El surrealismo, más que una vanguardia artística
El surrealismo surge en Francia, luego del movimiento dadaísta, y se presenta como una propuesta que busca una solución para el hombre, la cual le otorga una libertad de forma positiva, la libertad ante todo lo demás. Según De Micheli, el Surrealismo se opone a esa búsqueda experimental y un tanto
científica del Dadaísmo, y se centra fundamentalmente en la filosofía y la psicología. Lo que busca es que el espectador, y toda la sociedad, tenga la libertad que se merece, siendo este mismo concepto su lema.
Esto es más importante que el arte de hacer cuadros o de escribir versos, está en juego el destino del hombre, su fortuna o su ruina en la tierra, que no reaccione tal como le dicen, sino que tenga la libertad para hacerlo. Para ellos el arte ya no forma parte de un proceso que produce valores, sino lo ven como un instrumento para que actuara en la psicología de las personas y así provocar que sean libres de cualquier censura, que sea un medio para describir el inconsciente.
André Breton, quien fue su fundador, define al arte, en la época de la guerra de Marruecos en 1926, como:
El arte autentico de hoy, está ligado a la actividad social revolucionaria: tiende a la confusión y a la destrucción de la sociedad capitalista (Breton, 1926).
Define allí también un gran objetivo para ellos, la destrucción de aquella sociedad, ir en contra de lo que estaba impuesto para estallar a la sociedad burguesa y brindar libertad. No era una única libertad, por una lado se encontraba aquella que era individual y por otro la social. La única manera que se puede llegar es mediante la revolución para cortar aquellos lazos de opresión que deforman la naturaleza y la personalidad del hombre.
El Surrealismo busca en cada momento irrumpir en la historia, y también en la política, creando las condiciones de la libertad material y espiritual del hombre, creando una visión nueva para la sociedad, aquí se ve presente la reintegración entre el arte y la vida. Y es por eso que se define no como un medio de expresión sino una manera de liberación total de uno y todo lo que está alrededor.
Argan declara, en su libro “El Arte Moderno”, que el Surrealismo se anuncia como un movimiento extremista y revolucionario, en donde hay una poética del inconsciente la cual no se relaciona con una ideología, en donde por primera vez la imaginación está en el poder (Argan, 1991. Es así que los surrealistas tienen como objetivo ir en contra de esa sociedad burguesa, que se rompa la tradición. Para ellos las cosas ya no le dan más emoción ni consuelo al hombre, el hombre es un esclavo en una sociedad equivocada, es así que desde sus pinturas y sus pensamientos quieren crean un mundo en el que el hombre encuentre lo maravilloso, se libere, alcanzado la libertad inigualable e incondicional, huyendo del aburrimiento de una realidad alienada y consumida. Pero también define al Surrealismo como el movimiento que tiene como objetivo el escándalo:
el artista que ironiza la sociedad puede ser divertido, mientras que el que pretende intervenir en sus actividades dirigiéndolas hacia un fin educativo frente a uno utilitario, es molesto. En todo caso, el escándalo es menos peligroso que la revolución (Argan, 1991).
Esto nos demuestra que esta vanguardia lo único que quería hacer es poner en descubierto la verdad de la sociedad, que estaba regida por un grupo rechazado. Tal es así, que ellos también se sienten libres de expresarse como
quieran, sin definir ninguna sigla formal a la que todo aquel artista surrealista tuviera que atenerse, se define como actitud del espíritu hacia la realidad y la vida, y no como un conjunto de reglas formales; el contenido es lo que decide, es la verdad, la fuerza. Pretendían tener la posibilidad de que el poeta y el artista expresara su verdad interior sin que nada ni nadie la modificaran.
Lo que hay que destacar del movimiento Surrealista son las siguientes cuestiones, que casi todas las vanguardias históricas se caracterizaron:
- provocó una ruptura con la tradición, utilizando materiales no nobles, con una disposición de procedimientos.
- criticó al arte tradicional, el sentido de las obras no está dado y es el espectador quien debe tener el rol de poder cumplir con eso, de crear un propio sentido, brindando libertad absoluta.
El efecto de “shock” es algo que hace que rompan con la tradición, su principal objetivo es que cuando el espectador este frente a sus obras, no logre utilizar las cosas que hay para entenderla, como lo hace en el arte tradicional, sino que al no tenerlas les da un efecto de “shock”. Que el espectador no lo entienda pero que a la vez este mismo efecto le haga creer que hay otras lógicas para interpretar la realidad, se debe cuestionar sobre cosas que anteriormente no lo hacían.
Por otra parte, se comenzaron a realizar objetos que están asociados a otras formas de lo artístico, por ejemplo objetos que cumplen cierta función y que puestos como objetos artísticos esta función no existe, sino que es un objeto en exhibición. Además gracias a la revelación total del inconsciente reconocen que el arte había dejado de tener una circulación y una función social, a menos que no consista en liberar al individuo y a la sociedad de la represión que la ejerce la razón, para devolverle la autenticidad de los instintos, es por eso que la pintura de Miró no le da significado ya que eso remitirían a la censura, imponer significados ya hechos a la sociedad y no que sea esta la que tenga la liberta y los descubra. Otra cuestión fue que atacó a la institución Arte de la sociedad burguesa entendida como aparato de producción y distribución que determina cómo deben percibirse los objetos artísticos, lo que quisieron buscar con esto fue provocar, ridiculizar y mostrar que la sociedad considera un absurdo, la evidencia de que existen otras formas de pensar y percibir los objetos. Le da vida a la imágen, por lo que viola las leyes del orden natural y social.
Los objetos surrealistasse se caracterizan por traspasar las barreras normales, crean un objeto existente como otro completamente diferente, y es ahí donde se comienzan a cuestionar cuando un objeto es artístico o cuando no.
Huyen de las preocupaciones formales, muchas veces ligados con Freud en cuando a la simbología sexual y también lo sádico, como por ejemplo “Bola Colgada” de Giacometti, que busca estimular la imaginación erótica del espectador.
Para ellos el artista, tiene aquella capacidad de concluir su gran obra de creación, de realizar el proceso formativo del mundo hasta que lo plasma a su propia imágen y semejanza.
Masson dice que la tela, tal como se la veía hasta ese momento, un plano de proyección donde se hace perceptible una imágen que la mente concibió, pasa a ser una pantalla sensible que intercepta un impulso y reacciona ante ese.
Tuvieron una búsqueda de la reintegración del arte con la vida, en donde cuando desaparece la finalidad de la obra y cuyas producción y recepción se va a dar dentro de la esfera individual. Es así como la separación del arte respecto a la praxis vital es el síntoma decisivo de la autonomía del arte burgués; el Surrealismo, junto con las demás vanguardias, se puede
definir como un ataque al estatus del arte en la sociedad burguesa. Lo artístico es posible de poder transformar a la sociedad
Cuando surge se produce una fractura entre arte y sociedad, entre un mundo exterior e interior, aquel mundo que está en nuestro interno sentimiento ligado con lo inconsciente, lo que soñamos en nuestra propia mente, y la realidad. Es por eso mismo que los surrealistas siempre tuvieron en cuenta estos dos conceptos y en lo largo de su historia lucharon para conseguir un
equilibrio entre estas dos dimensiones. Este movimiento hizo uso de la publicación de manifiestos para dar cuenta de sus objetivos sociales y para dar a conocer sus propuestas artísticas, estos están dados por André Breton, el Surrealismo toma grandes referencias de Freud, Marx, entre otros; y
es el mismo André quien se encarga de publicarlos en el manifiesto.
El corazón del surrealismo esta dado en ese inconsciente del que hablaba Freud, una realidad distinta, una realidad que está en lo más profundo de nosotros y que muchas veces se da en nuestros propios sueños. Es así que André Breton escribe en el manifiesto:
[…]Gracias a él, la imaginación acaso esté a punto de reconquistar sus derechos[…]. (Breton, 1924)
Los sueños, también se ven muy presente en él, escribiendo casi todo el tiempo de ellos, como una manera de contar lo que tenemos reprimido, que por razones de miedo o de reglas impuestas por los demás no somos capaces de sacarlas a la luz, y es por eso mismo que este movimiento si lo hace. A partir de esto surgen un sinfín de preguntas por el mismo Breton en cuanto a los sueños y las realidades que tenemos dentro, por ejemplo: “¿Por qué razón no he de otorgar al sueño aquello que a veces niego a la realidad, este valor de certidumbre que, en el tiempo en que se produce, no queda sujeto a
mi escepticismo? ¿Por qué no espero de los indicios del sueño más de lo que espero de mi grado de conciencia, de día en día más elevado? ¿No cabe acaso emplear también el sueño para resolver los problemas fundamentales de la vida? ¿Estas cuestiones son las mismas tanto en un estado como en el otro,
y en el sueño, tienen ya carácter de tales cuestiones?¿Conlleva el sueño menos sanciones que cuanto no sea sueño? “, Breton justifica cada una de las cuestiones de su movimiento en su manifiesto, y el tema principal es el sueño y el inconsciente, por ejemplo con el sueño relaciona el famoso azar de los
surrealista, la manera de expresarse libremente, una realidad distinta a la actual, dos estados que son el sueño propiamente dicho y la realidad, la satisfacción de quien sueña, lo maravilloso y bello que hay en este, la mente es donde trabaja, en el sueño se ven todas aquellas cuestiones como el miedo, lo insólito, lo absurdo, el amor al lujo, y no cabe dudas de que son estos temas los que se ven reflejados en las obras surrealistas.
En el manifiesto queda publicada una autentica estética surrealista, el inconsciente la dimensión misma del arte. En este mismo manifiesto André Breton publica una serie de características y principios en los cuales está ligado el movimiento, por ejemplo una de las características más importantes es el uso de la imaginación para todo aquel artista que se quiere considerar surrealista, y es allí donde Breton la nombre: “Amada imaginación, lo que más amo en ti es que jamás perdonas”, llamando implícitamente también a la libertad que tiene la imaginación. Lo que más se caracterizó el Surrealismo fue por llevar a cabo una gran experimentación con lenguajes, materiales y procedimientos a partir del planteo de la disponibilidad de todos los medios
artísticos, el lenguaje es el objetivo de ataque principal, aquel lenguaje que tenemos naturalizado es el transmisor de ideología, lo que haya que transgredir tiene que funcionar a nivel del lenguaje.
Revolucionar el mundo a partir de lo artístico. En la literatura generó una revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de composición. Utilización de recursos que pongan en evidencia una dimensión visual de las letras que permite producir un sin sentido que para ellos es que existan otras
formas, los surrealistas lo llamaban “poner las palabras en libertad”, es decir que algo que no tiene sentido tenga más sentido de lo que se creen, comenzar a desenmascarar aquellas formas que no dejaban ver las formas, para ellos lo artístico comienza a revelar ciertas cosas que estaban impuestas
por la sociedad capitalista, por ejemplo volver inútil aquellas cosas que son importantes para ellos como las maquinas, los procedimientos. En cuanto a estos y a la materialidad, fue común utilizar objetos denominados de “funcionamiento simbólico”, en donde los descontextualizaban y provocaban
el efecto de shock que ellos quieran transmitir junto a la ruptura de lo tradicional, por ejemplo una taza de té forrada de pelaje, una plancha llena de clavos; usan materiales poco normales de ver en ciertos objetos, lo que provoca experimentar y así demostrarle a la sociedad otras cosas que se pueden ver que van fuera de lo normal.
Hay artistas que hacen uso más tradicionales en cuanto a aquellos que se especializaban por el contenido onírico de las figuraciones, primero porque al hacer un uso común se prestaban mejor lo que ellos llamaban escritura automática, segundo porque la normalidad de la imágen aislada resalta el absurdo del conjunto, cosas que ellos querían transmitir. Comienzan a realizar
yuxtaposiciones entre materiales para crear nuevas formas, no solo entre materiales sino también con textos, objetos. Por ejemplo en pinturas de Max Ernst las cosas pierden su propio significado para tener otro nuevo: la madera se vuelve mar, el anillo sol, la tapicería en muralla de árboles, entre otros.
Era necesario pensar que las cosas en el mundo tienen uniones que hay que ver, esto es una forma de ver que el mundo podía cambiar mediante el arte. Uno de los artistas que tuvo un gran papel en la desfuncionalización de los objetos fue Man Ray, quien los interviene para poner en crisis la cuestión de lo útil que creía la sociedad capitalista, algo que ellos utilizaban en su día a día poder verlo intervenido, sin cumplir ninguna función. El procedimiento principal del Surrealismo es el automatismo, que se encuentra presente no solo en la literatura o la pintura, sino en cada uno de las artes en general que se desarrolló. André Breton en su primer manifiesto lo describe:
Escribid deprisa, sin tema preconcebido, escribid lo suficientemente deprisa para no poder refrenaros, y para no tener la tentación de leer lo escrito […] hay una frase, extraña a nuestro pensamiento consciente, que desea exteriorizarse[…]. (Breton, 1924)
El frottage es otras de las técnicas que sorprende a la sociedad, era algo que no se veía y un modo de interrogar a la materia, la cual perdía su carácter para asumir el aspecto de una serie de imágenes inesperadas tal como dice De Micheli en su libro. Otras de las técnicas fácil de ver es el recurso de figuras cortadas de estampas, por ejemplo M. Ernst, o de fotografías, M. Ray; para demostrar que no se da importancia a la imagen, no se modifican a las mismas, sino a las relaciones en donde esas imágenes se asocian entre si naturalmente.
Fechas claves del Surrealismo
- Su surgimiento a mediados de la década de 1920 de la mano de André Breton.
- 1908 Apollinaire, poeta y escritor francés quien había sugerido a los fundadores del surrealismo su nombre como también ideas, escribió una composición “Onirocritique” en donde nombraba tanto al automatismo como al sueño, y es denominada también como una composición surrealista.
- 1923–1935 André Breton lleva a cabo su investigación teórica, la cual está ligada con aquellos conceptos de la libertad, esta misma tiene consigo dos hombres que marcan los fundamentos de este movimiento, Marx y Freud. Marx visto como un teórico de la libertad social y Freud como teórico de la que ellos llaman libertad individual.
- 1924 Primer Manifiesto del Surrealismo, y también se creó en Paris, en la Rue de Grenelle, la Oficina de Investigaciones Surrealistas y se presentó la revista “La Révolution surréaliste” que fue el órgano literario de los surrealistas. Como Cathrin Klingsöhr-Leroy dice en su libro: “La Oficina de las Investigaciones Surrealistas se propuso reunir, con los medios adecuados, las manifestaciones relacionadas con las distintas formas que puede adoptar la actividad inconsciente del espíritu” (Klingsöhr-Leroy, 2004).
- 1925, Pierre Naville, director, junto con Péret, de la revista Revolution Surréaliste, escribe que “no existe una pintura surrealista”, por lo que comienzan a cuestionarlo. André Breton en 1928 le responde en su ensayo.
- 1929 Segundo Manifiesto Surrealista. El movimiento se inclina en la política. Luego de dos años, Aragon, Breton, Eluard y Peret entran al partido Comunista Francés, pero en 1933 lo abandonan.
- 1930 el Surrealismo recorre un largo camino, y hay una auge de los “objetos inventados”, que se clasifican según sus categorías: “objetos transustanciados” de origen afectivo, “objetos para proyectar” de origen onírico, “objetos-maquinas” de origen fantástico-experimental, “objetos modelos” de origen hipnagógico.
- En 1928 aparece la primera película con cierto contenido surrealista, “La caracola y el clérigo”, de Germaine Dulac.
Sus artistas
J. Miró: Surrealista desde el año del Primer Manifiesto. Su característica fundamental es el uso del automatismo. Da vida a un conjunto de sensaciones sutiles, vibrantes y reiterativas donde la constituyen la alegría y la inocencia. Intercepta aquel camino del inconsciente en el umbral de la conciencia en el nivel de percepción, pero su objetivo es impedir que todo aquella región, tanto la experiencia como la existencia, y más específicamente aquella que pueda revelarse en la imagen, quede sepultada en la oscuridad. Su pintura se puede definir como una forma del inconsciente al margen de dicha forma que la razón no pueda asumir como algo propio, su mundo es el anti-geométrico. También es inadecuada y cromática, tiene falta de equilibrio entre colores y signos por lo que y tiene gran atracción visual, con técnica espontanea.
De Chirico: Considerado por André Breton como la cabeza de los artistas del movimiento. En 1914 publica un escrito que expresa una serie de ideas que pueden ligarse con el surrealismo. Su obra “Plaza de Italia” tuvo una gran influencia para los surrealistas, no solo para los artistas sino también para los poetas. Representa situaciones absurdas y contradictorias.
M. Ernst: explica el procedimiento que conduce a la creación de la imagen surrealista. “…Bello como el encuentro casual de una máquina de coser y un paraguas en la mesa de operaciones […]. Acoplamiento de dos realidades en apariencia inconciliables en una plano que, en apariencia, no conviene a ninguna de las dos…”. Origina en 1925, una particular técnica surrealista que es el denominado frottage, que se produce cuando se coloca una hoja de papel sobre una superficie rugosa, frotando encima con un lápiz, esto se produce para activar la imaginación de las que ellos hablaban y que no sea el simple calco de un objeto real. A partir de esto se da cuenta que ya sea una forma, un color, una página de publicidad, cualquier cosa, sugiere contemporáneamente dos imágenes. No se abarca en ningún medio específico, sino que acepta todos siempre y cuando no constituya un problema y que sea para realizar una imagen. Para él no es el sueño el responsable de crear la imágen sino es la imagen la que se desarrolla en el cuadro gracias a la imaginación del artista.
S. Dalí: Conocido por utilizar el fotomontaje y fotocollage en sus obras. En cuanto a su teoría de la imagen múltiple trataba de una actividad paranoico-critica, “un método espontaneo de conocimiento irracional basado en la asociación interpretativo-critica de los fenómenos del delirio”.
A. Masson: Conseguía “pintar en surrealista”. Obsesivo con el erotismo, que comunicaba mediante símbolos. Elementos poscubistas y picassianos se mezclaban a su estilo hibrido. Utilizo la técnica de escritura automática pero fue más diagramática que descriptiva, sigue lo que dicta el inconsciente, se
pueden ver en sus obras recorridos monstruosos, saltos repentinos, vueltas, aceleraciones, debilidades del movimiento. Para él las imágenes son alegorías y no signos de existencia, la expresión de lo que no puede ser expresado expresa el sentido de lo que no es expresable; y la “escritura automática” no es una poética de la imagen sino del signo.
R. Magritte: Pintor reconocido por utilizar el famoso azar objetivo. Gracias a las técnicas fotográficas que más adelante detallaré, es capaz de reproducir un mundo descompuesto y recompuesto. Inventa la “anti-historia”, descubre lo absurdo de lo trivial, crea imágenes de significado confuso que muchas
veces tienen un doble sentido en el juego de palabras figurado. Es él quien pone en cuestión al cuadro como un medio, que a través de este se recoge un pedazo de realidad, uno puede apropiarse con gran libertad y gratuitamente de algo real.
Y. Tanguy: Reconocido como Magritte por usar el azar objetivo. Manipula un universo que aparece como el resultado de una serie de convulsiones cósmicas más que como una combinación ilógica de una objetividad existente. Inventa la denominada “anti-naturaleza”, es decir brindar una naturaliza muy diferente de los que es, por ejemplo paisajes que no tienen fin, no hay luz ni sol, huesos, frutos momificados, fósiles y conchas que aparecen moverse con la cautela de los gusanos.
A. Gaudi: Si bien fue un arquitecto español, máximo representante del modernismo catalán, también es considerado un arquitecto surrealista, debido a las características que tienen sus trabajos. La Sagrada Familia (7) es considerada una de ellas, por su forma fuera de lo normal, exagerada. Llega a tener una arquitectura plenamente visual, lo principal es la imagen junto al color. Tiene imaginación y la relaciona con lo fantástico, la fantasía carece de límites, y es esta una característica fundamental de la arquitectura surrealista.
H. Arp: Fue un procedente del movimiento Dadá pero formo parte del Surrealismo especializándose en las esculturas. Busca en sus obras, formas originales y nuevas, que sea generador de cualquier forma de vida posible.
M. Ray: Reconocido por hacer tomas fotográficas lanzando el aparato al aire con el objetivo abierto. Construye extraños objetos que funcionan psíquicamente, por ejemplo fija en un metrónomo corriente la fotografía de un ojo lo que provoca, que cuando el exportador observe, fije la vista y siga involuntariamente el movimiento del metrónomo (8).
A. Savinio: Participó en el nacimiento del movimiento, se auto consideraba un gran diletante. Mezclaba temas contradictorios del mito y la ironía, bosque, arquitectura, naturaleza y civilización.
Gorky: Los signos solo existen en el contexto unitario del cuadro, lo que quiere llevar a cabo en sus pinturas es el paso del no-significante de la existencia al significante de la vida. El lenguaje surrealista no es un anti-lenguje, sino una expresión directa de la pintura; el cuadro es un cuento que se escucha sin saber el significado de las palabras aunque su sentido se deduce del ritmo y la voz que lo cuenta.
También hay otros artistas que integraron a este movimiento, los cuales fueron procedentes de Dadá como por ejemplo Picabia, Duchamp y Giacometti. Picasso es considerado uno, aunque afirmo no haber sido nunca surrealista, Chagall, Klee, Dominguez, Kay Sage, Victor Brauner, Matta, Wifredo Lam, Esteban Francés, Meret Oppenheim.
Otras caras del Surrealismo
Esta vangaurdia no estuvo presente solamente en la pintura, sino también tomo lugar en muchísimas otras artes como el cine, la fotografía, la música, el teatro, entre otras.
En el cine
Se vio muy presente, tomando como referencia aquellas cuestiones que se veían también en sus pinturas a principios de su surgimiento: creación al margen de todo principio estético y moral, la fantasía onírica, el humor desaprensivo y cruel, el erotismo, confusión de tiempos y espacios diferentes. Otros de los recursos son los fundidos acelerados de distintos objetos (9), el uso de cámara lenta, las uniones arbitrarias entre planos. A partir de la primer película se comienzan a ver varias de películas de ese carácter: “Un perro andaluz” y “La edad de oro” de Luis Buñuel, “La estrella de mar” de Man Ray y
Robert Desnos, Recuerda (Spellbound) de Alfred Hithcock quien le encarga a Salvador Dalí de la escenografía. En la actualidad hay ciertos directores de cine que siguen tomando este tipo de características del cine surrealista para sus películas, como por ejemplo David Lynch, Jean-Pierre Jeunet, Julio Médem.
En la fotografía
Tuvo un papel importante, en especial con el modo de operar y proceder en imágenes mediante la articulación inconsciente de la realidad y también el
automatismo y la libre asociación de ideas. Se encuentra presente con las ideas surrealistas porque aquella manipulación es aceptable plenamente en esta misma, rompe las reglas de la realidad y libera la invención y la creatividad.
El movimiento terminó asumiendo el medio fotográfico no solo con un carácter artístico sino también como objetivo de divulgación. Algunos artistas surrealistas que tomaron en la fotografías fueron: Magritte con las interrelaciones de simples objetos y las asociaciones que despiertan; Brassai con imágenes sin trastocar, pretendía encontrar figuras ocultas que se encuentran en cada imagen mental. Otros temas que se abarco la fotografía surrealista fue la de los temores, frustraciones o dilemas, las personas se representaban como símbolos de los estados de la mente, y de los cuerpos, en especial los femeninos. Bellmer fue uno de ellos, quien utilizo la imágen de
niña-mujer como seductora erótica en sus variaciones en la construcción de muñecas articuladas, por lo que las hizo maniquí con el fin de ensamblar aquellas figuras imposibles que rozan con el inconsciente, esto causo ese estado de “shock” que estuvo presente todo el momento en las vanguardias.
Otro fue Boiffard, también con el cuerpo humano en sus fotografías, pero esta vez los dedos y pies, los cuales daban sensaciones de no saber a quién pertenecían, si eran de un ser sobrenatural o de una persona.
Se utilizaron distintas técnicas que hicieron a sus fotografías únicas: pintar los negativos, duplicar y triplicar la exposición, la solarización, hacían cosas que no estaban planeadas para ver cuál era el resultado, se basaban en la azaidad para la producción, que los surrealistas también denominaron el divino azar. El fotomontaje y fotocollage también estuvieron presentes, con la
yuxtaposición de objetos o creando un nuevo tiempo/espacio.
En la música
En la década de 1920, cuando surge este movimiento, varios compositores de la época fueron influenciados por el surrealismo, los dos compositores para importantes fueron Erik Satine y George Antheil. Muchos compositores utilizaron elementos del sueño jugando con lo real y lo irreal.
Aquella música es surrealista cuando en lo sonoro aparecen sonidos fuera de lo normal, aquellas melodías que no estamos acostumbrados a escuchar, en donde se ve muy presente lo inesperado, hay también una yuxtaposición de objetos sonoros.
En la literatura
El surrealismo se desarrolló, gracias la “escritura automática”, transmitir sin reflexionar, escribir sin pensar, las cosas que vienen a mente y que surgían del subconsciente. André Breton llamo a este tipo de texto como textos puros:
…Heme aquí, en los corredores del palacio en que todos están dormidos. ¿Acaso el verde la tristeza y de la herrumbre no es la canción de las sirenas?…(Breton, 1924)
En la arquitectura
Es común de ver que se confunda con la arquitectura surrealista con las modernas. Dentro del conjunto de la arquitectura surrealista, podemos ver que muchas de estas son las iglesias, ya que estas por lo general tienen formas que salen de lo normal, hablan del cuerpo humano al desnudo, evocan el caos, lo fantástico y utilizan elementos inadecuados. La forma no importa, lo que importa es despegarse de lo cotidiano, ir más allá de las reglas, evocar caos ligado con ese efecto de “shock” que tanto buscaban, utilizando colores poco formales, con diseño libre por parte del arquitecto y su imaginación.
En la actualidad
Podemos ver que características del movimiento se ven en nuestros días
(tanto en el arte como en la tecnología), principalmente para hacer cosas que sigan rompiendo paradigmas y lo tradicional, tal como paso con la tecnología (especialmente afectando a gente mayor), logrando un gran impacto, tal es así que hoy esta tan instalado entre nosotros que nos parecen cosas normales. Una de las cuestiones que se vio muy presente esto fue, y sigue siendo en el cine, en especial las manifestaciones de los sueños para ver a qué punto llega la creatividad de la persona, no tiene límites tal como pensaban los surrealistas. En la actualidad un director, que anteriormente nombramos,
toma muchísimos de los recursos surrealistas para sus películas, David Lynch (ej. Eraserhead, su serie Twin Peaks) toman ese tipo de temas sobre el inconsciente, los tiempos.
En la tecnología
En el momento que surge hay un avances científicos y aparición de nuevas tecnologías, creando nuevos recursos y soportes artísticos, tales son la fotografía y el cine, dos grandes universos que el Surrealismo tomo un papel importantísimo. Las relaciones tiempo/espacio es fundamental, lo manipularan, capturar, reconfiguraran, creando nuevas dimensiones del mundo. Esto sucede hoy en día, donde muchas veces se ven espacios fuera de lo común, que no sean normales. Siempre se tuvo en cuenta el rol del espectador, para encontrar ese sentido que querían transmitir, que sea libre de pensar lo que quería, hoy con muchas instalaciones tecnologías sucede lo mismo. El observador cumple un rol tanto externo como interno, y muchas veces forman parte literal de la instalación, teniendo el control, es quien la manipula, le da sentido, hoy las obras son como un laboratorio.
Su expansión por otros territorios
El Surrealismo no solo tomo lugar en Europa, sino que fue capaz de formar parte en los movimientos latinoamericanos de vanguardia, gracias, por una parte, al papel que tuvo André Breton. La primera exposición de ese carácter se llevó a cabo en Lima en 1935 por César Mono y Emili A. Westphaen. En
enero de 1940 en México también se comenzó a ver un papel fundamental gracias a que el mismo Cesar Mono junto con André Breton y Wolfgang Paalen presentaron en la Galería de Arte Mexicano una selección de obras surrealistas. Roberto Matta fue un artista chileno reconocido por ser surrealista ya que se lo vínculo con André Breton, también en Estados Unidos trabajo en contacto junto a Duchamp, Miró y Groky, por él la pintura se convierte en narración, pero esta nace de la vitalidad íntima de los signos y se desarrolla en el dinamismo de la acción pictórica.
Los signos pasan a ser pequeños seres monstruosos que están entre el hombre y la máquina, temas como la crítica, llevada hasta la parodia, de la sustancial irracionalidad de la tecnología moderna mediante la cual la sociedad expresa, bajo la máscara de la racionalidad científica, los confusos y negativos impulsos de su propio inconsciente. Pero no solo en la pintura tuvo una gran influencia también en la literatura. Algunos de los poetas surrealistas fueron: Braulio Arenas, Pablo Neruda, Gonzalo Rojas (Chile), César Moro, Xavier
Abril, César Vallejo y Emilio Adolfo Westphalen (Perú), Alejo Carpentier, Julio Cortazar (Argentina), Octavio Paz (México) teniendo un rol importante ya que fue muy amigo de Breton y dedico al surrealismo muchos ensayos.
En la Argentina Aldo Pellegrini inicio el primer grupo con inspiración surrealista en 1928. En Brasil se vio presente en el Movimiento Antropofagista, que nace en 1928 y en el “Grupo Austral de Brasil” liderado por Edouard Jaguer en 1950, un gran compañero de Breton.
Lo que buscaban los artistas surrealistas brasileros era devorar lo mejor de su propia cultura y de la modernidad europea, en un intento de separarse de la costumbre de imitar las tendencias occidentales. En Uruguay, en los años 60 aparecen dos revistas con inspiración surrealistas: “Los huevos del Plata”, donde se reproducían textos del grupo de Paris y algunas creaciones poéticas de “escritura automática”, y “Maldoror”. En Venezuela surge de la mano del movimiento poético “El Techo de la Ballena” cuyo principio fue una forma de acción política y poética, en donde sus miembros mantienen fielmente los principios del surrealismo. En Chile, el primer grupo surrealista surge en 1938 llamado “La Mandrágora”, pero desde 1935 se ve influenciado por este movimiento ya que Matta comienza a realizar actividades junto a Breton.
Una de las características de vanguardismo latinoamericano son:
que el poeta comenzó a expresarse con la metáfora, se comenzó a usar la libertad para expresarse, ya no había reglas que cumplir, buscaban también ese efecto de “shock” buscando lo novedoso y la sorpresa, comienzan a utilizar los temas de fantasía y de ingenio.
A modo de conclusión
En conclusión pienso que todas las vanguardias, en especial el Surrealismo, lo que querían en aquella época era darle un papel más importante al arte, romper con todas las barreras impuestas y crear algo novedoso, que deje a la gente impactada por lo que vió. Fue eso mismo lo que hizo el Surrealismo en la historia, y fue tal así que esto se fue viendo presente hasta hoy en día, en donde un niño es capaz de hacer el famoso frottage surrealista en su colegio inconscientemente. Hablando del inconsciente creo que ese fue el tema ideal por el cual este movimiento fue capaz de sobresalir, de ser reconocido, ya que
eligió un tema que transciende hasta hoy en día, toda la sociedad.
Tanto el inconsciente como los sueños es un mundo misterioso que todos nos sentimos atraídos y que muchas veces comenzamos a cuestionar un sinfín de cosas referido a esto, o por lo menos yo me siento identificada de ese modo. Y
qué mejor que poder unir el arte con todo este mundo extraño, poder romper con lo tradicional, lo habitual, lo aburrido y comenzar a ver cosas “locas”, cosas que te dejen con “la boca abierta”, que a simple vista no logras entenderlas, que debes usar aún más la cabeza para sacar significados. Y fue ese el principal objetivo del movimiento Surrealista, no darle servido al espectador el significado de la obra, sino que este también sea parte de la misma y que comience a indagar y pensar para poder desarrollar ese significado, que muchas veces será uno distinto por persona.
Es por eso que opino que el Surrealismo fue un movimiento que supo bien lo que hacer y qué temas abarcar para llegar a ser quien fue, y lo más sorprendente es que todo se encuentra bien justificado en su manifiesto, cada justificación de por qué los sueños, la imaginación, lo reprimido, lo irreal, está puesto en cada línea del manifiesto y lo hace enriquecerse aún más.
Referencias
Argan, G. C. (1991). El arte moderno (Vol. 27). Ediciones AKAL.
De Micheli, M., Gijón, A. S., & Linares, P. (1979). Las vanguardias artísticas del siglo XX. Alianza.
Klingsöhr-Leroy, C. (2004). Surrealism. Taschen.
Breton, A. (2001). Manifestos del surrealismo, Traducción, prólogo y notas de Aldo Pellegrini, Buenos Aires. Argonauta, 51.
