영화 분석의 기초 개념

영화 분석의 방법과 의의

1895년 겨울 파리의 한 카페에서 뤼미에르형제가 50초 남짓의 영화 여러 편을 돈을 받고 대중에게 상영

전문적이며, 체계적으로 전개하기 위해서는 영화에 내재해 있는 다양한 요소들의 의미와 의도를 적절한 언어로 표현할 수 있어야 한다. 이를 기반으로 자신의 해석과 의견을 제시할 때 다른 사람에게도 설득력을 갖기 때문이다. 영화 분석은 언어를 통해 영화의 미학적 특징을 밝히는 것을 목표로 하며, 더 나아가 비판적 평가를 내리기 위한 토대를 마련하기 위한 수단

체험과 성찰의 영화 분석

타인과 공유할 목적으로 영화의 특징을 비판적으로 규명하는 행위를 영화 분석이라 부른다. 영화 분석을 위해서는 최소한 두 가지 준비 과정이 필요한데 그것은 영화 감상과 이에 대한 성찰이다.

영화의 어떤 요소가 관객인 나를 이렇게 움직인 것일까? 바로 이 질문이 관객 각자가 수행하는 영화 분석의 시작점이다. 분석자는 영화 속에서 영화의 특징을 찾아 나간다.

영화 분석은 영화 비평과 다르다. 영화 비평은 영화를 보지 않은 독자에게 영화에 대한 정보를 제공하는 것을 주목적으로 한다. 따라서 비평문을 쓰는 사람은 영화를 미리 본 사람으로서 자신의 감상과 평가, 영화의 주요 내용을 독자에게 밝힘으로써 독자가 최종적으로 그 영화를 볼 것인지 결정을 내리는 데 도움을 준다. 이렇게 본다면 영화 비평은 정보 전달, 가치 평가, 영화 추천의 세 가지 기능을 수행하는 데 그 역할이 있다. 일간지나 주간지의 지면을 통해 이루어지는 영화 비평은 특히 정보 전달과 영화 추천의 기능을 중요하게 여기며, 그런 이유에서 현재 상영 중인 영화를 대상으로 삼는 경우가 많다. 평론의 본질적 역할 중 하나지만 가치 평가의 기능을 훌륭하게 수행하는 영화 평론은 그다지 많지 않으며, 그렇기 때문에 그것은 더욱 우리의 눈길을 끈다

영화 분석은 영화라는 현상을 체계적 연구 대상으로 설정하고 매체의 고유성을 고려해 그 특징을 분석하는 것을 목표로 삼는다. 영화 분석은 상호주관적인 작업이다. 즉 분석하는 사람의 만족을 위한 것이 아니라 확실한 방법을 통해 다른 사람들을 설득하기 위해 작성하는 것이다. 이렇게 작성한 분석문은 그 방식과 결과의 측면에서 검증 가능해야 한다. 영화 분석에서 다루는 영화가 현재 개봉 중인 영화인지, 과거에 개봉된 영화인지 여부는 중요하지 않다. 영화 분석은 영화사의 모든 시기에 제작된 영화 중에서 자유롭게 선택할 수 있다. 분석에서 왜 특정 영화를 분석하는가에 대한 타당한 근거만 제시된다면 현재의 블록버스터 영화도, 소수 마니아만 찾는 컬트 영화도, 과거의 고전 영화도 모두 분석 대상이 될 수 있다. 영화 분석을 기반으로 특정 영화에 대한 가치 평가는 가능하지만, 이것은 영화 비평과는 달리 영화 분석의 필수 분야로 간주되지 않는다.

. 영화 분석은 다양한 주변 학문의 도움을 받는다. 문예학, 언어학, 기호학 등 언어를 기반으로 하는 학문뿐 아니라 사회학, 정신분석학, 문화학, 페미니즘 역시 영화 이론과 영화 분석에 큰 영향을 끼치고 있다.

영화 분석은 영화에 대한 주관적 평가의 기준과 근거를 제시함으로써 영화 해석을 공유할 수 있는 토대를 마련해 준다. 이를 위해 먼저 영화 분석을 시작하기 전에 영화의 특징적 요소들을 언어화하는 것이 필요하다. 이 기능을 수행하는 것이 프로토콜이다. 숏 프로토콜은 영화의 내용, 형식, 음향 등의 세부 요소를 숏별로 정리해 놓은 것으로, 영화 분석을 위한 토대가 된다. 경우에 따라 숏 프로토콜은 부분적으로만 작성하고, 영화 전체에 대해서는 시퀀스별로 프로토콜을 작성하기도 한다.

영화는 종합 예술로서 핵심적으로 시각 영역, 서사 영역, 청각 영역의 총합으로 구성된다. 시각 영역은 영화를 이루는 프레임 구성, 카메라를 통해 만들어지는 여러 가지 기법, 영화적 공간 창출이 주요 분석 대상으로, 구도, 조명, 실내 장치, 카메라 각도와 이동이 키워드다. 서사 영역 분석은 줄거리가 있는 영화로서 극적인 구성을 갖추는 것을 목표로 하는 드라마투르기, 이야기를 관객이 공감할 수 있게 만드는 방식으로서 서사 기법, 이야기에 연속성과 의미를 부여하는 방식으로서 몽타주를 다룬다. 플롯과 스토리, 영화의 시작과 끝, 열린 형식과 닫힌 형식, 화자와 시점, 몽타주, 비가시적 편집이 키워드다. 청각 분석은 영화 속 음향에 대한 분석으로, 대사, 음악, 음향효과가 대표 분야다. 그 밖에 온 음향, 오프 음향, 외화면 음향의 구분이 키워드로 다루어진다. 이 세 가지 내부적 영역에 대한 분석은 영화 내재적 분석으로 가치가 있다. 여기에 덧붙여 추가로 분석 가능한 영역은 맥락이다. 이는 영화가 아무것도 없는 진공 상태에서 제작되는 것이 아니라 특정한 인적, 정신적, 물질적, 사회적 조건 아래에서 생산되기 때문이다. 감독 개인, 그리고 그가 이전에 찍은 작품의 특징은 무엇인지, 영화사적 위치는 어디인지, 영화 제작 당시의 사회적, 정치적 환경에는 어떤 주목할 요소가 있는지 등 한 편의 영화를 둘러싼 맥락에 대한 고려 역시 영화를 통합적으로 파악하는 데 중요한 요소다. 다만 맥락에서 영화의 의미를 직접 도출하려는 시도는 영화 분석을 단순하게 만들기 때문에 피해야 한다. 맥락에 대한 분석은 영화의 내적 특성에 대한 분석을 기반으로 해야 하며, 이를 확장하는 수단으로 사용해야 한다.

분석에는 특정한 범주와 관점이 필요하며, 이를 분석의 원칙이라 부른다. 그렇지만 이 원칙은 불변의 법칙이 아니다. 분석자가 영화를 보고 어렴풋하게나마 그 영화의 특징을 규정하는 요소를 찾아내려고 시도하는 것이 영화 분석의 시작이다. 모든 영화에 적용될 수 있는 법칙을 찾아내려 노력하는 것은 의미가 없다.

분석자는 개별 영화가 독창적 작품이라는 전제에서 접근해야 한다. 또한 영화 분석은 한 영화의 모든 영역을 다 다룰 수 없기 때문에 분석 영역을 제한하는 대신 깊이가 있어야 한다. 따라서 어떤 영화에 대한 분석이 이미 존재하더라도 그 영화를 다른 관점에서 접근한 또 다른 분석은 충분히 가능하다. 물론 자신이 분석하려는 영화에 대한 기존 분석을 조사하는 것은 필요하다. 분석 원칙이 같은 것은 문제가 되지 않지만 예상 결론과 동일한 결론이 이미 다른 분석자에 의해 제시되었을 수 있다. 당연히 이런 상황은 피해야 하며, 여기에 사전 조사의 의미가 있다.

크누트 히케티어(Knut Hickethier)의 제안을 기반으로 영화 분석의 과정을 여섯 단계로 나눠 볼 수 있다.

. 첫째, 분석자는 영화를 보고 난 다음 그 영화를 어떻게 이해했는지, 어느 부분이 인상적이었으며 어느 부분이 모호했는지 대략적으로 적는다. 이 활동은 영화에 대한 전체적 느낌을 정리하고 이해하기 어려운 점이 무엇인지 명확하게 인식하는 데 도움이 된다.

. 둘째, 위 정리를 통해 분석자는 영화에 대한 자신의 일차적 해석과 인지에 어떤 특징이 있는지 알 수 있다. 이제 이어서 자신이 스스로 던진 질문에 대해 가능한 답이나 답을 찾기 위해 연구해야 할 부분이 무엇인지를 가설의 형태로 제시해 본다.

. 셋째, 이제 본격적인 영화 분석을 시작한다. 이 단계에서는 영화의 구조와 영화 미학적 표현 방식, 메시지를 전달하는 방식 등을 분석한다. 이러한 분석은 개별 작품에 대한 이해가 분석자 개인의 경험과 해석에 따라 달라진다는 점에서 주관적이고 역사적이다.

. 넷째, 셋째 단계에서는 주로 영화 안에서 그 의미를 파악했다면, 이제 영화의 제작 배경을 고려하면서 의미를 파악한다. 여기에서는 영화 제작 과정, 배급, 수용을 조사한다. 한편으로 제작 노트, 제작진과의 인터뷰, 제작사의 홍보 자료를 조사하고, 다른 한편으로 영화평, 이미 발표된 분석문 등 영화의 수용과 관련된 정보를 수집한다. 영화의 기본 제작 정보를 얻기 위해 인터넷 사이트(Internet Movie Database 등)를 활용하는 것도 필요하다.

. 다섯째, 분석자의 관심이 개별 영화에서 한 걸음 더 나아가 감독, 장르, 영화사, 사회적·역사적 배경까지 아우른다면 지금까지의 분석을 바탕으로 위의 맥락과 배경을 조사한다. 이 과정에서 다른 영화를 추가 분석해야 할 필요성도 생긴다. 추가로 분석할 영화가 있다면 이 영화를 대상으로 첫째부터 넷째 단계를 반복한다. 분석의 관심이 한 편의 영화이며 내재적 분석이라면 다섯째 단계는 생략할 수 있다.

여섯째, 최초의 이해, 가설, 영화 분석을 종합하면서 영화 내적 요소, 배경, 맥락 등을 서로 연결시켜 분석문을 작성한다. 분석문을 통해 영화에 대한 주관적 경험은 영화 내재적 의미와 기타 수용 정보를 만나게 되고, 최초의 주관성에 다른 사람과 소통할 수 있는 근거가 부여된다. 분석문은 다양한 영화 해석의 가능성을 보여 주고 의미를 외화할 뿐 아니라 분석자의 주관적 지평을 확장하는 데 기여한다.

영화 분석의 의의

영화 분석을 위해서는 영화를 적어도 세 번은 반복해서 봐야 하고 영화를 본 후에는 이에 대해 성찰해야 한다.

분석 기준으로서 할리우드 양식

우리가 만나는 영화는 오랜 기간 동안 제작되어 온 특정한 표현 방식을 반영하고 변형한 결과물이다. 따라서 영화에서 전반적으로 많이 사용되는 표현 방식이 무엇인지 아는 것은 영화 분석에서 일종의 기준으로 작용하기 때문에 유용하다.

대중 영화는 영화 미학적인 면에서 연속성 표현 양식을 기반으로 제작된다. 연속성 표현 양식의 핵심은 관객이 화면으로 보는 것이 만들어진 것이라는 것을 의식하지 않으면서 영화를 감상할 수 있게 만드는 능력이다. 이렇게 되면 관객은 이야기가 아무런 개입 없이 자연스럽게 진행되는 것처럼 느낀다. 이런 방식은 대략 1910년대 후반부터 1950년대 초반 할리우드에서 발전하고 정착되었으며, 다른 용어로 고전적 할리우드 스타일이라 불린다. 이미 1910년대 초반에 D. W. 그리피스(David Wark Griffith)는 서로 다른 장소에서 같은 시간대에 발생하는 장면을 긴장감 있게 전달하기 위해 교차 편집을 사용했다. 두 개의 이야기가 반복되어 제시되면 관객은 자연스럽게 이 둘이 동시에 일어나고 있다고 간주한다는 사실을 이용한 것이다. 연속성 표현 양식은 관객이 주인공에 최대한 몰입할 수 있도록 관객의 시선을 조작한다. 대화 장면을 촬영할 때 한 등장인물의 어깨 너머로 다른 인물을 촬영한 일련의 숏을 교차 편집하면 두 사람이 자연스럽게 대화하는 느낌을 전달하는 방식, 즉 오버더숄더(overᐨtheᐨshoulder) 기법은 연속성 표현 양식의 대표 장치다. 또한 영화 속 등장인물이 어딘가를 바라보는 모습을 보여 주고 다음 숏에서 특정 대상을 보여 주면 관객은 등장인물이 보고 있는 것이 화면에 제시되었고 이로써 관객과 등장인물이 같은 대상을 본다고 생각한다. 이런 촬영 방식은 포인트오브뷰숏(pointᐨofᐨview shot)이라고 불린다.

연속성 표현 양식은 관객의 시선을 집중시키고 관객이 마치 주인공들이 주고받는 시선이 만드는 공간과 시간 안에 속해 있는 것 같은 몰입감을 선사한다.

1920년대에 활발하게 활동한 소련의 영화감독이자 이론가인 세르게이 예이젠시테인은 편집을 통해 의미를 만들어 내는 방식을 중점적으로 연구한다. 그는 영화의 장면이 자연스럽게 연결되는 것이 아니라 시간, 공간, 구성의 측면에서 서로 상충할 때 역동성과 이미지 자체에 내재하지 않은 의미를 만들어 낸다는 점에 주목한다. 이는 이후 몽타주 이론이라는 이름으로 널리 알려지게 된다. 프랑스의 영화비평가 앙드레 바쟁은 1950년대에 다양한 비평문을 통해 다른 영화 미학을 옹호한다. 그는 예이젠시테인과 달리 편집을 영화 예술의 본질을 파괴하는 행위로 간주한다. 바쟁에 따르면 좋은 영화란 화면에서 무엇을 보아야 할지 관객이 스스로 선택할 수 있는 자유를 제공하는 영화다. 이를 위해 그는 화면 내 모든 대상이 또렷하게 보이는 딥포커스(deep focus)나 숏의 길이가 상대적으로 긴 롱테이크(long take)를 활용한 영화를 선호한다. 바쟁이 옹호하는 영화는 관객이 스스로, 천천히 화면을 관찰할 것을 권하기 때문에 미학적 측면에서는 화면 구성, 즉 미장센(Miseᐨenᐨscène)이 중요하다. 구도와 카메라의 움직임, 조명과 색채를 통해 영상이 어떻게 의미를 만드는지에 대한 관심이 미장센 분석에 내포되어 있다. 극작가로 널리 알려진 독일의 베르톨트 브레히트는 1956년에 사망했지만, 1960∼1970년대에 걸쳐 유럽을 중심으로 일어난 영화 혁신 운동인 뉴웨이브(New Wave) 운동에 큰 영향을 미쳤다. 브레히트는 예술 작품이란 관객으로 하여금 몰입이 아니라 성찰하게 만들어야 하며, 어떤 장치를 통해서 만들어진 것인지 명확히 알려 줘야 한다고 주장했다. 이 주장을 영화에 적용하면, 영화는 자연스럽게 주어진 것이 아니라 영화적 제작 관습의 결과물이며 이 관습을 관객이 인식하게 함으로써 관객의 성찰을 유도할 수 있다. 뉴웨이브 영화는 서사, 카메라, 조명 등 전 분야에서 기존의 영화적 관습을 의도적으로 위반함으로써 관객이 영화를 낯설게 느끼고 의문을 갖게 했으며 이를 바탕으로 영화에 대해 사유하도록 유도했다.

1 영화 분석을 위한 준비: 영화 감상과 프로토콜 작성

영화 감상

영화 분석은 분석하는 사람의 일차적 느낌과 판단을 기반으로 진행된다는 점에서 본다면 영화 감상과 출발점이 같다. 분석자의 주관적 감상과 직감은 최종 분석에 큰 영향을 미칠 뿐만 아니라, 무엇을 분석할지 결정하는 데도 핵심적 역할을 한다. 체계적 분석은 관찰자의 주관을 배제하지 않는다. 오히려 개성 있는 분석은 주관적 감상과 판단을 기반으로 하며 동시에 그 근거를 설득력 있게 제시할 때 가능해진다.

. 이로써 한 가지가 확실해진다. 분석을 위한 것이라고 해도 영화 감상은 지극히 주관적인 행위다. 따라서 처음 영화를 볼 때는 가능한 한 선입견을 배제하고 미지의 대상으로서 영화를 만나려는 자세가 필요하다.

첫 번째 감상이 끝나면 영화에 대한 전반적 느낌을 간단히 정리한다. 그리고 영화에서 인상적인 것은 무엇이었는지, 내용이나 형식 면에서 모호하거나 이해가 되지 않는 것이 있었다면 무엇인지도 생각해 본다. 영화를 처음 관람한 후에는 일반적으로 영화의 메시지, 주제가 무엇인지 생각하게 된다. 한 걸음 더 나간다면 이 메시지를 전달한 방식도 고려하게 된다. 중요한 것은 영화의 메시지와 표현 방식은 영상 기법을 통해 만들어진 것이라는 점을 의식하는 것이다. 즉, 분석자로서 관객은 영화의 의미를 수동적으로 받아들이는 것을 지양하고, 영화가 어떤 의미를 만들고 있으며 이를 어떻게 전달하고 있는지에 대해 생각해야 한다. 이 영화의 특징으로 간주될 수 있는 것은 어느 것인가? 카메라 기법인가 미장센인가? 이야기 구조나 서술 기법인가? 아니면 형식과 내용 모두에 해당하는가? 이런 질문들은 영화의 특징을 일차적으로 정리하는 데 도움이 된다.

. 첫 번째 감상 후에 던지는 위와 같은 질문에 답을 찾아가는 것이 두 번째 감상의 의미다. 이 단계에서는 간단한 필기도 가능하며, 감상 전에 영화에 대한 기초 정보가 담긴 리뷰나 제작사의 웹사이트를 간단히 참고할 수 있다. 물론 두 번째 감상 후에 얻게 되는 답은 여전히 잠정적인 것이다.

프로토콜 작성

영화를 보고 난 후 생기는 감상은 영화의 구조와 기법에 근거한다.

프로토콜은 두 가지 종류가 있다. 하나는 영화의 모든 요소를 숏 단위로 자세히 기록하는 숏 프로토콜이며, 다른 하나는 장소와 시간의 변화를 기준으로 핵심 요소를 대략적으로 기록하는 시퀀스 프로토콜이다. 두 가지 모두 시각적, 청각적 흐름을 내용 면에서, 그리고 카메라 기법과 음향을 중심으로 정리한다는 점에서 공통점이 있다. 이렇게 정리한 내용은 영화 분석을 위한 바탕으로 활용된다.

숏 프로토콜

숏 프로토콜은 개별 숏마다 중요한 정보를 도표의 형식으로 정리한다. 일반적으로 중요한 정보에 포함되는 것은 다음과 같다. ① 숏 번호, ② 개별 숏의 길이(초 단위), ③ 숏 크기, 카메라 움직임, 카메라 각도 등 카메라 영역, ④ 주요 내용, ⑤ 대화, 보이스 오버, 효과음, 음악 등의 음향 영역이다

시퀀스 프로토콜

시퀀스 프로토콜은 체계적 영화 분석을 위해 필요한 최소한의 준비 과정이라고 할 수 있으며, 대개 서사 영역의 핵심 내용을 정리하는 데 사용된다. 시퀀스는 여러 개의 신으로 구성된 하나의 서사 단위로서, 서사 문학에서 흔히 말하는 에피소드와 유사하다. 시퀀스의 구분은 시간이나 공간의 변화, 또는 이동으로 표시된다. 일반적으로 한 편의 장편 영화는 15개에서 20개의 시퀀스로 구성된다. 분석자는 영화를 시퀀스와 하위 시퀀스로 나누고, 개별 시퀀스마다 시간 순서로 내용과 형식 면에서 특징을 기록한다.

영화 분석을 위한 질문

. · 처음 보고 난 다음 느낀 영화의 주요 특징은 무엇인가?

. · 작성한 프로토콜을 읽어 봤을 때 영화의 특징은 무엇인가?

. · 영화의 주요 특징을 규정하는 것은 시각 영역, 서사 영역, 음향 영역 중 어느 것인가?

. · 부분적으로 숏 프로토콜을 작성할 필요가 있는가? 있다면 어느 부분인가?

2 시각분석 1: 이미지

사진 이미지와 영상 이미지

사진 이미지는 현실을 아무런 개입 없이 있는 그대로 재현하지 않는다. 카메라 렌즈, 카메라 픽셀, 필름의 종류 등 기술적 조건과 카메라 각도, 대상과 거리, 조명 등 연출 방식에 따라 같은 대상에서도 다양하고 상이한 이미지가 만들어진다.

영상 이미지는 움직임 때문에 관객의 입장에서 사진 이미지보다 더 큰 현실감을 느낀다. 영상 이미지가 사진 이미지보다 더 큰 현실 친화성을 갖는 결정적 요소로 영상 이미지의 운동성을 들 수 있다. 우리가 살아가며 관찰하는 현실이 연속성을 가지고 있는 것처럼, 영상 이미지 역시 적어도 우리가 영화를 보는 동안에는 중단 없이 지속된다. 영화를 보는 관객은 영화, 즉 카메라의 시선을 관객 자신의 시선으로 간주하는 경향이 있어서, 영화가 인공적인 것임을 지시하는 사각 프레임의 존재를 잊고, 프레임을 통해 보이는 것에 집중하면서 영화 세계에 빠져든다. 영화의 근본 매력을 설명하는 환영주의는 영상의 움직임으로 완성된다.

프레임의 구성

감독은 정해진 프레임 안에서 대상과 배경을 효과적으로 위치시키는 임무를 맡는다.

프레임의 중앙에는 가장 중요한 시각적 요소가 위치한다. 프레임의 윗부분은 권위, 권력, 열정을 드러낸다. 반면 아랫부분은 무력함, 복종, 무기력을 나타내는 경향을 보인다. 프레임 좌우의 끝부분, 즉 가장자리는 상대적으로 덜 중요한 요소들로 채워진다. 때로는 프레임 안의 특정 부분을 강조하기 위해 문, 거울, 창문 등을 이용해 내부 프레임을 만들기도 한다. 내부 프레임은 맥락에 따라 때로는 답답함이나 협소함을, 때로는 평온함이나 안정감을 강조한다.

프레임 내 이미지는 다양한 구성 요소를 포함한다. 대표적인 것으로 선, 형, 면이 있다. 먼저 선 처리는 관객에게 여러 가지 연상을 일으킨다. 예를 들어 강한 수직선은 남성성과 힘, 부드러운 곡선은 여성성, 긴 수평선은 평온함과 균형, 사선은 갈등이나 행동과 연관된다. 다음으로 영화 속 대상은 모두 형태를 가지고 있다. 등장인물과 대상의 형태는 물론이고, 사이 공간의 형태 역시 의미 전달에서 중요한 역할을 한다. 이 두 가지 형태는 서로 보완 관계에 있다. 면의 경우 큰 면적을 차지한 하나의 형태는 안정감을 주는 반면, 좁은 면적을 차지한 여러 형태들은 불안감을 유도한다. 밝은 면과 어두운 면의 배치 역시 의미를 전달하는 수단이다. 이미지 구성은 일반적으로 조화로움을 추구한다. 이것은 대칭형 구도나 중앙 집중적 구도가 갖는 효과다. 이미지가 다양한 대상을 담고 있을 때는 대상들을 서로 연결하는 방식으로 조화를 갖추기도 한다. 이미지 구성은 관객의 시선을 특정 사물로 유도하는 데 결정적 역할을 담당한다.

색상

영화가 이미지를 어떤 색상으로 보여 주는가에 따라 관객의 정서적 반응은 달라진다. 색상은 상징적 의미를 만들어 낸다. 우리는 일반적으로 흑백영화와 컬러영화를 구분한다. 1895년에 상영된 뤼미에르형제의 영화는 흑백이었지만, 이미 1900년대 초부터 흑백영화에 색상을 입힌 영화가 제작, 상영된다. 따라서 우리가 흑백영화라고 부르는 영화 중 많은 것들은 부분적으로 컬러영화의 속성을 갖는다. 흑백영화에 색상을 입히는 방식은 모든 개별 이미지마다 색칠을 하는 경우와 여러 이미지를 하나의 색으로 염색하는 경우(밤을 나타내는 파란색 등)로 나누어 볼 수 있다. 컬러필름이 표준으로 자리 잡은 것은 1950년대부터다.

영화 분석을 위한 질문

. · 영화 속 이미지는 실제 현실을 기반으로 한 것인가, 영화를 위해 제작된 것인가?

. · 인물과 대상 배치의 측면에서 프레임 구성의 특징은 무엇인가?

. · 프레임 안 이미지의 선, 형, 면 측면에서 특징은 무엇인가?

. · 외화면을 이용하는 방식으로 봤을 때 이 영화는 열린 형식에 가까운가, 닫힌 형식에 가까운가?

. · 컬러영화임에도 흑백의 장면을 사용하는가? 이 흑백 장면에서 다큐멘터리적 기법을 사용했는가?

3 시각 분석 2: 카메라 기법

숏의 크기

숏의 크기는 관객과 촬영 대상 간의 거리를 규정한 것이다. 영화 속 대상의 크기가 작은 숏들, 즉 익스트림롱 숏, 롱 숏, 미디엄롱 숏은 배경을 중심으로 한 정보 전달에 유리하며, 미디엄 클로즈업, 클로즈업, 디테일은 등장인물의 감정을 보여 주는 데 용이하다.

카메라 각도

성인의 눈높이에서 바라보는 카메라 시선은 우리가 외부를 관찰할 때 일상적으로 경험하는 것이어서 자연스럽다. 이를 ‘아이레벨 앵글(eyeᐨlevel angle)’이라고 부른다. 아이레벨 앵글은 영화에 객관성과 신빙성을 부여하고 사실적인 인상을 주는 데 기여한다. 반면 아이레벨 앵글과 비교했을 때 카메라가 아래에 위치해 위에 있는 대상을 바라보는 시선인 ‘로 앵글(low angle)’은 대상 인물의 권력, 지위, 힘을 증대해서 표현한다. 영화의 맥락에 따라 이 인물은 거만하게 또는 위대하게 보인다. 반면 위에서 아래를 내려다보는 시선은 ‘하이 앵글(high angle)’이라고 부른다. 사건에 대한 전체 조망을 가능하게 하는데, 이 앵글로 잡은 인물은 위축되고 왜소하게 보인다. 대상을 비추는 각도가 일반적인 로 앵글이나 하이 앵글보다 확연히 큰 경우에는 익스트림로 앵글, 익스트림하이 앵글이라는 용어를 사용한다.

영화 분석을 위한 질문

. · 두드러져 보이는 촬영 요소는 무엇인가?

. · 어떤 크기의 숏이 많이 사용되었는가?

. · 다양한 선택 가능성이 있음에도 감독이 특정한 숏, 카메라 시선, 카메라 움직임을 선택한 이유는 무엇인가?

. · 카메라의 움직임은 많은가, 적은가? 카메라의 움직임과 대상의 움직임은 어떤 관계인가?

. · 인물을 바라보는 카메라의 시선은 항상 같은가 아니면 바뀌는가?

4 시각 분석 3: 공간

영화 공간의 의미

기본적으로 영화 공간은 원근법을 기반으로 삼차원의 환상을 만들어 낸다. 여기에 덧붙여서 이미지 세계 안으로 들어가거나 밖으로 나오는 카메라의 움직임은 영화 공간이 실제 공간인 듯한 환영성을 강화하여 관객이 영화에 몰입하게 만든다.

모더니즘 영화의 대표적 특징으로 공간의 이차원성을 꼽는다. 이들 영화에서는 벽을 배경으로 사용하여 공간의 삼차원성을 제한하는 방식을 종종 사용한다.

조명

조명은 화면의 공간감을 만드는 데 핵심적 기여를 한다. 조명을 통해 전경과 후경, 대상과 배경의 구분이 명확해지기 때문이다. 또한 조명은 상황과 등장인물에 따라 다양한 분위기를 조성하는 데 큰 역할을 담당한다. 조명은 촬영감독의 주요 활동 영역이기도 하다.

일반적 분류: 표준 스타일, 로키 스타일(low key), 하이키 스타일(high key)

로키는 주 조명인 주광 외에 다른 광원을 거의 사용하지 않는다. 그 결과 그림자가 두드러지고 전반적으로 어두운 장면을 만들어 낸다. 극적인 상황, 비밀스러운 과정, 범죄, 심리적 긴장 등을 표현할 때 주로 사용된다. 하이키 스타일은 배경을 포함한 화면 속 모든 부분을 다양한 광원을 통해 확실히 인지할 수 있게 비추며, 따라서 자연스러운 상태라면 있어야 할 그림자가 없다. 이로써 하이키의 기본 정서는 명랑하고 쾌활하며, 주로 코미디 영화에 사용된다.

조명의 기타 분류

주광(키라이트, key light), 보광(필라이트, fill light), 후광(백라이트, back light): 이것은 일차적으로 조명의 세기에 따른 분류다. 일반적으로 핵심 조명은 대상을 정면 비스듬한 각도에서 비추고, 이를 보완하는 다른 광원을 추가로 사용한다. 주광은 가장 광도가 높은 조명으로 화면 속의 가장 중요한 요소를 비춘다. 이에 반해 보광은 대상에 주광을 비췄을 때 생기는 그림자를 없애는 역할을 한다. 대상의 뒤에서 비치는 후광은 대상의 윤곽을 뚜렷하게 만들고, 대상과 배경을 분리한다. 이는 전체적으로 대상의 입체감을 살리는 역할을 한다.

미장센

연극 용어로서 ‘장소에 배치하기’, 즉 장면 연출이라는 의미의 프랑스어인 미장센(Miseᐨenᐨscène)은 영화 공간을 어떤 요소들로 어디에, 그리고 어떻게 배치하고 표현할 것인가를 결정하는 모든 절차를 포괄하는 개념이다. 따라서 미장센은 촬영, 색채, 조명, 질감, 디자인, 캐릭터, 사운드 등 장면을 구성하는 다양한 요소와 관련된다. 일반적으로 미장센은 몽타주, 즉 숏으로 분리하고 이를 다시 연결하는 행위로서 편집과 대립되는 개념으로 이해된다. 미장센이 강조하는 화면 구성이 제대로 된 효과를 발휘하려면 관객이 그 의미를 충분히 파악할 수 있는 시간을 확보해야 한다. 이것은 개별 숏의 길이가 길어야, 다시 말해 숏과 숏 사이에 편집이 적어야 가능하기 때문이다. 따라서 몽타주는 구성주의 스타일, 미장센은 사실주의 스타일의 영화에서 더 중요하게 간주된다.

장뤼크 고다르의 말처럼 미장센이 공간 구성에 대한 원칙이라면, 몽타주는 시간 구성에 대한 원칙

미장센을 강조하는 영화는 분리된 숏의 연결이 아니라 숏의 내부에서 의미를 전달하려 한다. 이를 위해 미장센 영화가 적극적으로 활용하는 것은 인물과 다른 인물, 인물과 대상, 대상과 다른 대상이 같은 공간에서 만들어 내는 상호 관계다. 더 나아가 인물과 피사체의 움직임, 또는 카메라의 움직임 역시 중요하다. 관객이 이렇게 숏 안에서 다양한 의미를 찾아야 하기 때문에 미장센 영화는 롱 숏과 롱테이크를 자주 활용한다. 또한 딥포커스를 활용해 전경과 중경, 후경의 인물과 배경을 모두 잘 관찰할 수 있도록 한다. 의상 및 분장, 세트 역시 미장센을 구성하는 주요 부분이다. 이런 요소들의 경우 주의 깊은 관객이라면 그 의미를 충분히 유추할 수 있다.

영화 분석을 위한 질문

. · 영화의 전반적 분위기는 어떠한가?

. · 영화 공간은 입체적인가, 평면적인가?

. · 미장센이나 조명 등의 형식을 통해 영화의 주제가 강조되는가, 모호해지는가?

. · 인물이나 물체의 그림자가 자연스러운가, 아니면 인위적으로 과장되어 있는가?

. · 영화가 롱테이크를 적극적으로 활용해 미장센의 의미를 강조하는가? 아니면 편집과 몽타주가 더 중요한 역할을 수행하는가?

. · 등장인물과 주변 환경 사이의 관계에는 어떤 의미가 있는가?

5 서사 분석 1: 드라마투르기

스토리와 플롯

데이비드 보드웰은 이야기의 내용과 형식을 구분하기 위해 스토리(또는 파불라)와 플롯(또는 수제)이라는 용어를 사용한다. 스토리란 영화의 내용으로, 사건과 등장인물이 만들어 내는 연대기적이며 인과적인 연속이다. 반면 플롯은 시간순으로 진행되는 서사 안에서 사건들을 특정하게 배열한 것이다. 따라서 같은 스토리라 하더라도 플롯은 다양할 수 있다.

개별 영화 작품 분석에서는 스토리보다 플롯이 더 중요한 부분으로 간주된다.

닫힌 형식의 드라마투르기

대중 영화의 서사는 사건과 갈등의 연속으로 구성된다. 인물들이 등장하고 특정 공간 안에서 이들이 상호 작용하면서 갈등이 부각되고 해결되는 것이 일반적인 영화의 내용이다. 영화에서 드라마투르기(Dramaturgie, 연출법)라는 용어는 두 가지 의미에서 사용된다. 하나는 관객 수용의 측면에서 영화의 효과, 드라마적 효과에 관한 규칙, 관객이 등장인물에게 감정이입을 하는 방식 등을 구상하는 방식으로서 드라마투르기이며, 다른 하나는 영화 내용의 구성을 분석하는 형태론적 이론으로서 드라마투르기다. 전자가 창작과 관련된다면, 후자는 분석과 관련된다.

전통적인 드라마투르기 모델은 닫힌 형식의 드라마투르기 모델이라고도 불린다. 닫힌 형식은 관객이 작품을 보면서 정서적 반응을 일으키고, 주인공과 감정이입을 하는 것을 목표로 한다. 또한, 도입ᐨ전개ᐨ결말로 구성된 구조 면에서는 영화의 결말이 도입부를 환기시키고 도입부에서부터 사용된 특정 이미지를 반복함으로써, 도입부에서 제기되고 전개부에서 다루어진 모든 의문점이 영화가 마무리되는 동시에 해결된다는 점을 강조한다. 이런 단선적 드라마투르기는 할리우드를 포함한 주류 영화의 특징이기도 하다. 닫힌 형식에 대한 반대 개념으로는 열린 형식이 있다. 열린 형식은 비대칭적 구도를 가지며 사건의 완결보다는 진행을 강조한다. 이 경우 흔히 에피소드적 구성을 채택한다. 에피소드적 구성에서 사건을 시간이나 공간의 원칙에 따라 배치하되 이들은 서로 독립적 성격을 갖는다. 전통적 드라마투르기 모델과 거리를 두는 또 다른 방식은 베르톨트 브레히트의 개념인 서사극(das episches Theater)적 요소를 차용하는 것이다. 시간이 중단되었다가 이어지는 것과 같은 느낌을 주는 점프컷 등을 사용하는 어색한 편집, 카메라를 직접 바라보는 등장인물의 시선, 글이나 말을 통해 영화 속 세계에 직접 관여하는 서술자처럼 관객이 영화에 몰입하는 것을 방해하는 모든 요소들이 영화에서 사용되는 서사극적 요소다. 서사극적 영화라고 해도 극의 전개 면에서는 전통적 드라마투르기의 요소를 갖고 있는 것이 대부분이므로, 서사극적 영화는 열린 형식과 닫힌 형식이 혼합된 양식으로 볼 수 있다.

도입

영화의 도입부에서는 인물과 줄거리의 배경이 소개된다. 여기에서는 관객의 관심을 끌고 앞으로 진행될 내용에 대한 기대감을 불러일으키기 위해 영상, 편집, 연기 등 다양한 측면에서 흥미를 끌 수 있는 요소들을 배치한다. 또한 영화에서 진행될 내용을 이해하기 위해 필요한 전사(前史)를 알려 주기도 한다.

전개

도입부가 끝나면 전환점(또는 플롯 포인트)이 나타나면서 갈등이 본격화된다. 전개부는 가능한 결말을 지연시키는 역할을 한다. 일반적으로 지연의 과정에서 갈등과 긴장은 점점 더 커진다. 갈등과 긴장이 커지는 이유는 주인공이 선택할 수 있는 행동이 영화가 진행되면서 지속적으로 제한되기 때문이다. 이렇게 영화는 여러 갈등을 거쳐 절정에 이른다. 절정에서는 마지막 갈등이 제시되면서 최종적으로 문제가 해결된다

결말

전개부에서 강조되었던 갈등과 긴장이 해결되어서 결말부는 아직 사건이 본격적으로 일어나기 전을 보여 주는 영화의 시작과 유사하게 다시 평온한 상태로 돌아간다. 흔히 결말을 비극과 희극이라는 두 가지 기준으로 나누지만, 이 기준이 절대적인 것은 아니다. 관객과의 관계라는 측면에서 본다면 모든 질문을 해결하는 결말과 영화에서 던진 문제에 대한 해답을 열어 놓는 또는 다의적인 결말이라는 구분도 가능하다

캐릭터

캐릭터란 배우(인간, 동물, 애니메이션)가 재현하는 특정한 역할을 지칭하는 개념이다. 등장인물이라는 용어를 일상적으로 사용하지만 영화 속 배우가 인간에 국한되지 않는다는 점을 고려할 때 캐릭터가 더 적합한 개념이라 하겠다. 하나의 캐릭터는 다양한 특징을 가지고 있다. 옌스 에더(Jens Eder)는 이 특징을 네 가지로 분류하는데, 이것은 가상의 존재(가상이지만 인간처럼 행동하는 존재), 인공물(영화에서만 가능한 특성을 가진 존재), 상징(상징성을 반영하는 존재), 징후(캐릭터에 영향을 끼친 다른 문화적 맥락과 특성을 보유하고 지시하는 존재)다. 영화 속 캐릭터는 이런 네 가지 성격을 모두 가질 수 있으나, 특정한 부분에서 특정한 성격이 더 강조되는 것이 일반적이다.

. 에드워드 브래니건(Edward Branigan)은 캐릭터와 관객 사이에 지식이 어떻게 분할되어 있는가에 따른 감정 유발 방식을 관객의 입장에서 세 가지로 구분한다. 첫째, 캐릭터와 관객 사이에 지식이 동등하게 배분되었을 때는 ‘미스터리(mystery)’가 발생한다. 둘째, 캐릭터가 관객보다 더 많은 것을 알고 있으면 관객은 영화의 진행 과정에서 ‘놀라움(surprise)’을 느낀다. 마지막으로 관객이 캐릭터보다 더 많은 것을 알고 있으면 ‘긴장(suspense)’이 생긴다.

영화는 카메라 기법, 몽타주 등 메시지를 전달할 수 있는 다양한 기술적 도구를 갖추고 있기 때문에 영화배우의 연기는 대개 과장되기보다 축소된다. 이러한 측면은 연극배우와 영화배우의 연기를 비교해 보면 잘 드러난다. 이는 영화배우의 경우 촬영 당시에는 작게 움직인다고 해도 영화관의 큰 화면으로 영사되면 움직임이 과장되기 때문이기도 하다. 영화에서 일반적인 “축소 연기(under- acting)”에 반대되는 연기 방식으로는 연기자가 캐릭터와 일체가 되어 연기를 펼치며, 심리적이며 사실적인 성격을 강조하는 “메소드 액팅(method acting)”이 있다. 메소드 액팅에서는 즉흥 연기와 캐릭터에 대한 추체험을 바탕으로 배우가 특정한 상황에 몰입해 역할에 요구되는 감정을 실감나게 연기하는 것이 핵심 과제다.

영화 분석을 위한 질문

. · 영화의 제목에 영화가 강조하려는 것의 단서가 있는가?

. · 닫힌 형식의 드라마투르기인가, 아니면 에피소드적 구성을 기반으로 하는 열린 형식인가?

. · 도입부에서 제시되는 내용은 전체 영화에서 어떤 의미를 갖는가?

. · 등장인물은 중심인물인가, 부차적 인물인가? 이 영화는 인물에 관한 영화인가, 아니면 인물은 특정한 메시지를 전달하기 위한 상징이나 징후인가?

. · 등장인물의 성격은 일관되는가, 아니면 영화가 진행되면서 변하는가?

. · 영화 캐릭터와 관객 중에서 누가 영화 속 사건과 진행에 대해 더 많이 알고 있는가?

6 서사 분석 2: 서사 기법

관객은 카메라를 통해서만 영화 속 세계를 관찰할 수 있기 때문에 카메라의 시점은 곧 관객에게 이야기를 들려주는 화자의 시점이기도 하다. 영화 속 화자는 전지적 화자와 일인칭 화자로 구분할 수 있다.

. 전지적 화자는 말 그대로 모든 것을 아는 화자다. 전지적 화자는 무슨 이야기를 할 것인지 이미 알고 있는 상태에서 이야기를 배치하며, 이야기와 일정한 거리를 유지한다. 그는 외부 시점(밖에서 인물과 사건을 관찰함)뿐 아니라 내부 시점(인물의 감정, 동기, 생각을 알고 있음)도 가지고 있다.

시간의 조작

일반적으로 영화 속에서 다루는 사건의 진행 시간(‘스크린 시간’)이 영화의 상영 시간(‘영사 시간’)보다 길다.

시간의 압축

영화는 일반적으로 시간을 압축한다. 즉 영사 시간이 스크린 시간보다 짧은 경우가 일반적이다. 영화에서 시간의 압축은 대부분 신과 신 사이에서 일어나는 장면 전환 과정에서 생긴다.

시간의 확장

영화 속 시간은 확장도 가능하다. 이는 연관 있는 여러 숏을 삽입하거나, 하나의 대상이나 행위를 다양한 각도에서 촬영한 숏을 덧붙임으로써 이루어진다.

시간의 확장은 우리에게 전지전능한 느낌을 선사하며 행위를 강조하고 극적인 분위기를 만든다.

동시적 시간

시간 조작과 관련해 영화에서 가장 많이 사용하는 것은 두 가지 이상의 사건들을 동시에 다루는 것이다. 영화는 여러 숏을 순차적으로 보여 주면서도, 마치 두 개 이상의 사건이 동시에 진행되는 듯한 느낌을 전달할 수 있다. 대표적인 방식은 교차 편집이다. 이것은 서로 다른 장소에서 일어나는 둘 이상의 사건을 번갈아 가면서 보여 주는 편집 방식을 의미한다. 이렇게 편집을 하면 제시된 사건들이 동시에 일어나는 느낌이 생긴다. 많은 영화에서는 교차 편집을 통해 여러 사건들이 서로 직접적인 연관을 맺기 전에도 이미 관련성이 있음을 암시한다.

플래시백과 플래시 포워드

플래시백은 일반적으로 과거를 사실로서 제시한다. 즉 특정 인물이 회상하는 방식이라고 하더라도 플래시백으로 제시된 장면은 그의 주관적 체험이 아니라 그가 겪은 객관적 사실을 보여 주는 것으로 간주한다.

영화 분석을 위한 질문

. · 영화가 특정한 인물의 시점을 강조하는가? 그렇다면 그 이유는 무엇인가?

. · 영화에서 일인칭 시점이 등장하는 부분이 있는가? 전지적 시점에서 일인칭 시점으로 전환하게 되는 영화 내부의 근거는 무엇인가?

. · 영화에 보이스 오버가 사용되는가? 그 효과는 무엇인가?

. · 영화는 어떤 방식으로 시간을 조작하는가? 이를 통해 영화가 강조하는 것은 무엇인가?

7 서사 분석 3: 몽타주

몽타주와 편집

영화는 하나 또는 여러 개의 대상을 담은 숏들을 연결한 결과물이다. 촬영된 장면을 자르고 이를 이어 붙이는 행위를 편집이라고 부른다. 개별 숏의 연결은 이야기의 연속적 진행이라는 환영을 만들어 낸다. 이를 위해서는 숏과 숏 사이에 연관성이 존재해야 한다. 이 연관성은 공간적, 시간적, 상징적 차원 또는 인물, 모티브, 진행 방향 등에 의해 생긴다. 하지만 숏과 숏의 연결은 원래 개별 이미지에는 없었던 새로운 의미를 만들어 내기도 한다. ‘몽타주(montage)’는 러시아 영화감독이자 이론가인 세르게이 예이젠시테인(Sergei Eisenstein)이 프랑스어에서 차용한 단어로 필름의 한 조각, 즉 숏을 다른 숏과 병치시킴으로써 숏 안에 내재한 것이 아닌 새로운 의미를 만들어 내는 편집의 특성을 강조하는 용어다.

충돌 몽타주

. 일반적으로 몽타주라는 용어를 사용하면 숏 간의 서로 다른 특징을 강조하고 부딪치게 함으로써 새로운 의미를 만들어 내려는 편집의 특징이 강조된다. 이런 방식은 영화가 인위적으로 만들어진 것임을 강조함으로써 관객이 몰입이 아니라 비판적 거리를 두고 지적으로 영화를 받아들이도록 유도한다.

구성에 의한 몽타주

. 이어지는 숏의 공간 구성을 유사하게 하거나 차이를 만들어 냄으로써 의미를 생성한다. 먼저 두 개의 숏 간에 내용상의 연관성이 직접적으로 드러나지 않는 경우라도 미장센에서 유사점이 있다면 관객은 이러한 숏들에서 연관된 의미를 유추한다. 반면에 공간 구성에서 차이를 강조함으로써 의미를 생성할 수 있다.

움직임에 의한 몽타주

. 고정된 위치가 아니라 움직이면서 촬영한 숏들은 움직임의 유사성과 차이점이 의미를 생성한다. 만약 공간과 시간이 다름에도 한 인물이 두 개의 숏에서 동일한 방향으로 이동한다면 관객은 두 숏 사이에서 연속성을 느끼게 된다. 동일한 시간과 공간에서 두 인물이 두 개의 숏에서 동일한 방향으로 이동하는 경우에는 두 번째 숏의 인물이 첫 번째 숏의 인물을 추적하는 인상을 만들어 낸다.

반복에 의한 몽타주

. 다른 숏 사이에 특정한 이미지를 담은 숏을 반복 삽입하는 방식의 몽타주는 이 특정 이미지를 강조함으로써 이미지가 주는 효과를 배가하는 역할을 한다. 또한 반복되는 이미지 사이의 다른 숏은 이로써 유사한 의미를 얻기도 하고, 반대로 시간의 흐름이 방해를 받으면서 의미의 단절이 일어나기도 한다.

리듬에 의한 몽타주

. 여러 개의 숏의 길이가 점층적으로 늘어나거나 줄어드는 경우에 관객은 차분해지거나 급박해지는 느낌을 받는다.

인공적 리듬감은 장면을 해석하는 데 중요한 역할을 한다.

내용에 의한 몽타주

일반적으로 영화에서 가장 많이 사용하는 몽타주는 내용과 주제에 의해 연결되는 몽타주다.

비가시적 편집

. 비가시적 편집은 영화의 내용을 가장 경제적으로 전달하며 편집의 규칙성이 뚜렷하고 관객을 영화에 몰입하게 하는 편집의 방식이다.

비가시적 편집은 편집의 자연법칙으로 간주될 만큼 보편적이며 따라서 관객이 잘 인지하지 못하는 경우도 종종 생긴다. 이는 비가시적 편집의 목표이기도 하다.

비가시적 편집은 관객이 전체 조망을 가지고 영화를 감상할 수 있도록 한다. 이를 위해 하나의 신을 도입할 때 다양한 숏의 크기를 활용한다. 일반적으로 먼저 익스트림롱 숏이나 롱 숏을 이용한 조망 숏(마스터 숏)으로 시작해 미디엄 숏이나 미디엄 클로즈업으로 주요 내용을 보여 주기까지 숏의 크기가 점진적으로 변화한다. 하나의 신이 끝날 때는 다시 롱 숏을 이용해 사건과 관객의 거리가 멀어짐을 보여 준다

비가시적 편집의 목표는 영화를 자연스럽게 진행하고 하나의 숏에서 다른 숏으로의 전환을 가능한 한 관객이 인식하지 못하게 해서, 관객의 주의를 편집이 아니라 이야기 즉 서사의 전개로 이끌고자 하는 것이다.

영화 분석을 위한 질문

. · 편집이 두드러져 보이는가?

. · 개별적 시퀀스 혹은 전체 영화에서 특별한 의미를 부여할 수 있는 몽타주가 있는가?

. · 그렇지 않다면 전통적 비가시적 편집을 기반으로 했는가, 아니면 미장센을 적극적으로 활용했는가?

. · 몽타주가 어떤 방식으로 의미를 만들어 내는가?

. · 숏과 숏을 연결하는 원칙은 무엇인가?

8 청각 분석

영화 음향의 분류

음향은 영상에 현실감을 부여하는 중요한 수단

미셸 시옹(Michel Chion)은 소리와 영상의 관계를 중심으로 영화의 청각 요소를 세 가지로 구분한다. 이는 온 사운드, 오프 사운드, 외화면(화면 밖) 사운드다. 첫째, 온 사운드는 소리가 어디에서 나오는지 영상 안에서 확인할 수 있는 음향이다. 예를 들어서 화면에 등장하는 밴드가 음악을 연주하거나, 자동차가 보이고 거기에서 나오는 시동음이 들리는 방식이다. 둘째, 오프 사운드는 소리가 화면 안이 아니라 보이지 않는 곳에서 나오는 음향이다. 이 경우에는 소리와 영화 세계가 직접적인 연관성이 없다. 영화의 분위기를 만들기 위해 사용하는 배경음악이 대표적인 경우다. 셋째, 외화면 사운드는 화면에서 직접적으로 소리의 출처를 알 수 없지만, 영화 세계 안에 그것이 있다고 가정할 수 있는 음향이다

영화의 청각적 표현은 크게 세 가지 요소, 즉 음성언어, 효과음, 음악을 통해 이루어진다.

음성언어

영화의 음성언어에는 대사와 내레이션 두 가지 유형이 있다. 영화의 대사는 극중 인물에게 개성을 부여한다. 목소리의 억양, 톤, 빠르기 등은 대사의 내용과 상관없이 인물의 특징을 잘 드러내는 요소다. 물론 대사의 일차적 임무는 등장인물이 자신의 행위 동기, 경험, 감정, 생각을 표현할 수 있게 하는 것이다. 따라서 일반적으로 대사는 관객의 입장에서 오해의 여지가 없게 확실하게 전달되어야 한다.

. 내레이션은 영화의 등장인물에게는 들리지 않지만 사람 목소리의 형식을 빌려 관객에게 전달되는 말을 의미한다. 내레이션은 관객보다 더 많은 지식을 바탕으로 정보를 전달하기도 하고, 인물의 내면의 생각을 보여 주는 데 사용되기도 한다. 내레이션이 일관되게 오프 사운드로 제시되는 경우, 즉 내레이션의 주인공이 화면에 나타나지 않는 경우는 신적이며 객관적인 느낌을 준다.

효과음

. 효과음의 기능은 의미 전달과 분위기 조성에 있다. 일반적으로 영화에 아무런 음향효과도 사용되지 않는 부분은 거의 없다. 즉 절대적 묵음은 영화에서 금기시된다. 이는 인간이 일상에서도 항상 소리에 노출되어 있어서 아무런 소리가 들리지 않는 상황을 괴기하게 느끼기 때문이다.

. 대부분의 효과음은 인공적으로 만들어지는데, 이렇게 제작된 음향은 영화의 사실적인 인상을 만들어 내는 데 중요한 역할을 한다. 보기에는 어설프더라도 제대로 된, 즉 관객의 기대를 충족시키는 소리가 난다면 우리는 영화 속 소품을 실제 물건으로 간주한다. 인간에게 특정한 음향을 들었을 때 그것이 어디에서 온 것인지 판단할 수 있는 능력은 제한되어 있다. 그래서 실제 녹음한 음향을 그대로 사용하는 경우보다는 스튜디오에서 만들어진 음향을 덧씌우거나 스튜디오 음향만을 사용하는 것이 일반적이다. 이를 폴리 사운드(foley sound)라고 부른다. 이렇게 만들어진 음향은 대부분 실제 소리보다 더욱 사실적으로 들린다.

. 음향은 사실주의에만 기여하는 것이 아니라 분위기와 정서를 전달하는 데도 사용된다.

음악

일반적으로 배경음악(백그라운드 음악)이라고 불리는 영화 음악은 오프 사운드로 분류된다.

. 주요 장면에서 반복적으로 사용되는 음악은 영화의 의도를 지시한다. 또한 특정한 시기에 많이 사용된 악기 구성(재즈, 전자 음악)이나 음악 형식(서부영화에서 사용되는 민요나 찬송가)은 그 자체로 의미를 전달한다.

. 대부분의 영화에서 음악은 영상의 배경이 된다. 일반적으로 영상에 내재한 분위기를 강화하는 역할을 담당하며, 관객이 특정한 감정을 갖도록 유도한다.

음악은 추상예술이다. 따라서 음악이 효과를 갖기 위해서는 모호하기보다는 확실하게 특정 정서를 표현해야 한다.

영화 분석을 위한 질문

. · 다른 영화보다 음향에 더 주의를 기울이게 하는가?

. · 어떤 종류와 특징을 가진 청각 요소가 사용되고 있는가?

. · 온, 오프, 외화면 사운드가 어떻게 사용되었는가?

. · 음향과 영상은 서로 보완적 관계인가, 아니면 모순적 관계인가?

. · 특별한 효과를 얻기 위해 묵음이 사용되었는가?

9 맥락

맥락 분석의 의의

분석자가 하나의 영화를 둘러싼 컨텍스트, 즉 맥락을 고려한다면 영화 제작과 수용 양상을 파악하는 데 유리하다. 따라서 때로는 영화의 영화사적 의미나, 역사적·사회적 맥락에서의 위치, 다른 예술과의 비교 등 개별 영화 분석을 기반으로 하면서 이를 보충하고 포괄하는 분석도 필요하다.

장르

영화의 역사를 통해 많은 영화들이 만들어지면서 미학적, 서사적 측면에서 특정한 전형성이 생겨났다. 이 전형은 장르라는 이름으로 구체화되었다. 영화 장르는 유사한 내용, 형식의 관습, 특정한 소재, 의상 등을 사용함에 따라 서로 관련을 맺게 된 영화의 집합을 의미하며, 유사성을 통해 특정한 의미를 만들어 내는 특징이 있다. 장르는 영화 내부의 특성을 규정지을 뿐 아니라, 관객의 기대 지평을 만들어 낸다.

따라서 장르에 대해 논의할 때는 자신이 다루는 영화가 속하는 장르를 규정하는 핵심 특징이 무엇인지 그 현재적 의미를 파악하고, 의식적이든 무의식적이든 특정 장르를 대표하는 영화로 무엇을 꼽고 있는지 명확히 해야 한다. 이를 바탕으로 분석 영화가 장르의 관습을 충실히 따르고 있는지, 아니면 위반하고 변형하고 있는지를 밝히는 것은 영화의 특징을 규명하는 주요 방식 중 하나다. 또한 특정 장르를 대표하는 주제를 중심으로 분석 영화의 장르성과 차이점, 주제 표현 방식의 변화를 추적할 수도 있다.

작가

. 영화의 작가란 완성된 영화의 특징을 결정적으로 규정하는 인물을 이야기한다. 한 작가의 작품을 묶어서 분석한다면 어떤 기준으로 영화를 선별했는지에 대해 논란이 생길 여지가 없다. 작가가 이전에 만든 영화와 지금 분석하는 영화의 관계를 파악하는 방식은 영화 분석에서 자주 사용된다. 토마스 섭책(Thomas Sobchack)과 비비안 섭책(Vivian C. Sobchack)은 영화감독을 영화 장인, 영화 작가, 영화 예술가의 세 가지 범주로 분류한다. 영화 장인은 잘 만들어진 영화를 제작하기 때문에 훌륭한 감독이라고 간주되지만, 스타일이나 주제 면에서 개인적이고 일관된 작품 체계를 발전시키지 못한 감독이다. 영화 작가는 이들이 비록 시나리오 작가와 연기자, 제작부원과 함께 작업하지만, 자신의 권위를 내세우면서 외부에서 명백하게 인지할 수 있는 스타일과 비전으로 영화에 특징을 남기는 감독이다. 마지막으로 영화 예술가는 영화 제작 과정과 영화 자체의 모든 측면과 양상을 전반적으로 통제하는 사람을 지칭한다.

담론

. 영화는 한 사회에서 구체적으로 통용되며 지속적으로 만들어지는 의미, 즉 담론을 기반으로 한다. 담론의 측면은 특히 영화 주제와 밀접한 연관이 있다. 영화는 한편으로는 담론을 반영하고, 다른 한편으로는 담론을 만들어 낸다. 이는 영화가 대중 예술이기 때문에 더욱 강조되는 측면이다. 많은 영화들은 기존 담론을 존중하며, 그 틀 안에서 이야기를 전개한다. 그러나 이를 문제 삼거나 대안을 제시하는 영화도 존재한다. 대안을 제시한다고 해서 무조건 긍정적으로 평가해서는 안 된다.

역사적·사회적 배경

. 영화를 그 영화가 만들어진 사회와 시대의 맥락을 바탕으로, 즉 사회와 역사의 반영물로 해석하는 것은 자연스러운 접근 방식인 동시에 조심스럽게 다루어야 할 문제다. 통념상 그랬을 것이라고 상상할 수 있는 경우에도 이를 증명하는 것은 쉽지 않기 때문이다. 증명할 수 없다면 영화 분석에 이용할 수 없다. 분석자는 영화의 특징을 규정하는 요소가 다양함을 알고, 입체적인 접근을 통해 전체를 파악하기 위해 노력해야 한다.

영화와 문학

경제적 성공과 대중의 기호를 고려해야 하는 대부분의 영화의 경우 이미 상업성과 대중성을 갖춘 작품을 원작으로 삼는 것은 자연스러운 일이다. 독서 과정에서 상상한 개별 이미지가 영화에서는 모두를 위한 보편적 이미지로 제시되는데, 이 보편적 이미지는 개개인의 기대를 충족시키지 못하는 것이 일반적이다. 따라서 문학작품을 각색한 영화를 평가할 때는 원작을 얼마나 충실하게 재현하는가보다는 영화가 원작의 어떤 부분을 강조하고 있으며, 이를 위해 어떤 영화적 기법을 적극적으로 사용했는지에 더 많은 관심이 부여된다. 문학과 영화의 우열을 가리는 것이 아니라 서로 다른 매체의 특징을 밝힘으로써 두 개의 예술 작품을 상호 보완적인 것으로 보는 관점이 요구된다.

영화 분석을 위한 질문

. · 영화는 어느 장르에 속하는가? 또한 이 장르의 관습을 지키고 있는가, 변형하고 있는가?

. · 감독이 이전에 만든 영화와 현재 영화는 어떤 관계인가?

. · 어떤 담론이 반영되어 있으며, 이를 다루는 영화의 태도는 어떠한가?

. · 영화에 원작이 있는가? 그렇다면 원작과 영화의 공통점과 차이점은 무엇인가?

10 분석문 작성

분석문 작성의 의의

영화 분석은 영화 체험이 자신의 주관적 경험으로 그치는 것이 아니라 언어로 외화되어 다른 사람들과 소통하는데 기여한다. 이는 분석문이라는 형태로 이루어진다

분석문의 대상

분석문은 한 편의 영화를 시각, 서사, 청각의 측면에서 구조적으로 분석할 수도 있고, 여기에 장르, 작가, 담론, 사회적·역사적 배경 등 맥락을 고려해서 좀 더 폭넓은 글로 쓸 수도 있다. 또 다른 가능성은 두 편의 영화를 비교, 대조하는 것이다. 한 편을 분석하는 것은 단조로울 수 있는 반면, 두 편을 다루는 것은 분석 대상이 지나치게 많지 않으면서도 비교와 대조를 통해 자신의 논지를 좀 더 명확히 밝힐 수 있는 장점이 있다. 두 편의 영화를 선정할 때 주의할 점은 두 영화가 공통점과 차이점을 적절하게 가지고 있어야 한다는 것이다.

몇 편의 영화를 분석한 결과를 가지고 특정 지역과 시대, 문화에 대해 일반적 진술을 도출하려는 욕심은 버려야 한다.

분석문 작성 시 유의사항

. 분석문을 작성할 때는 다음의 사항에 주의해야 한다.

. 첫째, 분석문을 작성하기 전 영화의 어떤 부분에 초점을 맞출 것인지 분석의 범위를 좁혀야 한다. 분석문을 작성하기 전에 자신이 설명·주장하고 지지·증명하려는 핵심 내용이 무엇인지 스스로 명확하게 인식해야 한다. 다양한 요소를 다루더라도 한 가지 관점에서 집중적으로 분석하는 것이 좋다.

. 둘째, 분석문을 쓰기 전에 먼저 자신을 위한 개요를 작성해야 한다. 대략 다섯에서 열 줄 정도로 주장하려는 내용을 정리한다. 어떤 측면을 다룰 것인지, 핵심 질문은 무엇인지, 이 질문에 답하기 위해 어떤 단계를 밟을 것인지가 개요의 핵심 내용이다. 개요를 작성한 후에는 자료 조사를 통해 분석문 작성에 참고할 수 있는 내용들을 정리한다.

. 셋째, 프로토콜을 적극적으로 활용한다. 작성한 프로토콜을 정리하고 관찰함으로써 영화의 전체적 특징을 알 수 있고, 자신의 주장을 확실하게 만들며, 때로는 주장하려는 내용을 추출할 수도 있다. 시퀀스 프로토콜의 경우 영화에 대한 전체적 조망과 시퀀스와 시퀀스 사이의 관계를 파악하는 데 용이하며, 이로써 영화의 구성 원리를 파악하는 데 도움이 된다.

. 넷째, 분석문에서는 영화의 내용을 자세히 요약하지 않는다. 분석문이 영화의 특정 부분에 집중하는 것처럼 영화의 내용 역시 분석에 필요한지의 여부에 따라 간략하게 제시해야 한다. 도입부에 영화의 내용을 요약·언급하는 것은 서너 줄 분량이면 충분하다.

. 다섯째, 주장을 증명하기 위해 영화의 예를 증거로 사용하는 것이 좋다. 영화에 대한 불특정한 감상을 무비판적으로 적는 것은 분석문의 취지에 맞지 않는다.

구체적인 분석을 위해서는 “훌륭한”, “좋은”, “인상적인” 등의 모호한 표현은 피해야 한다. 특정 장면이 훌륭하다고 느낀 것은 분석으로 가는 첫 번째 단계일 뿐이다. 분석의 목표는 훌륭하다는 인상이 어디에서 생긴 것인지를 밝히는 것이며, 분석문을 읽는 독자의 관심 역시 그것이다.

. 여섯째, 분석문을 잘 쓰기 위해서는 문체, 주장 전개, 형식에 주의하면서 다른 사람의 좋은 글을 많이 읽는 것이 중요하다.

분석문의 평가

. 자신의 분석문에 대한 자가 평가를 위해 다음과 같은 질문을 던져 보는 것이 좋다.

. 학술적 표준의 준수 여부

. ① 주제에 맞게 충분하고 적절한 자료를 참고했는가?

. ② 스스로 충실하게 조사했다는 사실이 드러나는가?

. ③ 독창적인 생각과 주장이 담긴 경우, 근거를 충분하게 제시했는가?

. 형식과 구조

. ① 서론의 내용은 충실한가?

. ② 분석문에서 다루는 문제가 지나치게 단조롭지 않은가?

. ③ 분석문의 전개 방식은 문제를 해결하기에 적절한가?

. ④ 분석문의 내용에 자신의 주장, 즉 “핵심적인 생각”이 있는가? 이 핵심적인 생각이 잘 드러나는가?

. ⑤ 최종적인 결과, 주장, 인식이 제시되고 평가되었는가?

. 내용 평가

. ① 분석문에서 제시한 주제를 해결하기 위해 선택한 방식이 적절한가? 이 방식에 대해 충분히 설명하고 있는가?

. ② 주제의 복합성과 내용의 복합성이 서로 어울리는가?

. ③ 해결하려는 문제를 명확히 표현했으며, 읽는 사람이 결론을 납득할 수 있도록 근거 제시가 잘 되었는가?

. 언어와 스타일

. ① 분석문은 언어적으로 결함이 없는가?

. ② 분석문은 언어 양식 면에서 분석적인가?

. ③ 분석문의 언어는 정서법 면에서 올바른가?