還在用上下黑條做「假」電影感嗎?不如用這幾招來真的吧!

我們都認識這樣的一個朋友(我不會逼你承認你就是你朋友),每次剪輯影片的時候都會第一時間在剪輯軟體的視窗裡先加上「上下黑條」再說,因為這樣會馬上讓你的素材畫面變得「有電影感」,例如像這樣:

套用一個 2.35:1 的遮罩,突然間,你的影片逼格直直升啊!

不過仔細看,就會發現上面這個素材畫面,本來就「拍得不錯」,甚至本身就有「電影感」。但如果遇到素材擁有先天性的缺陷,這招可能就沒什麼效果了,這就好比長得太醜,剪了個妹妹頭效果也不大是一樣的,例如這樣:

真要拍成這樣,只怕上下加一百個黑條都救不了你…

想要增進畫面的「高質感」一直都是影視創作者的終極目標之一,在先前幾篇部落格文章中,我都有強調影片質感的重要性,畢竟「low質感=low品牌=廉價的商品」,也難怪創作者都會想要追求畫面上的高質感,而所謂的「電影質感 」(cinematic look) 就是其中一種高質感的標竿。但真正想要追求「電影質感」,除了上下黑條,你還需要知道下面幾招!


增加電影感方法一:設計好看但不常規的鏡頭

為什麼學生作品總是有些「學生味」?是哪些東西讓這股「菜味」不小心洩漏了出來?其中一個原因就是「畫面構圖」跟「鏡頭設計」。畫面構圖比較簡單,有很多談攝影的文章都有很詳細的說明,例如我們很常在運用的「三分法構圖」(rule of thirds),用一張圖基本上就能講完:

運用2/3跟1/3的比例分配,就能把讓畫面構圖變得有基本平衡感

當然,畫面構圖不是只有三分法,也有對稱構圖(或稱置中構圖)(center framing)、傾斜構圖 (dutch angle) 等,以下我放幾個講這兩種構圖法的經典案例,以免被別人講說我只愛講膚淺又簡單的小伎倆而已。

有幾個著名的導演非常熱愛置中/對稱構圖(需要中文翻譯的朋友請善用YouTube的cc字幕翻譯選項)
最愛用傾斜構圖的導演之一 Danny Boyle(需要中文翻譯的朋友請善用YouTube的cc字幕翻譯選項)

而所謂的「鏡頭設計」則有一個重點,就是我常在課堂上說的:好看的電影畫面之所以好看不無聊,是因為我們看到的是充滿新鮮感、不常在生活中見到的畫面。更仔細地去說,就是拍出來的畫面,盡可能要跟我們在生活當中所看到的視覺影像不太一樣,可能是角度上的不一樣,當然也可能是光線與配色上的不一樣,都是經過特別設計的,這跟好劇本一樣,會讓人覺得「好看但不常規」。舉個我們在網路上常見的例子,如果製作食物的畫面要好看,就不要把攝影機的視角放在我們做食物時的「雙眼視角」(eye level angle),而可以嘗試平視角、鳥瞰視角或是特寫鏡頭,在電影裡也常常會刻意避開雙眼視角,以增加畫面的質感跟可看性:

可以試著想像一下這個影片如果都是用雙眼視角拍攝,會給人什麼樣的感覺呢?

增加電影感方法二:善用光源創造反差

同樣的原則可以用在打光的技巧上,「學生味」就是不太打光,或更準確地說,是不太重視光源打到畫面主體上的角度。這樣的畫面不但會讓我們覺得「跟我平常在街上看到的場景」沒兩樣,更會因為沒有經過設計,顯得粗糙沒質感。更好的方式是去嘗試不同的光線反差,將光源移動到被拍攝主體的側方或後方(或是移動主體),或甚至是自行增加光源,像是室內檯燈或畫面外的路燈或月光,藉此反映出角色或劇情上的戲劇性,這邊有兩個比較入門的戲劇打光教學,可以給大家參考:

不同的來源種類跟光源方向,會創造出不太一樣的畫面氣氛
光束跟煙霧是好朋友,我們之所以能看到光束是因為它打到了空氣中的雜質

增加電影感方法三:熟悉基本的配色理論

裝潢過的房子之所以這麼好看,有一部份的原因就是因為內飾都經過配色,配過色的畫面跟場景我們就看得舒服,所以如果我們的觀光局還有各地政府能懂這個邏輯,或許我們就不用總是羨慕日本、歐洲城市街道的美景了。

感覺扯遠了… 我們來回到「基本配色理論」吧!畫面的配色主要有兩種配色方式,一種是「對比配色」,另一種是「相似配色」(也有其他更複雜的配色方式,有興趣了解更深的朋友可以參考這篇網路文章)。對比配色就是挑選色輪上對面的顏色當作畫面上的主要兩個色系,用來表現脫離現實或是充滿衝突的情境與設定,例如《艾蜜莉的異想世界》裡的紅綠配色,或是常在電影海報上的橘藍配色:

《艾蜜莉的異想世界》裡的紅綠配色
電影海報上常見的橘藍配色

「相似配色」則常用在情緒比較一致的場景與情境,從視覺上就讓人覺得和諧統一,聚焦在某一種氛圍感受上,例如紅色就象徵熱情或危險,橘黃色讓人感覺比較溫暖,藍紫色讓人感覺憂鬱或安詳(顏色的心理象徵我會在另外一篇文章裡去說明),例如《阿凡達》裡的超現實又神聖的自然場景:

《阿凡達》裡的場景運用了藍紫的相似配色

增加電影感方法四:用後期調色來幫畫面調味

如果你的影片都不調色,那就像是出門不化妝一樣,或許你能接受,但是路人何苦呢!尤其是如果你都已經用了上面1–3的方法,卻沒有用調色來增強你的苦心設計,那就真的非常可惜了。

那調色要「調」什麼呢?調色是很複雜的過程,因此在業界調色的價格都不便宜,除了色域的平衡之外,也有基本、進階調色之分,但這不屬於影視入門的知識,所以我不在這邊談。我要講的是屬於最最最簡單的調色重點,包括調整畫面的「對比度」跟「飽和度」兩個方式。「對比度」的調整是用來輔助第二點打光的部分,增加或減少反差,以創造或減低戲劇性。「飽和度」的調整,則是輔助第三點配色的部分,增加顏色飽和度有助於增加鮮豔度與對比色的對比性,可以加強情境氛圍,如果是減少飽和度則能減少色彩的刺激,讓人有一種憂鬱、黯然或是平和的感受。這個方式我們在業界通稱為「抽色」,對我而言,抽色跟搖動鏡頭(搖動鏡頭文章傳送門)一樣屬於一種特定的風格,但很多人之所以覺得抽色好看,只不過是因為畫面配色的工作沒有做好罷了,抽色後的畫面顏色會更加相似,自然就「好看」了。

左邊的對比度跟色彩飽和度都比右邊來得高,右邊就是我們所謂的「抽色」風格

創造電影感畫面沒有捷徑,只有滿滿的基本功

我相信對於很多在看這篇文章的朋友跟我一樣,喜歡拍攝影片的原因是因為喜歡創造出一個又一個好看的畫面、有趣的情節、生動的人物。就如同拍電影本來就沒有捷徑,需要非常非常多的人力、物力加努力投入,想要影片裡的畫面好看,擁有讓人欽佩的「電影感」,在每個畫面的設計上,自然是要投入相當的精力,不斷練習、不斷嘗試,這樣每個傳播出去、流傳下去的畫面,才都會是你當下最完美的藝術結晶。