COMPOSICIÓN DE TELAS Y ENSAMBLAJE:

TELAS:

En la clase de composición nos pidieron hacer un trabajo, el cual consistía en hacer una interpretación en base de materiales textiles. Me pareció bastante interesante esta idea, ya que estaba acostumbrada a hacer trabajos con cartulina, látex o temperas. En sí, cualquier cosa que tenga que pintarse. Con esto no me refiero a que la tela no se pueda teñir o pintar encima , solo que es otro tipo de material, el cual se puede encontrar en diferentes formas y texturas, lo cual lo hace más fascinante aún. Otra razón por la que me gustó este trabajo fue de que era la primera vez que era un tema libre y a pesar de que soy una de las personas más indecisas a la hora de tomar este tipo de decisiones, no dudé en escoger mi tema que era “La cultura Hindú”.

Referentes:

  • Para esta composición tuve que ir de expedición por así decirlo a uno de los puntos de gamarra en donde vendían todo tipo de telas recortadas, cinturones, cierres, etc. Para ir hasta allá me acompaño mi madre, (Ella insistió en acompañarme ya que le gusta mucho comprar ropa y telas ya que de joven se dedicaba a la costura.). Esta visita ya la había mencionado en un post anterior: (Una aventura en Gamarra)
Recorte de la página.

Como mencioné antes, aquí explico todo lo que necesité para poder trabajar en mi composición y algunos datos adicionales sobre la cultura Hindú y sus vestimentas tradicionales.

  • Para empezar, fui a buscar en varias partes referentes cotidianos que me ayudaran con la paleta de colores que utilizaría más tarde en mi trabajo. Al principio fue difícil porque no encontraba muchas cosas que estuvieran a mi alcance que me dieran una idea. Yo sé que en la India se utiliza mucho los colores vivos, en especial el rojo y el dorado. Pero quería cambiar un poco esa perspectiva y utilizar colores que vayan más con su parte espiritual, algo así como los sentimientos que tienen ellos hacía sus dioses. Entonces pensé en algo más violeta o azul. Un día pasando con una de mis amigas por la calle, nos encontramos un carro que justo tenía estos mismos colores así que aproveché para tomar algunas fotos.
Foto tomada por mí.
  • Otro referente que utilicé fue de un piso de una casa en Barranco, el cual tenía una loseta que me hizo recordar a la icono grafía que a veces se aprecia en las paredes de las ciudades en la India. También en la vestimenta de ellos, en los bordes tienen este tipo de dibujos que se van repitiendo sobre la tela.
Foto tomada por mí.
  • La siguiente referencia que utilicé fue de una imagen del dios “Shiva”, esta deidad es muy conocida en la cultura hindú ya que representa parte de su cultura. Tiene su historia junto al dios Ganesha, el cual tiene una reflexión bastante profunda de la ignorancia hacia la vida de una persona, animal o planta.
Autor: Oushimei Oilpainting Co., Ltd (Empresa de envíos de cuadros impresionistas en China). Año: 2018. Técnica: Pintura al óleo. Fuente: https://es.aliexpress.com/item/India-Lord-Shiva-Oil-Painting-On-Canvas-For-Wall-Decoration-High-Quality-Lodr-Shiva-Painting-On/32649909897.html

Me gustó más por sus colores vivos ya que simbolizan tranquilidad y confianza, algo que probablemente sea muy común en esa nación. Como se ve en la pintura, atrás del dios Shiva está una aura que va en relación con el fondo y la paleta de colores ayuda a darle ese aire de divinidad.

  • El siguiente referente es más una técnica que una imagen en específico, esto debido a que cuando visitaba la biblioteca de mi facultad estaba buscando información que me ayudara con mis paletas de colores y me encontré un libro que sugería varías técnicas con la tinta china, peculiarmente sobre la técnica “Sumi-e”, y como esta se debe aplicar en las escuelas. Me llamo mucho la atención ya que al ser un país del lado oriente, tiene relación en algunos aspectos también con la cultura que estoy tratando. Fue esta ilustración la que más me llamo la atención de este libro, ya que quería usar en mi composición tiza para telas, la cual tenía en mente ponerla de fondo como un espiral.
Autor: Muchacho de 8 años. Año: 1970. Técnica: Tinta china sobre papel humedecido. Fuente: libro “Tintas” de Lothar Kampmann, editorial “BOURET”, página 61.
  • La última referencia que tomé para mi proyecto de telas fue del artista Alfredo Hlito. Él fue un pintor argentino y uno de los impulsores, a comienzos de los años 40, de un movimiento de ruptura con el arte tradicional que rechazaba el figurativismo y exaltaba la abstracción y la geometría. De sus obras, la que más me gustó fue está, ya que me llamó la atención su paleta de colores que van desde azul, morado y amarillo, los cuales también contrastan entre sí. Como había explicado antes, yo buscaba el poder hacer una mezcla de colores fríos y cálidos para crear esa atmósfera espiritual que en casos anteriores se veía sometido por lo colores azules y violetas, los cuales también son mis favoritos de usar.
Autor: Alfredo Hlito. Título: Efigie. Año: 1967. Técnica: Acrílico sobre tela. Fuente: (libro) “Artistas contemporáneos de América Latina”, Damián Bayón, Ediciones del Serval/ Unesco, Página 31.

Trabajo:

  • Para comenzar con el proyecto, primero empecé con un fidelero el cual corté en forma de elefante, ya que quería representar al dios Ganisha como lo había mencionado anteriormente. Después de poner algunas telas, me di cuenta que no funcionaba ni la forma ni las telas, ya que no tenia una idea clara de como hacer que las texturas quedaran en composición con el fondo, además de que las texturas mismas me mostraban muchos lugares donde llamaban la atención y no se podía entender al final el tema. Por todo esto, decidí refrescar mi cabeza y comenzar de nuevo, volviendo desde el inicio e inspirarme de nuevo con las imágenes de esta cultura.
Primera foto del proceso. Tomada por mí en clase.
  • Luego de las correcciones de la profesora, decidí empezar de nuevo en un formato en donde pueda familiarizarme más con mi tema. En este caso utilicé un cartón el cual tenía guardado desde hace tiempo para reciclarlo y ahora era el momento. Primero pinté el fondo como lo tenía pensado desde el principio: Azul, celeste y violeta. Lo pinté de tal forma que fuera una aura que se concentra en el centro, como lo pueden ver en la imagen que me guié del dios Shiva.
Segunda foto del proceso, tomada por mí.
  • Luego de que secara, pensé en ponerle varios botones de colores. Al principio tenía la idea de hacerlo solo con el color rosa, pero me di cuenta que también tenía que resaltar el fondo. entonces lancé mucho de ellos encima de la goma que estaba sobre el cartón, creando así pequeñas islas de botones. Después coloque una tela que tenía la textura media trasparente. La situé en la parte derecha de la composición en dirección diagonal con un poco de pasadores de color negro que recorté de diferentes tamaños para que el ritmo no se vea constante.
Tercera foto del proceso. Foto tomada por mí.
  • Para después de la revisión continua, le coloque un par de retazos en las esquinas de la composición que no eran muy llamativas, para que le dieran una sensación de movilidad al trabajo. Estas también concordaban con el fondo, ya que eran colores claros para que transmitiera tranquilidad.
  • Por último, Pinté al rededor de la flor que había creado con los botones, un espiral que envolvía la figura, simbolizando el poder que conllevaba este dios al cuidado de su madre. (Es parte de la historia de este dios).
  • También le agregue otros retazos que si tenían texturas para que se complementaran con los botones y no se quedara como un vacío. Estas partes ya les había colocado pequeña piezas de plástico pero no se notaban debido a que eran transparentes. Pero me gustó mucho el efecto que se quedó con la silicona en el cartón. A parte, acoplé una pequeña artesanía de tela que sirve para poner las agujas. La escogí porque me gusto mucho los colores que tenía además que me se complementaba perfectamente con los pasadores negros de la tela azul.

Conclusiones:

  • No voy a decir de que fue un trabajo fácil por que no lo fue, a comparación de los otros trabajos que he realizado, es difícil ocuparse de los colores y de las texturas al mismo tiempo, aún que haya visto las texturas en diferentes papeles que he utilizado antes en mis proyectos, no es igual a los materiales textiles, ya que estos están tintados de algunas formas y algunas tienen su propia composición de por si, entonces combinarlos con un fondo sin textura o con un fondo pintado es complicado. Pero de todas formas me esforcé en tratar de aplicar los conocimientos previos que llevo a lo largo de este año en este curso.
  • A pesar de las dificultades, puedo decir que aprendí una forma nueva de explorar otras áreas y aprender a ver que no solo lo que está en un papel tiene composición, sino que se ve en muchas otras cosas más, en este caso, la tela. Me ha gustado el poder experimentar con esto y espero poder ver desde ahora con un poco más de profundidad los temas con otros materiales.

ENSAMBLAJE:

Como siguiente trabajo del curso de composición 2, tuvimos que trabajar con diferentes materiales los cuales teníamos que acoplar de tal manera de que nos quede una composición, no necesariamente en referencia a una escultura, pero si que tuviera lo básico que se haya estado aprendiendo hasta ahora en el curso.

Antes de buscar referentes, yo tenía algunas ideas en mente después de ver la presentación del nuevo trabajo en el salón, estás las había dibujado en mi bitácora. Quería que mi trabajo tuviera un ritmo dinámico y fuera de un solo color. Para esto ya tenía la idea de trabarlo con cartón y cortarlo en forma de triángulos que salieran de la esquina de la pared.

Foto tomada por mí.

Claro está que el boceto jamás sale igual que el trabajo final, pero de todas formas a mí me ayuda a formar o tratar de materializar la idea que tengo en mi mente. Así puedo concentrarme más en lo que necesito mientras que estoy en clase.

Referentes:

Para los referentes, fui a visitar una vez más la biblioteca de mi facultad con el motivo de encontrar cosas que me ayudaran con mis dibujos de anatomía artística y acabé viendo revistas antiguas sobre escultura que me llamaron mucho la atención. Yo no voy a la carrera de escultura, pero siento que todas las carreras de arte se conectan de alguna forma y eso es espléndido ya que puedes encontrar todo tipo de reseñas y referencias para expandir tus conocimientos básicos de tu carrera. Una de las revistas que encontré sugería alguno de estos aspectos:

Autor: Sascha Berretz. Año: 2012. Título: Dark Star. Técnica: bucles y muestras, escultura. Fuente: Revista “OSTRALE´012”, 16 de septiembre del 2012, Kunstaspectek.
  • Como primer referente escogí esta escultura, ya que como había mencionado en la introducción, yo tenia una idea de pintar el trabajo de otro colores, pero después de ver la seriedad y la limpieza que se muestra con un solo color. La forma en la que salía también era interesante puesto que parecía como un tipo de explosión y los rectángulos que salían se ven de diferentes tamaños también por tanto todo funciona como composición.
Autor: Daniele Del Grande (IT) y Jan Heinke (DE) . Año 2012. Título: Sotto Sopra. Técnica: Escultura. Fuente: Revista “OSTRALE´012”, 16 de septiembre del 2012, Kunstaspectek.
  • Esta escultura me gustó mucho, ya que me pareció un ejemplo bastante bueno sobre el ensamblaje. Con solo unir los tubos de plástico con la madera hace que se cree una forma de árbol, pero lo que lo hace más interesante es que los tubos son de otro color pero aún así están en armonía con el color de la madera, por lo que me pareció muy creativo. Otra parte que me gustó fueron la ramas, que a pesar de ser de maderas más pequeñas, se siente como si estuvieran dobladas igual que los tubos azules, además de que se siente un ritmo dinámico.
Autor: Diana Al Hadid. Año: 2011. Título: “En reposo mortal” (al ingles: “In mortal Repose”). Técnica: Bronce, Hormigón fundido. Fuente: http://www.dianaalhadid.com/work/in-mortal-repose/slideshow?view=slider#2. Fotografía: Jeson Wyche.
  • Esta es otra artista que me llamó bastante la atención sus trabajos. La había descubierto en una de las revistas que revisaba, pero como me pareció muy bueno su trabajo decidí hacer una investigación profunda sobre su proceso de trabajo e historia. Diana Al-Hadid es una artista contemporánea que nació en Aleppo, Siria en 1981, vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Al-Hadid construye grandes esculturas arquitectónicas en diferentes materiales, como el poliestireno, yeso, fibra de vidrio, madera y cera. Estos materiales se combinan para dar a la obra la sensación de extrema fragilidad e inmediatez, en contraste con su escala monumental y construcción robusta. El aspecto físico de su trabajo contribuye a articular su preocupación por el derrumbe inevitable de las ambiciosa construcciones humanas. La Torre de Babel, las catedrales medievales, como la de Chartres, y los laberintos, como el laberinto de Creta se encuentran entre las muchas referencias que Al-Hadid utiliza para ilustrar su todo, a un tiempo con grandilocuencia histórica y profundidad personal. (Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Diana_Al-Hadid ). Me gusta el hecho de que utilice de referencia varias arquitecturas de épocas pasadas, ya que para mi trabajo terminé utilizando varios cartones los cuales uní de una forma que pareciera una estructura parecida a las que ella combina y muestra. De esta escultura en especifico me llamó la atención su nombre y el que el negro resalte muy bien con el blanco, pero lo suficiente para solo hacer destacar el cuerpo.
Autor: Diana Al Hadid. Año: 2009. Título: EDGE OF CRITICAL DENSITY. Técnica: fiberglass, polymer, gypaum, steel, wood and pigment, (Traducción: 
Fibra de vidrio, polímero, yeso, acero, madera y pigmento) . Fuente: http://www.dianaalhadid.com/work/edge-of-critical-density/slideshow?view=slider#1.
  • Esta es otra de las obras de la artista que me gustaron. Como ya había mencionado antes, la forma en la que fusiona los elementos, da la impresión de que fuera una montaña y que estuviera en movimiento. Esta idea la quería aplicar también a mi composición.
Autor: Cris Bruch. Año:2012. Titulo: Ghost #3. Técnica: papel. Fuente: http://www.crisbruch.com/objects/objects_026.html
  • De esta pequeña escultura creada a base de papel, me encanto lo sencillo que puede tener una obra en base las perspectivas que le das, algo que me gustaría implementar en mi trabajo. Me gustó también que fuera una especie de pueblo pequeño, además que el papel hace ver que es una estructura pulcra.

Trabajo:

Foto tomada por mí.
  • Para empezar mi trabajo empecé por hacer un pequeño prototipo de lo que quería, guiándome del boceto que tenía en mi bitácora. Como solo era una prueba, no me preocupaba que fuera pequeño, pero a la vez sentía que estaba cerrando el espacio. Aún que tenía la idea de hacerlo en la esquina de la pared, sentía que no se iba a apreciar lo suficiente. Gracias a este prototipo, pude llegar a mi idea final: Hacerlo en la pared y de formas ortogonales como si fuera una ciudad pequeña.
foto tomada por mí.
  • Al pasarlo en grande, no quería pintarlo aún porque quería tener una visión más clara de como sería si fuese con cartón, ya que el cartón que utilizaba en ese momento era reciclado y no era muy resistente a comparación del cartón corrugado que venden en la tienda. Quería que también tuviera diferentes tamaños, así como Cris Bruch con su papel, sentía que eso le daba una vista interesante que se combinaba con los vacíos de la mesa.
Foto tomada por mí.
  • Cuando estuve a punto de levantarlo, me percaté de que de todas formas necesitaría una base de cartón, así que fui juntado cajas para pegarlas de modo que pareciera las paredes de la pequeña ciudad. A pesar de que me gustaba la base que le puse, no se complementaba con mi idea de tener diferentes formas, ya que todo estaba reducido a ese pequeño rectángulo que había creado. Por lo que le llegué a poner otros materiales, como botellas de plástico y adhesivos terminados. Ahora que ya tenía forma solo me faltaba acoplar mejor los elementos, ya que tenía la idea de que las botellas atravesaran los muros así como si estuvieran rompiendo con la dimensión de las figuras ortogonales de mis cartones.
Foto tomada por mí.
  • Para este proceso, primero retiré todos los elementos pesados para que no estorbaran a la hora de pintar. Después de eso, utilicé periódicos para que el cartón tuviera más firmeza. Para lo último dicho, recordé cuanado era pequeña y veía art attack, la cual era una serie en donde enseñaban trucos de arte para niños. En muchos de los episodios utilizaban lo que llamaban el “Engrudo”, este era una combinación de goma liquida y agua, para que se endureciera con rapidez el papel, esto es lo mismo que hice al pegar los periódicos de mi composición.
Foto tomada por mí.
  • Al final quedaba todo cubierto de papel y goma. Se secó y pude pintar la base de blanco y los cartones que funcionaban de edificios. Como lo hice en la mañana, pude ver las partes escondidas en donde me faltaba pintar, además que pude ver desde otra perspectiva mi trabajo y agregarle más cartón para darle la sensación de diferentes direcciones.
Foto tomada por mí.
  • Esta es una foto de la vista desde arriba del proyecto. Como las piezas se estaban secando, no tenía la necesidad de colocarlas en su lugar, pero me llamó la atención como es que estaban puestas por lo que pude tomar la foto en ese momento.
Foto tomada por mí.
  • Por último hice la prueba para ver si se podía parar, al principio los cartones tendían por la gravedad a irse hacia abajo, por lo que tuve que colocar más periódico y cartón, y volver a pintarlo. Cuando estuvo terminado este proceso, pinté con negro las botellas y cintas para que contrastaran con el fondo y se vieran como si estuvieran más lejos del ensamble.

Conclusiones:

  • Aprendí mucho con este proyecto de ensamble , ya que me recordó a mis años anteriores en donde aún tenía la idea de estudiar arquitectura. Todo esto lo relacioné también a cuando era pequeña y jugaba con mis hermanos a construir casas con los muebles, suena como solo un recuerdo, pero también me sirvió de apoyo para realizar mi composición.
  • Sé que aún me fata evaluar mi trabajo, hay cosas que pienso que ya debería de lanzarme a hacer y no estar dudando mucho, por ejemplo cuando quité las botellas para que no estorbaran y al final solo puse unas cuantas de las que había puesto, sentía que le había quitado algo de lo que parecía cautivador.
  • Aprendí también a llevar mis composiciones a un formato 3D. Era la primera vez que lo hacía sin embargo me gustó más la pequeña maqueta que todos mis trabajos anteriores de composición. Me alegra poder experimentar con este tipo de materiales tal y como lo hacen los escultores y los arquitectos. Ahora siento que sé un poco más de todas las carreras de arte.