Густав Климт: Знакомство с творчеством.
Как только выходишь из самолета в Вене, то уже в аэропорту, в магазинчиках, сразу встречаешься с Климтом, он везде: его орнаменты на платках, на фарфоре, на зонтиках, репродукции его картин на календарях, открытках и т.д. Это попса, это массово, чаще плохого качества, иногда и хорошего. На поток климтовские вещи поставил архитектор и дизайнер Хундертвассер в последней четверти 20 в… Сейчас Климт — это один из брендов Вены. Я пошла смотреть Густава Климта в оригинале.
В Вене основные работы Климта находятся в Бельведере (Австрийской галереи), в здании Сецессиона экспонируется его Бетховенский фриз, некоторые — в Леопольд музее, и ряде др. музеях и общественных местах. Много его эскизов, рисунков, монументальные панно для Венского университета были уничтожены в конце войны.
В музее Бельведер, где находится наиболее полная коллекция картин Климта в мире, прежде всего стала рассматривать его женские портреты, ведь Климт писал их на протяжении всей жизни. И первое, что меня поразило, сколь разные по стилю у Климта женские портреты. Стала выстраивать их мысленно по датам.
Вот «Портрет Клары Климт», 1883 года (самому Густав 21 год). Это красивый портрет молодой девушки. Но я бы никогда не сказала, что этот портрет кисти Климта, поскольку он написан в классической академической манере. Однако в начале своего творческого пути Густав Климт был приверженцем классики. У него это хорошо получалось, это давало заработок. Однако классические картины Климта не отличаются оригинальностью, они традиционны.
С ростом известности Климт начинает писать портреты дам из верхушки венской знати, в основном той, которая щедро финансировала Сецессион. Стою перед «Портретом Сони Книпс», 1998 г.. Соня Книпс была женой одного из самых богатых австрийских промышленников -Книпса, мецената, покровительствовавшего модерну. Этот портрет именно такое общее впечатление образа дает: на картине изображена дама, знающая себе цену, смотрит гордо и со сдержанностью аристократки. Климт не выписывает тщательно все детали фигуры. На мой взгляд, ее внутреннее напряжение выдают пальцы, судорожно вцепившиеся в подлокотник кресла, а также чуть подавшийся вперёд корпус. Я любовалась роскошным пышным, словно воздушным платьем. Обратила внимание, на изящно вьющееся растение с цветами на заднем плане — будущий любимый декоративный элемент художника. В этом портрете уже присутствует отличительная черта, которую я затем заметила и в остальных работах Климта. Этой чертой является выражение лица героинь его портретов — у них у всех оно сдержанно, в нем читается какая-то отчужденность, отстраненность, его портреты не психологичны (внутренний мир и характер модели трудно понять). Зато Климт много внимания будет уделять одежде дамы, раскрывая с ее помощью индивидуальность своих героинь. (В этом портрете подобно импрессионистам художник прежде всего передает зрителю общее впечатление от образа.)
А вот «Портрет Фрицы Ридлер», 1906 г.. Прежде всего обращаешь внимание на декоративные акценты. Вначале я не поняла, зачем Климт изобразил эти орнаментальные вставки на портрете. Я стала рассматривать портрет с разного расстояния и под разными углами. Я обнаружила, что этот декор образует кресло, на котором восседает героиня. (постаралась сфотографировать портрет так, чтобы это было легче увидеть). И с трансформацией этого предмета в орнамент исчезает его глубина и форма. Сам орнамент состоит из «павлиньих глаз» — сексуальной символики. Зачем Климту понадобились эти сексуальные символы при изображении уже немолодой дамы высшего света? Мне показалось, что Климт, будучи прекрасным психологом женских душ, разглядел в этой женщине не столько спутницу государственного чиновника, игравшую в его жизни роль «декора», а женщину, несколько разочарованную, но все равно мечтающую о романтических отношениях. Но мысли художника мне не известны, а вот его замысел, заставить думать зрителя над картиной, явно удался.
Этот ряд портретов я мысленно дополнила «Портретом Адели-Блох-Бауэр», 1907 г. (видела в Нью-Йорке), известным на весь мир как «Золотая Адель» и долгое время экспонировавшимся в Бельведере. Перед зрителем предстаёт золотое марево полотна, из которого как из облака выплывает вполне реалистичное женское лицо. Оказалось, что художник использовал сложную им самим разработанную технику нанесения позолоты — комбинацию восьми способов золочения, от краски до золотой фольги. Мне, как русской, знающей православную иконопись, это конечно напомнило святой лик в золотом окладе. Но это совсем не икона. Климт смог передать сексуальность модели. Как он это сделал, то ли с помощью чувственных влажных полуоткрытых алых губ, или с помощью кокетливо изогнутой кисти? Я не знаю, как, но ему это удалось. В этом, наверное, и заключается магия его работы. Схожесть портрета с оригиналом почти фотографическая (я видела фотографию реальной Адели). В то же время детали интерьера, платья модели, кресла, на котором она сидит, растворяются и делаются почти неразличимыми в необыкновенно декоративном, ярком, запоминающемся золотом фоне картины. Климт превращает формы в орнамент. Картина гипнотизирует. Когда постепенно приходишь в себя, начинаешь разглядывать этот орнамент и находишь массу эротических символов и эзотерических элементов, например, египетские глаза в треугольниках, спирали, круглые и яйцевидные формы. Климт смог обожествить земную женщину. Картина необыкновенно красива. Это утонченная работа, в ней чувствуется какая- то особая венская элегантность. Этот шедевр Густав Климт написал в самом расцвете своего творчества. В этом портрете слились страсть Климта к золоту и к женщинам. И это уже уникальный индивидуальный стиль Климта.
Впечатляет не только сама картина, но и последующая ее история. Любуясь картиной не сомневаешься, что художника и модель в жизни связывали любовные отношения. Поэтому, когда читаешь, что муж Адели, очень состоятельный мужчина, заказал Климту портрет жены из мести, то веришь этому. На мой взгляд, только еврейский ум смог придумать такой ход. Расчёт Фердинанда Блох-Бауэра был таков: пока Климт работает над картиной, Адель успеет ему надоесть, и он ее бросит, одновременно, приобретение картины от такого признанного мастера как Климт, которого он сам ценил как художника — это прекрасное капиталовложение. Ум Фердинанда не подвёл. Любовники расстались, а картина спустя сто лет принесла его семье 135 млн. долларов. Сама Адель умерла достаточно молодой в 1925 году, детей у пары не было. В завещании она просила мужа передать после его смерти ее портреты и пейзажи кисти Густава Климта австрийской государственной галереи. Но Фердинанду пришлось бежать, когда Австрия стала частью Третьего рейха. Картины вместе с большей частью его состояния остались в Австрии и были экспроприированы. Фердинанд умер в 1945 году в Цюрихе, а перед смертью отменил в своем завещании распоряжение о передаче картин Климта Австрии. Он завещал состояние и картины детям своего брата, племянникам Адели.
После войны картины Климта из собрания Блох — Бауэров хранились в Австрии. Хотя все правовые акты нацистской эпохи были объявлены ничтожными, практика возвращения хозяевам конфискованных нацистами ценностей не распространялась на шедевры национального значения. Наследникам Блох — Бауэров было разрешено вывезти основную часть коллекции, но картины Климта остались в Бельведере. Они считались даром австрийской галерее. Такая практика подвергалась критике международных организаций, защищающих права человека. В итоге в 1998 году в Австрии был принят закон о реституции предметов искусства, позволявший любому гражданину требовать возврата любых принадлежавших ему до войны ценностей. К этому времени в живых осталась только одна племянница Адели -Мария Альтман (в девичестве Блох-Бауэр). В 2005 году по завершению многолетнего судебного процесса «Мария Альтман против Австрийской республики» она сумела доказать свои права. Через год она продала картину за рекордно высокую цену — 135 миллионов долларов, коллекционеру Роналду Лаудеру — наследнику создательницы косметической империи Эсте Лаудер. До этого самой дорогой картиной считалось полотно Пикассо «Мальчик с трубкой», проданное за 104,1 миллиона долларов в 2004 году. Сейчас картина, которую кроме официального имени называют также «Золотой Аделью», «Австрийской МоноЛизой» или «Мадонной модерна», выставлена в Новой галерее в Нью-Йорке (Галереи австрийской и немецкой живописи).
Сравнивая портреты Климта разных периодов его творчества, я вдруг явно увидела, как Климт выстраивал тот самый новый и порой провокационный мостик от старого классического искусства к новому, непривычному. И меня заинтересовало, как Климт смог стать лидером австрийского авангарда в живописи. Мне захотелось понять психологию его перемен, и я обратилась к его биографии.
· Климт родился в 1862 году. Отец был гравером-ювелиром, в семье было семеро детей, и отец сам занимался их художественным образованием вначале. Климт с детства знал и умел работать с золотом. Этот навык он с успехом использовал потом в своих картинах, а прорисовка элементов всегда выполнялась им с ювелирной точностью.
· В 14 лет он поступил в художественное-ремесленное училище, учился 7 лет. Специализацией своей выбрал архитектурную живопись, поэтому наряду с картинной изучал и фресковую, и мозаичную живопись.
· Климт получил классическое академическое образование. Образцом в тот период был для него видный представитель академизма венский художник Ганс Макарт. Климт стал успешно работать в традиционном стиле, который его тогда вполне устраивал.
· Климт вместе с братом Эрнстом и товарищем по училищу Ф. Матчем организовали маленькую художественную группу «Компанию художников». Успех к ним пришел быстро, заказов было очень много. Они украшали виллы в Вене и ее предместьях. В 1886 году они получили престижный заказ на роспись лестницы и потолка во вновь построенном Бургтеатре на Рингештрассе (напротив здания Парламента). В 1988 работа была закончена. Климт был награжден орденом «За заслуги» и императорской премией. В1890 он принял участие в росписи парадной лестницы в Художественно-историческом музее в Вене. По этой росписи уже видно, что стиль Климта стал развиваться в новом современном направлении.
· Проблемы, которые волновали общество того времени, нашли отражение и в искусстве. Одной из основных художественных идей в тот период был поиск гармонии искусства и жизни в промышленную эпоху. Так возникло художественное направление модерн. Мастера модерна стремились сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека, реализовать идеи «преображения жизни средствами искусства».
· Украшая живописью богатые венские дома, Климт стал стремиться к современному их оформлению. Следствием этого было увлечение Густава Климта модерном. Густав познакомился с архитекторами (Вагнером, Ольбрихном), которые старались строить Вену в новом стиле. Это ещё больше подстигнуло/стимулировало Климта участвовать в развитии нового направления. А модерн во многом отвергал академические традиции. Это сказалось и на взглядах, соответственно, и на стиле Климта. Модерну было присуще стремление романтически облагораживать повседневность, эстетически преобразовывать ее. Поэтому неслучайно картины Климта по своей художественной концепции также близки предметам декоративно-прикладного искусства.
· В Австро- Венгрии современное художественное течение нашло поддержку на государственном уровне, в отличие от многих других стран.
· Художественные пристрастия Климта формировались не только под влиянием модерна. В Италии на него неизгладимое впечатление произвели золотые мозаики Равенны. Также он многое взял от японских гравюр, только что проникших в Европу. Ему по вкусу пришлась и философия символизма.
· По характеру Густав Климт был смелым, не боялся идти новыми путями, несмотря на уже достигнутые успехи. Он был бунтарем. И конечно, Климт, был очень талантлив, этот талант, думаю, позволял чувствовать в себе силу идти дальше и искать свой стиль.
· 1894-й год стал знаковым в творческой биографии Густава Климта. Его и Ф. Матча пригласили оформлять Венский университет. Климт решил, что сделает это в совершенно нетрадиционном стиле. Матч не хотел отрываться от академической школы, ведь они были столь успешны, работая в классической манере. Однако Климт хотел современного искусства и не побоялся пойти новым неизвестным путем. Коллеги разошлись, Матч ушел из артели, а Климт, в итоге, написал три панно (Философия, Медицина, Юриспруденция), преобразив традиционные аллегории и символы в новый язык, и вызвав этим один из самых громких скандалов Вены той эпохи.
· Борьба за свободу в искусстве привела к тому, что в 1897 г Климт вместе со своими единомышленниками организовал и стал во главе Сецессиона — группы художников, отделившихся от старой классической школы и ищущих других источников вдохновения, иных сюжетов и техник. (слово сецессион и означает «отделение»). Для Климта это был окончательный разрыв с академизмом. Это был, безусловно, большой риск. Публика была еще не готова к восприятию новаторских стилей, хотя они и старались привить публике хороший вкус, например, познакомили венцев с известными французскими импрессионистами. Климт и другие члены Сецессиона постоянно искали новые подходы в искусстве. Это была не борьба молодых художников со старыми мастерами, а борьба за «право на творчество». Климт всегда был «бунтарем» в искусстве. Свободу творчества он отстаивал со всей мощью своего таланта, да еще и шокируя общество, нажимая на самые «болевые» его точки. Например, свое право на творческую свободу Климт сполна показал, в картине «Голая правда».
Картина провокационна и с глубоким подтекстом. Неслучайно ее купил Герман Бар — литератор и идейный вдохновитель венского модерна. Она точно выражает бескомпромиссную художественную правдивость в духе Сецессиона. Этим она нравится и мне. (Сейчас картина находится в Театральном музее в Вене, где я ее и видела).Сецессионисты организовывали выставки и издавали литературный журнал «Ver Sacrum» («Весна священная»). Бетховенский фриз работы Густава Климта для выставки 1902 года сегодня считается одним из самых выдающихся произведений венского модерна. Благодаря своей решительности, смелости, новаторству Густав Климт стал основоположником/лидером австрийского модерна в живописи.
· Климт далеко не всегда был успешен. Его часто не понимали, критиковали, но он упорно шел вперед. Климт был очень одаренным художником, но целью своего творчества он считал не раскрытие индивидуального взгляда на мир, а создание определенного стиля, общего для изобразительного и декоративного искусства. Поэтому он создавал определенные «клише» изображения и орнамента, которые постоянно применял в своих работах и которые делают их такими узнаваемыми. Он пытался придать своим произведениям глубокий философский и психологический подтекст. Это объясняет тот факт, что он как художественная личность имел такое огромное влияние в Вене на рубеже веков.
· Климт всегда следовал своим путем. В самый разгар работы Сецессиона Климт снова сделал крутой поворот — оставил пост главы “Сецессиона”, основал собственный Союз австрийских художников и поменял творческую манеру, открыв свой прославленный «Золотой период». Этот период является самым успешным для Климта.
· С 1910 года Климт, уже даже завоевавший позитивную реакцию критики, снова в поиске. Он начал отходить от перегруженного декоративностью стиля. Климту становится важнее цвет. К сожалению, Климту не хватило времени выработать новый стиль. В 1918 году он умер.
· Необходимо подчеркнуть, что в творческой биографии Климта огромную роль сыграли женщины. Во-первых, мать, которая жила с ним и обеспечила ему быт, создавая все условия для плодотворного творчества. Во-вторых, девушки из низших слоев общества, выступавшие в качестве моделей, с которыми он реализовывал свою страсть к женскому телу как художник и как мужчина. В-третьих, представительницы крупной буржуазии выступали в роли меценаток, наставниц, обеспечивали ему положение в обществе, благодаря им художник расширяет круг необходимых знакомств, связей (Альма Малер-Верфель открыла доступ в круг Густава Малера, гранд-дама венского салона Берта Цукеркандл свела с Огюстом Роденом), приобретает финансовую независимость, и, следовательно, свободу в творчестве.
Лишь одна женщина — Эмилия Флёге — стала его главной музой. Густав познакомился с Эмилией, когда ему было 28, ей 17, она была сестрой жены его брата. Она помогла выйти ему из депрессии после смерти отца и брата в 1892. Она была модельером, независимой женщиной, в 1904 года открыла с сестрой первый салон от кутюр в Вене. Климт с художником Мозырем оформили их ателье. Э. Флёге была очень креативной в своём творчестве. Ее стиль был революционным: платья надевались без корсета, свободно ниспадали с плеч, имели широкие рукава. Она отдавала предпочтение платьям в пол свободного кроя с яркими орнаментами. Эмилия и Густав стали соратникам. Он дарил ей эскизы новых узоров для ее дома мод. Она создавала наряды и для моделей Климта, а Густав увековечивал наряды на своих полотнах. Интересно, что образы, рожденные фантазией Флёге, ожили в коллекции «Valentino Fall» (зима 2015). Мне понравился портрет работы Климта «Эмилия Флёге», 1902 год (находится в музее города Вены WienMuseum — MUSA). Всегда интересно узнать, как художник изображает свою возлюбленную. Климт облачил ее в необыкновенно красивое платье с изысканным узором, силуэт вертикально вытянут. С особой тщательностью прописаны лицо и руки. Именно эта картина стала первой, написанной Климтом в своем «фирменном стиле», легко узнаваемом сейчас: использование больших детально прорисованных декоративных узоров одежды, фона в сочетании с реалистичностью изображения лица и рук. Эмилия Флёге очень сильно повлияла на творческую судьбу Климта, именно после знакомства с ней началось его преображение как художника. Много лет подряд Климт проводил лето с Эмилией и ее семьей. До конца его дней Э. Флёге вдохновляла Климта на новые шедевры, помогала в работе и была его другом. Мне о их духовной близости говорит, например, тот факт, что когда летом на озере они катались на лодке, то останавливали лодку и часами смотрели на воду. И для Климта это было очень важно, ведь он и движение жизни хотел уловить и вечные моменты, а она его понимала.
· Климт жил на рубеже веков, когда происходили большие перемены в устоявшемся укладе жизни общества. Наиболее обсуждаемой темой были движения феминисток, борющихся за независимость и права женщин. И в живописи актуальный во все века образ женщины тоже ринулся на свободу, избавляясь от (устоев) традиционности в изображении. В своих женских портретах Климт все больше и больше отражал взгляды своего времени на женщину. В итоге Климт выставил на суд общества идеал своей женщины — раскрепощенной, свободной, самоценной, но всегда загадочной и сексуальной.
· Климт был очень любвеобильным. Он любил женщин умных и красивых, особую слабость питал к рыжеволосым. Он понимал и ценил женскую сексуальность.
Я стояла в Бельведере и разглядывала, и любовалась его работами. Женщины на картинах Климта беспристрастны/настоящие, независимы, в них чувствуется и внутренняя сила, и какая-то тайна. Как говорят, он смог изобразить «роковую женщину». С этим нельзя не согласиться. Вот я перед его знаменитой картиной «Юдифь». Согласно Библии, Юдифь — иудейская вдова, которая пробралась в стан врага, чтобы спасти свой город от ассирийцев. Юдифь соблазнила Олоферна, а когда полководец заснул, она отсекла ему голову. Интерпретация образа Юдифь в живописи — интересная тема. В Санкт-Петербурге в Эрмитаже находится картина Джорджоне «Юдифь» (итал. Giuditta, Ок. 1504г). Джорджоне, в отличие от многих художников, обращавшихся к этому библейскому сюжету, создал удивительно умиротворенную картину. А на картине Тициана «Юдифь с головой Олоферна», 1515 (Галерея Дориа Памфили, Рим) отрубленная голова Олоферна — это портрет самого Тициана, а девушка, которая держит эту голову в руках — это натурщица и его возлюбленная. Поэтому нет ничего странного, что над окном мы видим фигурку купидона, ведь перед нами, фактически, не картина о смерти, перед нами картина о любви. А полотно Густава Климта — это настоящее торжество женской сексуальности. Климт выбирает момент, когда убийство уже было совершено. Юдифь выходит из шатра с отрубленной головой в руках. Голова Олоферна сильно смещена в угол, мы видим только ее малую часть. Это очень интересный ход. Отрубленная голова Олоферна — непременный атрибут истории Юдифи, но в этой картине голова почти вынесена за пределы полотна, что говорит о смене акцентов. Все внимание сосредотачивается на героине. Она чувственна и коварна одновременно. Глядя на климтовскую Юдифь сразу становится ясно, почему эту женщину пустили в шатер полководца, и почему ее красота смогла пленить Олоферна. Эта полуулыбка — полу оскал. Нега и вызов одновременно. Сколько в ней эротики. Даже в пальцах — ведь неясно, держат ли они голову, или ласкают, погружаясь в волосы. Когда я долго смотрела на картину, то у меня создалось ощущение, будто Юдифь лежит, а не стоит. Климт смог запечатлеть навечно миг сладострастия на лице Юдифь.
Какой талант надо было иметь, чтобы поймать и показать первородную женскую сексуальность без какого-либо намека на пошлость или вульгарность. И так к месту здесь использован золотой фон, подчеркивающий эту сексуальность и божественную красоту. При этом суть сюжета полностью сохранена: соблазнила и обезглавила. Золотое колье зрительно отделяет голову Юдифи от всего тела –вот так изображена идея обезглавливания. Какой смелостью надо было обладать, чтобы так показать библейский сюжет! Эта картина меня просто потрясла.
И вот я пошла смотреть на знаменитый «Поцелуй» Густава Климта. Двое слились в объятии на краю обрыва. Двое — в собственном мире, сотканном из ослепительного золотого сияния. Обычно Климт не изображал мужчин. Да и здесь не видно мужского лица. Но это неважно, мужчина ведь есть. Причем сильный, страстный. Он обвил тело женщины, с нежностью удерживая в ладонях маленькое личико. И женщина ему покоряется. Природа берет свое. На мой взгляд, это не Климт здесь, как пишут искусствоведы, отошел от своих традиций в том, что всегда доминирующая женщина вдруг становится покорной, просто Климт, как мужчина, знающий толк в любви, и как гениальный художник не мог изобразить иначе. Женщина уступает мужчине, и это естественно. Орнамент из угловых форм на одежде подчеркивают повелительность мужчины, круглые узоры на платье делают его спутницу еще женственнее. При этом фигуры влюбленных переплетены так тесно, что кажутся одной формой, причем фаллической — символом страсти. Чувства мужчины и женщины друг к другу нашли в этой картине точное пластическое выражение.
Картина передает ощущение любви как высшего начала. Здесь, как мне кажется, все учтено: и золотое сияние счастья, и цветущая земля, ставшая для влюбленных раем, и Вселенная, в которой нет никого и ничего, кроме этих двоих, и мгновенье длиною в вечность…И это очень утонченная картина. Как говорили в то время, Климт может изобразить женщину в одежде, и при этом она будет обнажена.
Судьба «Поцелуя» сразу сложилась счастливо: на выставке 1908 года картину ждал триумф. Экспозиция еще не закрылась, а она уже была куплена Современной галереей (впоследствии Австрийская галерея Бельведер). Пишут, что на этом полотне Климт изобразил себя и Эмилию Флёге. Картина производит такой ошеломляющий эффект, так что сложно представить, что за ней не стоит большое чувство. «Поцелуй» считается одним из самых выразительных образов в истории живописи XX века.
И здесь, в моем рассказе не могу не упомянуть еще об одной известной картине Густава Климта — «Даная», 1907–1908 года (Находится в галереи Вюртле — Galerie Wurthle- в Зальцбурге?. В оригинале я ее пока, к сожалению, не видела). Это одна из интереснейших его работ «золотого периода». Легенда о Данае, в которую влюбился Зевс и превратился в золотой дождь, чтобы овладеть ею, тоже много раз привлекала художников. Но Климт опять совершает «революцию» в изображении этого сюжета и возводит эротизм и женскую сексуальность в Абсолют. Стиль Климта очень откровенен, при этом полотно наполнено эстетикой (даже тело, если приглядеться, покрыто сеточкой узоров, напоминающих тоненькие вены), поэзией и действительно божественной любовью. Мне «Даная» Климта очень нравится.
Я находилась под большим впечатлением от/после картин Густава Климта. Его образы переполняли меня. Картины Климта очень красивы, в них есть особая венская элегантность. Прекрасно, что женщины на его полотнах превращаются в воплощение женской сущности. В его картинах присутствует личный взгляд художника на женщину. А Климт всегда смотрел на женщину глазами мужчины. Думаю, что это до сих пор чувствует женщина -зритель, и ей это подсознательно нравится, как и женщинам в его время. А сексуальность женщин, пусть даже и в портретном изображении, притягивает и современного мужчину к его картинам. Сочетание реалистичности и изысканной декоративности придает его образом глубину и таинственность. Использование золотой палитры и даже сусального золота еще больше подчеркивает красоту, роскошность и, в конечном счете, женскую сексуальность, ведь не зря же женщины во все времена любили золотые украшения.
Спустя столетие австрийский ювелирный дом Freywille выпустил коллекцию Hommage à Gustav Klimt, вдохновленную “Золотым периодом” художника. Кольца, браслеты, серьги, подвески созданы специально, чтобы украшать тех, кого больше всего любил Климт, — женщин. Украшение этого дома есть и у меня.
Климт — многогранный художник. И теперь мне предстояла познакомиться с его монументальными работами (панно, росписи, фрески).
Начало карьеры Г.Климта можно увидеть в Бургтеатре, куда его вместе с братом и Ф.Матчем пригласили расписывать интерьеры театра. Климту принадлежит четыре из десяти сцен, украшающих оба парадных входа. Особенно интересна сцена из театра «Глобус», где на действие пьесы «Ромео и Джульетта» смотрит не только королева Елизавета, но и сам Климт с коллегами. Это единственный автопортрет Климта, ведь, как известно, он себя не писал, считая, что если кто-то заинтересуется его персоной, то пусть смотрит его работы. Здесь же он себя и друзей изобразил ради саморекламы/самопродвижения. Все росписи выполнены в классическом традиционном стиле, но это не мешает ими любоваться и удивляться мастерству молодых людей, только начавших свою карьеру.
Поднимаясь по лестнице в Венском Музеи истории искусств, я сразу узнала, какие росписи принадлежат кисти Климта. Он их сделал в 1890 году, его стиль еще не приобрел те черты индивидуальности, которые сегодня знает весь мир, но все же я обратила на них внимание, еще не зная, чьи они. Видимо, художественный почерк уже тогда начал выделяться.
Климт, его брат Эрнст и их коллега Матч были приглашены декорировать пространство между арками и колоннами парадной лестницы. Это высоко, поэтому рассмотреть и сфотографировать росписи вблизи я не смогла (говорят, что два года назад в музее построили временный помост, чтобы работы можно было видеть вблизи и повесили таблички, какая роспись кем из трех авторов была сделана). В соответствии с миссией музея, работы художников посвящены истории искусств от древнего Египта до современности. Каждый фрагмент представляет собой определенный период в искусстве: греческий, египетский, флорентийский, венецианский, римский. Первоначально картины были написаны маслом на холсте в мастерской художников. Затем, за шесть месяцев до официального открытия музея, они были наклеены на стены главной лестницы.
Водоразделом в творчестве Климта стали три панно для Венского университета, изображающих три науки «Философия», «Медицина», «Юриспруденция». Предполагалось, что художник в традиционной манере изобразит торжество наук над вселенским хаосом, но Климт решил по-другому: “Философия” на его эскизах заводила людей в аллегорический туман, “Медицина” равнодушно отворачивалась от толпы умирающих, а “Юриспруденция” в лице трех фурий безжалостно обрушивалась на человека-жертву. В 1900-м году на выставке Сецессиона Густав Климт презентовал первое полотно — «Философию». В ответ на это профессора университета в письменной форме обвинили Климта в том, что он “выражает неясные идеи c помощью неопределённых форм». Более того, на картине было много женских фигур в откровенно эротичных позах. Не удивительно, что панно вызвало гнев. Старики не могли смотреть на эту картину без комплексов, а молодежь только бы на нее и смотрела. На Климта обрушилась критика со всех сторон. Но Климт не растерялся и в этом же году повез полотно на Всемирную выставку в Париже, где “Философия” удостоилась золотой медали. Тем не менее ни одна из трех его картин «Философия»-1900 г., «Медицина»-1903 г., «Юриспруденция»-1903 г.. не была в итоге выставлена в здании Венского университета. После десяти лет ожесточенных нападок художник отказался от заказа и вернул государству гонорар. Картины затем купил для себя промышленник, меценат Август Ледерер. А Климт с государством больше не имел никаких дел (больше не соглашался выполнять публичные заказы). Во время нацистского режима коллекция Ледерера была сначала национализирована, а в 1945 г. — сожжена при отступлении. Картины погибли.
Реконструкцию его «отвратительных» росписей, вызвавших столь значительный резонанс в обществе, я видела в Леопольд музее (музее Леопольда). Она сделана на основе оставшихся разрозненных предварительных набросков и черно-белых снимков плохого качества. И это, конечно, сказывается на восприятии. Имеется только одна цветная фотография Гигеи из «Медицины». Её сверкающие золотые и красные краски дают представление о том, сколь мощно выглядели эти три утраченные произведения искусства.
Бетховенский фриз стал «ответом» Климта на критику его университетских картин, протест Климта против консерватизма здесь очевиден. Работа была создана для «Гезамткунстверк» Венского сецессиона, посвященному Людвигу ван Бетховену. Гезамткунстверк означает совокупное художественное произведение. Этот термин был введен композитором Р.Вагнером для «искусства будущего», которое представлялось ему синтезом различных искусств. Члены Сецессиона как раз и создавали это искусство будущего, поэтому и выставка (1902 г.) была организована как большое произведение, объединяющее музыку, живопись, скульптуру и архитектуру. Выставка проходила в самом здание Сецессиона — храме «молодого стиля». Монументальный цикл Климта создавался для оформления стен помещения. В середине центрального зала стояла статуя Бетховена работы Макса Клингера в виде олимпийского божества с орлом-символом Юпитера у ног. В своей работе Клингер использовал самые разные материалы — белый и цветной мрамор, гипс, бронзу и слоновую кость (позже статуя была продана Музею изобразительных искусств в Лейпциге).
Девятая симфония Бетховена вдохновила Климта на создание своего цикла. В этой симфонии образы человечества, думы о судьбах миллионов людей, героизм находят особенно углубленное, философское выражение. Фриз Климта отображает человечество в поисках счастья. Это диалог добра и зла.
Фриз состоит из трех частей, располагающихся на разных стенах. На левой стене Климт, начиная повествование, изображает гениев в виде парящих женских фигур. Эту цепь горизонтальных фигур прерывают обнаженная женская фигура и стоящая на коленях обнаженная пара, символизирующее страдающее человечество: они молят о помощи рыцаря в золотом обмундировании. Вооруженный и сильный рыцарь отправляется от имени человечества на борьбу с силами зла и поиски счастья. Внутреннюю движущуюся силу рыцаря символизируют две аллегорические женские фигуры, стоящие за ним: Честолюбие (дева с лавровым венком) и Сострадание (тоскливая и тощая женщина).
Интересно, что в центр Климт поместил зло: большую часть центральной стены занимает мифическое косматое чудовище. Слева от него расположились три отплясывающие змееголовые горгоны, а над ними на нас глядят аллегорические изображения Болезни, Безумия и Смерти. Находящиеся справа от чудовища женские фигуры олицетворяют Сластолюбие, Развратность и Невоздержанность. Человечество подвергается опасным испытаниям и соблазнам «Враждебных сил». Но торжество человеческих надежд возможно: сверху виднеется голова парящего гения.
На правой стене поиск человечеством счастья находит выход в Поэзии, изображенной в виде женской фигуры с лирой. В последней сцене женские фигуры, символизирующие различные виды искусства, ведут зрителя в идеальный мир — в мир искусства. Четвертая часть симфонии Бетховена также раскрывает тему спасения и освобождения человечества посредством искусства. Прославление Климтом искусства выражено в целующейся паре перед «Хором райских ангелов». «Этот поцелуй всему миру» — это слова из заключительного хора Девятой Симфонии Бетховена, текст которого Бетховен позаимствовал из оды «У радости» Фридриха Шиллера.
Общее описание композиций фриза я прослушала по аудиогиду в музеи Сецессион. Но мне думается, что Климт специально использовал неоднозначность символов, чтобы они не поддавались одной, точно устанавливаемой расшифровке. Бетховенский фриз каждый может трактовать по-своему. Мне, например, показалось, что монстр –совершенно нехарактерный персонаж для Климта, выглядит не столько страшным, сколько растерянным, (он даже не может сгруппировать мышцы лица), видимо зло все же боится сил добра. Я рассматривала фриз долго. Великолепие на фресках-картинах соседствует с еле заметным рисунком. Создается ощущение, что фигуры располагаются в каком-то ритме, вдруг пауза, потом опять нагнетание ритма, — все, как в музыке. Фрески не только полны философского смысла, но и очень зрелищны. Художник использовал разные фактуры. Да, Климт создал работу, соответствующую по мощи 9 симфонии Бетховена.
Многие в свое время Климта не поняли. Однако австрийский коллекционер искусства Карл Райнингхауз оценил фриз и выкупил его. Он позаботился о том, чтобы после окончания ретроспективы настенный цикл был не уничтожен, как предполагалось вначале, а вместе с основанием из тростника и деревянной решетки был распилен на 8 частей и снят со стены. В 1915 г. произведение искусства перешло в руки промышленника и мецената А. Ледерера. В 1938 г. его экспроприировали нацисты. После войны оно было возвращено членам семьи Ледерера, которые в 1973 году продали его Австрийскому государству. Фриз государство восстановило, и с 1986 он занял свое место в здании Сецессиона. В 2013 г. наследники Ледерера потребовали от Австрийского государства вернуть фриз, поскольку он был продан под давлением и по несправедливой цене (видимо, после истории с «Золотой Аделью»). Требование остается неудовлетворенным.
Последнюю монументальную работу Г.Климта (1905–1911г.г.), выполненную для особняка банкира А.Стокле в Брюсселе, увидеть нельзя. Там до сих пор живут потомки банкира-коллекционера и особняк закрыт для туристов. Однако я видела в Музее прикладного искусства (МАК) в Вене картоны к фрескам дворца Стокле. Художник украсил обеденный зал особняка и создал сложную композицию из 9 частей, которая сейчас носит название «фриз Стокле». Центром этой композиции является картина «Древо жизни». Даже на фотографиях она очень красива. И сам Климт считал ее одним из своих лучших декоративных произведений. Символизм этого произведения понятен и перекликается с сюжетами многих мифологий народов мира: практически везде встречается образ всемирного Древа, которое ассоциируется с жизнью, знаниями, родом, преемственностью поколений. В 2009 г. дворцу был присвоен статус памятника Всемирного наследия с занесением в список ЮНЕСКО.
Открывая для себя Густава Климта, я, конечно, заинтересовалась его философскими, глубоко символичными картинами, посвященными проблеме конечности и цикличности жизни. Климт, как и многие мастера, в своем творчестве последовательно разрабатывал тему жизни во всех ее проявлениях и фазах, и смерти. В итоге художник написал отдельную картину, которая так и называется «Жизнь и смерть». Эту картину я видела в Леопольд музее. Жизнь насыщенна и радостна. Смерть одинока и мрачна. Они идут рядом. Несмотря на неизбежность прихода Смерти, ей никогда не победить вечно возрождающуюся Жизнь. Этот мотив на картине Климта подчеркивается не только светлыми цветами, но даже числом фигур. Жизнь сложна или трудна, думаю, поэтому люди переплетены, многие изогнуты, но жизнь всегда полна ярких красок. Преемственность поколений — то, что делает Жизнь победителем в этой извечной схватке. Картина мне была интересна прежде всего тем, как с помощью изобразительных средств можно лаконично выразить эту извечную тему. Это непросто было даже для Климта, ведь известно, что он много раз менял детали композиции и цветовые решения. А другую его картину «Три возраста женщины» я видела еще раньше в Риме в Национальной галерее современного искусства. Тогда она была как бы вырвана в моем восприятии из контекста, а глядя на «Жизнь и смерть», я вспомнила и ее. Интересно, что обе эти картины были оценены именно в Риме — вечном городе: «Три возраста женщины» были куплены Национальной галереей, а «Жизнь и смерть» завоевала приз на Всемирной выставке в Риме.
Густав Климт писал и пейзажи. Некоторые из его пейзажей я видела. Пейзажи Климта можно было более внимательно рассмотреть, если бы не было других его картин. Его пейзажи мне не запомнились.
Я посмотрела работы Густава Климта разных периодов и стилей, портреты и монументальные произведения. Могу сказать, что для себя я открыла Густава Климта. Климт для меня интересен тем, что он смог запечатлеть движение жизни и вечность, показать не просто обнаженное тело, а выразить чувства, да так, что это шокирует или восхищает. Но главное, что Климт смог совместить на своих картинах декоративность, нарядность и проблемность жизни. Сейчас многие художники бьются над этим, но не получается. Современные картины часто слишком концептуальны, полны диссонансов нашего бытия, но не эстетичны. На них не хочется смотреть, а тем более думать, что хотел художник сказать. Картины Густава Климта красивы и содержательные, а поэтому притягательны.
