato.

Le decía Benjamín K. Carriel, Chamito Candela.

Chamito Candela, no Cheo Cárdenas es impresionante.

Un cantante.

Un cantante además de mi persona, modestia aparte, no es que sea el David Coverdale de la cuestión, pero considero que ha sido difícil para mi hacerme un puesto de cantante.

Bueno varios de los músicos te han nombrado como cantante.

Bueno fíjate porque el aprendizaje fue muy bueno, con buenos músicos, fue duro y la experiencia, a mi me gusta cantar, me encanta, yo lo disfruto mucho, yo había dejado de cantar, hasta que llegó Abelardo y me dijo: Yuri vuelve a cantar. Tuve mis dudas pero ya lo estoy haciendo y me está gustando de nuevo, le está entrando el gusanito de nuevo a la cosa. Y otro cantante acá, aunque no me gustaba mucho el estilo, me gustaba bastante el timbre de voz del cantante de Antes de la Línea.

De Iván Méndez.

De Iván me gustaba el timbre de voz de él. Me fascinaba, me sonaba muy al estilo de ellos, muy suramericano, pero su timbre de voz es muy bueno.

Un compositor.

Rafael Giordanelli, ¿por qué Rafael?, Rafael tiene una forma muy particular de componer, Rafael todavía a su edad es muy ingenuo, muy puro, y eso es lo que me gusta, en sus letras, en su música, a mi me encanta como compone él vez. Yo me identifico mucho con Rafael, de hecho tenemos un timbre de voz muy parecido, y yo puedo cantar las canciones de Rafael con mucha soltura porque me identifico mucho con él, lo he visto componiendo y me impresiona la facilidad, la tranquilidad. Rafael tiene que estar en un sitio con mucha paz y tranquilidad para hacerlo, en sus momentos solitarios, en sus momentos con él, salen unas joyas. Claro Rafael ha tenido también sus demonios con los cuales ha tenido que lidiar y de ello ha salido canciones como Paranoia del Futuro, por ejemplo. Pero Rafael, sin dejar a un lado a Carlos Eduardo Arellano, que cuando yo lo escuché por primera vez tocando acá con Novus…

El Cuarteto Novus.

Exacto, y luego tuvieron otro proyecto Kristal, era impresionante, yo orgulloso de ser amigo de un músico de ese nivel, como Carlos Eduardo Arellano.

Bueno muchas gracias Yuri y esto quedará registrado en la historia del rock regional.

Gracias a ti por hacer este trabajo, que la memoria no nos falle, que esto quede allí para que las nuevas generaciones disfruten de todo el camino que se ha recorrido y no lo dejen perder, es más yo pienso que si vamos encaminados hacia una industrialización del rock si lo hacemos bien, si seguimos aportando nuevas ideas, y haciéndolo de la mejor forma posible. Adelante y larga vida al rock and roll, porque Dios es rockero también.

7. Abelardo Morales. Héroe de la guitarra rock local.

- ¿En que año te inicias en el movimiento musical cultural del rock regional?

Mira Ramón Alí, estamos hablando más o menos de mediados de los 80, yo me reuní con Froilán García, me reuní con Guillermo Leal, me reuní con Daniel Torrelles y me reuní con Lorenzo Medina, nosotros teníamos una banda que se llamaba Jolly Rogers, en homenaje a aquel pirata, la banda tenía una onda algo funky, algo rock and roll, muy Rolling Stone, esa era la onda de la cosa. Recuerdo que para aquel entonces, estamos hablando de 1985 más o menos, para aquel entonces habíamos tres bandas en la ciudad, una banda que se llamaba Travesía, una banda llamada Axioma que era la de Rafael Giordanelli, y nuestra banda Jolly Rogers, me acuerdo que por esos días yo conocí a Rafael, inclusive compartimos y tocamos con él, yo fui baterista de su banda Axioma en dos ocasiones recuerdo. Después de esto nosotros hicimos una banda llamada Fénix que era un poco más metalera, estamos hablando ya de 1987, 1988, esta banda fue hasta Ciudad Bolívar en dos ocasiones, estuvimos en Caracas tocando.

- ¿Esa banda si tocaba versiones, no como Jolly Rogers que tocaba temas propios?

Jolly Rogers tocaba temas propios, Fénix tocaba versiones y tocaba temas propios, nosotros hicimos grabaciones, inclusive el Sr. Hender Contreras promocionó alguno de los temas, recuerdo que había un tema que a la gente le gustaba mucho, que sonaba en la radio, que se llamaba el Ángel de la Montaña y este grupo más o menos duró hasta el 88, 89. Después yo armé una banda que se llamaba AXA que era de metal y eran puras canciones propias, con esta banda hicimos varios trabajos.

- ¿Eso ya es en la década del 90?

Eso es Ya comenzándole 90, hicimos trabajos como grupo de compensación, trabajamos con Ricardo Montaner, trabajamos con Franco de Vita, estuvimos en Caracas en el Cine Prensa, en la Avenida Andrés Bello y estuvimos en varios Festivales, hicimos inclusive grabaciones y las pusimos a sonar en radio también.

- ¿Temas como cuales por ejemplo?

Había una canción que se llamaba la casa del lince, había una canción que se llamaba Caos Mortal, era en medio del rock un interés como ecológico y conservacionista.

- ¿Era un grupo de Hard Rock o Heavy Metal y háblame de tu etapa con Tiempo Zero?

Era Heavy Metal, bueno con esta banda se estuvo aproximadamente como dos o tres años, yo era el cantante y el guitarrista, yo tenía un bajista que era Froilán García y un baterista que se llama Jesús Álvarez. Después entró Yuri Bermúdez que cantaba antes con la banda Travesía, y cantaba con Axioma entró a cantar en Axa, que fueron los mejores momentos de la banda, estamos hablando más o menos del 93. Después de eso yo me fui a Margarita y trabajé con algunos músicos internacionales de rock y cosas así, y estamos hablando más o menos del año 94, que me vine para San Cristóbal y empecé a trabajar con Tiempo Zero. Con Tiempo Zero se hicieron muchísimos conciertos, muchísimas grabaciones de las cuales muchas no se pudieron editar y publicar debido a circunstancias de trabajo y un poco de separación y distanciamientos que hubo por las actividades que tenía cada uno. Con Tiempo Zero estuvimos tocando hasta el año 2000, más o menos, desde Mayo del año 93. Si eso fue en Mayo del año 93, hicimos ese trabajo. Después de esto, ya estamos hablando del año 2000, yo trabajé con el grupo Brecovia, trabajé con el grupo Factory.

- Que son bandas de versiones más que todo.

Son bandas de cobres y hacen y tienen otro tipo de propuesta, ya no es una propuesta de su música y un planteamiento para sonar en la radio, sino simplemente ya es una actividad de trabajo ligada al local, lo que se llama entretenimiento, con estas bandas más o menos estuve hasta el año 2003, 2004, y después estuve en Puerto La Cruz trabajando con el grupo Ankla, y ya estamos hablando de mayo del 2006 y estoy armando una banda que se llama Ícaro, que hacen versiones más que todo de rock y pop de los 80. Vamos a pasar por Led Zepellin, por Queen, por Abba, por todo ese tipo de bandas más o menos.

- Tú empiezas como vocalista en las primeras bandas, ¿cuando comienza tu iniciativa por el instrumento y tomas la guitarra?

Mira Froilán y yo éramos unos chicos de muy pocos recursos, los dos tocábamos, estudiábamos en el Simón Bolívar, éramos unos niños, tal vez tendríamos quince años cada uno y ninguno de los dos tenía guitarra. Él tocaba en esa época mucho mejor que yo y yo aprendí muchas cosas de él, entonces llegó el caso en que los dos teníamos que hacer una banda y no se conseguían cantantes, entonces en el momento en que yo conseguí una guitarra eléctrica yo le dije: “pues agarra tu la guitarra eléctrica y yo canto, si yo agarro la guitarra y tu vas a cantar pues va a sonar peor…”, entonces es preferible que tu agarres la guitarra y yo cante.

- Antes de eso ya estaban los hermanos Thomas con Travesía haciendo conciertos en todos los eventos del Simón Bolívar y Rafael con Axioma y ¿esas bandas quizás fueron inspiradoras para ustedes?

Si, a mi me encantaban las dos bandas, Travesía era la banda donde tocaba Cheo Cárdenas y losa hermanos Thomas, Yuri cantaba allí, y era una super banda, para la época me parecía que estaba muy evolucionada. Rafael tenía una banda que tal vez no tenía el nivel de virtuosismo que tenía Travesía pero tenía mejor música, tu escuchabas las canciones y la magia de Rafa en una tarima era algo más conmovedor, te llegaba más. En esa época nosotros estábamos haciendo la banda que te dije, yo dije aquí se necesita un cantante y un guitarrista, y hablé con Froilán: “de entre los dos tu tocas más guitarra que yo, entonces tu agarras la guitarra”. Y entre los dos yo soy el que canta menos mal, entonces vamos a armarlo e hicimos la banda Fénix.

- En otra parte de este texto Froilán me comenta que ustedes ensayaban en la casa cural del Barrio Libertador donde el sacerdote Darío les prestaba el espacio y el sonido para ensayar.

El padre Darío tenía su casa cural en la Iglesia del Barrio Libertador, el tenía unos amplificadores y unos equipos allí y nos prestaba la casa cural para ensayar. Entonces hacíamos los ensayos allá, todas las noches, duramos meses en eso.

- Y la experiencia con Tiempo Zero, te encuentras con Rafa en el 93 y graban varios temas y tocan, que me puedes comentar de esa época, alguna anécdota, algo especial, de lo que es una de las bandas más trascendentes de la historia del rock regional.

Si bueno la experiencia de trabajar con Rafael Giordanelli es algo que te hace madurar y te hace y te hace aprender muchas cosas, Rafael es una persona muy espiritual, Rafael es un espíritu exquisito, como una vez le dijeron, y Rafael tiene una capacidad de composición y una capacidad de visión de música, una capacidad de llevarlo acabo de una manera muy genial y no únicamente de apoyar su equipo de trabajo, sino de apoyar otros grupos, me parece que la labor que él ha tenido, no únicamente como músico y como propuesta musical, sino como persona que poya a todo el movimiento regional y las bandas me parece que es algo admirable, es digno de aplaudir. Rafael es una persona que cree en lo que está haciendo, tiene su método de trabajo, como lo podemos tener cada uno de nosotros, algunas personas tal vez somos un poco más ansiosas y más impacientes. Cesar Somosa, el cantante de Resistencia que tocó bajo en Tiempo Zero estaba de acuerdo conmigo, tal vez nosotros queríamos ir a un paso más acelerado y tal vez no se concluyeron muchas de las cosas, pero la experiencia fue en realidad riquísima, toda la organización de los eventos, los conciertos, las grabaciones. Rafa él mismo instaló el estudio para nosotros hacer las grabaciones y prácticamente se encargó de todo, la experiencia es buenísima, yo creo que cualquier persona que trabaje con él, aprendería muchísimo, de verdad que sí.

- Me comenta Rafael que hay un proyecto de hacer un Box de Tiempo Zero, por ahí estuve escuchando incluso un blues que grabaron ustedes con Carlos Eduardo Arellano, quien registró un montón de sesiones que quedaron muy bien hechas, incluso el box podría ir con el material desde Grabaciones Clandestinas hasta lo último grabado por la banda.

Si, inclusive hace unos días estaba reunido con él y me dijo que iba a hacer una serie de recopilaciones de los temas, tal cual como tu lo estás diciendo, esto va a incluir las primeras grabaciones que estaban en cassette y en reel, hasta los últimos grabados, inclusive yo cuando terminé de tocar con él, él hizo unas grabaciones con José Ángel Cavallín y tengo entendido que es una recopilación como de dos CD´s y que va a salir pronto, algo así como Tiempo Zero Antología, una cosa así.

- Y proyecto de volver a tocar con Tiempo Zero, ya que tu regresas a la ciudad y te reúnes con él, ¿hay posibilidades?

Si de hecho yo lo estoy planteando, hacer una serie de conciertos, no únicamente en San Cristóbal sino en todo el país, y hacer un concierto y que participen todos los músicos que han tocado con él, no únicamente en Tiempo Zero, sino a lo largo de su vida.

- Willie Chiroque, Alberto Prieto, Alejandro Reyes etc.

Correcto, inclusive gente que estuvo en Axioma, tengo entendido que tener la banda Axioma tuvo una banda como de tipo Gospel de ese tipo de cosas, que incluía instrumentos que no son comunes en bandas de rock, como flautas y cosas así, entonces, sería interesantísimo, hacer una recopilación de las mejores canciones y llevadas acabo a través de los tiempos con sus integrantes.

- Alguna anécdota especial de Tiempo Zero, algo que recuerdes específicamente, que llame la atención por su trascendencia en ese momento histórico que estaban viviendo.

Mira fueron tantas las cosas, cada concierto, cada vez que nos reuníamos era genial, pero recuerdo una vez que fuimos a Cúcuta, a tocar en un festival colombiano de bandas, yo tenía que estar aquí a media noche para tocar con Brecovia y fuimos con Hernán Atencio y llevamos una Van llena de equipos. Cuando pasamos de regreso por la alcabala, que terminamos de tocar, nos mandaron a bajar y se pusieron a revisar todos los equipos y La Guardia Nacional tenía un perro de esos antidrogas y recuerdo que el perro se le tiró fue al chofer, en vez de venirse a nosotros. Después de que nos revisaron, Rafael se paro en la puerta el bus y le dijo al guardia que le cambiara las chatas al perro, que no le servían para nada. Risas.

- ¿Y llegaste a tiempo al toque de Brecovia?

Si llegamos a tiempo.

- Cual sería tu propuesta para lograr la consolidación de la Industria Cultural del Rock Regional, es decir, cómo hacer que estos bienes culturales puedan insertarse tanto en el mercado nacional como internacional, es decir que ese principio de Reproductibilidad Técnica se cumpla. Porque tenemos la producción, pero hace falta la reproducción para llegar al consumo, lo que involucra por supuesto la proyección de las bandas, entonces, ¿cual sería la estrategia para que estos productos culturales de la música contemporánea regional, tengan su merecido impacto?

Mira de todas las ciudades donde he estado en Venezuela, San Cristóbal es una de las que tiene mayor madurez, hablando por supuesto en el ámbito rock, pop, funk, que se yo. Hay tanta demanda de personas que van a los locales para escuchar bandas, y las bandas hemos madurado mucho, y cada día nos hemos preocupado por hacer propuestas mejores. Ahora en el mercado del disco, simplemente, se apoya porque tu llegas en el momento adecuado, porque hay una gran cantidad de dinero que esta apoyando eso y porque hay una necesidad de un sello disquero, que necesita abarcar y cubrir ese espacio, si en San Cristóbal se lograr hacer un sello disquero, y se pusiera a trabajar personas a hacer producciones, que tuvieran mucha mayor experiencia que nosotros, es decir, si hay una mina de oro, hay que llevar a una persona para que la explote, OK, si uno tiene alguna experiencia con la música, pero hay una persona que puede ver que hay algo bueno en cualquier banda de San Cristóbal, puede sacar un disco, pude hacer una producción y puede mejorar su producto para que sea digerible, OK, nosotros a veces no conocemos mucho de esto, sino sabemos lo que es afinar una guitarra, conectarnos, sentarnos a estudiar, componerlo y llevarlo a cabo y hacer una producción pequeña. La parte de grabación es una cosa un poco más complicada, a veces las grabaciones pueden quedar bien, pero hay que llevarlo de manera que sea digerible para el público, es decir la caja de la presentación, con la fotografía, lo colores, el gráfico, todo eso, por supuesto esto llevado a música. Si se hiciera eso, ese sello disquero lograría proyectar y promover todas las canciones de sus productos, de sus artistas a nivel regional, OK, estando a nivel regional ya los grupos deberían estar sonando, tal cual suene una canción de un gran artista en San Cristóbal, OK, entonces eso le daría una cotización al artista regional, inclusive se podrían hacer intercambios con otros sellos disqueros de acuerdo a la necesidad que haya. Supongamos si el sello disquero de San Cristóbal tiene diez artistas, el mejor lo puede usar para llevarlo al Rock al Parque en Bogotá, el mejor lo puede mandar a Latin World y grabar un disco, yo creo que el primer paso, el primer gran paso sería que existiera un sello disquero en San Cristóbal.

- ¿Cómo organizar, aglutinar todas las bandas como en una especie de cooperativa, donde todas las bandas pudieran presentarse con una imagen corporativa común?

Eso sería genial, eso que tu estás diciendo, si se hace una cooperativa de personas, supongamos se hace una cooperativa de quince personas y cada persona representa un grupo, y se aporta un capital y cada uno es como un San, vamos a grabar mi disco el primer año, o los tres primeros meses, lo vamos rotando y vamos a apoyarlo, y nosotros tenemos el apoyo de la radio, del Sr. Hender Contreras que yo digo, es una de las personas que más apadrina y protege y él podría ser inclusive una de las personas que manejara todo esto. Entonces si se hace una cooperativa, como dices tú y cada persona se pone a grabar sus productos y tiene la promoción regional, sería fantástico.

- Ya como última pregunta Abelardo, me gustaría que me mencionaras un guitarrista, un bajista, un baterista, un tecladista y un compositor, de lo que vendría siendo como la formación básica de una banda de rock, de los más destacados para ti en la historia del rock regional.

- Un cantante.

Cesar Somosa, podemos mencionar que pertenece a la historia regional, aunque Resistencia se a de Caracas, él estuvo aquí años y él tocó con Tiempo Zero, entonces yo lo tomaría a él como el cantante más influyente y más importante que haya escuchado

- Un guitarrista.

Me atrevería a decir que Carlos Eduardo Arellano es una de las personas que más admiro, más admiro y ha sido influyente en mí.

- Un bajista.

Voy a incluir a Cesar Somosa, él tocaba bajo en Tiempo Zero pero su trabajo como bajista es algo muy importante. El espacio de bajista también se lo voy a dar a mi hermano Alejandro Morales, una persona que es increíble con el instrumento. Mi hermano hizo algunos conciertos con Tiempo Zero, trabajó con Brecovia y actualmente toca conmigo.

- Un baterista.

Voy a hablar de Danny Alba y Cheo Cárdenas, que para mi son los mejores bateristas regionales.

- Un tecladista.

Rubén Soto.

- Un compositor.

Rafael Giordanelli.

8. Froilán García. La Guerra Santa del rock and roll.

- ¿Eres uno de los precursores de la guitarra eléctrica en el estado Táchira, en que año comienzas a participar en este movimiento underground del rock regional, cual fue tu primera agrupación?

Me inicié a muy temprana edad, a la edad de once años, doce años, ya tocaba una guitarrita japonesa o china o coreana, una que me compró mi papá que les costo treinta bolívares algo así y empecé con un grupo de garaje, con unos chamitos de pirineos que se llamó Ignorancia, con el cual nunca tocamos en ningún lado, pero eran las ganas de tocar y había un tecladista que ahorita está en Caracas, que tocaba las canciones de Deep Purple igualitas, tocaba igualito que John Lord y tenía sólo trece años, estaba un chamo que era baterista, era un trío, entonces había un vecino que el papá fue a Estados Unidos, a Miami, en la época gloriosa de dólar a 4:30, y me trajo una guitarrita amarilla marca Chiquita, que traía un micrófono Di Marzio, sonaba increíble, con un pequeño amplificador que si acaso tenía 3 vatios era mucho y con eso ensayábamos, en ese momento fue que yo arranque con el rock aquí en el Táchira. Eso fue en el año 81, 82.

- ¿Ya en esa época tenías referencias de bandas que estaban genuinamente tocando, ya consolidadas, por ejemplo cuales?

Aquí en San Cristóbal obviamente, Travesía y Axioma. Travesía la banda de los hermanos Thomas, donde también estaba un afamado tecladista, Cesar primero y luego Rubén Rondón, los hermanos Thomas uno era el bajita y el otro era un guitarrista, estaba Rubén que era tecladista, Cesar el cantante y el baterísta que era el famoso Cheo Cárdenas, que ahora toca Jazz.

- Efectivamente, que actualmente es profesor de la Escuela de Música y músico de la Orquesta Sinfónica, pero además de Travesía estaba Axioma.

Si con Yuri Bermúdez en la voz, estaba Rafael Giordanelli en la guitarras, estaba Vilito Villafañe (Enrique) era el bajista y estaba un chamo de Valencia que se llamaba Walter, excelente guitarrista que tocaba tipo Yngwie Malmsteen, tipo AC/DC, muy bueno.

- Y esas bandas fueron referencia y estimulo para ustedes iniciarse en la música.

De allí pues ya conozco a Abelardo, Abelardo estudiaba en el Liceo Simón Bolívar también, o sea chamitos y nosotros nos la vivíamos tocando en el Liceo Simón Bolívar, éramos públicos, éramos chamos con ganas de tocar, entonces vimos a Axioma en la tarima del Simón Bolívar, vimos a Travesía en la tarima del Simón Bolívar, cada vez que habían los cierres de fiestas navideñas o fin de año o carnaval, etc. Yo me gradué en el 85, eso fue más o menos en el 82, en esa misma época y entonces claro nosotros vimos en ellos marcar una pauta y nosotros quisimos hacer rock, quisimos hacer lo mismo que ellos hacían.

- Tú te reúnes ya, en esta banda Ignorancia con otros músicos, pero cual es tu primer proyecto formal, con el cual tocas en vivo.

Mi primer proyecto serio, yo me acuerdo que tenía exactamente quince años, fue con Abelardo Morales, con el tecladista que se llama Guillermo Antonio Leal, que era el tecladista que tocaba tipo Deep Purple, estaba Cheo Torrelles y Lorenzo Medina, un grupo de chamos más o menos y formamos un grupo que se llamó Jolly Rogers. Jolly Rogers era un pirata, cuando la época de Morgan, entonces éramos los piratas del rock and roll de San Cristóbal. Entonces armamos ese grupo y con ellos tocamos en un festival en el año 83, 84 en el Gimnasio Arminio Gutiérrez Castro, inclusive salimos hasta por prensa y todo como una banda de chamitos tocando rock and roll.

- Y con Jolly Rogers ¿hasta que época se proyectan tocando?, ¿canciones propias o versiones?

Duraríamos un año, canciones propias, en una onda hard rock. Hay una anécdota que vale la pena mencionarla, nosotros ensayábamos en la Iglesia de Barrio Sucre, con el padre Darío, que en paz descanse, él nos prestaba los amplificadores, la guitarra Teiko, un bajo Teiko, todo lo que tenía y nosotros ensayábamos rock and roll todas las noches, cuando salíamos del liceo nos íbamos para allá, claro el padre nos orientó muchísimo, nos hablaba mucho, pero él no tenía problema de que nosotros tocáramos rock and roll, y él daba su misa y nosotros en la casa cural ensayando, era cómico, a veces llegaba la vecina y decía: “Mire que estos muchachos están haciendo escándalo”, y el padre tranquilo, decía: “Ellos son muchachos y están tocando música”.

- ¿Y después de Jolly Rogers viene cual otro proyecto?

Viene otro proyecto más serio todavía que es Fénix, en Fénix estábamos Abelardo Morales, que era el cantante, yo era el guitarrista, Yuri Mirabal, el famoso Yuri cucaracho, era el bajista y estaba Jesús Jaimes en la batería. Con esa banda fuimos a tocar a Caracas, fuimos a tocar a Ciudad Bolívar, agarramos una fama entre comillas, ya que eran versiones, versionábamos Iron Maiden, versionábamos Judas Priest, versionábamos Saxon, versionábamos Van Halen.

- Heavy Metal.

Si versionábamos Heavy Metal y éramos cuatro chamos, ya de dieciséis años, diecisiete años, el único mayor de edad de la banda era el baterista, los demás éramos puros chamos que viajábamos con permiso de los papás.

- ¿Y si les pagaban algo por esas versiones?

Nunca, en esa época no pagaban, nosotros lo que queríamos era que nos dejaran tocar, inclusive muchos viajes lo financiamos nosotros mismos. Nos decían: “Mira tranquilo que te vamos a pagar y llegábamos allá y nada”.

- ¿Y cuando se disuelve Fénix y que proyecto viene?

Fénix dura más o menos hasta el 87, duró hasta que el bajista se graduó y se fue a estudiar a Mérida, duró el bachillerato, yo me gradué en el 85, era mayor que Yuri. Después de Fénix armo otra banda que se llamó Amén, “Yo creo”, que era con Halmer Rodríguez, un pana que está ahorita en España que era el bajista y tocábamos ya algo más fuerte que el Heavy Metal, el sonido que ya estaba más o menos de moda en ese entonces, un poquito más Power, ese grupo también duró poco, de allí se formó otra banda muy metalero aquí en San Cristóbal, que eso si era Trash Metal que se llamó Necrosis, en esa época estaba Letalia.

- La banda de Amilcar Mirabal, con Jerry Cárdenas.

Si ellos tocaban Megadeth, Metallica y nosotros tocábamos Slayer, Sepultura y buscábamos cosas más duras, lo más extremo. También esa banda duró poco, un año, dos años, y de allí me uno con Marino Vázquez, con Jackson, Marlon Chacón, el gordo Marlon de Pirineos II y un pana de Colón que era el baterista, y surgió la primera formación de Guerra Santa.

- Pero antes no tocaste con AXA.

Si volvamos a retroceder, antes de Necrosis inclusive toque con Axa, que fue cuando Abelardo ya era guitarrista y formó su banda que se llamó Axa, donde cantó Abelardo. Lo de Axa fue algo casual yo siempre fui guitarrista, y Abelardo y yo siempre fuimos guitarristas desde muchachos, sólo que en las bandas el guitarrista era yo y él era el cantante, eso era lo único, ya cuando nos separamos y Abelardo pues forma su banda y él se convierte en lo que era un guitarrista también, entonces tenía un trío, que era él como cantante guitarrista, un bajista de La Grita, que no recuerdo su nombre y el baterista era Jesús Jaimes, entonces fueron a tocar una vez a La Grita y el bajista no era metalero y yo fui a acompañarlos a ese concierto, entonces yo le dije a Abelardo: “Abi porque yo no toco bajo” y me dice Abelardo: “bueno pero es que tu eres guitarrista”. Y le contesto: “Cual es el problema vamos a tocar bajo, no hay ningún problema”. Y entré a Axa como bajista. Eramos dos guitarristas, claro yo tocando bajo y él guitarra y ahí volvimos otra vez a Caracas y volvimos a girar y volvimos a tocar en todas partes.

- Conciertos importantes de Axa a nivel nacional, cuales me puedes mencionar.

Nosotros tocamos en el Cine Prensa en Caracas. En el Festival Nacional de Metal que organizaban en ese entonces en Caracas y fuimos prácticamente la penúltima banda de cerrar el festival, fuimos dos veces en un mismo mes, o sea estuvimos como representantes del Táchira, gustamos tanto que fuimos a hacer el cierre del año de todas las bandas que habían tocado ahí, y fuimos la penúltima y la última fue Laberinto.

- Que hoy en día está tocando en Holanda y tiene gran éxito, etc.

Nosotros fuimos antecesores de ellos en ese entonces y de ahí parten como 15 bandas más, de grupos como Bafomen, de una cantidad de bandas que eran muy famosas como Excalibur, habían muchas bandas, habían bandas de Barquisimeto, de Punto Fijo, las mejores bandas de Venezuela fueron a tocar ese año en el Cine Prensa y fuimos invitados especiales para el cierre de ese mismo año. Y nosotros pues cerramos el espectáculo, ya éramos una banda que tenía una calidad.

- Y después de eso retomas la guitarra, participas en Necrosis y te juntas con Marino en este proyecto que tiene 14 años que es Guerra Santa.

Bueno los comienzos yo ya tenía mi trayectoria como guitarrista, a Marino yo lo conocí también en la época de andar en la calle, cantar, las serenatas y todas esas cosas, Marlon Chacón de Pirineos y el baterista Luis Omar Fonseca, que era el que trabajaba en el estudio.

- Que recuerdo también fue baterista de Tiempo Zero.

Si, el baterista de Tiempo Zero, él sale de Tiempo Zero y se mete con nosotros en Guerra Santa. Esa es más o menos la historia.

- ¿Y cuando se va Luis Omar a Alemania que él estuvo un tiempo rodando por allá es cuando entra Danny?

Danny Alba, si que sigue hasta hoy. Prácticamente el único que no ha cambiado nunca ha sido Marino. Yo me retiré un tiempo de Guerra Santa y volví otra vez ahorita que tengo tres, cuatro meses que volví a ingresar a la banda.

- ¿Y Guerra Santa es un proyecto más suave que AXA, es más como un Heavy Metal, pero también con cierta poesía, cómo defines el concepto de Guerra Santa?

Si, si. Guerra Santa cuando nosotros iniciamos fue que todo lo que queríamos, lo que soñábamos tocar lo tocábamos, tocamos canciones heavy, fuertes, también baladas como Tu, Hechizo, Sólo, unas baladitas dulces, románticas, un poquito así de la balada del heavy de los 80, pero también en ese tiempo tocábamos música extrema, no trash metal, pero lo que estaba de moda en esa época que era el deep metal o rock progresivo, el metal progresivo, a eso le dieron muchos nombres, nosotros también estábamos en ese perfil.

- ¿Tocaron versiones con Guerra Santa o siempre temas propios?

Una que otra y muy escogida, una de Deep Purple, una de Metallica, pero no fue nunca nuestro fuerte.

- Toques trascendentes, me acuerdo mucho del toque con Paul Gillman en La Hormiga.

Si, además de Gillman Guerra Santa le teloneó a Zapato 3, le teloneo a Caramelos de Cianuro, tocó en el Velódromo, en la Plaza de Toros, nosotros aquí tenemos todos los lugares con presentaciones, donde se halla probado sonido hemos tocado nosotros, Guerra Santa, en San Cristóbal. En Ciudad Zero, en todos los espacios.

- También esos famosos festivales que se organizaban en Colón, ¿recuerdas esos eventos?

Si tuve la oportunidad de ir a uno de esos Festivales con Marino en Colón, a un concierto, ya para otros Festivales que se realizaron yo estaba fuera de la banda. Se organizaban en el Club Ganadero, la gente en Colón siempre ha apoyado mucho el rock, Guerra Santa cada vez que fue a Colón había gente que de hecho cantaba las canciones.

- Una anécdota en particular de tu carrera musical, algún episodio dentro de esa historia haciendo música en la región que recuerdes como algo simbólico.

Hay algo que me sucedió, que cuando ocurrió yo me quedé loco, pensé esto no puede ser, soy yo, soy Froilán, no soy Yngwie Malmsteen, no soy Satriani, ni nada no. Estábamos en Mérida, claro no me pasó a mi sólo, le pasó a toda la banda, nosotros fuimos a tocar dos veces a Mérida, a la tercera ya nos llaman contratados, de venir a buscarnos el transporte, como si fuéramos una súper banda, es para nosotros bien pues nos están contratando, cuando llegamos escuchamos que la gente de seguridad a través de la radio dice que los muchachos se están preparando, que están bañados, cómo está la tarima, cómo está la cosa, como si el que llegara fuera una estrella, cuando llegamos a la tarima el publico que estaba sentado se paró, recuerdo había un chamito que me tomó una foto con él, la foto se la tomó la novia y el chamito de la emoción estaba temblando, por la emoción que tenía de ir a ver a Guerra Santa, cuando nos montamos a la tarima eso fue memorable, cantaban las canciones, las corearon, eso fue en el Círculo Militar de Mérida, y eso fue gracias a que ganamos el Festival de Bandas Desconocidas en Mérida.

- También fueron a tocar en la Concha Acústica de Bello Monte en Caracas

Si en esa concha acústica y en el poliedro también.

- ¿En el poliedro con quien tocaron?

En el poliedro tocamos con todas las bandas, las mejores bandas de metal de Venezuela y en un Festival que se estaba haciendo de bandas desconocidas, creo que era el número 3. Entonces ya nosotros habíamos ganado el primer festival y fuimos como músicos invitados.

- Cómo músico siempre estuviste ligado a la historia de Pirineos II, coméntame de bandas de esa época de esta zona de la ciudad.

Pirineos II ha sido una cantera de músicos, salió Gregory Pino, salió Amilcar Mirabal, salieron los chamos de Esfinge, con su vocalista Franklin Mora y Erasmo, salió Rosendo Peña en la batería, Ernesto Medina cuando tocaba bajo, Oliver Carmona, a Oliver lo recuerdo muy chamito, a Oliver le llevaré cinco años, seis años, pero en esa época se diferenciaba mucho pues yo tenía 18 años y él 13, yo me acuerdo que él era con su guitarra para arriba y para abajo, él se fue a otra tendencia, o se quedó en otra tendencia que es lo que es el blues, muy muy buen guitarrista de blues, lo respeto mucho por eso. Y otro guitarrista ya que mencionamos a Esfinge y recuerdo a Rock a Hood es Sherpman. Sherpman es el guitarrista del Táchira al cual usted lo escucha tocando y parece que estuviera viendo a Santana, de verdad que me quito el sombrero con Sherpman, muy bueno.

Hablando de la gente de Pirineos, cuando estaba en la época mía de Necrosis, hubo una banda en Pirineos que se llamó Neurosis y esa banda Neurosis salió de Esfinge, Esfinge salió al principio de los 90, noventa y tanto, realizaron conciertos en Quinimarí, se presentó también Letalia, se presentaban todas las bandas de Pirineos, Mario, Rosendo Peña, Amilcar Mirabal, Ernesto Medina, el popular Secas, muy fan de Yngwie Malmsteen, su estilo de guitarra es similar a Yngwie Malmsteen y a Rata Blanca. Neurosis era más de Barrio Sucre, Letalia de Pirineos, Ignorancia con la que yo toqué era de Pirineos también, Necrosis de Pirineos al igual que Neurosis y Esfinge, y se han caracterizado por ser bandas de Metal, hay mucha gente metalera en Pirineos.

- Froilán hoy en día cual sería para ti la formula para que la industria cultural del rock regional se pudiera proyectar tanto nacional como internacional.

La formula como todo negocio tiene que haber un empresario, porque gente que le guste la hay, público que vaya a ver los conciertos lo hay, acá en Venezuela estamos hablando de que ahorita vienen Metallica y Megadeth y viene cualquier banda y full. Estamos hablando de que a San Cristóbal viene ahorita un grupo de Colombia y Ciudad Zero va estar full y yo he ido a conciertos allá que son full con bandas de aquí de la región. ¿Entonces que es lo que hace falta? Faltan empresarios que le paguen a la banda que está tocando, que apoye las bandas, que les colabore en la parte de la grabación de sus demos, sus maquetas, grabar sus discos, eso es lo que hace falta, porque ganas hay, músicos hay, yo observo a chamitos de dieciséis años que agarran la guitarra y la descosen, de aquí de San Cristóbal. Estamos hablando de que somos como 500.000 mil habitantes y hay como 80 guitarristas que tocan exageradamente bien una guitarra eléctrica, el heavy metal, no estamos hablando de que toquen un cuatro, el cuatro es tradicional y obviamente deben haber cuatristas porque es el instrumento nuestro. Pero cuando hablamos de guitarra rock, cuando hablamos de guitarra jazz, la misma guitarra blues, yo vi en estas noches a un chamito de dieciséis años tocando jazz que me quité el sombrero, aquí en San Cristóbal, no estamos hablando de Caracas, ni estamos hablando de Nueva York, ni estamos hablando de Los Ángeles ni nada, aquí en San Cristóbal.

- Entonces aparte de ese apoyo que es un apoyo económico de inversionistas, de gente que apueste a este tipo de bienes culturales, ¿no consideras que también deba haber un apoyo por parte de los medios de comunicación?

Obvio, los medios de comunicación tienen que apoyar las bandas, tienen que de verdad difundirlas, te voy a poner un ejemplo ahorita con todo lo que tiene que ver con empresarios y medios de comunicación, acaba de haber un concierto en la plaza, lo preocupante es que la banda regional como cosa rara no tocó.

- ¿Cómo que no se hacen valer los derechos y las reglamentaciones regionales y ordenanzas municipales, quizás por descuido de la Asociación de Músicos del Estado?

El sindicato que es el primero que se debe pronunciar no dice nada, una Asociación de Músicos que funciones no deja tocar a ninguna banda foránea hasta que no toque el grupo de aquí, el uno por uno. Y uno nunca ve en ningún medio impreso, ni en ninguna emisora de radio que se reclame nada, ose la gente ni se entera que hay grupos regionales que deben ser teloneros.

- Quizás hace falta más apoyo de los medios de comunicación, tanto impresos como audiovisuales, definitivamente. Muy rara vez por ahí hacen sonar un tema en la radio porque pareciera que la gente no creyera que lo que se hace en el Táchira es bueno.

Y ponen la canción, pero es obligado, porque si no los agarra CONATEL y les cae encima, porque eso ya es Ley, una de las leyes que se implementaron bien en el país ha sido en ese sentido la Ley de Responsabilidad Social den Radio y Televisión, que defiende al talento local y nacional. A veces se dan casos atípicos o extraños, por ejemplo el tema Hechizo fue la canción número 4ta o 5ta de un top de una emisora de radio de Bolivia, aquí en San Cristóbal no hubo apoyo, la ponían pero obligada. Los temas Sólo en México al igual que Fortaleza, pegaron, hasta páginas de Fan Club hay, y la banda nunca ha ido para allá; son cosas que parecen mentira, nosotros estamos organizando una gira para México, estamos en eso, porque el público allá nos está pidiendo. Pero aquí no hay nadie que nos diga:”Aquí están los reales para que vayan y toquen allá”.

- O quien puede les puede sacar el disco editado, pasterizado en Opti Laser, bien editado y prensado, no como los que uno quema de manera artesanal, tipo demosound, que llegue un inversionista y diga bueno vamos a editarles mil, dos mil copias, yo me quedo con tanto porcentaje de los derechos de venta y autor, etc. Lo cual es para una banda fundamental como carta de presentación internacional.

Laberinto es un ejemplo, acá no les pararon ni medio y están afuera tocando, Agresión es otro, el grupo Cronos creo que es, tienen ya una disquera alemana, los contrató. Hay cualquier cantidad de bandas venezolanas que salen a fuera, porque hay disqueras afuera que les inyectan el dinero, por el talento del que estamos hablando.

- Entonces a nuestra Industria del Rock Regional le falta primero inversión y segundo difusión.

Exactamente. Lo fundamental para que surja cualquier empresa, organización, billete y alguien que te ayude, que venda el producto.

- Para finalizar esta entrevista Froilán, quiero que me menciones un guitarrista, un bajista, un baterista, un tecladista y un compositor dentro de lo que para ti es lo más granado, lo más representativo dentro de lo que es la historia del rock regional.

- Un guitarrista.

No hay uno, para mi hay varios. Uno de los mejores es Carlos Eduardo Arellano, es ya un señor, que ha marcado una pauta acá en el Táchira y a aguantado golpes y está echándole pichón con la guitarra.

Otro es Abelardo Morales, en las mismas condiciones, otro señor que en lo mismo, batallando día a día, él no hizo lo que yo hice, yo me dediqué al comercio, y entre comillas abandoné la música, Abelardo nunca ha soltado su guitarra y para todos los lados donde se ha ido se ha ido con su guitarra, eso tiene mucho mérito, aparte de que es un excelente guitarrista, compositor también excelente, las canciones de AXA y de Fénix eran de él, eso es meritorio también.

Está Gregory Pino, que es otro guitarrista que también merece respeto y Leo Rojo. Por eso te digo uno no, pues son varios que son muy buenos, no puedo dejar pasar a José Chacón, al pollito, que fue profesor de Datemúsica, dejó sus raíces, hay muchos alumnos de él acá que están tocando excelente, y está actualmente en México tocando.

- Un bajista.

El primero que fue uno de los más famosos, Vilito Enrique Villafañe, marcó mucha pauta como bajista de Jazz y Blues, yo toqué varias veces con él, Vilito como le decimos nosotros con cariño, igual yo creo que por aquí por el Táchira es difícil que pase otro con las condiciones de músico, de arreglista, de instrumentista, la calidad que él tenía era increíble.

Otro bajista lo es el bajista de Antes de la Línea, Greys Hernández, excelente bajista, y el bajista que tengo actualmente en la banda que no es por exagerar, de verdad que es un excelente bajista, con él cualquier guitarrista se sentiría cómodo, de hecho cuando Abelardo tenía su banda de mata tigres, digámoslo así era el bajista de Abelardo, que es Alejandro Ardila.

- Un baterista.

Para mi hay tres, dos no están aquí y uno si. Para mi si no es el más técnico, si no es el más estudiado es el que tiene más Feeling, el más loco, y es el que más me ha visto tocar y de hecho estoy tocando con él, que es Danny Alba, es un baterista que sin leerse una partitura toca como él quiera, ese es uno.

Los otros dos si son estudiados, bueno y Cheo Cárdenas también, pero los otros dos son Julio D´Santiago y Jerry Cárdenas.

- Tecladistas.

Rubén Medina, Johan Parilli, lo que pasa es que tecladistas rock también hay pocos, Cavallín también, pero he tocado con Rubén y con Johan.

- Cantantes.

Cesar Mora, el cantante de Tiempo Zero, Cesar Mora ha sido el cantante más lírico que ha tenido el rock en el Táchira y no lo digo yo sólo, preguntale a Abelardo, preguntale a Giordanelli, es el cantante más lírico, es decir la voz más dulce es él, con los registros más altos.

También está Marino Vázquez, quien llega a registros altos también, una voz ronca, una voz que tiene fuerza para el rock and roll. Está Yuri Bemúdez otro cantante de rock, ahorita hay un chamito que se llama Kike Alexander, no me acuerdo el nombre que canta en Draco, con una voz gruesa, una voz de metal, buen cantante.

- Compositores.

Abelardo Morales, Marino Vázquez. Rafael Giordanelli, las canciones tuyas Ramón Alí con Accidentes de Carros Naranja, las canciones que ustedes hacían eran muy buenas, era un rock muy progresivo, y también el grupo de José Chacón y Johan las composiciones también eran muy buenas.

9. Rubén Soto. Teclados maravillosos.

- Amigo Rubén, junto al maestro Virgilio Armas eres uno de los tecladistas más virtuosos de nuestra ciudad, eres además uno de los pioneros del Jazz en nuestra región, cuales son tus inicios en la música.

Mis inicios fueron bien temprano, a la edad de ocho años, comencé tocando mandolina, y luego me conecté con la gente de cuerdas andinas, Jhonny Mendoza era mi vecino, formamos Cuerdas Andinas.

- Jhonny Mendoza es el virtuoso violinista que ahora está radicado en los Estados Unidos.

Claro, claro, exactamente, él y yo fuimos quienes iniciamos Cuerdas Andinas, a la edad de ocho años nos conocimos cuando el padre de él nos daba clase a ambos, luego se formó Cuerdas Andinas y empezamos a entrar al mundo de la música, con ellos me gané mis primeros cincuenta bolívares, eso fue mucha plata en el año 72, 73 más o menos. Con Cuerdas Andinas toqué mucho tiempo mandolina, luego me encuentro con quien es para mi el padre del Jazz, fue quien me inició en el Jazz, que es Carlos Eduardo Arellano, más o menos en el año 77, lo conozco y en ese entonces frecuentaba mucho el apartamento donde él vivía por el Simón Bolívar, por la plaza de las palomas, yo estudiaba en el Ciclo Básico Táchira, que queda más abajo del Simón Bolívar, me escapaba de clase y me iba para el apartamento de Carlos Eduardo a escuchar a tocar; el primer Rhodes que yo conocí fue el de Carlos Eduardo, un piano eléctrico Fender Rhodes que no hay jazzista que no quiera tocar en un Fender Rhodes. Bueno y es ahí donde comienza realmente mis inicios en el Jazz, de ahí conozco una serie de maestros, excelentes pianistas, quienes me fueron guiando poco a poco, desgraciadamente aquí en San Cristóbal ya esa época donde llegaban músicos para quedarse y compartir y enseñarnos ya no la estamos viviendo, se puede decir que viví esa época, disfruté de esa época, lástima que los jóvenes de hoy en día no tienen esa posibilidad, con los últimos que tuve un roce que hoy en día lo mantengo vía internet es con Otmaro Ruiz.

- Otmaro Ruiz el pianista caraqueño.

Claro, claro, lástima que el músico venezolano poco conoce de él, sobre todo aquí en San Cristóbal, en Caracas ha sido muy conocido.

- Incluso recuerdo que grabó con la agrupación de rock 20/20, en un disco producido por Frank Quintero, en un tema llamado Un viento incierto, donde ejecuta un maravilloso solo de teclado.

Bueno ese solo hasta lo saqué para saber que se sentía ese momento yo soy puedo decir uno de los fan número uno de él, y se lo digo siempre, siempre estamos en comunicación, casualmente nosotros tenemos una página de San Cristóbal Jazz Session, donde él se agregó como amigo, y nosotros hicimos lo mismo en su página, por supuesto.

- Rubén y en cuanto al rock, ¿tocaste alguna vez rock, en algún proyecto?

Si una sola vez, no como proyecto sino como músico invitado, como pianista en el Cuarteto Novus, como tecladista en Travesía junto a Cheo Cárdenas y los hermanos Thomas, también junto a Rubén Rondón, también muy conocido, quien estudio conmigo en la normal y quien en algunos eventos por alguna razón no podía presentarse y yo le hice la suplencia, por cierto en uno de esos conciertos hay una anécdota que yo la guardo con mucho cariño, que fue el momento cuando conocí a Otmaro, él venía con Melissa y Aguilar, creo que fue el primer concierto en el Velódromo, se hacían ya en la Plaza de Toros, pero ese fue el primer concierto en el Velódromo, y nosotros alternábamos, ellos probaron el sonido, se bajan, al alado estaba el bus, se montan a la tarima y nos llaman al grupo local para la prueba de sonido, yo me monto en un Fender Rhodes también y en ese tiempo no habían los teclados MIDI, entonces cada tecladista tenía tres torres de teclados análogos, entonces me siento yo a probarlos, estaba tocando una samba de jazz, veo que Otmaro se acerca, y digo yo cónchale la puse, no le pedí permiso para tocar, y se monta a la tarima y cuando él viene yo dejo de tocar, y me dice: “ no pana sigue tocando, de donde eres tu”, y yo le contesto que soy de Cabimas pero tengo mucho tiempo acá, entonces me pregunta que donde había estudiado jazz y yo le digo mamando gallo, aquí en Capacho, y me pregunta que donde queda eso y yo le digo que es mentira que le estoy echando broma, aprendí aquí con Carlos Eduardo Arellano, él en ese tiempo ya conocía a Carlos Eduardo Arellano, y me dice: “con razón vale, no sabía que aquí los músicos del Táchira tocaban jazz”, esa es la anécdota, y bueno cuando hice contacto con él, después de muchos años, que sorpresa que él se acuerda de eso, y de allí en adelante hemos tenido varios encuentros.

- ¿Que banda de rock regional te ha llamado la atención, algún proyecto de acá de la región?

Con Travesía compartí mucho con ellos, realmente mi trayectoria como músico no fue muy rockera, pero siempre estuve invitado.

- El blues sí lo ejecutas, como base del jazz.

Si el Blues lo toco siempre, hay dos tipos de blues, el blues que se hace en el Jazz y el blues que se hace dentro del rock, pero realmente son hermanos, sus rondas armónicas son realmente iguales, cambian algunas cuestiones en cuanto al estilo.

- Ejecutantes del blues acá en la región, ¿cuales me puedes mencionar?

Además de Carlos Eduardo los hermanos Thomas, en ese tiempo tocaban blues. Otro grupo que me marcó y fui fan de ellos fue Tiempo Zero, yo era fan de ellos, no hacía rock, pero a mi degustaba e iba a los conciertos de ellos, todo el tiempo, pero realmente no fui un oyente de rock, lastimosamente, digo lastimosamente porque faltó esa parte que encajara en mi, hoy en día lo hago.

- ¿Cuáles proyectos de jazz te han influenciado y que músicos han sido determinantes en tu carrera?

Bueno más que todo son los grupos que realmente hacen Jazz en Estados Unidos, que viven y respiran el jazz y nacen con el jazz, esos son los que más he escuchado, he sido muy influenciado por Chick Corea, excelente pianista, debo confesarlo, Bill Evans también, Herbie Hancock, McCoy Tyner, Michel Petrucciani, de los latinos Chucho Valdés, Rubén González, Rosarito Rubalcaba, Michel Camilo y Otmaro Ruiz que es el que más me ha marcado y que hoy en día , marca bastante huella en mi, y ahora que tengo el contacto directo con él, gracias a internet y aprendo mucho con él.

- El maestro Virgilio Armas es referencia del Jazz local, ¿que maestros tuviste durante tu carrera?

En cuanto a Virgilio no tuve la oportunidad de recibir clases con él, me hubiese gustado, si recibí con muchos otros profesores que estuvieron acá mucho tiempo en los ochenta, por ejemplo Freddy Bosso, de padre italiano, madre caraqueña, venezolana.

- ¿Con que bandas de jazz has tocado, en que proyectos de jazz has participado?

Los grupos en los que he tocado aquí en San Cristóbal, han cambiado de nombre, es como tríos de Jazz, he estado casado con Carlos Eduardo, con Cheo Cárdenas, todos teníamos esas formaciones, han cambiado de nombre, el primero que los formó y dirigió fue Carlos Eduardo. Tuve la oportunidad hace seis años de tocar en el primer festival de Jazz en San Cristóbal y me presente con la banda de Gonzalo Micó, también hay una anécdota muy buena que me marcó, yo estaba pautado para tocar el primer día, y ese primer día él llegó aquí a las once, tipo mediodía y me citaron, me llamaron y entonces él me dice: “mira, yo te voy a escuchar, tú vas a tocar y si en realidad no puedes hacer el trabajo que yo necesito, debes entender que….” , entonces yo le dije: “claro, por supuesto maestro”, y me coloca los papeles, no te voy a mentir, yo estaba nervioso, y después de la primera canción hice mi trabajo como siempre intento hacerlo, en una de esas a mitad de tema él para, y yo dije: “listo, hasta aquí, pa’ la casa compadre”, y me dice: “a las ocho en el Castillo, no te me vas a perder” etc., etc. Sí, me fui, toque con él, el viernes. El sábado seguía el festival, todos los músicos eran de afuera, exceptuando a Miguel Hernández que era de acá, al siguiente día continuaba el festival, más yo no estaba pautado para tocar con nadie, llegué como a las nueve, la cuestión comenzaba a las ocho, cuando yo llego, el maestro Micó afuera y llego y lo saludo, y me dice: “muchacho, donde estabas metido”, y yo le digo: “como que donde estaba metido, estoy llegando para escuchar” y me dice: “no vale tú tocas hoy conmigo”, y yo le digo: “y el otro pianista”, y me contesta: “no, no vale tú tocas conmigo”. Cuando me monto a la tarima, yo juraba que íbamos a tocar lo mismo, cuando veo es que metieron otros papeles, y yo le digo maestro, no hemos ensayado, y me dice: “no vale, toca”.

- Rubén, cómo hacer para que la industria de la música contemporánea regional, tanto del Jazz como del Rock, como el Blues y otras corrientes existentes, se puedan proyectar tanto a nivel nacional como internacionalmente, que todas esas propuestas tengan un reconocimiento, y que ese proceso de producción, reproducción y consumo de los bienes culturales tenga una repercusión foránea y que tenga reconocimiento.

Afuera y acá, que es donde debería haber apoyo, haciendo un trabajo bien duro, bien arduo, porque va muy concatenado todo, el nivel cultural simplemente no nos ayuda a lograr una fusión entre la música autóctona, la música del Táchira siendo regionalistas, tienda a fusionarse con las diferentes vertientes musicales, porque eso lo hacen en todas partes, en toda Latinoamérica, en Brasil, que es una de las fuentes donde se logra escuchar esa fusión con su música, no fusiones que vienen de afuera, aquí hemos intentado hacerlo, lo hemos hecho, de hecho en el disco que hicimos de San Cristóbal Jazz Session, tratamos de fusionar una canción Tachirense con el Jazz, pero sin perder la identidad Tachirense. Por eso te digo, un trabajo muy arduo y fuerte porque debe partir de la educación musical, que es la debilidad que tiene Venezuela, reforzar ese aspecto, tengo la suerte de formar parte de un staff de profesores de música que trabajamos dando clase en la normal, y dentro de este trabajo educativo musical tratamos de influenciar al alumno, al joven, a que piense de esa manera. Es difícil porque los medios no nos ayudan en ese sentido, tenemos que ser francos, ni siquiera se interesan, desgraciadamente lo comercial, lo que te deja dinero, es el objetivo de los medios, y abandonan esa parte que es realmente el potencial de un país. Eso parece una utopía, parece un sueño, pero en otros países el desarrollo ha sido cultural netamente. Es difícil abordarlo y decir esta es la vía.

- Mencióname para finalizar un músico destacado dentro de la historia de la música contemporánea regional, en cada uno de los instrumentos básicos de una banda de Rock o de Jazz.

- Un guitarrista.

Es una pregunta difícil, comprometedora, pero la persona que me marcó dentro del Jazz y de la música moderna, Carlos Eduardo.

- Un bajista.

Compartí mucho con el esposo de María Ribas, Miguel Chacón, también compartí mucho con los Mendoza, entre ellos con Jhony Mendoza, quien a pesar de no ser bajista sino violinista me marcó, de los cuales aprendí demasiado, personas que no voy a olvidar.

- Un baterista.

Cheo Cárdenas.

- Un tecladista.

Virgilio Armas.

- Un cantante.

Una cantante, Sofía Zambrano.

- Un compositor.

El Doctor Edgar Carrero Balsa, él es uno de los compositores más fructíferos del Táchira, quien fundó el primer estudio con sus amigos de la época acá en San Cristóbal, con él trabajé alrededor de cuatro a cinco años en su estudio.

10. Iván Méndez. Despertares.

- Cuéntame un poco acerca de la carrera musical de una de las principales agrupaciones de la historia del rock regional que es Antes de la línea, en que año empezaron a tocar, cuales fueron sus primeros integrantes y esa primera época en que estuvieron el 8 de febrero de 1991 teloneándole a Soda Stereo en la plaza de toros de San Cristóbal.

Nosotros comenzamos aproximadamente en el año 90, recuerdo que estábamos en cuarto año de bachillerato, y ahí fue donde me puso de acuerdo con Walter Trujillo que era vecino.

- ¿Estudiaban en qué colegio en esa época?

Yo estudiaba en el colegio Juan XXIII y Walter Trujillo estudiaba en el colegio Juan Maldonado en esa época, y él compuso una canción, recuerdo que con tres tonos hizo una canción bien chévere, bien agradable, y de ahí surge la idea de pues formar una banda, ya yo tocaba guitarra de hecho fui fue quien enseñé a tocar algunos acordes a Walter y a Chucho, y entonces Walter comenzó a buscar entre sus compañeros de clase y del colegio a otros integrantes y ahí es cuando entra Fernando Villamizar quien en esa época se desempeñó como bajista, también estaba Alfonso Paz “Poncho”, quien estudiaba en la UNET, ya era como cuatro años mayor que nosotros y tocaba teclado, también vecino de allí de la urbanización Las Acacias, donde vivíamos y él pasa a formar parte de los teclados de Antes de la Línea, y en la batería estaba José Gregorio Ramones, quien en esa época tocó batería, él venia de otra agrupación, recuerdo que tocó para Potencia X, y se llamaba Goyo Ramones.

- ¿Y empezaron sus primeros ensayos allí en las Acacias en 1990?

Si aproximadamente.

- Y ya en el 91 habían grabado los tres primeros temas, que eran Furia sin calma, Canción del recuerdo y Cambiando de alma, cambiando de piel. ¿Dónde grabaron esos temas?

Esos temas fueron grabados en la Televisora Regional del Táchira (T.R.T), quienes nos apoyaron bastante para grabar y para salir al aire en esa época.

- ¿Quién fue el ingeniero de grabación en esa época?

En esa época estaba la gente de la misma Televisora Regional del Táchira. El ingeniero fue uno de los muchachos, si mal no recuerdo se llamaba José.

- ­¿Y luego como sale la oferta de tocar con Soda Stereo, mediante RSC, José Antonio Loreto, mas o menos como fue el contacto y cuando fue su primer toque?

El primer toque de Antes de la fue realizado en Se Busca una banda, eso fue para tocar con Charly García en la Plaza de Toros y ahí participamos varias bandas, estaba Passion que de hecho fue la banda escogida para que tocara con Charly García, pero tú sabes que entre gustos y tendencias pues Passion tenía una tendencia más Pop, Antes de la Línea era un poco más Rock sureño, y pues, después de Charly García viene Soda Stereo y nos llaman de 105.1 FM, recuerdo en esa época que Loreto era el que estaba a cargo de esa radio, y nos llaman para nosotros telonear a Soda Stereo.

- En Se Busca una Banda, además de Passion y Antes de la Línea, ¿que otras bandas participaron?

Estaba Rack, ahí era donde tocaban Chucho Duque, Greys Hernández, estaba también Rafael Gómez de la Vega y Andy, si más no recuerdo que estaba en los teclados.

- Y entonces tocan con Soda, tiene la oportunidad de conocer a los músicos, ese día interpretan algunas versiones incluso de Charly García y los temas propios de la banda y luego de eso vienen otros toques, ¿qué otros toques son trascendentales de esa época de inicio de los 90?

Bueno en esa época tocamos también con Sentimiento Muerto, recuerdo que también tocamos con Menudo, fue bien interesante, a pesar de que era menudo, pero fue sumamente interesante, teníamos 16–17 años y mira quienes iban a esos tipos de conciertos eran contemporáneos con nosotros y el apoyo fue tremendo. Después vino otro toque en la plaza de toros con Franco De Vita y fueron gracias al desempeño de nosotros como músicos y a las personas que nos colaboraban como Hender Contreras, esos cuatro conciertos que hubo en la plaza de toros con Antes de la Línea fueron muy, muy buenos, muy buenos.

- Las fiestas de INTERAC y ROTARAC háblanos un poco de su participación en esas fiestas.

La primera fiesta en que tocamos fue en el Club Táchira que fue con ROTARAC, y fue una fiesta en que por ser novatos tuvimos un sonido no óptimo, fuimos con solamente temas de Antes de la Línea, nada de versiones de ningún otro artista y pues el impacto con el publico no fue lo que se esperaba, pero interesante porque uno aprende para en las próximas tener mejores equipos de sonido, un técnico adecuado para la banda y por eso a partir de ese toque solamente hemos trabajado es con Hender Contreras como técnico de sonido.

- ¿Y después tocaron en otras fiestas de ROTARAC o solamente en esa?

Sí, hubo muchas fiestas de INTERAC, de colegios que se realizaron no solamente en el Club Táchira, sino también en el Círculo Militar, en otros salones de fiesta en donde nosotros estuvimos participando y con el público siempre allí apoyando.

- Esa fue la primera formación, luego se da una mutación, Fernando Villamizar entra a tocar batería, Walter se muda a Miami durante un tiempo y como que empieza a haber una nueva formación en Antes de la Línea en donde se integran Chucho Duque y Greys Hernández en la guitarra y el bajo respectivamente, y pregunto también, Ronald Miquelerena, alguna vez fue tecladista, estuvo en proyecto de entrar a la banda, háblame de esa segunda formación de la banda.

Bueno la segunda formación se realiza cuando exactamente cuando tú mencionas a Ronald Miquelerena, él toca unos dos o tres meses con nosotros, fue muy interesante la participación de Ronald en la banda, porque aportaba muchísimo, era una persona muy creativa, y dura poco porque luego se hace otra banda que es Rack que es con Chucho y con Greys, también Edad de Piedra, y para que al final surja lo que es La Flor del África con ellos, y de Antes de la Línea, sale Walter Trujillo, se va para Estados Unidos, a su vez sale Fernando Villamizar y en la banda solamente quedamos, un nuevo integrante en la batería que es Fernando Mora, Jhon Mendicoa que también cuando Passion se desintegra pues entra como bajista de Antes de la Línea, queda Alfonso Paz Poncho como teclado y la guitarra y voz en mi persona, Iván Méndez.

Con esta formación intervienen en un festival muy famoso organizado por Omar Labrador denominado Salvemos el Planeta, donde tuvimos la oportunidad de ser compañeros de tarima con nuestro proyecto Obsession en el año 1992.

Exacto, luego entra nuevamente Fernando Villamizar ya como baterista, sale Fernando Mora.

- ¿Y de los toque de American Pop, ya con Chucho Duque y Greys Hernández de nuevo en la formación, ejecutando versiones?

Esa fue una nota bien agradable porque tocamos los temas que a cada integrante de Antes de la Línea que para ese momento eran Fernando en batería, Greys, excelente bajista, en el bajo, Jesús Duque, el alma para mi, de ayer y de hoy y de siempre, en las guitarras y José Ángel Cavallin, que entra también de Passion y toca con nosotros, ya José Ángel había estudiado conmigo toda la primaria y secundaria en el colegio, sabia que tocaba teclado pero nunca había integrado una banda sino hasta que integra con Passion y luego lo halamos hacía Antes de la Línea, y allí es ya cuando Antes de la Línea comienza como a tomarse muy enserio lo que es buscar un mejor sonido, buscar mejores temas, cada integrante como a tomarse más enserio lo que es la música y surge un excelente trabajo.

- Luego de eso recuerdo que regresa Walter de Miami, con nuevos equipos, una PRS, etc, etc, y vuelve a darse una reestructuración en la banda, salen ya Greys y Chucho a dedicarse a La Flor del África con Ronald Miquelerena y entran ahora de nuevo Walter y entra de bajista Leo Sergal.

Eso es correcto, entra Leo Sergal, y retorna Walter Trujillo muy surtido de ideas y comienza otra etapa de Antes de la Línea que es hacer temas más trabajados, temas más profesionales, buscando mejores sonidos, y allí es cuando se hace también un toque en el Castillo con solamente temas de Antes de la Línea, recuerdo que tocamos como ocho- nueve temas: Furia sin calma, Lluvia azul, El bosque, Desorden, incluso Despertares que fue nuestra primera canción profesionalmente grabada en los estudios de Alirio Macabeo en la época que tocamos con Greys y Chucho. Y para mi la actuación del Castillo fue la mejor actuación de Antes de la Línea, cuando tocamos con La Flor del África, también había un dueto bien interesante entre José Eduardo Rojo que era de Passion y José Ángel Cavallin, que hicieron unos temas ya conocidos en inglés y bueno fue bien ameno ese concierto.

- Y la Flor estuvo en esa época con Ronald. ¿Alguna anécdota interesante de la banda de esa época?

Mira lo interesante es que en ese toque, me encuentro yo a José Eduardo Rojo y teníamos una habitación en Castillo, y llega José Eduardo Rojo y entra a la habitación con una botella de Tequila y dice: … Bueno vamos a desestresarnos y vamos a relajarnos… y nos hemos puesto a tomar a tomar y a tomar tequila y claro yo nunca en mi vida había tomado tequila, cuando salgo a cantar, salí más inspirado que nunca vale y a creo que fue el mejor toque de Antes de la Línea y tuvo que ver con el desempeño en tarima que tuvimos los integrantes, y en este caso yo que era muy tímido, para esa época pues el alcohol logró que saliera de esa timidez a ser una persona un poco más dada con el público, una persona más agresiva con lo que estábamos ejecutando en ese momento.

- Ok y bueno ya finalizando, ¿esas grabaciones de Antes de la Línea de la primera época están extraviadas, nadie tiene un registro de ello?

Lamentablemente nosotros en esa época pues teníamos cassets, de cromo, yo me acuerdo que buscamos unos de los mejores métodos para grabar de la época y todo ese material debe andar por allí, pero se ha extraviado.

- Háblame un poco de ese Festival en Cúcuta y la actuación de Antes de la Línea en Cúcuta.

Ese toque se llamaba “Quédate en Cúcuta”, en el coliseo Toto Hernández, íbamos con otra banda de aquí, íbamos a tocar con dos bandas de Colombia y no recuerdo el nombre de las bandas, porque eso fue hace bastante tiempo, lo cierto fue que bueno llegamos a Cúcuta con la gente de TRT, que nos estaba apoyando, Hernán Atencio, José Hull, el Pollo, quienes fueron a hacerle seguimiento al evento. Probamos sonido en la tarde, nos atendieron muy bien y en la noche cuando llegamos al toque pues fue un total fracaso, la promoción estuvo supuestamente muy muy mala, y habían como quince, veinte personas, en un coliseo que era inmenso, entonces tomamos la decisión de no tocar porque no nos íbamos a sentir a gusto, le exoneramos una parte del pago al empresario y lo que se hizo fue rumbear hasta el amanecer, oye fue una anécdota bien interesante para la gente de TRT, Hernán, el Pollo, José Hull, para esa época Walter, para Fernando, Leo Sergal y para todos los integrantes de la época de Antes de la Línea y bueno lo gozamos y lo tripeamos.

- Ok, háblame un poco de las bandas de la época a cuales puedes recordar, las más trascendentales de inicios de los 90.

Bueno recuerdo a Passion, que sonó muchísimo, tuvo un apoyo bien importante por parte de Radio San Cristóbal (RSC), en esa época y también bandas como Tiempo Zero, que siempre estuvo allí, uno de los papás del rock de la época, que yo conozco, Guerra Santa es una banda muy interesante con su estilo que también que yo creo todavía sigue sonando, a parte de Guerra Santa, La Flor de África con nuestros compañeros de siempre Ronald, Chucho, Greys. G8 con bueno, que descanse en paz, nuestro amigo Rodolfo, con Albio, también estaba Leo Sergal en esa época de G8 y otros que no recuerdo.

- ¿Cuales son tus recomendaciones finales en pro de la Industria Cultural del Rock tachirense?

Mira estar allí, estar tocando puertas, insistiendo en la radio, insistiendo en los medios, en la televisora, insistiendo con los locales, en los cuales uno se puede presentar, tener material propio, grabar, buscar los medios para poder promocionarse, siempre hay que estar allí latentes, latentes.

- Nómbrame ya para finalizar tu formación ideal.

Un bajista:

Leo Sergal.

Un baterista:

Fernando Villamizar.

Un guitarrista:

Chucho Duque.

Un compositor:

Ronald Miquelerena.

11. Walter Trujillo. El Dr Jeckyl and Mister Hide del rock gocho, Walimix o Charrasquita Ramos.

- ¿Cuando te inicias tú con la música y el rock, en que año?

Como en el 82 el disco Thriller, Michael Jackson , Stevie Wonder, Electric Avenue, Willie Colón , Musiuito , el disco de Dinamita, el Break Dance, mi Abuela, Soy un Drácula un don Juan , je je je, Wilfrido Vargas, Pastor López de la infancia, después me acuerdo del rock argentino e inglés y mucho funk de James Brown, Jimy Hendrix, la música negra Bob, Pink Floyd por otro lado, me gusto sobre todo Parte de la Religión de Charly , y los Paralamas, Sumo, Spinetta y Hernán Atencio que solía colocar su amplia colección de música sureña en su carro impala con el parabrisa roto en forma de tela de araña y rodar tomando alguna medicina hacia un destino incierto, me acuerdo un concierto de Tiempo 0 en el salón de lectura y en la plaza de toros, uno en que no cantó Giordanelli, otro grupo de versiones de rock en español Vidrios Rotos que tocaban versiones de enanitos verdes y en donde tocaba el baterista fenómeno Miguel Hernández , con él mate tigres allá en un grupo que se llamaba feeling buenísimos todos los músicos excepto yo, tocaba Rubén Rondón el de Travesía, impresionante, Reinaldo un bajista tipo de Wailers, el Miguel toca ahora en Caracas con un poco de bandas de jazz y sale por VTV, yo lo he visto. Pero empiezo tocando la guitarra con Antes de la Línea, que primero se llamo Rastafá, que raro ese nombre no sé por que lo escogimos, pero me influyo el resto de la vida por todo eso de la música de jamaica.

¿Cuando se forma la banda y donde se conoce?

En el 90 o un poco antes Iván era vecino, cerca como a dos cuadras y empezamos a pavear je je y ha pasar tardes enteras sentados en un murito junto con todos los panas y ver a las niñas que pasaban por allí, había una guitarra acústica en mi casa y por ahí cerca vivía un evangélico, Adolfo Germán, bajista y guitarrista de la iglesia y chucho duque que lo conocía del colegio, entonces yo no sabia tocar guitarra y me aprendía acordes de ellos que si sabían, ya para aquel tiempo tenían profesores de guitarra, entonces un día me desperté sobresaltado a las 3 de la mañana he hice una canción, je je… no mentiras, saqué una canción que se me ocurrió, no sé ni como… se llamaba “veo q todos nos hundimos sin preocupación” y entonces Iván me dijo mira yo tengo ésta que se llama “Zona Roja” que trataba de una vez que lo habían metido preso y nos pusimos de acuerdo para tocarlas con mas gente, yo de verdad me quería esconder de Iván pero a la final buscamos a los músicos que tampoco eran muy experimentados en ese tiempo, entre esos estaban varios que estudiaban en el mismo colegio como Chucho Duque, Fernando Villamizar, Greys Hernández , Ronald. Me atrevo a decir que Iván era el que tenia más idea de la cosa, je je, pasaron bastantes bateristas sobre todo… a todos cariños donde estén. .

Anécdotas de ese primer encuentro. ¿Por qué se llamaba así la banda?
Bueno te sigo contando, bateristas como Jerry Cárdenas que no hace falta presentarlo, después Gollo que era muy loquito je je y tenía un performance o un ataque no se, pero hacia como una araña y había quemado el colchón de su casa pero era un show men en la drums, después un panita Fernando Mora era un baterista preciso pero innato (nunca recibió clases de batería) de hecho empezó tocando percusión con una batería electrónica de esas Casio, ja ja ja en el grupo, yo siempre trataba de conseguir percusionista para la banda.

“Antes de la Línea” se llamaba así no se por que, creo que eso también influyo el resto de nuestras vidas también, pero una vez buscamos un significado y era por que estábamos en la frontera con Colombia o sea cerquita de Cúcuta ala “antes de la frontera de cualquier tipo, antes de pasar al otro lado, antes de la línea, antes eran niñas ja ja ja”. Que por cierto una vez que ya Iván y yo conseguimos a la primera formación de la banda de rock, el papá de Iván el señor Guillermo, con mucho cariño también lo recuerdo, nos llevó a San Antonio del Táchira y compró unos monitores, una consola unos micrófonos, unos amplificadores y unas correas para las respectivas guitarras eléctricas y adaptamos un sótano, un lugar en su casa para hacer bulla. Tremendo father Iván saludos hermano, igual con el papa de chucho el señor y señora Duque y familia que tanto nos aguantaron, tremendos viejos.

¿Cual era el concepto estético musical de esa primera banda Walter?

Yo al principio no sabía como te digo, pero poco a poco fue como tomando forma, después yo siempre quería llevarlos a todos pa un lado medio percusivo y funk (je je je rie x 2) un funkito que teníamos que lo pienso retomar) y los otros alaban pal otro lado, de todas formas muto por varias etapas, llegó a ser multidiverso, desde rock sureño por decir, hasta un poco de funk y de baterías cuadradas y algo de fondo de teclados tipo Depeche, salvando las distancias y con todo respeto, pero llegó a sonar así sólo, todos aportaban, hasta los que llegaban al grupo a tocar esporádicamente cuando yo me tomaba las vacaciones.

Por lo menos el método en mi caso cuando se me ocurría una canción (claro ya letra y música hecha) yo expresaba un poco la idea y cada quien le ponía su sintonía.

¿Quienes son los miembros originales de la formación?

Mira son muchos, por ahí ha pasado todo el mundo, el más original de la banda, dueño y gerente general para mi es Iván Méndez, que siempre ha estado, es el que la movía con muchos de los toques y era la voz líder !!muyyy importante hermano!! pero en varios momentos yo le ayude con las letras y la música original, algunos arreglitos en la etapa de canciones propias de la banda, en otro momento ellos también tocaban versiones, hasta yo en algún momento también monte algunas. por eso mucha gente a tocado en “Antes de la Línea”,
me acuerdo de todos con cariño, a mi me gustaba como sonaba en todas sus etapas cuando tocaba yo y cuando no estaba y cuando tocábamos las canciones rescatadas de otras épocas como Furia sin calma, Cambiando de alma cambiando de piel, Despertares, que sonaban diferentes con los integrantes nuevos como Mirny Duque en la percusión mayor y menor , como te dije ya, la cosa era aportando, pero te puedo mencionar a Leo Sergal que aprendió a tocar bajo de la noche a la mañana casi como Pedro Aznar, y tenia guardaespalda, no estoy diciendo mentiras, Greys también tocó bajo, batería Fernando Villamizar que tocó bajo también, bateristas al principio, Jerry, Gollo, Fernando Mora, teclados Ronald Miquelerena, Poncho, José Ángel Cavallini bastante tiempo, en la guitarra Iván y Chucho y yo nos turnábamos. Además de eso me acuerdo que tocó mucha gente hasta Mario Urbina toco el bajo, Jhon Mendicoa de Passion también, valla teníamos un gran equipo, titulares y bancas a veces la banca era titular y así… yo me podía dar mis vacaciones.

- ¿Cual fue el primer toque de Antes de la Línea?

El primer toque fue en la fiesta ROTARAC en el Club Táchira, fue tipo normal por que eran puros temas propios, siempre la gente si uno no viene de afuera de San Cristóbal, así sea de la capital no le paran a menos que uno toque versiones, ése es el gran detalle y el gran dilema del rock regional y de todos lados. ¿Quizás por que no es para todo el mundo? ¿No te lo han metido por los ojos en la TV? pero siendo realista sonábamos como niños también, éramos unos novatos de eso si estoy seguro, era mucho mas envolvente la música que ponía Hernán Atencio con la miniteca (Fun Machine) que junto a Ender Contreras influyeron bastante a todo ese grupito de músicos de esa onda y la gente de esa época. Tocamos ese día, Iván, Fernando Villamizar en aquel tiempo el bajo, después yo le dije…. cómprate la batería men ya que se notaba que entendía el instrumento y él ya tenia ganas, en los teclados Ronald Miquelerena, Jerry Cárdenas batería una joya para nosotros, y yo la otra guitarra y fue la única vez que canté un tema a dúo con Ronald y la única vez que fui voz en “Antes de la Línea” , el tema se llamaba “Esta bien, yo sé que soy un animal”.

¿Qué grabaciones realizaron con Antes de la Línea?

Varias, incluso toques en vivo , el de El Castillo, uno en la radio en un programa de Hernán, “Furia sin calma , “Cambiando de alma cambiando de piel”, “El bosque”, “Desorden” de mi autoría, “Despertares”, “Lluvia Azul” que decía: …copos de nieve… que no las escribí yo. Pero bastantes, incluso esa etapa del principio también que era super sencilla grabamos unos temas para TRT “Canción del recuerdo” q era muy a lo Soda Stereo, de hecho Poncho tenía una grabadora de líneas por cassett y grabamos “Furia sin calma”, que para mi fue la mejor grabación de Antes de la Línea por que la hicimos con batería electrónica secuenciada y todo era muy sencillo y parecía mejor arreglado quizás por lo minimal en aquel tiempo como en el 90 y lo poco que sabíamos tocar, de repente Poncho todavía la tiene.

¿Cuales fueron los toques más importantes de su carrerra musical y que anécdotas recuerdas?
Tocamos en conciertos importantes de la sancris… de aquel tiempo, cuando fue Soda, Sentimiento Muerto con Cayayo, varios en la plaza de toros, me acuerdo uno en el TNJ, en El Castillo de la Fantasía, me acuerdo que un viejito se tapaba los oídos por que sonamos duro ese día a comparación de La Flor del África que era un estilo mas tranquilito estilizado y dulce.

¿Que cambios que sufrió la agrupación?

Los cambios es que nos fuimos poniendo viejos je je je, lo que le pasa a todos los grupos cada uno agarró su camino, y cada uno tenía su carácter y su forma de ver la vida y su destino pendiente hermano, entonces yo por lo menos pasé de una etapa en que hacía temas lentos pesados, cuadrados y surrealistas y después quise meter percusión a todo y busqué a Mirny Duque, percusionista del estado, cariños para ella también y quería que saliéramos a tocar aquí y allá y en cuyá , o sea hasta en la conchinchina pero cada quien tenía su vida y raíces, también me fastidiaba una tendencia a hacer canciones dulces que teníamos, algo del sonido fresita del grupo, de mucho dedo que metían para los arreglos, entonces yo decidí echar humo en otro lado. traté de hacer un proyecto propio que se llamaba “Los Jíbaros del yopo” con Rosendo Peña y Ernesto Medina algo punk contestatario, afro, ensayábamos un tema como “con 8 huevos hago magia y maravillas” y tenía otro “convirtiéndonos en pájaro” medio minimal la cuestión, tenía varios temas para montar pero se quedó sin gasolina ese proyecto, después hice unas guitarras antes de venirme para Caracas a vivir con Accidentes de Carros Naranja y antes toqué con Rodolfo Murillo un hermano y Albio en G8, grabé una canción con ellos, Almas negras, cuya letra era de Leo Sergal, la música de Leo y Rodolfito, y yo le metí algunos arreglitos, en momentos toque con Edad de Piedra je je, también con el Chucho y el Greys y el Ronald, total tocábamos todos a la final, además a mi también me estaba arrastrando mi destino quería hacer otras cosas y quería sonar de otra forma, nadie me entendía ni yo mismo ja ja ja, hasta podían asegurar se “chalo este brother”.

¿Que proyección tuvo Antes de la Línea fuera del Estado y que otros toques realizaron en otros lugares?

Con Antes de la Línea nunca tocamos fuera, no te digo nunca buscamos salir del Táchira, Excepto una vez, que casi tocamos internacionalmente, en Cúcuta ja ja ja,
nos llevaron y todo para un Festival pero no tocamos por que teníamos que cerrar y antes de nosotros tocó un grupo de metal y la gente como en esa época pasada era metalera y Guns & Roses y el solo de Slash y que se yo, si tocábamos después , ahí la iban a quemar vivos, esos cucuteños estaban muy agrestes !piirobo!!. Entonces había ido a acompañarnos Hernán, Gustavo Rico y Pollito, que como cosa rara ya tenían su aguardiente extra y nos fuimos a recorrer, Cúcuta, buenísimo recuerdo.

¿Qué nuevos proyectos tienes y que música estás tocando actualmente y porqué?
Estoy en eso, tengo diez años viviendo aquí en Caracas trabajando en otras cosas, pero estoy haciendo algo con la música he estado regando temas grabados caseramente por ahí, he sonado en los programas de los panas aquí en Caracas en la radio con Engels Pérez de equilibrio.net, en tu programa creo sonaron cosas de Audiosuites, donde retomé: “Cambiando de Alma, cambiado piel”, en otra versión mas tecnificada, fui a tocar en sancris… después del paro petrolero con un proyecto “walimix express” pero fue algo improvisado tocamos muy tarde en un evento de la Fundación Nuevas, la verdad estaba un poco cansado pero bueno… la gente vio lo que estaba trabajando en aquel tiempo. Canciones como “Que tu que yo” la cual compuse mucho antes de la dictadura del regueton, pero llega a ser algo similar o peor, pero un poco mas rock o cumbia funk ja ja ja, technobailable, y tiene un cuatro y mandolina. apenas la voy a sacar en un disco que junto a Juan Carlos Espectro, llamado Rockolita Jiménez, que le metió la mano a todos los temas (siii el mismo de Microestudio Santa Cruz), junto con otros temas experimentales de él, en donde mezclamos varias cosas análogas sintetizadas donde colaboran varios músicos en partecitas, mezclamos toda esa cultura cumbiera y vallenatera “Pastor López” y “Billos” del Táchira con salsa, electro, house, ja ja ja. Esto junto con una gran edición con las maquinas hecha por este men Rockolita Jiménez, el estilo es como reggae Regueton, sin decir mami perrea, ni hip hop, es un poco dub, cumbias , sonido envolvente cortes tipo Prodigy o Chemical Brothers, con el respeto que esa gente se merece otra vez, pero va por ese corte, el disco se llama “MAFAFA Colecttion — metiéndole al ritmo en la dictadura del regueton”, es un disco para discoteca, para pincha discos, claro casera, hecha en casa, independiente por ahora, pero me gusta esa textura urban, los panas saben de qué estoy hablando, sin embargo siempre es un experimento de comida de sabores: mezclas merengue con drum & bass (guacala) ¿y que sale?: Caraota con azúcar o lambada- rock, el loop technobailable (algunos les gusta así). LA ROCKOLATECA es mi nuevo proyecto es como un rockola, aquí pueden escuchar algo (www.xyz.com.ve/larockolateca) si no (www.larockoloteca.com) y en vivo es algo diverso sin formato de banda o si, se puede hacer de cualquier forma, apoyado de pistas pregrabadas lanzadas del computador o de un CD mix.

Para finalizar Walter, ¿cuál sería la fórmula para hacer que la Industria Cultural del Rock Regional pueda proyectarse e insertarse en la lógica del mercado nacional e internacional?
Quien soy yo pa decir esto, no seeee…. (todo lo que yo pueda decir está de más) a mi manera de ver las cosas, creo que dejando de ser un poco cerrados los rockeros allá, intercambiando mas información, enviando su material grabado (que ahora es muy fácil, por ésta era de la maquinita) a los diferentes medios, ser un poco mas pragmáticos en vez de apasionados, eso haría que no metan tanto dedo en las canciones y dejen a un lado el solo de su vida en la guitarra y quizás suenen mas arregladas las canciones, más producto para sonar por allí en la radio, escuchando cualquier género de música sin dejarse influenciar a ojos cerrados por la música que viene de otros lados, incluso de Caracas, tomando la guitarra y saliendo a tocar en todas partes, tocar puertas, hacer, componer temas realmente universales, sea el estilo que sea cualquier concepto es valido (hay publico, pero para todo si hay, si un concepto es rescatable), que lleguen a la gente, y por su puesto creo que lo otro viene sólo, lugares en donde puedan ser escuchados, billetudos que quieran invertir en esos artistas alucinados que tocan la musiquita chévere de moda, (sea cual sea ), para que éstos inviertan seguros y puedan sacar su CD y luego pasearlo y promocionarlo, creo que ahora hay mas medios TV, RADIO y WEB y con éstas nuevas de producción nacional hay mas chance. Por lo menos esa es la esperanza.

Mencióname un nombre de un músico destacado en la historia del rock regional, que conformaría una banda para ti ideal. Pueden ser dos o tres nombres también, en todo caso. De ésta forma mencióname los nombres de un bajista, un guitarrista, un baterista, un tecladista, un vocalista y un compositor clave dentro del rock regional.

Bueno me acuerdo mucho de una canción “Paranoia del futuro” de Rafael Giordanelli, esa me gusta full, pero Rodolfo Murillo con Solo me gusta mucho también, y todos, Los Residuos con la nota esa dale un patada por el… a tu amo (hay amos si hay esclavos), de aquella época. Creo que hoy en día tendría mucha vigencia y vendería bastante je je je. Una canción tuya ramón que habla de un azul páramo me trae recuerdos de una vez que acampamos en Mérida, Tierra Santa aunque nunca lo escuché, a los Triciclos, Tha Chewbacca y Radio Tigre, Elix Monsanto y Joel Arellano, Danza Negra cuyo disco escuché y me gusto, a los mismos amigos a Chucho, al Greys a Iván a Ronald, Frank Mota tremenda guitarra y compositor también, a Juan Carlos Jiménez, tremendo arreglista y compositor, yo mi mismo, ¿por que no?, a todos, son tremendos compositores y creo que han influenciado a mucha gente… no se hay que jode, y no te podría dar nombres exactos de músicos por que de verdad valoro a cada uno por lo que hace diferente al otro y sirven para diferentes cosas y estilos , cada uno en su estilo, hay buenos músicos allá, lógicamente unos me gustan más que otros, valoro también los que componen temas originales, pero no tengo preferencia, a todos los extraño y los recuerdo con cariño, un saludo , ¿cuando nos encontramos en la montaña?…

12. Jhon Mendicoa. Se busca una banda: Passion.

- ¿Cuales son tus inicios en la música rock regional, en que año empezaste a tocar?

Bueno eso sería aproximadamente en el año 1990, que fue que se comenzó a formar la primera banda donde toqué que fue Passion.

- Esa banda surge del Colegio Aplicación con Leo Rojo y su hermano José Eduardo Rojo.

Si pero yo en ese momento estudiaba en el Colegio Cristo Rey, pero Oscar Balza que era el baterista de Passion, él vivía en el edificio donde vivía yo y en ese momento él era el que tenía la idea de formar una banda.

- Y ¿Oscar estudiaba en que Colegio?

Don Bosco. Entonces bueno él estaba formando la banda, ya tenía una persona que cantaba y alguien que tocaba la guitarra. Necesitaba alguien que tocara el bajo, me dijo a mí.

- ¿Y ahí fue cuando conociste a Leonardo y a José Eduardo Rojo y se monta la banda, con otro vocalista, en principio, el primer vocalista de Passion quien fue?

Roberto Alford, se llamaba el pana.

- Él duró un tiempo y después salió.

Duró aproximadamente gran parte de lo que fue la vida útil del grupo aquí, fue él el vocalista, luego posteriormente José Eduardo pasó a ser el cantante.

- Ósea que ¿él estuvo en las presentaciones junto a Charly García, y en esos otros grandes eventos?

El estuvo en la formación cuando tocamos con Menudo, Charly García y Ricardo Montaner, los tres conciertos más grandes.

- Ustedes ganaron el evento organizado por TRT: Se busca una Banda, para poder tocar en uno de estos conciertos grandes, creo que fue el de Charly.

Eso es correcto, el concurso era para escoger la banda que le iba a telonear a Charly García, posteriormente no se sabía con quienes, la banda que había quedado en segundo lugar, iba a tocar, y tuvieron la fortuna de tocar con Soda Stereo, imagínate eso.

- Y la fortuna de que fue la gente de Ántes de la Línea, que fue la otra banda que se destacó en ese concurso. Entonces empiezan a tocar en 1990 y ¿empiezan a componer temas propios o tocaba versiones también la agrupación Passion?

En principio, cuando hicimos el primer toque en vivo, que fue Menudo, se hicieron aproximadamente cinco originales y dos versiones.

- ¿Las versiones de rock en español?

Rock en español que fueron básicamente Miguel Mateos, dos canciones de Miguel Mateos.

- Y los nombres de los temas de esa época.

Uno se llamaba Pasatiempos, la otra era A la orilla del Mar, Sólo tu, y se me escapan los nombres de las otras dos canciones.

- Con Passion ¿hasta que año tocan como banda?

Formalmente, así que la banda tuvo como más auge fue aproximadamente dos, tres años, hasta el 93. Porque ahí fue cuando ya nos graduamos, en 5to año, la mayoría. Leo se fue para Estados Unidos para hacer un curso de inglés.

- Para posteriormente estudiar en Berklee College of Music en Boston.

Exactamente, si, después el regresó un tiempo, pero volvió a irse nuevamente a Boston, a Berklee, que fue donde sacó su título en performance, allí.

- ¿Se puede decir que hasta esa época duró Passion, del 90 al 93?

Si hasta principios del 93, fue lo más que duramos. Lo demás fueron toques esporádicos, que cada vez se hicieron más distanciados, porque cada uno estaba en sitios distintos, y ha sido ya difícil coincidir los cuatro por lo menos, en un sitio para tocar, tenemos muchísimo tiempo.

- Y anécdotas de Passion, me comentó Leo, que cuando estaban chamos y se reunieron a tocar y llevaron un cuatro para un ensayo, pensando que era un bajo, ¿eso es verdad?

Si tiene algo de verdad, la cuestión era que al principio, cuando Oscar me dice que para tocar el bajo yo no sabía tocar bajo, lo único que había en mi casa era un cuatro, entonces yo para aprenderme las canciones del bajo utilizaba era el cuatro, hasta que después me compré el hierro, las cosas, el bajo y ahí si empezamos, pero al principio sacaba las canciones en el cuatro.

- ¿Otra anécdota de Passion?

Hay una de un toque antes de tocar la primera vez en Menudo, que nos tocó presentarnos en las Zapatería Marly en el centro. Creo que fue la primera vez que nos presentamos en vivo, nadie había escuchado ninguna canción del grupo, pero como estaba el furor de la menudomanía, estaban ese poco de chamitas, vueltas locas, y cuando ven a Oscar que era como el más galán y tal, que se peinaba así tipo Angelo y tal, salen persiguiéndonos las chamas después que terminamos de tocar y a Oscar lo agarran las chamas, lo tiran en el capo de un carro y le caen a lata. Se le perdió un zapato, el zapato perdido, y nosotros viendo en el carro por el vidrio como se lo lateaban y nosotros imagínate. Otra anécdota es en una presentación, Oscar siempre fue muy malabarista con las baquetas, en una llegó y tiró una baqueta al público y se la pegó a una chama durísimo en la cabeza, se la sonó pana.

- Y una anécdota de Leo Rojo, que siempre fue el mejor músico, porque era el más estudioso, etc.

Si Leo era como el cerebro de la parte melódica musical del grupo y Oscar era el que más hacía parte de letras y todo eso. Pero Leo tiene una muy buena que él es el hombre más meticuloso que hay para todo es Leo, y en el concierto de Charly García, recuerdo que se le olvidó ponerle la pila al efecto, en esa época se usaba un solo pedal de chorus, diley, más nada, y se le olvido ponerle la pila al efecto y todo el toque sonó la guitarra…

- Flat totalmente.

Totalmente, ósea que en una partes donde no debía sonar así sonaba, y el tipo como en ese momento en esas tarimas tan grandes y el retorno era muy malo, prácticamente tocábamos de memoria, no nos escuchábamos.

- No había un buen monitoreo.

Exacto, él salió así, todo el toque estuvo así y así se quedó.

- Y que dijo al final Leo.

Cuando bajó llega y dice, coño a mi se me olvidó ponerle la pila, y después todo el mundo me dice, oye pero la guitarra sonaba raro, y después que más

- ¿Se llegaron a radiar temas de Passion en RSC y en Joven FM?

Si, hubo uno que se llamaba Razón para vivir, que sonó por allí y otros más, pero esa fue la que más se radió y también uno llamado 3era Guerra.

- Bueno y Oscar ahora está viviendo en Boston, también se graduó en Berklee, y José Eduardo y Leo viven en Orlando Florida, se acabó la banda. Ahora después de Passion entras a tocar en que agrupación.

Después de tocar ahí en Passion, yo pasé a tocar con Antes de la Línea, se hicieron un par de presentaciones digamos importantes al público que fueron en el Círculo Militar, una vez que vino un grupo de Caracas, de Reggae, Dur Dur, y otra presentación que fue en los Pabellones, de un concierto pro fondos para el ambiente.

- Salvemos el Planeta, organizado por Omar Labrador, en ese tocamos nosotros con la agrupación Obsesión.

Exactamente, Salvemos el Planeta, eso fue como a finales del 93, si porque eso fue a finales de año.

- Aja y después como entras a G8, Rodolfo te invita o Albio, graban en los estudios de la radio Imaginación 96.1, donde fue director José Ángel Rivas y donde Chaka, su hijo colaboraba permanentemente con la movida del rock regional.

Exacto, la cuestión fue así. En unas vacaciones que Leo vino de Berklee, estábamos tocando él y yo y Rodolfo y Albio, tenían formado G8 y habían conseguido un toque para talonearle a Zapato 3 en el Círculo Militar, pero los únicos que estaban eran Rodolfo y Albio y tenían unas canciones, entonces necesitaban gente para armar con guitarras, con bajo, con todo lo demás, entonces nos dicen a Leo y a mi que si podíamos tocar con ellos y allí comenzamos, Leo luego regresa a Estados Unidos, entra a tocar en G8 Frank Mota, y también entra José Eduardo, que también regresa de Estados Unidos de hacer su curso de inglés, tocó teclado, estuvimos tocando varias veces en Atenas Café en aquella época.

- Tenían también como una banda paralela de versiones.

Exactamente, si de hecho en Atenas s e tocaban puras versiones de rock en español, y algunas de rock en inglés, Tears for fears y cosas así se tocaban allí, y habían unos temas propios, que en su mayoría eran hechos por Rodolfo, Rodolfo era el que tenía más ahí la vena de compositor, y se grabaron varios temas allí en la radio, cuatro o cinco temas. Uno que sonó más o menos que se llamaba Solo.

- Con otra formación G8 también grabó el tema Almas Negras, un tema original de Leo Sergal.

Si pero en esa época yo ya no estaba en G8.

- Y otros temas.

No recuerdo.

- ¿Toques trascendentes de G8 aparte de el Zapato 3?

Con G8 lo más importante que hice yo con ellos fue tocar con Zapato 3, porque lo demás fue grabaciones en radio y lo que logramos tocar en Atenas.

- ¿Tu tocaste en el evento de Rumba Rock en el Club Tenis, donde tocó la Flor del África, Antes de la Línea y G8?

No en esa oportunidad fue la otra formación de G8 y Antes de la Línea.

- Una anécdota en particular de G8.

De G8 lo guerrero que era Rodolfo, era un chamo que no le comía, a cantar a tocar lo que fuera, así montándolo antes, vamos a darle, el tipo se tiraba. Ósea no le comía nada, de toso con los que yo tocaba era el que menos se enrollaba, en ese aspecto.

- Tú que has participado en la historia del rock regional y has estado involucrado en varios proyectos, cual sería la formula para que las bandas locales, se pudieran insertar en la Industria Cultural de la música, nacional e internacional, es decir que estos bienes culturales se inserten en la lógica del mercado y tengan una repercusión.

Bueno yo creo que ahorita en este momento, como ha cambiado la industria de la música, quizás hay unos modos alternativos que se pueden usar, de repente crear una página en internet donde se escuche eso, que tenga algún link con una página a nivel nacional o mundial, o latinoamericano, donde se pueda tener acceso a todo eso, y de manera que allí todo el talento que hay aquí en la región, pueda plasmarse y se publiquen las canciones que se tengan, lo que se tenga por mostrar. Algo que anteriormente era muy difícil lograrlo, porque no existía internet ni mucho menos, y ahorita pues ya tenemos más facilidad en como grabar las cosas, no hay que buscar un estudio, sino con ciertos equipos se puede hacer algo relativamente decente para mostrarlo.

- Si te preguntara por unos personajes específicos dentro de la historia del rock regional, con los que te gustaría tocar, o que admiras, un guitarrista, un baterista, un vocalista y un compositor de lo que para ti es lo mejor del rock regional.

Un guitarrista.

Puedo decir dos, Leo Rojo y Chucho Duque.

- Un bajista.

Greys Hernández.

- Un tecladista.

José Ángel Cavallín.

- Un baterista.

Oscar Balza.

- Un vocalista y un compositor.

Vocalista puede ser el mismo Leo Rojo que canta muy bien, también a José Eduardo Rojo y cómo compositor a Iván Méndez que hace muy buenas letras también.

13. Chucho Duque. La Flor del África la banda holística.

- Jesús Duque alias Chucho Duque, eres uno de los músicos más destacados dentro de la escena del rock regional, coméntame acerca de tu primera banda Rack, cuando tocabas con Greys Hernández, y en que año empiezas a intervenir en lo que es la escena del rock regional.

Como en 1990, 1991, me reúno con Greys Hernández, Rafael Gómez de la Vega, Andy Porras y Hernán Torres, que actualmente es odontólogo.

- ¿Y Rack que tipo de música tocaba, temas propios, versiones?

Temas propios rocksito.

- Yo recuerdo cuando ustedes ensayaban en el estudio de Rafael Giordanelli durante esa época.

Si en esa época tocábamos, Rafael Gómez de la Vega batería, Greys Bajo, Andy Porras teclado, Hernán Torres guitarra y yo guitarra también.

- ¿Con esa banda tienen la oportunidad de tocar en vivo y dura hasta que año?

Como hasta el 92, una cosa así. La banda empezó como en el 90 y terminó como en el 92, tocamos con Menudo en el Círculo Militar, tocamos como dos veces solos en el Círculo Militar y en el Club Táchira, en fiestas del Rotary, fiestas que organizaba en ese entonces RSC y cosas así.

- ¿Podemos decir que este grupo era anterior a Antes de la Línea, Rack?

Si, o bueno empezaron casi igual.

- Y luego porque se disuelve Rack y cuando empiezas tu con Edad de Piedra.

Se sale el tecladista, Andy Porras y el baterista tenía que estudiar en el extranjero, Rafael Gómez de la Vega, decidimos armar el grupo Greys y yo con Ronald Miquelerena, que ya estaba tocando con Iván Méndez en ese entonces.

- ¿Ronald tocaba teclado en Antes de la Línea?

Si. Entonces bueno nada de ahí empezamos a hacer canciones propias igual e inventamos ese grupo que se llamaba Edad de Piedra, donde también estaban Jerry Cárdenas en la batería, Mirny Duque en la percusión y también habían unos timbales que los tocaba Greys a veces. Eso fue en el año 93, 94. Si, de hecho Ronald fue tecladista por un par de meses de Antes de la Línea, se sale y forma Edad de Piedra, con la cual inclusive tocamos en la Plaza de Toros, se le teloneó a Franco de Vita, con un sonido malo, la presentación fue mala, la segunda vez que vino Franco de Vita para acá para San Cristóbal, y después de todas esas transiciones Jerry decide también enseriarse un poco y se dedica más a un grupo que tenía con Amilcar Mirabal que se llamaba Letalia, un grupo de metal y también a la orquesta, entonces al quedarnos sin batería Ronald empezó a comprar equipos, siempre ha tendido dinero, compró equipos y se enhierró y de allí en adelante empezamos a ver mejores equipos, una Takamine, una Ibanez, una Fender Telecaster, una Gibson 335, oye habían hierros a montón, entonces empezamos a hacer ideas más depuradas, y cuando entró la Takamine se empezó a mover la nota más acústica de la banda y allí nace Llano Adentro, con la compra de la Takamine.

- Y empiezan con la Flor del África uno de los conceptos más profundos y quizás el más depurado a nivel de composición en el Rock regional, con influencias del Jazz, de Vitas Brenner, de Spinetta, de Simón Díaz.

Si, Ronald escuchaba esos autores que tú acabas de mencionar, lo escuchaba bastante porque quería hacer algo autóctono del país, de Venezuela, y si mal no recuerdo Llano Adentro creo que fue la primera canción que se compuso para La Flor del África, fue la primera canción que hicimos, en ese momento conocimos a Julio De Santiago, baterista y profesor de percusión, que en esta época tenía más tiempo y le llamaba la atención la onda musical de la banda, entonces él decidió entrar a la banda, empezamos a hacer arreglos más profundos porque él es un músico de primera, Ronald se sintió que tenía que ponerse a la altura de él y empezó a estudiar muchísimo y logró todas las composiciones de la Flor del África que perduran hasta hoy día.

- La armonía que utilizaba Ronald, se sentía en sus composiciones lo acucioso del estudio de la armonía, de la composición, escuchaba mucho Jazz, Al Di Meola, Pat Metheny, háblame un poco de la formación de Ronald Miquelerena como músico.

Ronald Miquelerena Porras, escuchaba Pat Metheny, Lyle Mays, el tecladista de Pat Metheny toda la vida, mucho rock antiguo estilo Chicago y cosas por el estilo, obviamente Fito Páez que sonaba mucho en ese entonces. Y nos conocemos en el colegio Juan Maldonado, Greys estudió todos los primeros años de bachillerato en el colegio, luego se cambió al Don Bosco. Ronald estudia en el Juan Maldonado cuando recién llega de Caracas, y empieza a tocar teclados con Iván en un grupo que se llamaba Rastafa, que era el mimo Antes de la Línea, pero con ese nombre. Él era muy estudioso del instrumento, tocaba hasta 4 y 6 horas diarias y siempre estaba investigando desde esa vieja época.

- Y después ingresar De Santiago, ¿La Flor se montó en cuanto tiempo?

Duró como aproximadamente 8 meses y los nuevos arreglos eran gracias a Julio De Santiago, porque de verdad hoy día todavía lo digo es un músico excelente en arreglos, en música, en estudio, en ejecución, en búsqueda, en investigación.

- Y ¿cuando es la primera presentación de La Flor del África?

La Flor del África se presenta por primera vez en un toque que organizamos, en un toque propio, en la Sala de Fiestas del Conjunto Residencial Paramillo, en donde vivía Greys Hernández, allí invitamos a todos los amigos de Radio, de Prensa, los panas, conseguimos luces, Hender Contreras como siempre apoyó todo esto, el sonido, luces, espectáculo, todo el evento. Además tocábamos en diferentes fiestas de amigos y a la gente le llamaba mucho la atención que era un grupo de canciones originales y gustaba. Después de allí empezamos a hacer nosotros mismos reuniones. De allí en adelante tocamos en dos o tres presentaciones más por ahí taloneando a alguien, tocamos en un Festival de Jazz en Coro.

- Háblame de ese Festival Coro en Jazz.

Bueno si tocamos junto al invitado especial del Festival, el maestro Pepe Herrera de Cuba y en homenaje al profesor Víctor Julio Castillo, tocamos junto a UniJazz de Coro, Sopa Jazz de Punto Fijo, Cuarteto de Facto de San Cristóbal y Aldea del Sol de Maracaibo. A los que más recuerdo como amigos fue la gente de Aldea del Sol, ese grupo maracucho, que estaba en ese momento el baterista de Ricardo Montaner y también tenían un percusionista famoso llamado el Chivo. Sopa Jazz, de Punto Fijo, era un grupo de músicos buenos de Punto Fijo, no recuerdo sus nombres, al que más recuerdo es a Aldea del Sol.

- Además de este toque hicieron toques en discos y pubs locales, de la vida nocturna San Cristobalense.

Si lo que pasa es que para esos toques, creo que ni siquiera nos llamábamos La Flor del África, porque éramos los mismos integrantes, Ronald, Greys, Julio De Santiago y yo, pero tocábamos versiones de los Beatles, de Bob Marley, o creo que salíamos bajo el mismo nombre, La Flor del África, no recuerdo, era algo así como otro grupo, pero eran los mismos integrantes y a veces tocábamos Llano Adentro o alguna canción de nosotros que impresionara.

- Recuerdo muchísimo un toque de La Flor donde tocaron los temas propios, que se llamó Rumba Rock, que compartieron tarima con el desaparecido amigo, Rodolfo Murillo, a quien dedicamos el presente capítulo, de la agrupación G8.

Claro que sí, recuerdo ese evento, fue un tremendo espectáculo porque fueron puras canciones propias y la gente nos aplaudió, y las cantó, luego de eso hicimos un evento con el apoyo Carlos Tovar, de títeres Quinimarí, en el Ateneo del Táchira, ahí también hicimos algo como más serio, con una muy buena producción, con entradas y eso.

- Incluso ustedes ensayaban en el Ateneo porque Carlos Tovar muy gentilmente les cedía unos espacios de Títeres Quinimarí para ustedes poder ensayar.

Si nos cedió todo una habitación que nosotros la acondicionamos como para un estudio, utilizamos el sonido de los Títeres Quinimarí para acondicionarlos como sonido de estudio, y allí teníamos la comodidad de ensayar todos los días, todos los equipos en un sólo sitio, no se movían, lo incomodo era que era en el centro, pero no nos importaba mucho, los equipos estaban resguardados en donde Carlos guardaba los equipos de más valor.

- ¿Estamos hablando de que año, me dices que eran ensayos de tres o cuatro horas más o menos?

Si, estamos hablando exactamente de por ahí el 94, La Flor del África como en el 95 ya no existía, duró como del 93 al 95.

- Ahora es importante resaltar como La Flor desaparece de la escena musical por un viaje, se van dos de sus integrantes con los sueños de poder conseguir algo mejor en España, y se van específicamente tú y Ronald, ya en este momento De Santiago había abandonado la banda y entra Fernando Villamizar.

Bueno Julio De Santiago en ese momento tenía otras expectativas, y habían unas diferencias, cómo siempre y deciden meter a Fernando Villamizar en la banda, allí hacemos el famoso toque en el Castillo de La Fantasía.

- ¿Diferencias de que tipo Chucho?

Diferencias no musicales, la diferencia era de carácter, diferencia de puntos de vista, siempre a Julio De santiago le molestaban cosas que a Ronald no le molestaban y viceversa, eran cosas triviales.

- Ok y entra Fernando Villamizar, prestado de Antes de la Línea, porque él seguía tocando batería en Antes de la Línea, cuéntame acerca de ese momento y de ese famoso toque del Castillo.

Ese famoso toque del castillo surge cuando ya no tenemos a Julio De Santiago, metemos a Fernando, hacemos un show en el castillo donde invitamos a Antes de la Línea, invitamos a todo los músicos amigos de G8, de todos los que estaban en ese entonces, Accidente de carros naranja, los amigos de Passion, estaba José Rojo que era uno de los que organizó la fiesta y bueno la fiesta como toda fiesta de chamos, era una fiesta sin fines de lucro, nadie obtuvo dinero ese día, créeme, me acuerdo claramente, pero el toque estuvo muy bien.

- ¿Y porque se van a España, quién toma la decisión de irse y a que ciudad de España se van, y cómo es esta experiencia?

Esto es muy importante, en el momento en que Julio De Santiago se va del grupo, entra Fernando verdad, antes de esa transición y entrar Fernando, por muchos detalles que ocurrieron, roses que teníamos todos, la banda abre, ósea Greys Hernández se va a Caracas, a estudiar diseño gráfico, Ronald se ve solo, sin bajista, sin baterista, y yo empiezo a ensayar con él y un muchacho que se llama Carlos de origen español, empieza a ejecutar el bajo. De ahí nacen todos los mejores arreglos de los bajos de las canciones de Flor del África, los arreglos mayores de bajo, los más densos se puede decir que los hizo él porque de verdad que es un bajista de altura, luego él en ese período, le daba clases a Greys, Greys regresa de Caracas, Carlos le empieza a dar clases a Greys. Carlos le da el chance a Greys de que forme parte otra vez de La Flor, inclusive hay tantos momentos desagradables ahí porque ello, Greys y Ronald graban un tema sin mi, hay detalles, sacan a Greys, entra Carlos el español, y bueno el grupo empezó a tener muchos problemas de logística, de organización, no estábamos centrados.

- Ustedes grabaron en el estudio de Alirio Macabeo Junior éste famoso tema, el cual se radió mucho en la época, Viento en Armonía.

Si Grabamos en el estudio de Macabeo Junior mucho antes, es el único tema grabado realmente en estudio.

- ¿Y porque a ti no te invitan a grabar en la casa de Hender Contreras, con Greys y con Ronald, un material que hay por allí editado?

Bueno en ese momento tuvimos Ronald y yo diferencias fuertes y pasan todo ese tipo de cosas, luego vuelvo yo de nuevo a la banda, sale el toque este famoso del castillo, nos vamos para España, nos vamos para España gracias al nuevo bajista, gracias a Carlos el Español, porque él empieza a decirnos donde es que él estudio el instrumento y nosotros de verdad nos asombrábamos con la capacidad de armonía y de ejecución que tenía.

- ¿Tocaba algo así como lo que toca nuestro amigo Eybar Serrano que es el mejor bajista que he conocido o un poco más?

Tocaba mucho mejor que Eybar porque tenía escuela, tenía una escuela que se le notaba en cada dedo cuando ejecutaba el bajo.

- La técnica.

Una técnica depurada total.

- ¿Y después que sucedió Chucho, se van a España a que lugar?

Se decide hacer un viaje a España en el cual Greys dice que nos alcanza en quince días, cosa que no pasó nunca, y ahí, ya por ahí se quebró todo, de ahí pa’ lante todo se quebró, Ronald y yo tuvimos que vivir momentos muy difíciles, como todo joven más que inmigrantes, inmaduros, los dos jóvenes inmaduros y de ahí él decide irse a Estados Unidos y yo decido regresarme a Venezuela.

- ¿Cuánto tiempo duraron en España y en que ciudad?

En Pontevedra, tan solo tres meses, imagínate todo desordenado, vivíamos solos en el centro en un apartamento ahí, por ahí también se nos fue el dinero, alquilamos un apartamento costoso, al segundo mes ya no teníamos dinero, sobrevivimos un mes porque Marcela Rey trabajaba y Ronald y yo no lo hacíamos.

- Marcela era la novia de Ronald, y que por cierto con ella Ronald después se va para Alemania, se va para los Estados Unidos, y cuéntame él se va para los estados unidos, tú te regresas para Venezuela y se acaba la Flor definitivamente y le pierdes la pista a Ronald hasta que regresa más o menos en el año dos mil, 99–2000, precisamente a grabar unos temas que todo fue también una gran confusión.

En ese momento llega Ronald a grabar, dice que quiere retomar la idea una cosas loquísima, y Greys y yo nos unimos a él, le alquilamos el estudio a Rafael Giordanelli, le alquilamos es como un decir porque en verdad el que pagó el alquiler del estudio fue Ronald que fue aproximadamente, imagínate alquilar el estudio de Rafael Giordanelli por un mes, pagar local el mes completo, estamos hablando de una suma fuerte, en el momento una suma fuerte, se decide invitar a Leo Rojo en las guitarras, Leo Rojo va y forma parte de la producción de la grabación, el ingeniero de sonido era Coki.

- Leo Rojo es importante que la gente sepa que es un músico muy destacado de Passion, graduado en Berklee Collage of Music en Boston. ¿Y Coki estaba apoyándolos en ese momento?

Coki fue el ingeniero de sonido porque era el que trabajaba para Giordanelli en ese momento.

- Estaban desamparado con ingeniero de sonido.

Sí el ingeniero de sonido era Coki que en ese momento no era muy bueno, hoy en día lo respeto mucho y es muy buen ingeniero pero en ese momento era un principiante y la grabación quedo mal, en un mes no hicimos nada, Ronald botó no se si te hablo de dinero te puedo decir en el 99 como 600–700 mil bolívares que eso es equivalente hoy en el 2006, unos siete u ocho millones de bolívares y gastárselos en dos meses y no hacer nada, eso fue lo que paso.

- Lamentablemente las pocas cosas que quedaron grabadas tu me dices y me confirma Greys que luego con el desmantelamiento del estudio esos Adats se pierden.

Sí ese trabajo no está, porque Rafael Giordanelli no entrega el trabajo, porque no se pagó la última cuota de la grabación, porque se dividió todo el pago como en cuatro cuotas y en la última Ronald ya no tenía dinero y yo obviamente no trabajaba en ese tiempo, yo estudiaba en el IUJEL, y bueno así vemos como se perdió todo el trabajo del grupo por culpa de nosotros mismos y del destino.

- Y después de ese Ronald se vuelve a ir y ahí si le perdemos la pista, hasta hace dos, tres años que teníamos contacto con él por internet, sabemos que está en Estados Unidos y ha grabado canciones maravillosas en inglés, que estuvo por los Ángeles, hay por allí un tema que se llama Sun is Rising, entre otras cosas.

Sí, y desde el dos mil como la tecnología de grabación se hizo más accesible a los músicos de bar como lo somos todos nosotros, él empezó a grabar, él cuando grabó Sun is Rising, yo recuerdo que él me regaló el disco y me decía los hierros con los que los grabó, en el disco estaba escrito, lo que pasa es que ese disco lo perdí con el tiempo, pero me acuerdo que él trabajaba con eso y lo grabó con un Akai, que es un sampler de última generación hoy día todavía y lo grabó con una consola y un grabador profesional de estos marca Roland, de dieciséis canales, que es un grabador digital con un disco duro que hoy día ya no se utiliza, para ese entonces era el boom, costaba bastante dinero.

- Y tú aparte de intervenir en la Flor, también tocas en Antes de la Línea como invitado, sobre todo en la formación de la época en que Antes de la Línea empezó a ejecutar versiones, estamos hablando de que año.

Estamos hablando como del 97 por ahí, 96, 97.

- Esos famosos toques en American Pop, en todos los lugares nocturnos en donde tocaba Antes de la Línea, tal cual lo hace ahora en el dos mil seis que retoman prácticamente desde hace ya casi un año la labor de la música, sobre todo Iván y Fernando que estuvieron un tiempo desconectados, háblame un poco de esa época y de esa invitación a ti y a Greys para formar parte de la banda en el momento justo cuando Walter se va a Miami, cuando el bajo lo deja de asumir Fernando Villamizar y pasa a tocar batería y cuando se da un proceso nuevo que ya lo explica Iván en otro capítulo de este libro, cómo fue esa invitación y cómo ha sido esa experiencia con Antes de la Línea, también formas parte de la banda en la grabación de Despertares y en la ejecución de algunos temas propios también de la banda.

Sí como no, formé parte en varias grabaciones de temas propios de ellos, en Despertares, en uno que se llama Danza del Mar y en otros que no recuerdo. Todo eso pasa porque Walter se va a Miami, Iván se ve como bueno ahora que hago, me llama a mi y llama a Greys y como acabábamos de salir de la Flor, con Ronald ya en ese momento habían varias diferencias como te estoy diciendo, y eso sumado a que éramos niños, éramos inmaduros y todo eso pasó por eso , hoy en día somos grandes amigos todos, de hecho, nosotros somos amigos desde hace mucho tiempo y bueno la experiencia con Antes de la Línea, retomando tu pregunta ha sido satisfactoria, hay versiones, hay canciones propias, se está buscando dar la vuelta, estamos grabando algunas cositas y bueno ahí vamos, creo que eso sería en términos generales todo.

- Y tu aprendizaje en Caracas Chucho, haber trabajado en SONO2000, haber trabajado con Huascar Barradas, con músicos destacados de la escena caraqueña, háblame un poco de eso.

Fue una experiencia bastante enriquecedora, aprendí bastantes detalles de grabación que los experimenté luego, mi primer experimento se puede decir que fue Páramo Sound System, fue una grabación, se puede decir que fue un experimento tanto para el compositor que eres tú, Ramón Alí Mogollón, como para mí que formo parte de la banda, siempre recuerdo inclusive Accidente de Carros Naranja y hoy en día formo parte de Páramo Sound System donde hay temas de ese mismo repertorio y bueno es un trabajo que se ha ido desarrollando, ese fue mi primer experimento y tenemos pensado retomar la grabación de los nuevos temas. También para mí es importante decir en esta entrevista que este último año también he tocado en diferentes presentaciones con Páramo Sound System, como tal con ese nombre y bajo diferentes conceptos, con batería, con baterías secuenciadas y también ha sido una experiencia bastante enriquecedora y de bastante provecho.

- Chucho si te pregunto cuál sería la formula para hacer trascender la industria cultural del rock regional y que estas producciones de bandas tan talentosas como la Flor, Antes de la Línea, lo que hacemos en Páramo, lo que hizo G8, todo eso salga al mercado nacional e internacional, cuál sería la formula pana.

La formula es dinero (risas), lo único que hace falta de verdad para incentivar, que se invierta en eso dinero, es la única forma, que le paguen bien a los músicos, que haya bastantes sitios donde tocar, que hayan sitios alternativos, todo eso es igual a dinero, a inversionistas.

- Y tú que eres un profesional de la grabación, un profesional de la música, se puede vivir de la música haciendo un esfuerzo.

A duras penas se puede algo, pero si lo haces bien hecho, con amor, yo creo que puedes lograr algo.

- Para finalizar Chucho quiero que me nombres un guitarrista, un bajista, un tecladista, un baterista y un compositor de lo que para ti son las figuras más importantes o lo más granado dentro de la historia del rock regional.

Un guitarrista.

Frank Mota en cuanto al rock, aunque Carlos Eduardo Arellano es para mí el mejor guitarrista que hay, pero no ha formado parte de este rock regional del que estamos hablando nosotros, a pesar de que él empezó hace muchos años, ha estado más involucrado con el Jazz, podría decirse que él es el mejor de todos, de verdad.

- Un bajista.

Greys Hernández.

- Un baterista.

Luís Solano y de toda la historia del rock regional Julio De Santiago.

- Un tecladista.

José Ángel Cavallín.

- Un compositor.

Hay varios, está Ronald Miquelerena, Ramón Alí Mogollón e Iván Méndez, me gusta lo que hacen los tres.

14. Albio Sánchez. El espíritu de G8.

Breve entrevista enviada por Internet desde Barcelona España, actual lugar de Residencia de Albio Sánchez.

- ¿Cuando comienzas a tocar con la agrupación G8 y en que año?

A la edad de 14 años, mi padre es músico, el Profesor Amable Sánchez, fundador y director de las bandas de nuestro Estado, recibí algunas clases con Julio D´Santiago y con Jerry Cárdenas, pero soy prácticamente autodidacta, estuve muy influenciado en un principio por Dave Welck, el baterista de jazz. En cuanto a la breve historia de G8 que aún sobrevive, la banda nace aproximadamente en el 1992. Los integrantes eran Rodolfo Murillo, Fabricio Báez, Michael cuyo apellido no recuerdo (Ex bajista de Letalia) y mi persona Albio Sánchez.

- ¿Que toques recuerdas de la agrupación y que tocaban?

En esa época tuvimos conciertos en el IUJEL y en fiestas de amigos, la mayoría de temas eran versiones y un par de temas originales. Después de un tiempo quizás dos años después ingresa en el bajo Leo Sergal y la banda comienza a trabajar más en temas originales, los conciertos eran cincuenta por ciento de versiones y cincuenta por ciento de temas originales. Debido a sus estudios de arquitectura sale de la banda Fabricio Báez e ingresa Frank Mota en la guitarra. Graban su primer sencillo “Almas negras” de leo y luego “Solo” de Rodolfo. Son teloneros de Zapato 3 en el círculo militar en esa época, nos presentamos en la Feria de Pregonero en y diferentes locales de la ciudad como Atenas Café, La Mosca y fiestas de amigos.

- Tuvieron algunas presentaciones en la radio, de donde se desprende algún material grabado según tengo entendido.

Si, creo que somos la primera banda que se presenta en vivo en la radio de San Cristóbal, en el programa Cabina Caliente de Chaka, José Ángel Rivas, los domingos en la noche, en la emisora Imaginación 96.1. Finalmente los dos últimos años el bajista es Jhon Mendicoa y luego la banda se disuelve el 96 por la partida de Rodolfo Mutillo a Caracas. Pocos meses después, en el 97, yo me mudo también a Caracas, por cuestiones laborales.

- ¿Que otro músicos participaron del proyecto?

También estuvo en la Banda como músicos invitados: Leo Rojo Lorenzo, El hermano de Leo Rojo (José Eduardo Rojo Lorenzo), Greys Hernández, Chucho Duque y Tony Pearson, quien era un músico de origen extranjero que ejecutaba versiones de reggae, algunos clásicos y temas propios. Ese es un fragmento de su historia Leo Sergal puede ayudar con algo más de información, por lo menos desde su perspectiva y con Jhon Mendicoa.

- ¿Te acuerdas de una anécdota en particular de la banda?

La verdad no me acuerdo mucho, déjame ver en Pregonero había problemas para conectar el sonido, tuvimos nosotros que hacer ese trabajo para que hubiera espectáculo, claro nos veían como estrellas porque instalamos el sonido.

- ¿Cuantos temas grabó la agrupación y que otras presentaciones recuerdas?

Dos, Almas Negras y Sólo. Tocamos muchas veces en Atenas Café, una discoteca que quedaba en Barrio Obrero, yo era el Barman de la disco y baterista de la banda, también es memorable el toque de Rumba Rock junto a la Flor del África en el Club, el toque con Zapato 3, las presentaciones en distintos pueblos como Pregonero, en fiestas de amigos e incluso cobrábamos por esos toques en algunas ocasiones, también tocamos en el Colegio Metropolitano.

- ¿Que influencias tenían musicalmente hablando?

Soda, INXS, U2, Paralamas, Tears for Fears, Police, Frank Zappa, etc. A Rodolfo también le gustaba como cantaba Luís Miguel, desde el punto de vista técnico de su voz, le parecía que cantaba bien.

- ¿Y en que año específicamente empezaron a tocar y cuando se separan?

Yo empecé tocando con Doble Vida, una banda donde estaban Frank Mota Contreras en las guitarras, Marlon Chacón en el bajo, Omar Mayorga en la voz y yo en la batería y percusión. Grabamos un tema llamado Escapemos, el cual fue radiado, realizamos un toque en el Club Demócrata, eso fue más o menos a principios del 90, yo me estaba graduando de bachiller, no conocía aún a Rodolfo. A Rodolfo lo conocí en el año 92 por medio de un amigo común, cuando fui casa de ese amigo nos faltaba una regleta y me dice el amigo que vayamos donde su vecino que se llama Cesar Medina a pedirle prestada una, vamos a la casa del vecino a ver si me la presta y era Rodolfo.

- ¿Y cuando desaparece definitivamente la agrupación?

Con el paso de nuestro amigo Rodolfo Murillo a otro plano, G8 sigue vivo en la historia del rock y la música regional.

- ¿Cual crees tu que sea la formula para que el rock regional se consolide como una industria cultural y se inserte en la industria nacional e internacional?

Como siempre hace falta mucha inversión, en todas partes hay el mismo talento, la única diferencia es apoyo, aquí en Barcelona, España, es increíble el movimiento y el apoyo, el apoyo de los medios de comunicación, lo cual es fundamental. La otra opción es invadir los mercados, no esperara a que alguien nos lleve, sino invadir como hicieron los Amigos Invisibles, colocaron unos CD´s en una discotienda en New York y los contactó David Byrne, e inmediatamente se incrustaron en la movida internacional el disco.

- Si te pidiera un nombre como referente de lo mejor en la historia del rock regional, en este caso de un guitarrista, un bajista, un tecladista, un baterista y un compositor ¿a quienes me nombrarías?

- Un guitarrista.

Voy a nombrar varios, a ti Ramón Alí, a Chucho Duque y a Frank Mota.

- Un bajista.

Greys, Leo Sergal y Joel.

- Un tecladista.

José Ángel Cavallín, no recuerdo otro.

- Un baterista.

Julio D´Santiago y Jerry Cárdenas.

- Un compositor.

Ronald, Rodolfo y Walter.

15. Joel Arellano. Accidentes de Carros Naranja. Warhol y Orange Car Crash.

- Joel eres un bajista reconocido dentro de la escena de rock local, como tecladista, como músico, como investigador de la etnomusicología con tu fundación Tres Cantos, ejecutante de la bandola llanera inclusive, coméntame sobre tu incursión en el rock regional.

Eso fue en 1991, mi primera banda fue Profugos.

- ¿Quienes tocaban en la banda Profugos?

En esa banda tocaban, Daniel Prieto que era el que cantaba y era la guitarra.

- ¿Que es familia del bajista de Tiempo Zero?

Exacto, el sobrino de Alberto Prieto. Tocaba Jovanny también, también sobrino de Alberto, tocaba Coky, batería, que después fue sonidista con Hender.

- Y trabajó también en el estudio de Giordanelli, el popularmente conocido como Coky, ¿recuerdas su nombre?

No.

- ¿Con esa banda tocaste cuanto tiempo?

Con esa banda empezamos a tocar en el estudio de Rafael, recién inaugurado, que era en la 19 de Abril, porque antes ese estudio quedaba en su casa, en la casa de Rafael en Barrio Obrero, empezamos los ensayos ahí y empezamos a tocar en Colegios, en actividades así de ese tipo. Yo ya me había impregnado del rock con el concierto de Sentimiento Muerto en el Círculo Militar.

- ¿Eso fue en el 91 también?

No eso fue en el 90, no recuerdo muy bien. Lo cierto es que después de eso fuimos a tocar a Pregonero, en las ferias y fiestas del pueblo, y pasaron cosas muy cómicas, teníamos anda más tres canciones montadas, que eran: Música Ligera de Soda Stereo, una de Hombre G y otra de Los Enanitos Verdes, tocamos las tres canciones y se nos acabaron y el público estaba aplaudiendo, y entonces tuvimos que repetir una de las canciones. Y también nos paso algo muy loco, porque echaron humo de la miniteca y en ese pueblo no se había utilizado hasta ese momento el humo.

- Como efecto claro.

Si como efecto y alguna gente salió corriendo, pensando que era que se estaba incendiando la tarima. Mucha gente sabía que era el humo, pero también como era un pueblo y era una coronación de una reina, bajó mucha gente de las aldeas, que no había tenido contacto con el humo, cuando yo estoy tocando y veo que la gente esta corriendo como si fuese un incendio, bueno pues seguí pa´ lante.

- ¿Tocaron también con esa banda en el Círculo Militar?

Bueno esa banda después cambió de nombre a Sexto Sentido, allí ya tenía más fuerza, teníamos temas propios, se grabaron unos temas tipo maqueta en el estudio de Rafael, que fueron radiados en la antigua 101.3 que era la que ponía Rock en esa época.

- Que era la Joven FM me acuerdo.

Si la Joven FM, y tuvimos éxito allí, hicimos un concierto para dos mil personas, solos en el Círculo Militar, casi pura gente de esas zonas de la ciudad, La Unidad Vecinal, La Castra, un ahí estrato bien.

- ¿Y con Sexto sentido tocas hasta que año más o menos?

Hasta el año 94.

- ¿Tocaban los mismos músicos de Prófugos?

Era exactamente la misma conformación.

- ¿Y era un estilo más o menos como Pop Rock o cómo lo definían?

Era una mezcla de Enanitos Verdes, de Hombres G y de Soda Stereo, esas eran las tres bandas madres de ese grupo.

- Y eso fue como una etapa, luego entras a la etapa con la gente de los Residuos. ¿Cómo conoces a los Residuos? Y háblame del movimiento Punk San Cristobalense de finales de los 80 y principios de los 90.

Los Residuos los conocí desde el 92 por ahí, en la calle con Chucho y Felipe nos conocíamos, él tenía una banda que era Auto de Detención, además Felipe tenía una banda paralela que era Basura Nacional, yo conozco a “Chucho” Freddy Ñáñez de esa época, luego es banda se acaba y yo me salgo de Sexto Sentido, rompo con esa figura protocolar así del buen rock y me paso al Punk.

- Y en esa época en Sexto Sentido tocabas teclado y pasa a otro instrumento que es el bajo.

Si en Sexto Sentido toque teclados y no me gustaba, siempre me gustó tocar el bajo, me tocó obligado que tocar teclado. Quizás esa fue una de las razones por las que me salí de Sexto Sentido, yo me sentía atrapado en el teclado, ahora tampoco me muevo mucho en él, pero por lo menos puedo dar dos pasos para allá y dos apara acá, y en esa época no me sentía que era buen ejecutante tampoco del teclado. Me salgo y hago esa agrupación de Punk con Chucho, Rana Max y Carlos y el grupo se llamaba Me río del Sistema. Rana Max que es Dennis Rafael, tocaba la batería, yo tocaba la guitarra, Carlos tocaba el bajo y Chucho cantaba. Después cuando yo me salgo de la banda, Dennis toma la guitarra que era lo que él mejor tocaba, y ponen a David Dávila alias David Bobi en la batería. Eso fue como en el 93, 94 y se originan los Residuos que empiezan con una carrera bastante dura en esa época.

- ¿Los Residuos surgen por iniciativa de quien?

Los Residuos surgen de este grupo que se llama Me río del sistema, que cambia el nombre, a Residuos. El líder absoluto de los Residuos siempre ha sido Chucho Punk: Freddy Ñáñez, de hecho el nombre me río del sistema era un nombre que se había barajado ahí entre varios, y él consideró que era un mejor nombre Residuos y convenció a todos de que ese era un mejor nombre y ahí se cambia a Residuos, que bueno empieza su carrera en ese momento. Yo quería seguir haciendo Hardcore, y me uno con unos músicos muy malos de la ciudad.

- ¿Allí quienes estaban?

A bueno un poeta que se llama Onasis José Marcano, alias Lenín Pepe Grillo, que a veces aparece por esta ciudad, y hace desastres y se desaparece de nuevo, él era el cantante. Carlos Villa: el Abuelito de los Monstruos, que formó parte luego de Los Residuos, ahorita está en Nicaragua haciendo documentales para televisión, él era el bajista y yo tocaba batería, en ese grupo, un muchacho de Colón que se llamaba Romero tocaba la guitarra. Y bueno hicimos dos o tres toque nada más, muy mal elaborada la música, las letras eran mucho más groseras y mucho más duras, era un colmillo al piso, de verdad. Ese grupo tuvo dos o tres cantantes, no conseguíamos ni siquiera calar dentro del público que le gustaba la onda Punk, porque ese público es y ha sido en San Cristóbal siempre de Los Residuos, ha sido el grupo que ha podido capturar siempre a ese público.

- Y del movimiento Punk que me puedes comentar de esa vieja época en que se reunían allí en El Ángel, y ese movimiento ¿que características tenía en ese momento histórico?

Esa fue una época bella, una época llena de respuestas para muchos y de preguntas para otros también y aparte de eso tampoco fue un movimiento punk, o sea era un grupo de gente que se sentía quizás sin lugar, sin un lugar y se congregaron allí, pero había gente que lo que le gustaba era la música de los 60 70, había gente que le gustaba el punk, había gente que le gustaba el metal, mucho metalero, había gente que le gustaba el hardcore, y es interesante por que en las grandes ciudades eso no sucede. Los metaleros tienen rollos con los que escuchan hardcore, los que escuchan hardcore tienen rollos con los que escuchan punk.

- Como la época en Caracas de Sentimiento Muerto, que era Punk, contra los Anticristos, que eran los metaleros.

Aquí no, aquí había una unión una cosa tolerante, tampoco era muy unida pero estábamos todos allí juntos y muchas personas de allí han conseguido cosas importantes en el plano de la comunicación, de la literatura, de los medios audiovisuales y de la música y otros ya están fallecidos.

¿Tú estuviste en Residuos, pero también intervienes en otros proyectos como Triciclo, fuiste tecladista de la agrupación psicodélica del rock local, cuando entras en contacto con esta nueva banda?

A los Triciclo los vi por primera vez en el TNJ: Teatro Nacional Juvenil del Táchira, en la Urbanización Torbes, La Lomas. Allí los vi en un toque, me gustó la onda de la banda, y me hice amigo de ellos, y bueno a los Triciclo los conocí casi en la misma época en que empiezo a tocar con Accidentes de Carros Naranja. Eso fue en el año 95 más o menos. Yo toqué con Los Residuos hasta el 94, luego me salgo hago muchas cosas que no terminaron de concretarse y en el 96 volví a los Residuos como bajista, porque no tenían bajista, tocaba Beto Revelo, que fue bajista después de mi en los Residuos por más de tres años y él se sale del grupo, y habían unos compromisos y yo asumí el bajo para saldar esos compromisos. Luego de que yo me salgo de los Residuos ingresa El Abuelo, ingresa otro bajista que se llamaba Javier, es muy loco porque tocaban los dos, uno tocaba cinco canciones y el otro tocaba cinco canciones, era un grupo con dos bajistas. Los Residuos han tenido muchísimos bajistas.

- Incluso el último fue Alejandro Sepúlveda.

Alejandro Sepúlveda que es músico de la Orquesta Sinfónica, contrabajista, él fue también, creo que en este momento ya no está con Los Residuos, porque el último concierto de Los Residuos fui yo el bajista, que fue cuando tocamos con Seguridad Nacional.

- ¿Y en la batería siempre estuvo David Dávila?

Ahora está un muchacho que se llama Diego que fue baterista de un grupo que tuvo Felipe que era Basura Nacional, creo. Lo cierto es que yo he estado a los Residuos desde su inicio, lo vi nacer, estuve en la mitad del camino de los Residuos y ahora cuando pareciera que Residuos tiende a desaparecer, también culminé tocando con los Residuos, siempre he estado relacionado con la banda a pesar de que estaba haciendo cosas contrarias a lo que los Residuos proponen, cosa que es muy particular porque al principio incluso el tema de los Residuos era ir en contra de las tradiciones, de lo establecido, era una contracultura, y es muy extraño, porque yo ahora soy fundador y presidente de una fundación que promueve el rescate cultural y el mensaje de los Residuos también cambió porque era en esa época un mensaje adolescente y ahora es un mensaje un poco más maduro, un poco más consciente de la realidad y se transformó asumiendo un papel político, que puede hacer que la banda se proyecte quizás más en Venezuela o puede hacer que la banda desaparezca, eso es un arma de doble filo.

- Y con Triciclo tienes la oportunidad de tocar, como invitado y como parte de la banda en conciertos multitudinarios como el de Zapato 3 y otros, háblame de esa experiencia con Triciclo.

Muy buena, era la banda psicodélica, era una música que yo no entendía, una música que no había tocado nunca y me pegué en los teclados, fue muy sencillo hacerlo, unas personas muy amables y me explicaron como era todo el asunto y lo disfruté enormemente, esa experiencia con Triciclo.

- Estaban en esa época Gabriel Roa en la batería, Yuppie Cantando en las guitarras, Anecto Paredes en la voz y José Antonio Varela en el bajo. También paralelamente de tocar con Triciclo tocas con Accidente de Carros Naranja, donde tuvimos la oportunidad de compartir, que me puedes decir de esa época.

Bueno esa época fue brillante, me acuerdo que empezamos a tocar juntos aquí en mi casa, por tres y cuatro meses y no teníamos baterista, probamos trescientos bateristas con muchos estilos, muchas tendencias, tuvimos muchísima paciencia, teníamos un montón de buenos temas, que casi todos eran tuyos, al final logramos concretar a Albio Sánchez, que fue como llegar a la cumbre de una montaña, porque era un músico que ya tenía toda una trayectoria en el Estado con G8, y que entendió el feeling de la banda y se armó un trío que logró tocar así como trio y sonar contundente, que hoy muchas bandas necesitan seis músicos, ocho músicos, y nosotros sin ser los mejores músicos del momento logramos hacerlo porque había una comunicación entre los tres, para el momento y entendimos los temas, por eso se pudo hacer conciertos de esa forma, también hubo grandes conciertos como los que hicimos con violines, con la participación de Lotto y Hessay, eso fue también muy bueno. Pero también lográbamos sonar los tres solidamente, tocamos alrededor de dos años tres años y logramos ser respetados por los músicos regionales por primera vez, porque yo toqué con Sexto Sentido y con Residuos, pero eran dos propuestas que no lograron esto, una era una propuesta muy pava, que entre los músicos no era una propuesta respetable entre los músicos de la ciudad, era una propuesta que era para la masa, no se que, y la otra era una propuesta política agria, con muy poco de musicalidad, para aquel momento, ahora ya los Residuos tienen otro tipo de concepción musical, sus músicos son músicos profesionales, leen teoría y solfeo, son académicos, pero para aquella época en que yo participé era muy agrio, tres tonos, entonces yo no había conseguido quizás ese respeto como músico dentro de la escena del Estado, ese reconocimiento, y lo consigo con Accidente de Carros Naranja.

- Y sin embargo fueron pocos los toques que pudimos realizar porque en ese circuito, era bastante reducida la infraestructura comparada con hoy en día y no se conseguía donde poder tocar. Y luego de Accidentes de Carros Naranja hay una nueva etapa que es con radio Tigre Internacional, que me puedes decir de esta nueva etapa, que estas viviendo hoy día Joel.

Bueno Radio Tigre es como la etapa de todos estos 10 años, 12, 13, 14 años en la música. No solamente la etapa mía, sino quizás la de José Chacón también, la de José Ángel Cavallín que es un músico que viene de Passion, Antes de la Línea, de los principios de ese rock de los 90.

- José Chacón que también tocó en Letalia, que tocó en Venus de Nacar.

Exacto, y se une eso con la vanguardia de estos muchachos nuevos como Elix Monsanto y Santiago Pérez, que hacían Hip hop, rap, Jonathan Montoya que era programador de baterías, de samplers, se une con esa vanguardia. Eso sucedió porque estos tres muchachos, Santiago Jonathan y Elix tenían un proyecto de hacer hip hop con unas bases rítmicas y ellos tenían una base sonora, hacen la grabación en el estudio de José Ángel Cavallín, y José Ángel Cavallín me muestra la grabación, y me muestra la grabación con unos teclados que él le añade a la grabación, entonces yo le comento que dejó la grabación como una mesa con tres patas porque ahora necesitaba un bajo para reforzar ese teclado. Entonces me dice que si yo lo grabo, y yo le digo, bueno yo lo grabo, y cuando veo está José Chacón grabando unas guitarras, y cuando vimos estábamos metidos en un grupo, en un proyecto, que era Radio Tigre.

- ¿Cual fue su primer toque?

En primer toque de Radio Tigre se hizo en La Bronca Petrolera, en Altamira, Caracas, eso fue en el año 2002–2003, no recuerdo, fue ahí en la Bronca y el segundo toque fue en la Belle Epoque, que es un lugar super reconocido para las bandas, donde se presta mucho apoyo ahí fue el estreno de Santiago como cantante, nunca había cantado. Elix si traía toda una carrera ya con Tha Chwebacca Projet, que fue una banda que dejó su huella también en el Estado, y allí empezó todo este asunto de Radio Tigre, se componen los temas que hacían falta para llenar un espacio de once temas para un disco, Santiago Pérez sale de la banda, yo hago dos temas más, para suplir los temas que quedaron vacantes ahí, esos espacios que quedaron con la partida de Santiago, y se logra hacer el CD, que este CD que tenemos, que bueno ha logrado estar de segundo a nivel nacional durante un mes, sin tener disquera, prácticamente con las uñas, haciendo ese trabajo.

- Y el disco ahora se proyectará internacionalmente, me comentas que próximamente te vas dentro de unos días a la ciudad de México, donde están José Chacón, Jonathan Montoya y Elix Monsanto, y hay unos posibles toques proyectados con la gente de Putumayo Records, cómo sientes que es la dinámica de ahora en el 2000, a lo que fue en los 80 y los 90, en relación a la proyección de esos productos culturales musicales.

Bueno lo que pasa también es que el producto está muy acabado, no, es un producto primero que tiene un disco que lo respalda, que eso fueron cosas que nosotros no logramos concretar con las otras bandas en los 90 y eso es una ayuda importante, todos los músicos están muy maduros ya, hay dos de ellos que están viviendo fuera del país, exactamente en México, entonces las posibilidades de la banda de proyectarse a nivel internacional son muchas, quizás no de manera así gigante tipo Juanes pero si de una forma pequeña, humilde, hay muchas posibilidades de tocar en España, en Puerto Rico, en México.

- Y que también se han ganado el respeto del circuito nacional, gente como Bacalao Men, Tumbador, Amigos Invisibles, la gente de la movida de Caracas son una referencia.

Si, son una referencia, hay un respeto de ambas partes ya, ya logra por fin una banda del Estado posicionarse en las radios caraqueñas, y sonar por más de un mes en el segundo lugar detrás de Madonna, teniendo todas las bandas caraqueñas detrás.

- Tanto en el circuito Unión Radio con la Mega, como en FM Center con 92.9 y todas las radios en Valencia y en casi todas las ciudades a nivel nacional.

Si, en casi todas las ciudades del centro del país ha sonado Radio Tigre, de buena manera, tenemos muy buena comunicación con la gente de las demás bandas, les gusta el proyecto y bueno eso se ha conseguido eso, ese punto de referencia para una banda tachirense que quizás bueno, nosotros sabemos que ha habido talento siempre en el Estado, desde lo primero que hizo Tiempo Zero, luego La Flor del África, que fue una banda legendaria, incluso yo creo que Flor del África debe tener una mención especial porque es una banda que le abrió caminos a los músicos, por ejemplo yo tengo una fundación que hace investigación de música popular hoy en día, la Fundación Tres Cantos, que se ha dedicado a ir a grabar a los pueblos, y esa espinita, esa intriga de conocer de nuestra música se inicia con Flor del África.

- Por esa fusión que también tenían con la tonada, la música venezolana, el jazz, el rock.

Ellos tenían esa fusión, al yo tratar de investigar de donde venía ese sonido, ellos me llevan a Vytas Brenner, y Vytas Brenner me lleva a ese reconocimiento de la música popular traído a las nuevas tendencias de la música y de allí se inicia todo este proceso de investigación, primero por tratar de tocar la bandola llanera y después eso me llevó a la percusión afrovenezolana y después a los instrumentos indígenas, y hoy hay una fundación como la Fundación Tres Cantos que tiene un archivo de instrumentos del país y un archivo de grabaciones y videos también sobre la música popular.

- Esa Fundación además de que es una de las primeras acá en el Estado te ha traído varias satisfacciones, háblame un poco de un personaje de Mérida que colaboró mucho en esa Fundación, que es Javier Burchi, que creo debe tener una mención especial acá en este libro sobre la música y el rock de nuestro Estado.

Si Javier Burchi es quizás el mejor músico que he conocido, ejecutaba, ya falleció, ejecutaba perfectamente el bajo, guitarra, con el estilo académico, bandola venezolana, tambores y era aparte un alma pura, una persona entregada a la investigación de la música popular, tocó rock en Mérida, tocó salsa, tocó jazz, un músico completo y reconocido, con él se inicia ese proyecto de la Fundación, recorrimos todo el país haciendo grabaciones con nuestro propio dinero, con muy poco apoyo institucional y logramos hacer grabaciones en muchísimos estados del país, y hacernos de una cantidad de instrumentos que hoy conforman el patrimonio de la colección de instrumentos de la Fundación, hemos hecho grabaciones en el Tocuyo, en el Estado Lara, organizamos eventos para FUNDATACHIRA hace dos ferias atrás, trajimos agrupaciones, hemos traído el ensamble del chimbangles para las ferias, para el desfile también, logramos dar talleres en la Librería Kuaimare para los músicos del Estado, trayendo personas de Guárico para que explicarán la bandola central, para explicaran los Carrizos de Guaribe, hemos dado infinidad de talleres en el Museo del Táchira para niños también, en escuelas, en universidades y se ha hecho el trabajo que se ha podido con los recursos que tenemos.

- Dime entonces Joel cual sería la fórmula para proyectar todos esos productos de la industria cultural local, para proyectarlos tanto nacional como internacionalmente, es decir que en ese proceso producción, reproducción, consumo, nuestros bienes culturales se puedan insertar en la lógica del mercado, sin perder su valor estético, su virtuosismo instrumental y su esencia como expresión.

Yo creo, que como no tenemos una industria que nos ampare, o una industria que esté consolidada y que funcione mecánicamente, hay que probar distintas formulas, la de Radio Tigre es quizás por amistades, empezamos a sonar en las ferias porque teníamos un buen producto, pero si no logramos sonar en la Mega de nuestra ciudad, nunca íbamos a poder sonar en la Mega de Caracas, por ejemplo fíjate, el apoyo de los Amigos Invisibles, hablando bien de nosotros como banda en Caracas, el apoyo de bandas como Bacalao Men, eso sirve mucho para que luego cuando tu llegues, te escuchen te presten atención, entonces yo pienso que en nuestro estado debe haber primero una unión entre todas las bandas, un poco parecido a lo que se hizo en Mérida, con este proyecto Los Andes Electrónicos, tiene que haber unión entre las bandas, tienen que todas las bandas apoyarse, tratar de abrir caminos para las otras bandas que quedan, y tratar de hacer un colectivo con los medios que se pueda, para empezar a sacar los demás productos que hay de las bandas regionales, porque veo muy lejos el asunto de la empresa que venga a buscarte, que venga y te apoye, que te ponga tu música, eso lo veo distante, así que creo que son las mismas bandas las que tienen que ayudarse, unas a otras y echarse la mano.

- Así como en estos momentos estás tocando con nosotros invitado en Páramo Sound System, e incluso has grabado algunos temas y siempre has colaborado con muchas de las bandas regionales.

Exacto, y lo mismo si uno se va a tocar a otro país se lleva los demos de esa banda y la muestra y trata de hacer contactos, esa es la opción que yo noto por ahora, porque Radio Tigre le debe su éxito al apoyo que ha tenido de la gente del estado Táchira.

- Me gustaría ya para finalizar me mencionaras un músico destacado para ti dentro de la escena local, de cada uno de los instrumentos tradicionales en una banda de rock, de un bajista, un guitarrista, un baterista, un tecladista y un compositor de lo que para ti es lo más referencial en la historia del rock regional.

Un bajista.

Greys Hernández.

Un baterista.

Un baterista sería yo creo que Julio D´Santiago.

Un tecladista.

José Ángel Cavallín.

Un guitarrista.

Frank Mota.

Y un compositor.

Elix Monsanto.

- Bueno muchísimas gracias Joel y esto quedará registrado en los anales de la historia del rock regional.

Arréglame los errores ortográficos. Risas.

16. Johan Parilli. De Exceso a Venus de Nacar. Docencia y constancia.

- ¿Cuando empiezas con esto de la música y cual es tu primera agrupación acá en San Cristóbal?

Con la música comencé desde los cinco años, que vivía en Caracas, y mi madre un día me llegó y me dijo: ¿Quieres estudiar órgano?, yo no sabía de que me estaba hablando, recuerdo mucho el momento porque la música siempre me ha marcado un poco toda mi vida, las cosas me han pasado en torno a la música, gracias a Dios. Yo le dije que si, me puse a estudiar órgano y allí empezó todo el asunto, de hecho me monté de espontáneo un día en un concierto, cuando recién estaba comenzando a tocar órgano, estaban haciendo en Caracas y yo no iba a tocar porque era el más chiquito del grupo, esperé a que terminara el último y agarré me subí a la tarima y me puse a tocar los pollitos y bueno ese fue la primera presentación en vivo, yo no sabía y hasta me dieron plata por eso porque la cosa era paga, había premiación de dinero, a todo el mundo le dieron su premiación de primero, segundo y tercer lugar y resulta que de repente me llaman a mi también a la tarima y dicen, bueno y hoy premiación especial porque el niño se paró de espontáneo y tocó improvisado y me dieron veinte bolívares.

- Eso en que escuela fue Johan.

Eso era una escuela que quedaba en la California Norte en Caracas, de hecho daba clases ahí uno de los pianistas de la Billó’s Caracas Boys, o era la escuela de él, realmente no recuerdo, imagínate, eso fue hace unos cuantos años atrás, por allá en los 80, específicamente en ese año.

Bueno de ahí pasé por varios profesores, llegué acá a San Cristóbal en el año 89, llego a los 13, 14 años, me meto a estudiar al Don Bosco, en el Don Bosco conozco la banda del colegio que se manejaba con un músico que era muy conocido acá porque era tigrero, estaban Sayago, Salió Frank Colmenares, otro de los pianistas que incluso tocó con los excelentes, el grupo este de música latina, por lo menos se abrió para allá, uno de los morochos que tocaban teclado, también estaban por ahí, de hecho hasta el mismo Leo Rojo, en algún momento pasó por esa agrupación.

- Leo Rojo estudiaba en el Aplicación, pero seguro compartía con ustedes.

Exacto, porque nosotros ensayábamos frente al Don Bosco, que allá no había un preescolar todavía, y entonces eran dos veces a la semana que se ensayaba y Leo Rojo pasaba y de repente se ponía a tocar con nosotros, mataba fiebre, además que Leo Rojo ya tenía más hierros, tenía su guitarra, su procesador y digamos que a lo mejor lo que buscaba era tocar con otros músicos, para foguearse, de hecho tenía la banda Passion. Cuando el iba a tocar con nosotros, oye era buenísimo porque los solos sonaban como tenían que sonar, nosotros matábamos fiebre más bien, ahí fue que empezamos, tocando versiones. De allí me voy al Colegio Pio XII, en el colegio Pio XII no conseguí baterista ni nada, ni guitarrista, era cero lo que había en ese colegio, además que no habían grupos de música, total que se me ocurre hacerle una carta a la directora pidiéndole instrumentos porque yo quería armar un grupo y quería encargarme del grupo y toda broma, ósea yo dije vamos a ver con que salen acá, pero la directora al fin monja, no me prestaron atención, y me tocó hacer un cambio estratégico por primera vez agarrar una guitarra, que jamás había agarrado una guitarra, ni me había interesado, entonces me meto de lleno a autodidacta, me metí a ver como sonaba la guitarra, menos mal que tenía una Yamaha ahí en la casa que nunca la había mirado de chiquito, desempolvé esa y empecé a buscar los tonos y que se yo y como yo ya tenía la escuela del piano, podía defenderme un poco con esto de los acordes, la armonía, y lo único que hice fue como que bueno, ir repasando un poco como eran los acordes y las pisadas en la guitarra, y me meto a tocar guitarra, para poder en primera opción tocar en la iglesia, porque tenía ganas de tocar, estamos hablando de que tenía catorce años. Arranco a tocar todas las misas habidas y por haber, cualquier cantidad de cosas, y una vez que ya las monjas me tenían confianza, dije: “Bueno ahora voy a armar mi grupito”, y me monto en un grupo con un primo, que ahorita no está dedicado a la música ni nada, es Médico, mi primo Omar Alfredo Sánchez, porque el papá también se llama Omar Sánchez y entonces me meto con él, lo voy orientando y le digo luego, bueno toca la guitarra y yo toco lo que se hacer que es el teclado y me da por cantar, mientras tanto yo seguía en contacto con los amigos del Don Bosco, y les digo: Mira voy a tener un toque en la iglesia para que vayan y me vean, que voy a cantar y entonces los amigos del Don Bosco me decían: “Pero estás loco, si tu no cantas”, porque yo allá lo que hacía era tocar teclado. Y nada y me da por empezar a cantar y bien, super chévere. Sucede que comienzan entonces a realizarse otros actos internos dentro del colegio y a mi se me ocurre empezar a componer, allí se inicio todo aquello de la composición, empiezo a hacer composición para el día de las madres, composición porque se estaban graduando las muchachas de 5to año, bueno las muchachas, porque no habían varones, la única sección de varones era la nuestra, los años precedentes eran solamente de hembras, porque fue un colegio que lo cambiaron, de hecho la sección de nosotros tenía nueve varones.

- Pasó a ser mixto y en esa transición estudiaste tú.

Exacto en esa transición, ya te digo, el salón nuestro eran nueve varones, nada más, entonces le compuse a todo el mundo, a los que podía, y en los actos tocaba las composiciones mías, con el primo que tocaba guitarra, pero como no había teclado, porque yo no tenía teclado, entonces éramos dos guitarras. Tanto así que ya estaba cansado de las canciones típicas de iglesia, que ellos le ponían a uno y le empecé a decir a la hermana: “Mire hermana usted ya vio que yo compongo por ahí unas cositas” y me dice “Si a mi me gusta lo que estás escribiendo, para lo del día de las madres” y aprovecho y le digo que si me puedo lanzar una composiciones de esas en la misa, y me dice: “Sí tranquilo dale”, y yo llegué a tocar hasta Gun’s N Roses y cosas así en la misa y las hermanas no sabían, yo tocaba eso de fondo y las hermanas me decían: “Hay tan bonita la canción esa que tocaste ayer”, y yo les decía: “Si hermana es que esa es nueva”. Y los compañeros míos del salón felices, porque les estaba tocando una broma que oían en la radio, porque lógico, Gun’s estaba sonando mucho en esa época, estamos hablando del año 91, 92, y bueno lo que hacía era silbar la cuestión, porque yo tocaba eso cuando era la paz, o cuando esta la gente por recibir la comunión, así monté yo mi primer dúo, porque ese dúo tuvo nombre, se llamó Cebolla Junca, así le pusimos por mamarle gallo a la cosa, pero Cebolla Junka era así, con J y con K el nombre. Crean el primer Festival del Colegio, pero era un festival netamente teatral y dancístico, y yo digo si van a meter teatro, métanme a mi que yo también tengo hay unos temitas y monté unos temas de Soda Stereo, le compuse un tema a mi mamá, que en ese entonces aún no había fallecido, que en paz descanse, de hecho fue la única vez que mi madre me vio en la tarima, ya estaba algo malita pero logró verme, para ese toque cambié el nombre, quería ponerle Oasis, por eso me llama la atención mucho la entrevista de Rafael contenida en este mismo texto, cuando Rafa dice que tenía el nombre de Oasis, yo tenía ganas de ponerle Oasis en ese momento al grupo, porque ya había un baterista, que era un chamito de sexto grado, Alejandro se llamaba, y la batería nos la prestó un pana, que por cierto me conseguí en estos días, se llama Jean Paul. Leonardo un amigo músico, iba a tocar el bajo, nos dejó el pelero, porque él daba clase en Mexitachi, yo voy y lo busco en Mexitachi y le digo: “Mira vale, necesitamos un bajista porque voy a tocar en la Casa Sindical”, y el dice que va y nos acompaña, total que bueno conseguí la planta de bajo, pero nunca llegó. Igualito tocamos, el batería este, Omar tocó la guitarra eléctrica, y yo toqué teclados y canté.

- ¿Y cómo se llamó esa agrupación?

Bueno le pusimos el nombre de Rictus, como el Rictus de la cara, pero para ponerle el nombre había que aprobarlo en junta casi de maestros, porque la directora me mandó a llamar, y me preguntó de qué se trataba eso, si yo le estaba poniendo un nombre satánico a la cosa, y yo le dije: “Disculpe directora usted tiene por ahí un diccionario” me acuerdo que se lo dije muy respetuosamente, y ella me contesta: “¿Porqué?, ¿qué es lo que le pasa?, mire ¿que eso de Rictus?, eso suena a Rito”. Y yo le digo: “No, no, ese es el Rictus, eso es sinónimo de risa, sonrisa, se refiere al rictus de la cara”. Entonces la hermana con eso me dejó ponerle el fulano nombre de Rictus y bueno pasamos con el Rictus. Llegamos, tocamos en la Casa Sindical, salió todo chévere y cómo veo que no terminaba de cuajar lo que yo quería dentro del colegio, me empecé a buscar por fuera los músicos, porque originalmente siempre los estuve buscando dentro del colegio. Volví otra vez a mirar al Don Bosco y me consigo con Daniro que siempre había estudiado allí, compartimos, lo poco que compartimos era en el autobús que lo llevaba cada quien a su casa, él vivió toda la vida por ahí por batidos El Tigre, y yo originalmente vivía más abajito de batidos El Tigre, en un edificio que se llama FIPICA, que queda al frente de lo que hoy en día es la UNEFA, y compartimos bastante en el autobús, pero ni él sabía que yo era músico, ni viceversa, la cosa es que me llaga la información de que él está tocando en la banda del Don Bosco, en la cual yo toqué, e incluso tocamos en TRT y demás, en unos programas que habían de concursos de conocimientos entre colegios, animado por Héctor Rojas, y en los intermedios tocaban bandas de esos colegios y en varias oportunidades tocamos ahí, y eso también está grabado en videos y demás, pero en ese momento fue sólo teclados, no había canto ni había guitarra de parte mía.

- Bueno Daniro Monsalve es clave en tu carrera musical, porque te acompaña tanto en Exceso como en La Venus de Nácar.

Por supuesto. Entonces allí es cuando me busco a Daniro y comenzamos a ver que se podía ser, que hoy en día es compadre, que es Régulo Camacho, pero él venía de tocar gaitas y música latina. Claro yo no quería tocar nada de eso y Daniro tampoco quería tocar nada de eso. Lo que hicimos fue una especie de audición de Regulo, pero al final la audición la terminó haciéndola él a nosotros, porque él llegaba y yo le decía a él: “Tócate a ver un riff de rock para que acompañes esto”, pero no había guitarra, claro como no había guitarra el tipo no tenía el swing para interactuar bien con la cuestión rockera. Más bien terminó él haciéndome un examen a mí diciéndome: “Pero mira tócate este montunito”, terminé fue tocando fue salsa y porrito en los ensayos con el chamo, entonces yo ya estaba obstinado y yo le digo a Daniro: “Oye chamo esto no está saliendo como yo quería, porque estoy tocando Noches de Media Luna de los Melódicos, Diveana, Boleros, esto está demasiado pavoso” , necesitábamos un guitarrista urgente para que le pusiera la caña a ala cosa, y podamos abrirnos un poquito más, aparte que bueno digamos que siempre a mi me han gustado las baladas, pero tampoco tan latina la cosa.

- Estamos hablando de que año más o menos, ¿93, 94?

Eso es 92. Del 92 para el 93, en el mismo 92 yo estudiaba en la Católica y casualmente un día teníamos un toque en la Casa Sindical otra vez, ¿que hice?, en el Colegio, yo ya había salido lógicamente, vuelven a organizar este festival por segunda vez y me dicen: vente para que toques como ex alumno, y yo les respondí: Vamos a darle. Me busco una corista que es la esposa actual de Regulo, claro en ese momento ellos no se conocían, ni nada, se empataron en el grupo, llegó un día Angélica, no recuerdo su apellido, estaba Regulo Camacho en el bajo, Daniro Monsalve en la batería y no tenía guitarrista, yo estaba en lo que era voz y teclado, me había alejado de la guitarra nuevamente, recuerdo que me consigo contigo en el pasillo de la Católica, no se si tu te acuerdas, y yo te digo: chamo voy a tocar en la Casa Sindical, será que tu vienes para que me hagas unas guitarras y tal, no se que, y tu me dices: No vale, yo conozco a un pana que toca bien la guitarra y que seguro a lo mejor te puede hacer la vuelta. Entonces me llevas a conocer a Gregory Pino, llegamos a la casa de Gregory Pino.

- Era excelente guitarrista para ese momento, Gregory.

Exacto y en ese momento él tenía una muy buena escuela en lo que era la guitarra clásica y la propia guitarra eléctrica, porque ya había tocado con Letalia y otras bandas.

- Con la banda del Don Bosco también.

Ah bueno es que de hecho Gregory Pino estudiaba conmigo en el Colegio Don Bosco en el mismo salón, lo que pasa es que él llevaba materia de arrastre, entonces siempre se sentaba al final del salón, de él si sabía que era guitarrista entonces yo me le acercaba y le decía: epa pana y porque fue que te rasparon. Indiscreto a preguntarle bromas, porque eran poquitas las veces que uno se veía y claro yo estaba viendo la misma materia con él y dije: oye si lo rasparon a éste capaz que me raspan a mí, así que yo voy a preguntarle para que me pase el dato de cómo hay que responderle a este tipo, para que no me vayan a raspar. Esas eran las conversaciones extra musicales con Gregory Pino.

- No eran de música.

Si pero bueno ese día, ya a los años, voy la casa de Gregory Pino y recuerdo que se acordó de mi, ya se le estaba cayendo el pelo, aunque ya a todos se nos está cayendo el pelo, me acuerdo mucho que había otro pana que tocaba y le estaba llevando unas pastillas y una broma ahí, eso fue algo cómico, pero resulta que nos pusimos de acuerdo y nos pusimos a tocar, le mostré unas canciones y no lo dudo dos veces, empezamos ahora si a sacar un sonido un poquito más rockero, porque ya teníamos guitarra, Gregory Pino le prestaba la pedalera a Eduard Barrios.

- De Stratos otra de las bandas de Pirineos II, con Mario y todos ellos.

Exacto, él tenía paralelo Stratos con Eduard, sin embargo parece que no estaban muy activos en ese momento cuando se metió con la banda mía, empezamos ahí si a buscar nombre, y dijimos vamos a llamar a esta broma Exceso y así fue como salimos la primera vez como Exceso, ya con la Digitech nos blandeábamos bien.

- Con las buenas distorsiones y efectos.

Si, y la guitarra que tenía se la prestaba a veces Oliver que tenía una Charvel, y así, él se iba paseando las guitarras por ahí que le prestaban, porque no tenía guitarra, todo era prestado, pero el chamo tocaba muy bien. Bueno empezamos a tocar versiones, básicamente lo que tocábamos en esa época eran cosas venezolanas y muy comerciales, que si Franco de Vita, que si Ilan, pero ya por lo menos estábamos dentro del pop, ya me estaba acercando más a lo que originalmente era la Venus, nos alejamos gracias a Dios del latino ese, que de paso no me gustaba montunear.

- Pero Régulo seguía tocando bajo igualito.

Régulo seguía tocando bajo, empezamos a tocar cosas de Mana también, a abrirnos, Enanitos Verdes, Gregory nos lo presentó parqueen ese entonces yo no oía los Enanitos Verdes, pero Gregory un día se vino para acá para la casa y me trajo un poco de Lp’s y me dijo: Venga para que escuche esto porque tiene que agarrar más idea del asunto y bueno. Empezamos a escuchar Enanitos verdes, ya Soda Stereo también lo tocábamos, en fin, metimos más repertorio en español del rock y del pop venezolano. Para ese entonces cero Aditus, no habíamos tocado nada de Aditus, ni habíamos tocado nada de Sentimiento Muerto, ni de otras bandas, sino exclusivamente Ilan y Franco de Vita, por decir de los venezolanos. Bueno salimos con esa banda, tocamos en unos cuantos sitios, tocamos en la Universidad Católica, empecé a componer las primeras cuestiones para la agrupación.

- Incluso llegan a grabar un cassette al final, cuando tú te gradúas, en la época de Exceso, fue como un disco.

Pero ya ahí estaba José Chacón, con ese primer Exceso no llegamos a grabar nada, sino logramos algunos toques, tocamos básicamente en la Católica, que tenemos las grabaciones y ensayamos en la casa del señor Flores, que en paz descanse, Francisco Flores, el estudio que queda entre Barrio Obrero y el viaducto nuevo, cerca de Datemusica, por la carrera 9.

- Todavía existe, es un estudio grande.

Casualmente él era el que nos hacía sonido a nosotros originalmente, tenía unas Yamaha grandotas que se movían para todos lados y nos cobraba 3 mil bolívares por el alquiler, por ir a hacer sonido. Tocamos dos veces en la Católica. La primera vez que tocamos en la Universidad Católica lo hicimos con la gente de una agrupación política que se llamaba Avanzada Universitaria que nos buscó, para fines de promoción política, pero a mi me interesaba era tocar, yo dije que no había rollo, la cosa es que no sabía que los tipos le habían metido mentiras al padre Garicano, que era él que decía si se tocaba o no, si se utilizaba el auditorio o no y le dijeron que iban a llevar un grupo de música folklórica, y que iban a tocar joropo; cuando salimos nosotros a tocar puesto tocamos nada de joropo, sino tocamos cosas que como ya te digo eran pop y rock.

- Y a Garicano seguro casi le da un infarto.

Entonces claro a pesar de que no éramos ningún grupo Heavy, pero no le gustó y dijo y que la cosa supuestamente pesada, y bueno casi nos mandan a cortar la luz, y demás, lo importante es que nos dio chance de tocar lo que teníamos que tocar, en ese concierto, por primera vez, tocamos temas propios de Exceso, uno se llamaba El mundo necesita amor, que es un tema ecologista, por la banda siempre tuvo esa connotación ecológica, desde todo momento que se creo siempre se tuvo esa intención, se tocó un tema que se llama Pasión y Amor, que es una balada y habían otros temas que yo tocaba en los intermedios solo, porque no los había terminado de montar con los grupos, con los muchachos y bueno los tocaba yo en solitario con mi piano, para ese entonces tenía un teclado muy sencillo, sin sensibilidad, era un Yamaha muy limitado, realmente los sonidos eran muy de juguete, pero bueno ni modo, era lo que uno tenía en el momento, el que estaba más armado ahí era Daniro que tenía una Mapex y Gregory Pino que tenía todo ese perolero porque era prestado y Regulo tenía un bajo que era construido por él, prácticamente así todo extraño, pero la cosa sonaba, y así empezamos a tocar en todos lados a partir de ese toque en la universidad entonces nos llamaban para que fuéramos a la fiestas que hacían en las casas de los panas de la universidad, entonces nos íbamos a cualquier cantidad de casas, hasta llegamos a ir a una casa por el Demócrata que había piscina y tal, ahí tocamos, fue chévere el asunto, pero Gregory no le gustaba mucho como tocaba regulo el bajo, por aquello del estilo que no era tan rockero, o más hacia lo que se quería conceptualizar como banda y comienza a insistir de que metiéramos a Eduard, porque ya Stratos si definitivamente se disolvió, Eduard tenía su bajo, Eduard tenía una formación por lo menos musicalmente del estilo del rock, tocaba mucho los Beatles, de hecho es amante de los Beatles, por ahí está él es abogado también, y bueno yo de verdad no me acuerdo como fue que salió Regulo, porque a mi me dio broma decirle a Regulo que se fuera, yo creo que fue que no lo llamamos más para ensayar, algo así fue, pero a la final nunca le dije nada porque de verdad a mi me daba corte decirle: Chamo nos vas a tocar más, porque Gregory dijo que no tenía así buen feeling contigo y tal y bueno, para mi era difícil la cosa, total que él y Angélica salen del grupo, porque la otra cosa era que de verdad estábamos escuchando que no había una definición a nivel vocal, no era que yo cantara lo mejor de lo mejor en ese momento porque estaba comenzando, además que era un chamo todavía, se me estaba formando la voz, como a todos los muchachos en esa época, cuando uno tiene 17 años, te estoy hablando más o menos de 17 ya cumpliendo los 18, y entonces nada entra Eduard con su Yamaha, un bajo que tenía.

- Un Yamaha blanco era.

Si que por cierto después lo vendió, ese bajo dio vueltas incluso por los Triciclo y demás.

- Ese lo tuvo o se lo prestaban a José Antonio Varela quizás.

Si yo creo. Bueno empezamos a tocar mucho más, ya salimos a las discotecas, tocábamos en el Paseo La Villa, en Cinema Pub, discos de la época, en Atenas Café.

- Y tocaban versiones.

Si allí ya empezamos a tocar mucho más cantidad de versiones pero hacia otro estilo, que no era netamente el pop, entonces incluimos cosas en inglés de Spin Doctor, tocamos Pink Floyd, ya tacábamos ciertas cositas más hacia el inglés que originalmente no se tocaban. Pero todavía no teníamos definido que queríamos hacer, ósea los temas míos se tocaban y Gregory tenía un solo tema que de hecho lo trajo de Stratos y lo montó acá, pero no había algo…

- Quizás un concepto de la banda, un sonido conceptual que identificara al grupo, ya consolidado.

Si no estaba ese concepto plasmado, generalmente no había un orden, ni si quiera había una compenetración técnicamente hablando, porque las grabaciones tu las puedes escuchar de esa época, se sentía que había por ahí un trabajo, pero era como muy individualizado, Gregory hacía muy buenos solos, pero se sentía que él estaba en otra concepción, yo y mi composición iba hacia otro lado, Daniro estaba en otra, no teníamos un bloque como banda, pero sin embargo así empezamos a tocar, el punto más alto de ese Exceso fue cuando conocemos a Hender Contreras y por primera vez nos escuchamos bien, ahí es cuando dijimos la cosa suena bien cuando tenemos también un buen sonido, entonces cambiamos del señor Flores para Hender, y se nos ocurre hacer un concierto en la casa de un pana en la Urbanización Mérida, Douglas Guerrero, entonces yo llego y le digo a Douglas, chamo yo quiero hacer un concierto, entonces me dice: “Bueno vente para mi casa”… y yo le pregunto: “¿que día?”, me acuerdo de la fecha y todo 18 de Noviembre, del año 1994, me llamo a Hender, me cobra 10 mil bolívares por todo, incluso me lleva tarima, se lleva su consola Soundtech, todos los equipos, Gustavo Rico estaba trabajando en ese entonces con él, Eduard con tío consiguió con la Polar que nos dejaran unas cajas de cervezas a consignación, mando a hacer las entradas, empiezo a hacer las entradas en 180 bolívares, me voy para la 101.3 Jóven FM, a promocionar el evento con Hernán Atencio y con Omar Labrador, que eran los que en ese momento estaban dándole duro ahí a las bandas, tocamos por primera vez en el programa con Omar Labrador, una especie de desconectado, primera vez en nuestra vida, no estaba ni planificado, fue porque yo tenía una guitarra en el carro, fuimos Daniro y yo y Eduard, pero Eduard no tocaba la guitarra, no se sabía los temas en la guitarra, y dije: “Nada pues vente yo si me los sé”. Los terminé tocando ese día, y ya ahí íbamos a estrenar el tema Se escapa, por primera vez, de hecho fue el que toqué en vivo en el programa. Bueno nos lanzamos a la Urbanización Mérida, cuando llegamos y aquel gentío, se llenó esa casa, gracias a Dios vendimos todas las entradas, pagamos sonido y todavía nos sobró plata, lo único lamentable fue que empezó a llover, y que de paso la mamá de Douglas, cuando yo toco el timbre y le digo: “Mire señora que acá están los del sonido, para meter los equipos”, me dice: “¿Qué sonido, qué cosas?”. La mamá no sabía nada, yo le expliqué que su hijo me había invitado a hacer un evento allí, y me dijo: ¿y qué le cobró?, y yo le dije: “no no gratis”, de paso. Nada entonces la señora bravísima, y yo pensando, ahora me toca devolver plata, ahora que vamos a hacer, y yo pidiéndole a la señora que buscara a Douglas y me decía que él no estaba, además que estaba renuente porque estaba muy disgustada con Douglas. A la final aparece Douglas tardísimo, Douglas no se que le diría a la mamá, la señora a regaña dientes abrió el portón, empezó Hender a montar todo aquello tardísimo, pero el toque se hizo.

- ¿La rumba fue hasta que hora más o menos?

Siempre le dimos hasta tarde eran como la una de la mañana y nosotros ahí haciendo bulla en esa casa, bueno la tarima quedaba tan alta que yo veía uno de los cuartos, no había ni privacidad en aquella casa en ese momento, pero bueno, ni modo. El asunto se hizo, se estrenó Se escapa, y a la gente le gustó mucho el tema, digamos que ese si fue el primer tema de la banda, o quizás fue el tema que abrió a la banda a su nueva etapa, y que definió el estilo de la banda como tal, Se escapa.

- Que después lo tocó Venus de Nacar.

Exacto, ese es el tema que hace la transición y al que cuando evidentemente cuando Hender lo graba en ese concierto y lo escuchamos, nosotros decimos: “Oye pero éste tema suena bien chévere”, y de paso la gente que fue, todo el mundo tenía que ver con el tema, nos decían: “Ese tema que ustedes tocaron después de Maná”, porque también tocamos otras cosas, y nos decían que si estaba bueno. Cuando vimos la reacción del público dijimos: “Nada éste es el que hay que grabar”. Seguimos tocando en otro poco evento que se hicieron por el estilo, teníamos paralelo Gregory, Eduard y yo un grupo de trova cubana, Gregory me llevó hacia sus gustos en ese entonces, él tocaba mucha trova, yo ni conocía a Silvio Rodríguez, ni a Pablo Milanes, ni nada, o bueno si los conocía pero no eran de mi consumo musical, me empezó a prestar discos y me enfiebré de una manera tal que eso fue lo que me terminó de enseñar a tocar guitarra, me aprendí los punteos, con la fiebre de querer tocar Silvio Rodríguez, armamos un trío, Gregory tocaba la guitarra, yo tocaba la otra guitarra si se daba el caso, Eduard el bajo, y en otros temas yo tocaba el piano y cantábamos los tres, entonces Eduard que tenía voz barítono o que tiene voz de barítono, hacía las voces de Pablo Milanes, y Gregory y toque éramos tenores nos hacíamos los dúos ahí bien chéveres, nos intercambiábamos los temas de Silvio, y para temas como Yolanda pues hacíamos todas las voces, de eso incluso también hay unas grabaciones. Bueno empezamos a tocar paralelo Exceso, con éste grupo de trova cubana que no tenía nombre, pero nos fue muy bien con el grupo de trova cubana, es más nos fue tan bien con el grupo de trova cubana que con Exceso en ese entonces porque habían toques paralelos en casas, entonces nos llevaban a las casas a tocar y se me ocurre también hacer conciertos en las casas, entonces hablo con un pana que se llama Raúl Lira, que vive en El Pinar, y pienso: Vamos a aplicar la misma de Douglas y le digo: “Chamo yo puedo hacer un concierto en tu casa” y me dice “ Pero bueno, mi casa es un apartamento”, pero era un apartamento de soltero y yo le digo: “Pana pero ese está bastante grande y ahí puedo hacer un conciertito”, como de 30 personas, nada me dijo que si porque también el Raúl apoyaba y te ayudaba bastante, tu decías: “Oye necesito para buscar equipos, y él iba y te buscaba los equipos y te llevaba y todo eso”. Bueno me busco un tique de esos de lotería, agarro un borrador, se me ocurre la idea de empezar a hacer los sellos con el borrador, entonces sacaba los sellos de Exceso, cortando el borrador, haciendo las letras en el borrador, la fecha y tal, todo al revés para poder sellar detrás de los tickets de lotería, con esos tickets tenía la numeración, repartía la broma, y por un lado vendía entradas para Exceso con los toques que hacía por ahí en las otras casas y en la otra tickera vendía las de la trova cubana y a veces hasta matábamos los dos pájaros de un tiro, entonces en un lado tocabamos con Exceso y en el mismo lado tocabamos la trovita, era un descanso y una trovita, hicimos ese toque allá en El Pinar, nos fue súper bien.

- Les quedaba algo de dinero también.

Si también quedaba algo, pero más por pasión.

- Si algo más simbólico y significativo.

Bueno el asunto fue que ya después de eso dejamos el Exceso porque Gregory estaba incursionando más en lo que era el canto coral, se metió en la coral de la ULA, empezó a tener necesidad de otra expresión musical, abandonó por completo la idea de tocar la guitarra eléctrica y el rock.

- Por la guitarra clásica, ¿Eduard también dejó la música?

Eduard entró a la Universidad Católica porque Eduard estudió años antes que nosotros, nosotros si estudiábamos en el mismo año entonces lógicamente el estudio le empezó a quitar tiempo de su vida musical, yo tenía ganas de seguir adelante, y sobre todo de grabar el tema Se escapa igual que Daniro, pero nos dimos cuenta que no se conceptualizó aquello con Gregory y con Eduard porque no estábamos en ese momento yo ya no estaba muy compenetrado con ellos, el último toque que de hecho hizo la banda fue un toque de trova cubana, ni siquiera de Exceso, sino fuimos a tocar trova y salimos de ahí peleados, bueno no peleados como tal, sino así como yo no quiero tocar más Johan y tal, los llevé a cada quien para su casa, ahí si cargaba el carrito y dije: Bueno listo. Ahí se acabó la cosa, como ya te digo sin estar peleados porque seguimos igualito seguimos ahorita viéndonos y somos panas. Arrancamos entonces otra vez a buscar músicos, no teníamos bajista, no teníamos guitarrista.

- Además el nombre Exceso lo tenía una banda de Caracas.

Claro ese fue otro rollo, resulta que aparece una banda en ese ínterin en que nosotros dejamos de tocar, comienza una banda tipo Factory para esa época, que tocaban con secuencia, y se llamaron así. Nosotros estábamos registrados acá en el sindicato entonces la gente me decía que me habían plagiado el nombre, me dijeron que habían visto una banda en TRT tocando con el nombre de Exceso, por un lado me sirvió porque había gente que no nos conocía y había oído la promoción de Exceso por la radio en las publicidades y creían que era el grupo mío y me decían: “Oye pero ustedes ya son famosos suenan en todos lados”. Eso por lo nombre, pero por otro lado no me servía porque lógicamente pues no era la banda. Bueno la cosa fue que yo todavía no tomé acciones y yo dije, nada no puedo hacer nada porque yo todavía no tengo guitarra ni bajo, me vuelvo otra vez para tu casa, llegó allá cuando vivías en Santa Inés, y te digo: “Chamo nos quedamos sin guitarrista”. Tu siempre fuiste el que nos conseguía los guitarristas, si de hecho tú fuiste el que nos consiguió todos los guitarristas de la banda, de hecho me va a tocar decirte para ver si me consigues otro. Bueno y me llevas para casa de José Chacón, a quien yo no conocía, y me llevo a José Chacón para mi casa y le muestro mis temas. Acá es importante señalar que siempre tuvimos un ligue con Letalia, siempre tuvimos nosotros como Exceso o como banda algo con ellos.

- Que extraño por haber sido ésta una banda de metal, la banda de Amilcar Mirabal específicamente.

Si y de Jerry.

- Si de Jerry Cárdenas.

Que de hecho llegó a tocar con nosotros, una vez. Entonces fuimos a buscar a José, guitarrista de Letalia por intermedio tuyo, luego me lo llevo para mi apartamento y le digo: “Mira escucha las canciones”, y años después él me dice: “Chamo yo no sé como me metí yo con ustedes, en ese momento” y yo le pregunto porqué, y él me dice: “porque tú lo que me tocaste fue una balada”, yo lo primero que hago es sentarme en el piano que tengo en mi casa y tocar una balada que se llama Un nabo en el viento, porque la había compuesto hace como dos días y entonces estaba fiebrudo con ganas de mostrársela a alguien, y bueno quizás a José le gusto y me dijo: “Vamos a tocar”, pero años después me dice: No sé cómo me convenciste porque a mi ni pendiente con las baladas, pero bueno bien porque las otras canciones estuvieron chéveres y nos compenetramos”. Por otra parte Daniro tenía paralelo, cómo ya Exceso estaba decayendo, él montó un grupo llamado Sociedad, con Gustavo Contreras en las guitarras, Gustavo Castro en el bajo y otro pana que trabaja actualmente con Daniro en SIDOR actualmente. Y me dice: “Yo tengo buen feeling con Gustavo Castro, voy a decirle a ver si va para un ensayo y nos escucha y se monta”. Y sí, efectivo, fue, nos escuchó y Gustavo estaba armado, Gustavo tenía su plantica Peavey, su bajo bueno, siempre él tuvo sus buenas cosas, llegó a tener hasta su amplificador Hartke Systems y tal, además un buen bajo Ibáñez que toteaba, y el chamo era buena base, era lo que estábamos buscando, no un músico que estuviera inventando mucho, queríamos básicamente que el guitarrista fuera el que se luciera, pero originalmente en la banda no estábamos pensando: “No para que todos nos luzcamos”, no era algo conceptual, en lo cual era el guitarrista el que tenía que lucirse y así fue. Empezamos a tocar y de repente cambió el suiche de la banda, claro seguíamos llamándonos Exceso. No tocamos por varias semanas nada de versiones, sino solamente empezaron a salir del archivo que todavía tengo en mi casa las canciones y les digo: “Miren tengo ésta, tengo ésta y ésta, etc.”. Empezaron a salirme cantidad de canciones, a los chamos les gustó y empezamos a tocar aquello. Entonces ahí si había que resolver lo del nombre, me fui para el Sindicato, me hablé con el señor Flores, que era ahí presidente o tesorero del Sindicato de Músicos del Táchira, y me voy a reclamarle al otro grupo de que porqué esta usando el nombre Exceso, y armo un zafarrancho, tanto así que a los otros chamos les tocó cambiar el nombre. Porque por primera vez la Sociedad de Músicos del Táchira, el Sindicato, funcionó. Incluso le enviaron una carta a la radio para La Mega, donde se estaba haciendo promoción para un evento en el Velódromo, donde iba a estar tocando de hecho Rafael Giordanelli con Tiempo Zero, y Triciclo y otras bandas más, y la carta decía que se les exigía que retiraran de todas las cuñas y promos el nombre de Exceso porque esa banda lo estaba utilizando sin derecho de otra banda registrada con mayor antigüedad, eso fue un rollo, que incluso Martín Pedraza, que era el organizador del evento, los tipos del Sindicato lo llamaban para decirle: “Mira te escuchamos haciéndole promoción a Exceso, no lo puedes hacer”. Martín años después, cuando trabajé en la Mega me decía que nosotros lo teníamos obstinado, del bendito Exceso.

- Pero igual después con el tiempo en Caracas surge otro grupo con éste nombre.

Bueno al tiempo llega Omar Labrador, y me dice que tiene un programa en Éxtasis 97 FM, porque él trabajaba en joven, y cuando se disuelve joven se va para la 97 FM y me dice que tiene un programa en esa radio para que tocáramos allá. Nos vamos para allá pero entonces José me dice: “Pero bueno pana, vamos a seguir nosotros con Exceso, ya no hubo un rollo con ese nombre, ya nos rallamos, vamos a cambiarle el nombre, y así tenemos una excusa para el toque de la radio”. Pues si nos buscamos a Hender y le cambiamos el nombre a La Venus de Nacar, a mi no me gustó nunca el nombre, y todavía no me sigue gustando.

- Que a José si le gustaba, que por cierto lo sacamos de una tarjeta telefónica conmemorativa homenaje a Efraín Gómez, sobrino de Juan Vicente Gómez uno de los primeros experimentos con audio de la cinematografía nacional.

Si eso está muy bien, y cómo nunca hubo realmente otra opción adecuada y había que ponerle un nombre se quedó Venus de Nacar, ese si fue el primer demo del grupo, claro salió con el nombre de Exceso, un cassett antes, pero no tenía muchos temas.

- Ese si lo editaste cuando estabas estudiando en la Católica, que ¿lo grabaste en dónde?

Todo eso lo grabé fue en la casa, ese Cassett lo grabamos en la casa con la batería, del tecladito en vivo, Daniro iba tocando en el teclado, cero computadora, no había en esa época real. José grabó las guitarras y todo fue en directo. Y cuando cambiamos el nombre lo que hicimos fue cambiar y ahora pusimos Venus de Nacar pero eran las mismas canciones con el nombre de Exceso porque era la misma gente, porque ahí no estaba Gregory ni nada, de hecho Gregory nunca llegó oficialmente a grabar, salvo el tema ese que te digo que se hizo ahí en la Urbanización Mérida, con hender, aquel día de la lluvia y demás. Bueno empezamos a tocar, cuando tocamos esa época en la 97.7 FM no se tocó sino sólo música de la banda, vemos que la gente empezó a llamar por teléfono y que la cosa prometía, dijimos nada vamos a ver donde grabamos y entonces a mi se me da por llamar de buenas a primeras a Carlos Eduardo Arellano. Agarro el teléfono y le digo: “Mire mi nombre es Johan Parilli, yo quiero contratar unas horas con usted de grabación”, él ni me conocía, y me dice: “Bueno vamos a ver si me queda tiempo para la otra semana”, me voy para la casa de él la otra semana y Carlos Eduardo estaba tocando, como siempre que uno va para su casa está haciendo algo con sus equipos, y en ese momento ni siquiera me saludo ni nada, sino simplemente yo llego con una guitarra aquí al hombro, él seguía tocando, estaba tocando un tema de Spin Doctors, que estaba sonando mucho en esa época, estaba soleando arriba de ese tema, pasan como cinco minutos y nada que me saludaba y nada que me hablaba y yo digo: ¿Bueno pero y entonces?, que hago yo aquí, yo ya estaba así como indignado, será que éste señor y todo el mundo me había comentado que Carlos no era con todo el mundo que congeniaba, aunque ahorita ya no, ya Carlos congenia con todo el mundo, pero en ese entonces no se porque se manejaba eso. Él me dice: “¿tú tocas algo verdad?”. Y yo le digo: “Si yo tengo un temita y tal”, y él me dice: “toca ahí algo, a ver que es lo que quieres que te grabe”, realmente no me prestó mucha atención al primer momento, bueno yo saco mi guitarrita, realmente se me había bajado la pila, y yo dije bueno ni modo, aquí no seré que voy a grabar porque el señor no me está prestando mucha atención, de verdad como no lo conocía, y empiezo a tocar Se Escapa, cuando ya iba por el corito de Se Escapa, yo veo que Carlos agarra la guitarra se la monta y empieza a solear sobre la canción. Y yo pienso: “Mira pero que cambio tan repentino”, años después de que ya conocí a Carlos y que somos tan panas, me doy cuenta que él andaba en otro lado cuando yo llegué allá a su casa y no estaba esperando de pronto mi visita. Oye le gustaron los temas, después que le muestro Se Escapa me dice: Muéstrame otra y le muestro Feliz como la lombriz, cuando le mostré Feliz como la lombriz esa fue, que en esa me dijo Chamo vamos a grabar, es más ni siquiera me dijo nada, sin mucho rodeo y sin preguntarme si tenía dinero o si la hora valía determinado precio. Me dijo: “Vamos a grabar, es más vamos a hacer una cosa métete para allá para adentro”, y me metió para la cabina, me encerró y me pregunta: “Tú has grabado alguna vez en tu vida en un estudio”, y yo le digo: “No primera vez”, y me dice: “Bueno vamos a darle la primera vez a ver que sale”, y me dice: “Que vas a tocar” y yo le digo: “Cónchale pero es que yo no soy guitarrista” y me da una guitarra electroacústica por primera vez en mi vida, con una guitarra de esas en la mano, siempre había tocado con guitarras clásicas y no tenía la destreza con guitarras con cuerdas de metal, y bueno me costaba hacer los ritmos, total no pude grabar los temas de guitarra porque no los podía tocar, y me dice: “Tú que tocas” y yo le digo que mi instrumento es el piano, y me dice: “A bueno vamos pue, salte otra vez”, me prende un piano, me pone unos sonidos de esos que él tenía ahí, y dije no, ojala y yo tuviera un sonidito de estos en mi casa. Grabo el piano, me meto a la cabina y grabé la primera balada ahí con Carlos, cuando yo escucho esa broma yo digo, uff no esto va a sonar demasiado camión, porque era Digital, me estaba grabando en un ADAT, no tenía la computadora sino tenía un ATARI, me dice: “Chamo hay que grabarlo, y esa Feliz como la Lombriz, yo quiero hacerle el solo”. Lo más cómico es que José se quedaba en mi casa y una noche se quedó hasta las 3 a.m. sacando el solo, de ese tema, cuando yo llego, claro, cuando me muestra lo que toca, yo digo: “Chamo José mira la broma, nos va a grabar y además nos va a hacer el solo de Feliz como la Lombriz”.

- Y que dijo José pana.

José puso una cara de ponche, pero en el momento yo ni pendiente, fueron meses después o semanas después no me acuerdo, la canción ya está grabada, que él me dice: “Chamo, tu nunca me preguntaste a mi si yo quería que Carlos Eduardo grabara el solo”, y yo reacciono y le digo: “Oye verdad no, pero quedó deponga”, risas. Como si igualito hubiera dicho que si, lo hubiera grabado el otro.

- A la final Carlos Eduardo terminó como profesor de José Chacón.

A la final Carlos Eduardo, en ese momento cuando le digo que voy a llevar a los panas, y escucha a José tocando, y dice: “No pero éste chamo toca buenísimo”, y se hacen también muy amigos y empiezan a entablar buenas relaciones, y Carlos cambió totalmente y se convirtió de un simple ingeniero de sonido, a un productor de la banda y empieza a asesorarnos a nivel técnico, a nivel de grabación, de los ensayos, nos empieza a dar prácticamente clase. No solamente era ir a grabar.

- Era como una asesoría de producción musical, que hoy en día sigue haciendo con bandas del 2006 como la agrupación de Hard Rock Ziembra.

Exacto, me decía canta así, has este coro, vamos a hacer esta cosa acá, entonces oye fue para nosotros lo mejor en ese momento.

- Y después Venus de Nácar saca su producción y sale a tocar, ¿cuales son las presentaciones más importantes de la agrupación?

Lo más importante que de momento le sucedió a la Venus fue cuando llegamos a la radio con el primer tema que fue Se Escapa. Realmente eso fue lo que terminó de destapar la olla con la Venus.

- Recuerdo cuando yo estudiaba en la ULA y sonaba bastante en la radio, temas como Feliz como la Lombriz también.

Si porque fue impresionante.

- Luego el tema ecológico Selva, también.

Selva, la Tierra de gracia, Largo y cuerdo, todos esos temas se grabaron.

- Y todos sonaron en la radio local, y a nivel nacional mandaron algo para Caracas.

Ese fue el único detalle, ahora que yo recapitulo la única falla que se tuvo, no se quiso mandar nada a ningún lado porque nadie había terminado su carrera. Esto pues nos limitaba un poquito, y yo no quería tener que dejar mi carrera por la música, así lo tenía yo claro y los muchachos también.

- Yo me acuerdo que tu te estabas graduando de Abogado, cuando ya estabas sacando tu disco con Carlos Eduardo, eso fue paralelo, dos méritos bien loables.

Exacto, entonces nunca se tocó las puertas de una disquera en Caracas, ni se mandó material para Caracas ni nada.

- Ese fue el único error de logística que hubo.

Ese fue el único error garrafal si se puede apreciar así, porque con la receptividad que tuvimos acá de la gente, habríamos logrado otra cosa importante en la capital. En el Segundo Festival de Música Contemporánea se presentó la banda, tu sabes que en ese Festival en sus dos primeras ediciones no se hacían premiaciones, pero como lo dijo el mismo Hernán Atencio lo dijo en su programa en repetidas ocasiones, y el decía: “En el Festival nunca se dan premios, pero este año tenemos que darle una mención especial a Banda Revelación, no sabemos de donde salió, estaban escondidos estos chamos, pero hicieron tremendo espectáculo y nos gustó muchísimo su música”. Hernán era uno de los que les gustaba La Tierra de Gracia, y la colocaba mucho en su programa, porque él también era Ecologista y le fascinaban esos temas, y me contaba Hernán que en ese Segundo Festival estaba el productor de Mulato, que en ese entonces Mulato estaba sonando, nos escuchó y el productor de Mulato le dijo a Hender: “Chamo mándame a estos tipos para Caracas, porque estos chamos están para montarles un productor, arreglarle unos detalles así y grabarles un disco”. Hender me lo dijo, me dio el teléfono y todo y yo nunca lo quise hacer, por eso, porque estábamos todos claros en terminar primero la Universidad.

- Si estudiaban unos en la UNET, tú en la UCAT, todos querían sacar su carrera.

Si todos queríamos terminar primero la universidad, y la cosa fue que cuando terminamos todos la universidad…

- Todos se fueron para distintos lugares.

Todos se fueron y las intenciones de la banda se disolvieron. Pero fíjate los hitos importantes de la banda fueron, la receptividad de la gente en la radio y la apertura que tuvimos en la gente, oye la gente compraba los discos de nosotros, yo los vendía los cassetts como pan caliente, porque para que en la universidad siempre me compraban bastante.

- Y los toques más importantes, háblame de los toques memorables de la banda.

Bueno lógico, los dos de Franco de Vita, fueron los más importantes, toques con Desorden Público que también hicimos…

- Los toques en el Festival de Música Contemporánea, que mencionabas también.

Exacto.

- Tocaron en cuantos Festivales.

Tocamos en uno sólo, el siguiente no se que fue lo que pasó.

- Es que el tercero no se hizo, sino años después cuando yo retomé el Festival y lo monté en Ciudad Zero.

Eso fue lo que pasó. Tocamos también en los pabellones, patrocinado todo por la radio, salimos sonando en vivo por la radio, es más la gente no sabía que éramos nosotros, nos confundían mucho con Aditus. Cuando la canción Se Escapa sonó por primera vez, la gente empezó a llamar por teléfono efectivamente, porque José Alí Méndez fue el que nos promocionó el tema, y termina de sonar el tema y suena el teléfono, le pasan la llamada y le preguntan:”Mira cómo se llama ese tema de Aditus”, risas.

- ¿No llegaron a tocar con Aditus nunca?

Nunca llegamos a tocar con Aditus, cuando ellos vinieron, que por cierto los traje cuando tenía el programa de Secuencia Directa, escucharon los temas de la banda, porque una de las fans, aunque ya no existía la Venus, le llegó con un tema de nosotros, allí al Frontino Caber Café, que fue donde se hizo la Rueda de Prensa, y entonces los tipos escuchan la cosa y me dicen: “Panas estos son ustedes”, y yo les digo: “Bueno si pero eso fue ya hace un año atrás”, porque ya se había disuelto la banda hace poco. Y me dicen: “Oye que bueno, y no están montados para que esta noche se monten con nosotros”, y yo les dije: “No, no vale no estamos montados”. Lástima nos pelamos el boche, porque los tipos querían tocar, de hecho lo dijeron en el toque: “Lastima que no están los panas de Venus de Nácar para que tocaran con nosotros”.

- Y porque se acaba la Venus, porque se gradúan todos y toman caminos distintos básicamente.

Básicamente la Venus se disuelve por eso, no hubo ningún tipo de problema con los muchachos ni nada, de hecho años después quisimos volver a fundar la Venus pero José se fue a México, es más la Venus inclusive estuvo paralela, en solitario, con Radio Tigre, porque claro, José estaba conmigo aquí en la escuela dando clase y nosotros empezamos a ensayar aquí en nuestros estudios y Daniro no estaba, estaba otro baterista Yorwin, y conseguimos un bajista, por un anuncio que teníamos del periódico, y como era fan de la Venus se sabía todos los temas.

- La labor docente que estás haciendo ahorita en la escuela que es muy importante también, ¿que satisfacciones te ha traído esta nueva empresa?, ¿porque surge esta inactiva? Tú estudias también en el IUDEM y estás a punto de graduarte y ¿quieres quizás multiplicar ese conocimiento acá?

Bueno la escuela nace de un periódico llamado Secuencia Directa, y a su vez nace también de las influencias de ese mismo programa Secuencia Directa que fue un programa que se hizo por más de cuatro años en la Mega de 9 a 10 p.m., de 9 a 12 p.m., a veces era de 9 a 9:30 p.m., pero era a las 9:00 pm. De lunes a Viernes, y allí yo lo que quería era apoyar, a las bandas, se hicieron conciertos en Secuencia Directa, acústicos, tu llegaste incluso a participar ahí, pero me di cuenta que lo que estábamos haciendo de referencia. La falla no es solamente de que existan los grupos, y que halla quien los difunda, no, sino que la falla está en cómo vas a formar tu los grupos, desde el punto de vista del concepto profesional de la música, del saber qué estoy tocando, qué estoy haciendo. Qué la gente te pueda decir: “Mira te pareces a fulano de tal”, por ejemplo, y que tu digas: Sí, así es que lo quiero hacer, porque ese es el estilo que yo quiero hacer, cual es el problema que suene la cosa que si tipo Blink 182, o suene a los Charly García, pero que tu sepas que musicalmente esa es la estética que tu estás siguiendo porque eso lo tenían muy claro los tipos del clasicismo, del barroco y que se yo.

- Esa es la categorización del arte a la que se refiere Darcy Ribeiro, que es el concepto.

Eso mismo, los tipos decían yo debo hacer música dentro del patrón de la sonta, porque el que no lo haga tipo sonata está perdido.

- Que ese es el Style, el Estilo.

Exacto, esa era la estética de la época. Entonces me di cuenta que no tenía que apoyar tanto la gente dentro de la radio, sino fueran de la radio y por eso aparece DATEMUSICA, y aparece en principio como una sección dentro del periódico de Secuencia Directa, y cuando voy a fundar la escuela le pongo el mismo nombre, porque es lo que quiero comunicar.

- Y es hoy toda una realidad. Johan ya finalizando, ¿cual sería la estrategia para hacer que la Industria Cultural del Rock Regional pueda trascender, e insertarse en la lógica de la industria cultural nacional e internacional?, ¿Cómo hacer que éstos bienes culturales lleguen a la capital?

Bueno básicamente yo creo que todas las bandas tenemos que tener una formación en gerencia. No que un título como tal pero si tendríamos que tener conceptos para gerenciar nuestra banda y mercadearla. Si tú vas a montar una banda de cero, y quieres vivir de esa banda, y obtener dinero, que es lo que más o menos todos en este momento pensamos. Pero oye tienen que pensar en hacer lo mismo que cuando vas a montar un negocio, que es invertir en publicidad, gastar en tu registro, y si tienes que hacer un estudio de mercado, pues e hace, para poder llegar a quien le tienes que llegar, uno cuando tiene la banda lo hace más por pasión originalmente, y es más la ilusión de decir: “Oye mira me grabé un disco, estoy sonando en la radio, que chévere, me voy a montar en la tarima con fulano de tal”. Y no te pones a ver un poquito más allá de que la cosa tiene que tomar cierta seriedad de decir, bueno aja, ¿cuanto voy a cobrar?, ¿cómo voy a manejar mi imagen?, ¿cómo me voy a vestir?, ¿cómo van a ser lo afiches?, ¿cual va a ser el diseño gráfico?, ¿a quién le voy a mandar éste material para que lo distribuya?, evidentemente pensar, ¿Dónde lo voy a grabar?, ¿Quién lo va a masterizar?, etc, y eso evidentemente muchas bandas no lo piensan y los que lo piensan creen que es mucho dinero lo que hay que invertir para poder hacer aquello, pero yo digo lo siguiente: Si tu tienes fe en tu producto, porque así como montas una empresa, donde el producto se está vendiendo y no es de uno sino es de otra gente, y tu igualito le tienes fe y lo montas y le inviertes dinero, publicidad y que se yo, pues oye, si tu estás consciente de que la gente está reaccionando, como en el caso como a mi me sucedía con la Venus, que yo veía que la gente llamaba a la radio y pedía los temas, ósea no era algo así ficticio y yo lo viví porque tuve la oportunidad en esa época de trabajar en la radio, y me pregunto, porqué yo no invertí dinero en mi propia empresa, porque habría sido eso.

- Un éxito. Siempre el capital es importante dentro de esa industria y la difusión es fundamental también.

Exacto.

- Es la proyección del producto.

Ahora en estos tiempos que estamos con las nuevas leyes de difusión musical venezolana, pues yo creo que el campo se abre y de paso podemos con facilidad llegar al común denominador. También tenemos unas plataformas que en ese tiempo no se tenían del internet, por cierto, puedes visitar www.johanparilli.com, que hay están todos los temas, incluso unos videos que hice, pero ya no son de la Venus, sino unas producciones más mías.

- Bueno Johan dime un nombre de lo que para ti es una figura emblemática en cada uno de los instrumentos emblemáticos de una banda de rock en nuestra región. Un guitarrista, un baterista, un tecladista, un bajista, un vocalista y un compositor.

Un guitarrista.

Son tantos que uno de repente no quiere dejar a ninguno por fuera, pero realmente me han gustado siempre como han tocado Chucho Duque y José Chacón. Chucho Duque en su época cuando estaba con Antes de la Línea, ahorita creo que están retomando.

Un tecladista.

El mismo José Ángel Cavallín.

Un baterista.

Me quedo con Daniro, he tocado con todos, todos son muy buenos y todos son panas, pero Daniro es el que me ha agarrado el feeling, o con la banda.

Un bajista.

Oye hay unos bajistas tremendos, bueno el chamo que toca con nosotros Carlos Wilmer Zambrano, muy bueno, fue el último bajista de la Venus, junto con José Portillo, que por cierto tocamos ahorita en diciembre de 2005, digamos un reencuentro que organizamos en el teatro de la UNET, con Daniro y aquí en la escuela, eso fue bien interesante.

Otro de los bajistas así ahorita es este chamo Jairo Tolosa.

Un vocalista.

De verdad que no tengo uno preferido, no tengo uno así categorizado que yo diga éste.

Y un compositor.

Hay temas que me gustan de Joel, de hecho he tocado unos temas de Joel dentro del repertorio de la Venus, hay unos temas que me gustan del personaje que tengo al frente de Ramón Alí, también me parecen muy buenos. Temas de La Flor del África…

De Ronald Miquelerena.

Que son unos clásicos para mí, porque los escuche hace mucho tiempo. Deberían ser unos clásicos, es lo que quiero decir. Más o menos si esos son los compositores que menciono.

Gracias Johan…

17. Felipe Restrepo. De la Basura Nacional a Danza Negra.

- ¿Cuales fueron tus inicios en el movimiento del rock regional, en que año fue, cual fue tu primera banda? Además comentanos de tus participaciones en Basura Nacional, Auto de Detención y Danza negra.

Cuando llego a San Cristóbal de Caracas, más o menos en 1993–1994 conocí, lo típico, los compañeros del Colegio, del último año, vamos a montar una agrupación, la primera agrupación que tuve en San Cristóbal se llamó R.I.P. Rest In Peace, no tuvo ninguna trascendencia, tuvimos un sólo toque en un colegio, para nada fue trascendente, pero era muy divertido imaginarse tocando desde allí comienza el gusano, ese que a todos nos picó, de querer ser músicos, ir a los conciertos, presenciar a Soda Stereo, ir a los conciertos, yo iba en Caracas a ver a Sentimiento Muerto, de repente ver a Zapato 3 en la Sala CADAFE, bueno venías con ese leiv motiv de vida y bueno básicamente la primera banda seria en San Cristóbal, con la que pude tocar y que podemos decir que fue la primera banda de punk de San Cristóbal fue Auto de Detención, en ese momento tocaba Chucho, era el cantante, el mismo cantante de Residuos, que realmente se llama Freddy Ñánez, pero siempre lo conocimos como Chucho. Chucho cantaba, el bajo lo tocaba estaba tocando Tiburón, Varela es el apellido, pero siempre lo conocimos como Tiburón, en la guitarra estaba Frank Mota y yo me monté en el cuento de la batería.

- ¿Eso era Auto de Detención?

Fue lo primero que sucedió aquí a nivel de punk, la primera banda de punk.

- ¿En esa intervino Luis De Santis?

Luis De Santis intervino en un segundo período y te comento por qué, en principio Auto de Detención era un proyecto, yo no sabía tocar batería, Chucho no sabía cantar, Frank Mota, que ahora es una eminencia de la guitarra, en ese momento sabía tocar tres acordes y tiburón no era bajista, él era baterista.

- Estamos hablando del año…

No recuerdo exactamente, 1993–94, más o menos que fue cuando se presentó la primera banda de punk en San Cristóbal, a raíz de eso y de que yo era tan mal baterista y que tiburón era tan mal bajista, porque él era baterista realmente y el bajista era yo, entró a tocar Derby la batería, invitan a Luis De Santis a tocar la otra guitarra y se monta en el bajo Paul, eso fue con Auto de Detención. Con la historia de Felipe, Auto de Detención se desarrolla y paralelo a esto estaba haciendo un proyecto con Salvador Villalobos, quien cantaba con Leonardo, no recuerdo su apellido, el maracucho, y tuvimos una banda de ska que se llamó Protaska, en ese cuento muy anárquico, muy anarco punk y muy influenciados también por el cuento del ska pues por allí estábamos por esa corriente socio-musical, porque finalmente todo esto tenía que ver era con un desarrollo social nuestro y nos inventábamos historias con relación a la anarquía en ese momento, con los teóricos, leíamos muchísimo y no éramos tan buenos músicos, pero leíamos muchísimo y teníamos muchas cosas que decir. Después de Auto de Detención y de Protaska nos montamos en un proyecto llamado Antirégimen, fue una banda que luego muchos conocieron como Orión, estuvo tocando allí Alex Ardila, la guitarra, más conocido como El Indio, Alejandro Ardila en el bajo, era el hermano de Alex y yo era el cantante, igual, el mismo contenido social, las mismas líricas, una propuesta muy punk y muy hardcore, era la idea que teníamos para ese momento, obviamente con toda la rebeldía juvenil y todo lo que teníamos que decir, más todo lo que nos inventábamos. Luego de Antirégimen, Antirégimen pasa a llamarse Orión, ellos comienzan a tocar Heavy Metal, a mi no me gustaba el heavy metal así que decidí dejar la banda y me monté en un proyecto con Luis Solano en la batería, con Israel en la guitarra.

- ¿Luis Solano era baterista de qué agrupaciones, él tocó en cuáles otros proyectos?

Para ese momento estaba tocando con varias bandas, entre ellas Ad Libitium. Se integra a este proyecto con Giovanni que era el bajista de la agrupación y yo el cantante, el mismo contenido social, unas letras un poco más desarrolladas a nivel literario, la composición estaba más dedicada, teníamos muy buenos músicos entre las espaldas, ya no eran tan experimentales como los tres acordes, sino que ya se sabían toda una cantidad de escalas, y bueno fue como un proceso de crecimiento dentro de la música. Luego de Ad Libitium, dejo de tocar por completo cuando deciden tocar también un poco de Heavy Metal y yo estaba muy renuente a dejarme influenciar por esos sonidos y dejo de tocar durante un largo periodo de tiempo. En ese periodo de tiempo vi asar muchísimas bandas, vi el crecimiento de Triciclo, vi el crecimiento de Los Residuos, que ya no se llamaban Auto de Detención, sino que bueno la banda se desintegra y deciden llamarle Residuos, como el nombre de la primera banda de Hombre G y bueno en ese tiempo yo no estuve tocando, deje de tocar durante un largo tiempo, hasta que me encuentro con Elbano Jiménez y bueno decidimos montar Danza Negra, un primer proyecto experimental de música electrónica en San Cristóbal, con influencias globales, como un global sound completo y con influencia del new age, y todo ese cuento que estábamos viviendo para ese momento, la banda estaba conformada por Elbano y por Felipe y era un proyecto más de grabación que una propuesta para tarima, nos acompañó Pedro Ángel, que nos hizo la ingeniería de sonido para el primer disco, y además nos interpreta en dos temas la guitarra clásica, y bueno eran sonidos, eran bajos, eran secuencias, eran guitarras, era el bajo con afinación total en re en lugar de estar trabajando en escala de fa, convertíamos todo lo que pudiéramos convertir para que sonaran cosas diferentes, usábamos muchas campanas, muchas secuencias, sampleabamos muchos sonidos, agarramos bombonas de gas y les caímos a golpes para crear beats, en ese momento trabajamos de forma muy análoga, y parece que fuera muy lejos, pero eso sucedió apenas hace bueno ya ocho años, sí es lejos… 1998.

Ramón Alí Mogollón nos hizo la fotografía de la portada del primer trabajo y no salimos en CD porque no teníamos presupuesto para CD, pero salimos en casett que era algo que estaba saliendo del mercado de las bandas, era muy underground, pero no teníamos toda la posibilidad de hacer copias de CD, la reproducciones se hacían a cuatro. Finalmente nos invitan al primer Simposio Internacional de Arquitectura, que se estaba realizando en San Cristóbal, una invitación porque algunos de los arquitectos o de los estudiantes de arquitectura de la UNET habían escuchado el trabajo, les encantaba, les parecía que tenía mucho que ver con el concepto arquitectónico, de hecho la propuesta nuestra como músicos era involucrar el diseño dentro de la música, el vernos presentando música para obras de teatro, muchos directores de teatro utilizaron la música de Danza Negra para sus obras, Danilo Chacón la usó para Factor 2000, por ejemplo, la gente de Transhumante teatro la usaba continuamente para sus montajes y bueno nos invitan a un reto nuevo, porque no nos habíamos planteado la posibilidad de tocar en una tarima, había pasado mucho tiempo desde la última vez que me había presentado en tarima, nunca había tocado con Elbano en tarima, y vamos a invitar a otros músicos, invitamos a Emmanuel Pascuas a que tocara la guitarra, un integrante fijo de la banda casi hasta el final, e invitamos a un baterista, David Tuaty, que había tocado con Sinestesia, Elbano en ese momento también estaba tocando con Sinestesia, y entonces vamos a montarnos en una tarima, que era lo que faltaba precisamente para que Danza Negra se diera a conocer por lo menos en San Cristóbal, ya nos conocía el gremio de músicos y los panas y eso era interesante porque la música que estábamos haciendo llegaba solamente a la mano de los panas: …mira acabamos de grabar esto; mucha gente estaba sorprendida por el trabajo que estaba haciendo la banda porque era nuevo, que no era lo mejor del mundo, para nada, pero era algo nuevo y era novedoso para nosotros por supuesto.

Nos presentamos en el Simposio, un solo micrófono al frente, y se presenta una banda que hace fusiones con Acid Jazz y que hace música instrumental, y jamás en la vida sonó una canción con voz y en ese momento la gente decía: pero cuando me vas a cantar… los maracuchos gritaban, causaba mucha risa que fuera de esa manera, porque nosotros no teníamos intenciones de cantar, las canciones no tenían una estructura así como que este tema dura tres minutos, había mucho Jamming, entonces arrancábamos, era de muchas sensaciones en la tarima, teníamos unos ensayos y como habían buenos músicos, podíamos jammiar y un tema podía durar ocho minutos, diez o dos dependiendo si nos gustaba lo que estaba pasando. Luego de ahí en adelante empezaron a aparecer invitaciones para toques casi cada semana, tocábamos muchísimo y bueno un buen día David se fue a hacer sus estudios fuera del país, se fue a estudiar aviación, e invitamos a uno de los bateristas que para mi es uno de los músicos más significativos dentro de mi vida musical, Luis Solano, y Luis aceptó, Luis había tocado con Party Animal, con Guerra Santa, con Ad Libitium, con todas las agrupaciones que se puedan imaginar de San Cristóbal. Chévere, aceptó la historia y decidimos pasar del Acid Jazz a sonar un poco más Funky, aprovechando que teníamos un excelente baterista y bueno por allí nos fuimos, grabamos un demo promocional para el 3er. Festival de Música Contemporánea, donde ganamos como banda revelación, compartimos tarima con muchos músicos, aprendimos muchísimo, con músicos que llegaban de fuera también, fue una época de revolución musical dentro del estado, músicos que tenían mucho tiempo estaban aprendiendo de músicos más nuevos, y los músicos más nuevos, obviamente de la experiencia de los músicos que tenían más tiempo, y eso lo hizo muy interesante. El Festival de Música Contemporánea marcó mucho la historia de Danza Negra, a nivel de composición, a nivel de estética, de lo que queríamos hacer, preocuparnos por otras cosas más allá de la música que son fundamentales dentro de esta industria, que es la imagen en tarima, donde te vas a parar tu Elbano, donde vas a cantar, que tipos de sonidos vas a usar, con qué guitarra vas a tocar, porque es que el sonido de esta guitarra me da el sonido que quiero en esta canción, bueno nos preocupábamos mucho más por eso, aprendimos muchísimas cosas y bueno nos preparamos a grabar un disco que es Bracho Funk Experience, que finalmente es el disco de Danza Negra, lo editamos y todos los discos se acabaron, tuvimos una segunda edición, todos los discos se acabaron.

- ¿Qué número de copias se editaron?

No recuerdo, no fueron muchas tampoco, pero para nosotros era exitoso, yo no tengo un solo CD de Danza Negra, se que hay uno en Esperanto que me lo tienen guardado, porque conocí a la dueña y me dijo: …mira por ahí vi el disco de Danza Negra, y yo le dije: …guárdamelo, se lo pagué ya, pero de resto no quedan copias, tenemos que hacer más copias.

¿Y la banda sigue con el proyecto o no, Emmanuel sigue con la banda o ahora es un trío?

Bueno Emmanuel Pascuas, dejó la banda hace ya algún tiempo, hace mucho más de un año, de hecho las últimas presentaciones de Danza Negra, de hecho las últimas presentaciones de Danza Negra fueron en formato trío. No queríamos meter otro guitarrista, de hecho Emmanuel nos daba un matiz muy serio dentro de la banda, nos tocó hacer nuevas composiciones porque hacía falta una guitarra, trabajamos más con secuencias, acompañadas de la batería, cajas de ritmos que agregamos, sintetizadores que sonaban eventualmente, y bueno nos tocó hacer el trabajo entre los tres. Pero bueno Danza Negra ahora es Elbano Jiménez, Luis Solano y es Felipe Restrepo, seguimos con la misma idea de hacer funky, lo vamos evolucionando, nos dejamos llevar un poco por el hip hop, también por el electrosoul que es tal vez parte de la música que estamos escuchando ahora, y del electro que es finalmente lo que vas a escuchar con Danza negra cuando nos vean en vivo.

Estamos trabajando, se están trabajando secuencias nuevas, se están haciendo nuevos trabajos, queremos meternos en estudio a grabar y obviamente las presentaciones que es lo único que le gusta a los músicos. Finalmente estar en una tarima tocar aunque sea para diez personas, que se están tomando unas cervezas, que brinden con el tema que están escuchando, y que le coreen de repente algo de lo que se saben, ya para nosotros está bien. Si suceden cosas más grandes siempre van a ser bienvenidas.

- Para finalizar, cómo crees tu que se puede dar un paso hacia delante en la Industria Cultural del Rock Regional.

Bueno, primero la promoción de una agrupación regional, además romper el paradigma de que aquí no se hacen buenas cosas, eso es algo que nos tiene atados y cegados, si vas al resto del país te vas a encontrar con agrupaciones pésimas, que suenan muy mal y que están sonando en todas las emisoras de radio. Agrupaciones que son básicas y elementales y están vendiendo muchos discos, agrupaciones que no suenan bien pero tienen toda la promoción del mundo, entonces, creo que nosotros tenemos muy buenos músicos, hemos tenido excelentes músicos, y por supuesto lo único que nos ha frenado con relación a la difusión dentro de Venezuela, o fuera de ella, es romper el paradigma de que no somos buenos.

Por otro lado el mundo en este momento te facilita muchas cosas, Danza Negra sonó en Alemania, estuvo sonando en España, estuvo sonando en Suiza, en Venezuela en Puerto La Cruz, Maracaibo, ahorita estamos sonando en la radio del Ateneo, en la Mega de Caracas. Y son cosas que suceden, porque tan bueno es hacer la música, tan importante es que te prepares para ser buen músico, tan importe es que tu composición sea buena, como relacionarte, eres una especie de gerente de lo que tu fabricas, fabricamos música y si tu quieres que tu música suene, si no quieres permanecer en el underground, tienes que hacer relaciones, tienes que hacer llamadas, tienes que invertir dinero en eso, tienes que mandar tus demos, y no tus demos en un CD, quemadito sin arte, tienes que preocuparte porque los que estás haciendo tenga tan buena estética, que para a quien le esté llegando a las manos diga, mira me voy a preocupar por escuchar un tema, vamos a ver, mira está bonita la portada, está bien hecha, la carta, la nota de prensa está bien redactada también, bueno vamos a ver, es tal vez una banda seria no la conozco pero los voy a escuchar.

Entonces creo que es eso, romper el paradigma y por otro lado mira arriesgarte, mandar, ahorita con Internet te pueden escuchar en la China, te puedes volver Nº 1 en Japón, sólo debes ubicar el tema allá.

- Felipe por favor mencióname un personaje destacado dentro de la historia del rock regional, en lo que se refiere a cada uno de los músicos más destacados de ayer, hoy y siempre de una banda de rock.

Un bajista:

Greys Hernández. Y otro bajista Joel Arellano.

- Un guitarrista:

Aunque no me gusta el Heavy Metal, me parece que un buen guitarrista siempre fue Abelardo, y siempre lo ha sido, pero por otro lado me gusta mucho Pedro Ángel en la guitarra clásica.

- Un baterista:

Luis Solano vale, toca conmigo.

- Un Tecladista:

José Ángel Cavallin, definitivamente.

- Un compositor:

Para quedar muy bien con todo, Ronald Miquelerena de la Flor del África.

18. Eybar Alejandro Serrano. Virtuosismo instrumental.

- Twamb es una de las agrupaciones más recientes dentro de la historia del rock regional, dime: ¿en que año surge Twamb, cuando empiezan a tocar de manera genuina en el circuito de bandas locales?

Bueno eso fue aproximadamente hace 5 años, empezamos como una banda de colegio, en el colegio Don Bosco.

- ¿Estamos hablando del año?

2001.

- ¿Cuales son los miembros de la agrupación Twamb?

Están Martín Paz en la voz y segunda guitarra, Humberto Isea en guitarra principal, Carlos Torres en Batería y percusiones y yo en el bajo.

- Y ¿de quien es la iniciativa de formar el grupo, o ya habían tocado anteriormente en otro grupos?

Bueno particularmente en mi caso, yo ya había venido tocando toda mi vida, porque de hecho mi abuela se murió encima de un piano, mi papá es músico también, en Caracas en su época tuvo varios grupos también, tocó con Trino Mora, con varios personajes de la movida del rock nacional, mi padre Eybar Serrano, quien es médico.

- ¿Cual es fue su primera presentación?

Bueno nuestra primera presentación fue como a dos semanas después de que nos unimos todo los integrantes, que hemos sido siempre los mismos y fue en el mismo colegio, y fue bien chévere.

- De allí para acá han grabado temas, tienen su propia página web, han tenido la oportunidad de tocar en escenarios grandes, háblame un poco de los logros más representativos de la banda Twamb.

Bueno nosotros en casi cinco años tenemos una trayectoria relativamente grande, hemos tocado en Caracas dos veces, en La Belle Epoque, en Kaos Bar, tocamos en Valera hace como menos de un año que también nos fue muy bien, hemos tocado aquí en grandes tarimas como las que han montado aquí en las ferias, en la misma tarima junto a Caramelos de Cianuro, Malanga, tocaron unas bandas de Mérida, hemos tocado con infinidad de bandas de aquí también con Radio Tigre Internacional, Guerra Santa, con infinidad de bandas de todas la épocas del rock regional.

- También han participado en los Festivales de Música Contemporánea.

Si hemos estado ya en dos Festivales de Música Contemporánea, en el 5to y 6to.

- Son cinco integrantes, se conocen todos en el colegio y ¿Cuál es la influencia de la banda, el concepto musical y artístico de la banda?

Inicialmente cada uno de nosotros tiene su propia influencia, que si el Jazz, el Blues, el Rock, pasando así por muchas tendencias de la música, entonces a la hora de hacer música cada quien mete sus influencias y se vuelve así como un collage bien interesante.

- ¿Y que referencias tienen de las antiguas bandas de San Cristóbal, habían escuchado alguna, sabían del movimiento del rock local?

Particularmente no conocía nada porque lo que hacía antes era estudiar en la Orquesta Sinfónica, en la Miguel Ángel Espinel, en la Judith Jaimes y siempre ha sido música clásica, piano, flauta y ese tipo de cosas y no conocía nada del rock. Fue de un momento a otro que escuché a un artista internacional que me cambió mi percepción musical inicialmente.

- Hoy en día eres el mejor bajista de la escena local, ¿Que profesores tuviste en la ejecución del bajo?

No tuve ningún profesor en esa área en particular, soy autodidacta en el bajo.

- ¿Y cuales son los bajistas que más te han influenciado, íconos referenciales?

Hay muchos, Jhon Patitucci, Abraham Laboriel, Jaco Pastorius, y todos aquellos que tengan influencia del Jazz, del Funk y del Blues.

- ¿Ustedes entonces forman parte de una nueva generación, a partir del año 2000, que otras bandas contemporáneas a ustedes me puedes mencionar?

Podemos mencionar a una banda que se llama Dextrin, que es de Punk, que ya han avanzado bastante, tienen mucha madurez en tarima, que también son más o menos contemporáneos con nosotros, y así hay muchas que luego se disuelven, se mezclan unos integrantes con otros y así sucede, nunca son constantes en cambio Dextrin que te estoy nombrando tiene su tiempo ya. También puedo mencionar a Templo de Nadie, que ha sido estable pero poco constante, Parke Inactivo, con algo de punk y metal, influencias de Metallica, pero no han vuelto a tocar.

- Y de los nuevos proyectos del Rock Regional.

Me gustan bastante y le tengo bastante respeto a Radio Tigre Internacional y páramosoundsystem, donde ya hay músicos mayores y son unas fusiones bien interesantes, en páramo tengo oportunidad de tocar y me siento bastante cómodo.

- ¿Para ti cual debe ser la formula para hacer que nuestras bandas regionales lleguen a la capital e insertarse en la lógica de la industria cultural nacional e internacional?

Principalmente y por experiencia propia, es en principio por iniciativa de cada banda, nunca va a ser por Festivales, ni por nada de eso, pues muy difícil y siempre hay muchas cosas extrañas de trasfondo en ese tipo de competiciones, entonces la única forma de que uno llegue es poniéndole empeño cada banda por si misma, gastando su propio dinero a veces en ocasiones para poder llegar a grandes tarimas, a viajar a ir a Caracas a tocar allá, a hacer contactos, porque siempre el apoyo es un poquito difícil.

- Nómbrame ya para finalizar un bajista, un guitarrista, un baterista, un tecladista y un compositor que te pueden ser lo más representativo posible dentro de la historia del rock en el Táchira.

Un bajista.

Me gusta bastante Joel Arellano, que tiene su propio estilo así que es como tranquilo, pasivo, pero es muy bueno.

- Un guitarrista,

Al que respeto más es a José Chacón, conocido como el Pollo, también Chucho Duque que tiene su estilo así particular, Frank Motta también muy bueno, y así la verdad es que no conozco muchos, pero eso son bastante buenos.

- Un baterista.

Me gusta el baterista de Danza Negra que se llama Luís Solano, muy bueno. Carlos Torres que toca en mi banda que también me parece bastante bueno, tiene muy buen sonido.

- Un compositor.

Tu con tus composiciones en páramsoundsystem, Martín Paz, el compositor de mi banda tiene muy buenas letras, hay buenos compositores en la región, con letras que le llegan al público y son buenas.

Cronología de Bandas Regionales

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[1] Pelo fue una de las publicaciones más populares de Latinoamérica, de origen argentino, disertó sobre el movimiento pop rock a nivel continental y del cono sur. El primer número apareció en Febrero de 1970, y no sólo cubrió esta década, sino que tuvo continuidad en los ´80 y los ´90. Su director, Daniel Ripoll estuvo muy vinculado a la historia del rock nacional argentino, ya que fue el organizador de los recitales Buenos Aires Rock.

[2] La Gran Fraternidad Universal Fundación Dr. Serge Raynaud de la Ferrière, es una organización civil y cultural, sin fines de lucro, de carácter mundial, Registrada Legalmente en 22 países, inscrita en la Organización de Naciones Unidas como Organización No-Gubernamental con Estatus Consultivo en el Consejo Económico Social (ECOSOC) y en el Departamento de Información Pública. La Gran Fraternidad Universal no solamente ha agrupado en su seno a varios movimientos, sino que aun ha venido en ayuda de numerosas asociaciones que han permanecido independientes pero deseosas de participar en ese gran esfuerzo de acercamiento de las razas. Esta Institución, que se presenta verdaderamente como una Dirección Espiritual Mundial, se coloca bajo el plano de la Reeducación de la Humanidad en el sentido Cultural Universal, es decir, encarando la Paz de la colectividad humana tanto como la Paz interior de cada individuo.