yoshimura

En Surround , de 1986 , Hiroshi Yoshimura quería crear música que pudiera ser parte de la vida diaria del oyente en lugar de algo que le quitara la atención. “Su volumen no debería convertirse en un obstáculo para una conversación y debería ubicarse en la misma familia de sonidos que la vibración de los pasos, el zumbido de un acondicionador de aire o el sonido metálico de una cuchara dentro de una taza de café”, escribió el artista en las notas del álbum. “Con la adición del ruido de la ciudad desde afuera de la ventana, puede escucharlo de una manera completamente nueva”.

Hiroshi Yoshimura
Tokio, Japón
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1
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Una y otra vez
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El espíritu del artista se transmite claramente en Surround , reeditado por primera vez por el sello estadounidense Temporal Drift a principios de este año. En muchos sentidos, es el trabajo que mejor captura el enfoque de Yoshimura hacia el arte y cómo se entrelaza con los espacios físicos. Esto también lo convierte, posiblemente, en el ejemplo definitorio de kankyō ongaku , que en japonés significa “música ambiental”, un estilo que disfrutó de su apogeo en la década de 1980. El género exploró cómo el sonido podía sustentar el espacio, natural o creado por el hombre, y el ambiente absorbente de Surround ofrece una oportunidad para que el oyente experimente cómo puede usar los sonidos en su interior para mejorar su vida diaria.

“El hecho de que Surround esté pensado para ser una ‘comodidad’ para tu espacio vital”, escribe por correo electrónico Yosuke Kitazawa, cofundador de Temporal Drift, sobre lo que hace que el álbum sea especial dentro del catálogo de Yoshimura, señalando las comparaciones del artista de la música con los aires acondicionados o las cucharas. “Hace que parezca una forma muy personal de música ambiental, casi como una banda sonora para tu vida cotidiana”.

Hiroshi Yoshimura en su estudio en casa, a finales de los años 1980
El motivo por el que se creó Surround fue que la empresa japonesa Misawa Home quería utilizar el diseño de sonido como una forma de mejorar la experiencia general del espacio habitable de las estructuras que construían. El profesor de la Universidad Nihon Hiroyoshi Shiokawa trabajaba para el Instituto de Investigación y Desarrollo de Misawa Home en ese momento y se encontró liderando el proyecto, sobre el que escribe las notas del álbum de la reedición de Surround .

Shiokawa recurrió a Yoshimura, a quien había conocido unos años antes en un festival cultural universitario. En ese momento, el músico ambiental ya había presentado una variedad de espectáculos especiales en vivo y creado arte visual que exploraba ideas de lugar y naturaleza (al mismo tiempo que colaboraba en la década de 1970 con el grupo de drones Taj Mahal Travellers). Había lanzado colecciones definitorias de kankyō ongaku ( Music For Nine Postcards de 1982 ), creado obras para ser tocadas en espacios públicos y trabajado con grandes empresas ( A・I・R [Air In Resort] de 1984 , empaquetado con un perfume entonces nuevo creado por la compañía de cosméticos Shiseido). Sin embargo, la oportunidad con Misawa Home permitió que la música de Yoshimura ingresara a uno de los espacios más íntimos imaginables: el hogar.

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Bosque del tiempo
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Surround (técnicamente Soundscape 1: Surround cuando Misawa Home lo lanzó) ofrece un sonido aireado y acogedor, que se convierte en una adición atractiva a un ambiente hogareño cuando se reproduce a volúmenes más bajos y que absorbe individualmente cuando se experimenta a volúmenes más altos con auriculares. Las canciones esconden detalles y mutaciones sutiles dentro de sus estructuras aparentemente restringidas. Las notas de marimba que se deslizan a lo largo del tema inicial “Time after time” ofrecen una calidez inmediata, pero cambian lentamente mientras el sonido detrás de ellas se aleja en múltiples direcciones a lo largo de sus 11 minutos. “Time Forest”, casi tan largo, convierte los sintetizadores en ondas y gotas que se cruzan entre sí para volverse envolventes. En cada pista, Yoshimura deja espacio para que el propio entorno del oyente, ya sea una charla con un amigo, el sonido de los platos que se limpian o el mundo exterior que se cuela a través de una ventana abierta, se filtre en la obra y revele nuevas perspectivas.

El álbum también se desarrolló al mismo tiempo que GREEN de Yoshimura , una colección de canciones igualmente pausada que muchos consideran la obra maestra del artista. Lo creó inicialmente con el propósito de presentárselo a Misawa Home como un posible próximo álbum. Shiokawa recuerda que la compañía lo rechazó porque las composiciones que eventualmente se convertirían en GREEN eran demasiado animadas para ser tocadas en una casa prefabricada. “ GREEN parece haber sido creado como una expresión de la alegría pura que sintió Yoshimura cuando aceptó su primer encargo para un álbum de música ambiental, y puedes sentirlo rebosante de exuberancia mientras lo escuchas”, escribe Shiokawa. Él posiciona a Surround, más solitario, más reflexivo, como el yin del yang de GREEN .

“Estoy de acuerdo con Shiokawa-san en que el tono general de los álbumes es como el yin y el yang”, dice Kitazawa. “ GREEN se siente como la vida que despierta, crece y avanza, mientras que Surround se siente como lo que viene después de eso, simplemente la rutina diaria de vivir tu vida”.

Sin embargo, la belleza se esconde en lo mundano, y Surround ofrece destellos de calidez y dulzura en sus canciones. También es, en última instancia, un reflejo de dónde se encuentra el oyente, literalmente, con el entorno que lo rodea dando forma a la experiencia y añadiendo profundidad a la obra. Más que una simple música de fondo para nuevas casas, Surround es un punto destacado del catálogo de Yoshimura, y una definición de lo que es el kankyō ongaku tan buena como existe.

“Wave Notation” comenzó como una serie de música ambiental. Se podría decir que esta música es un “objeto o escenario sonoro para ser escuchado de forma casual”. No es una música que excite o lleve al oyente a otro mundo, debe flotar como el humo y convertirse en parte del entorno que rodea la actividad del oyente. En otras palabras, es música que crea una relación íntima con las personas en la vida cotidiana. Aunque todavía es algo poco común, ya hay varios ejemplos de este tipo de música, por ejemplo, la obra “Furniture Music” de Erik Satie (1866–1925) o “Ambient Series” del músico de rock Brian Eno. Además, la “música de objetos sonoros” no es la música de la autoexpresión o una obra de arte completa, sino que es música que, al superponerse y cambiar, cambia el carácter y el significado del espacio, las cosas y las personas.

Este es el tipo de música que quiero hacer con la serie “Wave Notation”. Porque la música no es sólo algo que existe en sí misma, lo que intento hacer, en un sentido global, se puede llamar “diseño de sonido”. Esto incluye el ajuste y la regulación de los sonidos que son propios de un entorno, junto con la producción y composición de la música dentro de esta serie. Posiblemente, para un entorno dado, un solo sonido sería suficiente.

“Diseño de sonido” no significa simplemente decorar con sonidos. La creación de un no sonido, es decir, un silencio, como en un diseño, si es posible, sería maravilloso. No hay duda de que nuestra era, en la que estamos inundados de sonido, no tiene precedentes en la historia. El ecologista e investigador canadiense Murray Schafer advierte de esta situación: “El oído, a diferencia de otros órganos sensoriales, está expuesto y es vulnerable. El ojo puede cerrarse a voluntad; el oído siempre está abierto. El ojo puede enfocarse y apuntar a voluntad; el oído capta todos los sonidos que se dirigen al horizonte acústico en todas las direcciones. Su única protección es un elaborado sistema psicológico de filtrado de sonidos indeseables para concentrarse en lo que es deseable. El ojo apunta hacia afuera; el oído se dirige hacia adentro. Parecería razonable suponer que, a medida que se multipliquen las fuentes de sonido en el entorno acústico -y ciertamente se están multiplicando hoy en día-, el oído se volverá insensible a ellas y dejará de ejercer su derecho individualista a exigir que se detengan los sonidos despreocupados y distractores para poder concentrarse totalmente en los que realmente importan”.

Deberíamos tener una actitud más consciente hacia los sonidos que escuchamos, aparte de la música. En la actualidad, los niveles de sonido y música en el entorno han superado claramente la capacidad del hombre para asimilarlos, y el ecosistema sonoro está empezando a desmoronarse. La música de fondo, que se supone que crea “atmósfera”, es demasiado excesiva. En nuestra situación actual, encontramos que en ciertas áreas y espacios, los aspectos del diseño visual están bien atendidos, pero el diseño sonoro se ignora por completo. Es necesario tratar el sonido y la música con el mismo nivel de necesidad cotidiana que tratamos la arquitectura, el diseño de interiores, la comida o el aire que respiramos. En cualquier caso, la serie “Wave Notation” ha comenzado. Espero que se use y se juzgue por lo que tenía en mente como “diseño sonoro”, pero, por supuesto, el oyente es libre de usarlo de cualquier manera. Sin embargo, espero que esta música no se convierta en cómplice de la inundación de sonidos y música que nos inunda en la actualidad.

La primera edición de este álbum se publicó en 1982 en LP. Compuse “Música para nueve postales” mientras captaba las ondas del paisaje desde la ventana y sentía cómo se formaban los sonidos. Imágenes del movimiento de las nubes, la sombra de un árbol en verano, el sonido de la lluvia, la nieve en una ciudad, con esas imágenes sonoras más bien tranquilas, intenté añadir el tono de la pintura con tinta a las piezas.

A diferencia del estilo musical minimalista de mi pieza anterior “Nubes para Alma — para dos arpas koto” (1978), en esta música se toca una y otra vez un estribillo corto que va cambiando de forma gradualmente, como las nubes o las olas, según los fragmentos de sonido anotados en las nueve postales. Puse el primer fragmento del sonido, una semilla o una piedra, por así decirlo, para buscar el “número primo” del sonido.

Un día, cuando estaba componiendo esta pieza, visité el nuevo museo de arte contemporáneo en el área de Shinagawa del Norte. Me encantó su estilo Art Decó blanco como la nieve, pero no solo eso, también me impresionaron y me conmovieron profundamente los árboles del patio que se pueden ver a través del gran ventanal del museo. En ese momento, me imaginé cómo sonaría si tocara allí mi álbum en desarrollo. ¿Podría ser uno de los mejores sonidos que se adaptan a este entorno? Esta idea se convirtió en un fuerte deseo de llevarlo a cabo.

Después de terminar la mezcla y grabarla en casete, visité nuevamente el museo. Ellos aceptaron con gusto la petición de un compositor tan desconocido y dijeron: “Está bien, intentemos ponerla en el museo”. Eso me hizo muy feliz y me animó. Después de unas semanas, recibí una llamada telefónica de este museo, donde los visitantes a menudo preguntaban al personal “¿Dónde puedo conseguir esta música?” Al escuchar esas palabras, mi deseo de publicar un disco con esos sonidos se hizo cada vez más fuerte. Decidí consultar con el Sr. Ashikawa sobre esto. Él dijo que crearía un sello discográfico para presentar este nuevo sonido. De esta manera, “Music for Nine Post Cards” fue lanzado como el primer disco LP de la serie “Music Notation for Waves”.

A esto le siguió “Still Way” del Sr. Ashikawa. El primer intento de este sello de presentar música ambiental en Japón fue retomado en muchas revistas. Aunque este álbum fue una pequeña publicación de un sello menor, estoy muy feliz de que no pocas personas aún lo recuerden. Ahora este álbum está siendo reimpreso. Estoy deseando ver la reacción de la gente que va a escuchar esta música por primera vez. Las Nueve Postales que fueron enviadas desde fuera de una ventana. Espero que este paisaje sonoro produzca ondas silenciosas.

Toca el piano mientras miras el paisaje desde una ventana. Transcribe los fragmentos del paisaje o el sonido. Envía por correo estos fragmentos transcritos.

Este “evento de correo” tuvo su comienzo cuando envié “Clouds for Alma” a un amigo en Holanda en 1977. Como la transcripción consistía en una frase corta de un compás, se iluminó justo en una postal. Después, este evento se repitió, se transcribió en una tarjeta y disfruté enviando estas tarjetas a mis amigos. En esta música, una frase corta se reproduce una y otra vez mientras cambia su forma gradualmente. Por lo tanto, fluye libremente como un fragmento de paisaje. Parte de lo que se ha grabado aquí se ha utilizado para espectáculos de danza, música de fondo para museos de arte y, a veces, como referencia en la búsqueda de ideas. Las nueve piezas reunidas en este álbum, “Music for Nine Post Cards”, son todas obras recientes. Me alegraré si, cuando disfrutes de este álbum, puedas ver el paisaje que te rodea bajo una luz ligeramente diferente.

UNA ESCENA EN RETROSPECTIVA: Hiroshi Yoshimura — “Música para nueve postales”
Por Dominik Böhmer31 de diciembre de 2022Sin comentarios
Se podría argumentar que la despedida de un año debe reflejar su curso para tener sentido; yo digo que al diablo con eso: la música que es lo suficientemente turbulenta y confusa como para resumir el 2022 no es algo que particularmente quiera en mis oídos. Y así, estamos despidiendo este (continuo) desastre de año de la manera más tranquila y saludable imaginable: hablando de Music for Nine Postcards de Hiroshi Yoshimura , una de las joyas de la corona de la música ambiental (japonesa).

La efervescencia omnipresente de nuestra vida cotidiana ahoga cualquier sensación real de paz y tranquilidad que podamos obtener de diversas fuentes aquí y allá. Todo es demasiado ruidoso, demasiado brillante, demasiado accesible y todo está en tu cara las 24 horas del día, los 7 días de la semana; no es de extrañar que la ansiedad y la depresión estén descontroladas en nuestra sociedad estos días, donde ser visible y “productivo” (lo que sea que eso signifique) se valora por encima de la autoexpresión genuina y la paz mental. Alimentarte a través de esta carrera de ratas como una picadora de carne, voluntariamente o no, invariablemente dejará su marca en tu cuerpo y tu alma, por lo que la necesidad de un respiro nunca disminuirá.

Por suerte para nosotros, la música como la de Yoshimura existe para llevarnos de la mano y sacarnos de nuestra experiencia mundana de vez en cuando, asegurándonos gentilmente que hay más en la vida que los números que estamos procesando. Inspirado por “ los movimientos de las nubes, la sombra de un árbol en verano, el sonido de la lluvia, la nieve en un pueblo “, Yoshimura imbuyó su trabajo con un verdadero sentido de lugar y propósito, ofreciendo al oyente consuelo y unión a través de sus sonidos minimalistas y cálidamente envolventes. Grabado en su casa con solo un teclado y un Fender Rhodes, Music for Nine Postcards ha llegado a encarnar tanto su propio trabajo como el espíritu más amplio de la escena ambiental japonesa en ese momento, que abarcaba una profundidad de talento honestamente asombrosa.

Seleccionar un tema de esta colección ya sería una incisión demasiado aguda; una escucha completa e ininterrumpida es, de lejos, la opción preferible, facilitada por su concisa duración de 45 minutos. Tranquilo, melancólico, pero nunca carente de propósito, Music for Nine Postcards es un santo grial para muchos amantes del ambient como yo. Sintonizar este disco nunca deja de darme esa codiciada sensación de “pesado flotante” (es difícil de explicar), y se ha convertido en una piedra angular de mi colección personal. Me dice que está bien tomarme mi tiempo, priorizar mi propio bienestar por encima de los pensamientos arbitrarios de “éxito”. Siempre que el mundo se vuelve un poco demasiado difícil de manejar, aquí es donde vengo a relajarme: un espacio generoso de música que da mucho más de lo que quita.

Joe McKenna
La palabra ambient es un término bastante amplio y extenso para describir una amplia gama de música que encapsula las texturas tranquilas y trascendentes del sonido organizado de tal manera que pone más énfasis en las cualidades naturistas y de viaje de la música. Puedes hacerte una idea de la naturaleza ambiental de los sonidos ambientales simplemente escuchando a artistas notables dentro de este aspecto de la música, como Brian Eno o Erik Satie . Sin embargo, si bien podemos elogiar a muchos de estos primeros defensores de la música ambiental por su enfoque innovador del sonido a través de medios minimalistas y relajantes, los compositores de música ambiental fuera de las esferas occidentales podrían ser reconocidos más por su enfoque ambiental del sonido, percibiéndolo como armonioso con una pintura de paisaje o simplemente como mirar por una ventana.

Hiroshi Yoshimura fue sin duda una figura pionera en el surgimiento del minimalismo y el ambient japonés, que diseñó capas de sonido que incitan al oyente a ser más consciente de su entorno y de la belleza tranquila que a menudo pasa desapercibida. Creo que la música de Nine Postcards encaja perfectamente con esta descripción: aunque estaba pensada como fondo para los visitantes del Museo de Arte Contemporáneo Hara , la eficacia de la composición de Yoshimura ha elevado este álbum a las mentes y corazones de muchas personas en todo el mundo.

Cada una de estas pistas es diestra en su capacidad de caracterizar sonoramente el entorno previsto con un elemento de elegancia y belleza natural. Al abrir con “Water Copy”, por ejemplo, Yoshimura proyecta esta sensación de comodidad que te permite tomarte un momento para respirar y contemplar las maravillas simplistas de nuestro mundo sin procesar. Ciertamente, he encontrado una sensación de comodidad similar al escuchar muchas de estas piezas, desde las líneas melódicas minimalistas en pistas como “Blink” y “Dream” que persisten con anticipación solo para ser recibidas con texturas cálidas y coloridas en el otro lado, hasta los paisajes sonoros etéreos que subyacen en el recital transparente de las suaves piezas de piano y viento de Yoshimura en, digamos, “View From My Window”.

El carácter sobrenatural de estas piezas es otra de las cosas que me llamó la atención en este disco, pero por razones muy diferentes a las que estoy acostumbrado. En lugar de llevarte a un paisaje psicodélico interdimensional o exterior, te sumerges en las atmósferas ambientales y rurales sonoras. Estas pistas son capaces de alejarte de las condiciones frenéticas, agitadas y laboriosas que nuestro mundo a veces puede perpetuar y, en cambio, te colocan en el centro de un paisaje imperturbable donde uno puede sentir el movimiento de las nubes y el soplo de vientos tranquilos sobre las ramas de los árboles.

Mientras que Eno puede haber creado música ambiental para decorar el fondo de un entorno y Aphex Twin para agregar color a otras secciones de música electrónica, Yoshimura utilizó la música ambiental para definir un espacio físico y ponerlo en el centro de la música. Esto es lo que hace que Music for Nine Postcards sea tan encantador: simplemente escuchando y cerrando los ojos, puedes tener una idea del entorno natural y auténtico al que se enfrentaba el artista. Te invade un estado simplista y meditativo de belleza tonal y comienzas a reemplazar tu entorno hasta un punto en el que estás profundamente arraigado en un paisaje espacioso y sereno.

Toni Meese
Estaba muy bien planeado. Un próximo A Scene In Retrospect , Navidad, algo de tiempo libre para escribir… perfectamente equilibrado, como deberían ser todas las cosas. La gripe no concordó con ese plan y el 24 de diciembre me encontraba mal, básicamente moribundo. En realidad no, pero lo entiendo. Por suerte, el disco en cuestión es Music for Nine Post Cards de Hiroshi Yoshimura , conocido comúnmente como uno de los álbumes más hermosos que existen.

En “preparación” para esta pieza, escuché el disco una y otra vez mientras tenía pesadillas febriles. No es ideal, pero definitivamente desbloqueó algo nuevo, un nuevo elemento. O tal vez solo intensificó lo que ya estaba construido. Music for Nine Post Cards es uno de los pináculos del ambient japonés, un campo de música tan lleno de genialidad que ni siquiera puedo comenzar a explicar exactamente CUÁN increíble es. Aún así, incluso entre las obras maestras de Yasuaki Shimizu , Midori Takada , Haruomi Hosono o Takashi Kokubo (solo por nombrar algunos, el mundo del ambient japonés es IRREAL). El posiblemente mejor álbum de Hiroshi Yoshimura (algunos dirían que Green es igualmente bueno) brilla como algo especial. Lanzado en 1982 cuando Yoshimura ya tenía 42 años, sirvió como su primer disco en solitario, seguido de una impresionante discografía. Lamentablemente, Yoshimura falleció en 2003 después de perder su lucha contra el cáncer. Sin embargo, su música sigue viva. Ojalá que para siempre.

Entonces, ¿qué hace que este álbum sea tan especial? Habla. Cuenta. Pinta. Llora, ríe, sueña. Nada a través de un océano auditivo. Cada nota es el toque de una mano amiga en tu espalda, una sonrisa cálida, una lágrima rodando por tu rostro. Un zumbido cálido, un piano suave: Music for Nine Post Cards es cálido y acogedor en su mayor parte, pero tiene algunos pequeños momentos desconcertantes, algunas armonías tensas aquí y allá, que se asemejan al trabajo del recientemente fallecido maestro Angelo Badalamenti en Twin Peaks . Por otro lado, probablemente nunca te sentirás más sano, más seguro que cuando escuchas el fenomenal “Blink”. El ambient puede ser un género difícil de adentrarse, etiquetado como mera música de fondo por muchos, lo cual es cierto en su mayor parte, para ser honesto, ya que está sobresaturado de cosas sin sentido y genéricas, pero gracias a una gran cantidad de material sobresaliente, en primer lugar y sobre todo el mismo disco que estamos celebrando hoy, definitivamente vale la pena ahondar en él.

Mis ojos brillan, mi corazón se hincha, mi voz tiembla. Amo este disco y no puedo elogiarlo lo suficiente por lo conmovedor y hermoso que es. Espero que lo ames tanto como yo. Si no, dale una oportunidad o escúchalo otra vez, porque debería ser parte de la vida de todo amante de la música.

Afinales de la primavera de 1985, el compositor japonés Hiroshi Yoshimura recibió el encargo de producir una secuencia de piezas musicales para la empresa constructora Misawa Homes. En consonancia con su política de sostenibilidad, la empresa pretendía incorporar música a sus espacios habitables. Al igual que la luz, el calor y el flujo de aire, estas composiciones debían convertirse en un elemento natural que mejorara el ambiente dentro de los edificios. Coproducidas con el diseñador de sonido interno de la empresa, Hiroyoshi Shiokawa, las seis composiciones ambientales resultantes se bautizaron en 1986 bajo el título Surround como parte de la serie Soundscapes de Misawa Homes . Se compusieron de acuerdo con la Oficina de Diseño de Sonido de la empresa constructora, que “soluciona los problemas de ruido con tecnología de insonorización y aislamiento; diseña el campo sonoro de la sala con tecnología acústica; crea sonidos que mejoran el ambiente”.

No hace falta decir que el nombre de Hiroshi Yoshimura no suena inmediatamente. Su estatus en Japón natal como pionero de la música ambiental –una traducción literal del género kankyō ongaku, un análogo del ambient en Asia Oriental– no se extendió inicialmente más allá de las fronteras del archipiélago, aunque las obras del compositor se convirtieron en muy buscadas por los entusiastas con un profundo conocimiento de la música electrónica japonesa. Eso fue hasta 2016, cuando los álbumes de Hiroshi Yoshimura se subieron íntegramente a YouTube, todavía una zona gris a salvo de las restricciones de derechos de autor que se aplican a Spotify y otras plataformas. Algunas de sus obras, como el primer álbum Music For Nine Post Cards (1982), lograron un efecto casi viral. El repentino aumento de interés fue seguido por una reedición de Light In The Attic junto con una nueva versión de su quinto álbum de larga duración, Green (1986).

Aunque el género japonés surgió como una reacción a la rápida urbanización, abrazó el futuro de una manera similar al krautrock y los experimentos de Eno con el ambient. Surround ciertamente comparte el minimalismo y la sensación de espacio con ambos géneros. La canción de apertura ‘Time After Time’ marca el ritmo de todo el álbum, un equivalente a una caminata a cámara lenta en un jardín con cascadas de agua. Su arreglo despojado con acordes descendentes arrítmicos y tresillos está hecho completamente en el Yamaha DX7, un instrumento también favorito de Eno que influyó en Yoshimura para seguir el camino del ambient. Para cuando el autor japonés lanzó Nine Post Cards , Eno había colaborado con Harmonia, el grupo alemán formado por Hans-Joachim Roedelius y Dieter Moebius de Cluster y Michael Rother de Neu! El zumbido y el distante piano de juguete que suena en la canción principal de Surround hacen eco de la paleta sonora de ‘Sehr Kosmisch’ del álbum seminal del trío de 1974 Musik Von Harmonia . En una de las entrevistas, Rother explicó que el trabajo de Harmonia estaba inspirado en entornos naturales idílicos, de ahí el nombre de la banda.

Yoshimura se propuso explorar todo el potencial de los teclados y sintetizadores. Su enfoque impresionista y su ligereza de toque recuerdan las tendencias futuristas y el experimentalismo de varios compositores de principios del siglo XX: la música de mobiliario de Erik Satie y la música concreta de Pierre Schaeffer. El término acuñado por Satie como música de mobiliario designaba la música de fondo interpretada por músicos. Este conjunto iba acompañado de un manifiesto impreso que decía: “La música de mobiliario completa la propiedad de uno; es nueva; no altera las costumbres; no cansa; es francesa; no se desgasta; no es aburrida”.

La idea de que esta música fuera entretenida aparentemente le habló a Yoshimura, quien estaba interesado en la historia del movimiento Fluxus, que también incluía a Satie, entre otros miembros. De manera similar, la idea de crear un paisaje sonoro para un proyecto de una empresa de construcción específica puede interpretarse con una pizca de ironía. Sin embargo, la historia de interacción artística de Yoshimura con los espacios demuestra que los trataba como un artista visual trataría un lienzo, y Nine Post Cards fue compuesta específicamente para ser tocada dentro de un museo. Shiokawa subraya el vínculo entre los elementos visuales y la música: “La forma en que Yoshimura incorpora sonidos cotidianos comunes a los espacios artísticos que diseña y crea comparte un enfoque similar con su trabajo como artista visual. Con un guiño a los ready-mades de Marcel Duchamp, este método es un hilo conductor que recorre [su] obra, desde las notaciones gráficas, el arte Xerox, la fotografía y los videos ambientales, hasta sus performances que involucran instrumentos hechos a mano en lata”.

Sin embargo, a pesar de esta conexión obvia con la música europea, se trata innegablemente de arte japonés, Surround en particular. El enfoque en elementos de la naturaleza (tanto en los títulos como en el sonido) es como de adoración. Escritas por el compositor, las notas originales del álbum enfatizan la conexión entre la música y el aire, así como su ingravidez compartida: “Si Surround se puede escuchar como música lo más cercana posible al aire mismo, permitiéndonos entrar en el paisaje sonoro de cada oyente, o como algo que existe dentro de una nueva perspectiva, expandiendo el punto medio entre el sonido y la música y transformándolo en un espacio confortable, sería muy apreciado. Su volumen no debería convertirse en un obstáculo para una conversación y debería ubicarse en la misma familia de sonidos que la vibración de los pasos, el zumbido de un acondicionador de aire o el sonido metálico de una cuchara dentro de una taza de café. Con la adición del ruido de la ciudad desde afuera de la ventana, puede escucharlo de una manera completamente nueva”. En cierto modo, esta declaración reitera el manifiesto de Eric Satie. Aunque compuesta para un entorno tranquilo, la música es dinámica. Lo visual y lo auditivo se fusionan tanto como lo hacen la música y los sonidos ambientales.

Independientemente del entorno, escuchar el álbum es una experiencia gratificante, ya que proporciona una fuerte sensación de conexión entre el mundo interior y el exterior. Shiokawa cree que Surround y Green son dos partes complementarias que forman un todo nuevo. “Considero que Surround es el yin de Hiroshi Yoshimura y que Green es su yang”, escribe en las notas del álbum. “ Green parece haber sido creado como una expresión de la alegría pura que sintió Yoshimura cuando aceptó su primer encargo para un álbum de música ambiental, y puedes sentirlo rebosante de exuberancia mientras lo escuchas. En comparación, Surround parece expresar la perspectiva honesta y despreocupada de Yoshimura, aunque algo solitaria, hacia su vida aparentemente ordinaria en la ciudad”. Ya sea combinado con Green o escuchado por sí solo, Surround es una declaración autosuficiente.

Caminando de puntillas sin cuidado al borde de la eternidad, la humilde intersección del corazón y la mente, encuentro una llave. La bóveda se abre a un espacio ilimitado donde el tiempo se detiene, las emociones chocan y me derrumbo hasta el centro de mi existencia, listo para sentirlo todo. ¿Acaso empiezo a expresar la influencia de las composiciones inmortales de Hiroshi Yoshimura en mi cuerpo humano mortal?

Para mí, y quizá para la mayoría de nosotros, las obras de Yoshimura sólo se conocen póstumamente. Sin embargo, en su atemporalidad, sus composiciones despiertan cada nodo y borde de mi red cerebral y plantan rosas en mi jardín.

Mientras escribo esto, el álbum por excelencia de Yoshimura, “ GREEN “, lanzado por primera vez en 1986, es ahora un favorito de culto del ambiente japonés con una popularidad creciente, y suena de fondo de manera relajante, una vez más. Al escucharlo por primera vez, GREEN despierta algo irrevocablemente en nuestro interior y sin previo aviso; nos lleva a un viaje sin sentido de paseos casuales por caminos sinuosos hacia un aterrizaje desconocido.

En los dichosos 43 minutos que dura este álbum, pienso en el invierno japonés de 1985–86, un joven Yoshimura encerrado en su estudio de grabación privado, Hiroh 806, enmarcando texturas rítmicas siguiendo un mero camino de emociones crecientes en su formación y no tanto en su propósito final.

Las ocho composiciones de este álbum presentan sublimes capas de carácter y tonos suspendidos con una resistencia minimalista que sobrevive a los matices de la realidad moderna. Es, posiblemente, la desinhibida selección de estos paisajes sonoros, tocados con una tierna intimidad, lo que brinda una sensación de escapismo a una mente en búsqueda y mantiene al oyente enganchado y ansioso por escucharlos nuevamente.

Retrato de Hiroshi Yoshimura 2

“Es, posiblemente, la curación desinhibida de estos paisajes sonoros, Tocado con una intimidad tierna, que proporciona una sensación de escapismo. “Para una mente investigadora y mantiene al oyente enganchado y ansioso por volver a escucharlo”
Aunque GREEN sigue sirviendo como telón de fondo para demasiadas ensoñaciones nostálgicas, resulta intrigante saber que el título del álbum no se refiere al color en sí, sino a su valor fonético. En la funda del disco original, está grabado en inglés un VERDE en mayúsculas con un acrónimo oscuro que se extiende hacia abajo a lo largo de la funda y que dice: “ Garden River Echo Empty Nostalgia/ Ground Rain Earth Environment Nature “. La creatividad detallada que rodea a esta obra maestra, hasta su descripción muy literal, hace que GREEN sea exuberante, etéreo y, a veces, más allá de la comprensión de una persona simple.

Siguiendo sus trabajos anteriores, mi obsesión recorre sin cesar su discografía, inspirando una mayor sensación de escucha que complementa con fuerza todas las demás sensaciones y realza las impresiones de mi conciencia. Diseñado para una línea de casas prefabricadas, el álbum ‘ Soundscape 1: Surround ‘ abre de manera onírica con ‘ Time After Time ‘, una experiencia conmovedora e inmersiva tan hermosa y poderosamente elocuente que no sabes qué hacer con un sonido así.

En sus escritos para ‘ Pier & loft ‘ de 1983, Yoshimura expresa visiones de una ciudad melancólica y decadente que luego se tradujeron en una banda sonora tenue para un desfile de moda celebrado en un almacén en la bahía de Tokio, mientras que ‘ A・I・R (Air in Resort) ‘ de 1984 describe sonoramente una línea de perfumes de Shiseido, todos los cuales se suman a un profundo catálogo de experiencias auditivas que bailan con todos los sentidos humanos.

En el recuerdo, las exploraciones sonoras de Yoshimura pensadas para espacios cerrados ahora han desbordado naturalmente su confinamiento, encuadre y cambio de forma primarios hacia los sentimientos mutantes de un oyente contemporáneo.

Atrapado en este ensueño sonoro del verano de los 80 con Hiroshi Yoshimura durante un crudo invierno berlinés de 2023, casi dos décadas después de su fallecimiento, estoy reflexionando sobre una personalidad que solo existe en fragmentos de sonidos, palabras, un pequeño archivo de lo que parecen cinco imágenes y un video pixelado de su espectáculo en el Hinoemata Performance Festival de 1986 en Internet.

Cuanto más lo conozco a través de sus composiciones, más quiero conocerlo, y es, tal vez, esta brecha en el tiempo y la naturaleza de las vidas transitorias lo que hace que este romance sea aún más atractivo.

Para Hiroshi, con amor.

Cómo YouTube resucitó la «música ambiental» de Hiroshi Yoshimura y me convirtió en un fanático accidental

Cuando Hiroshi Yoshimura murió en 2003, fue una nota al pie en la historia de la música.

Fue pionero del género minimalista kankyō ongaku, o música ambiental, en los años 1980 y 1990: suaves melodías electrónicas mezcladas con sonidos de la naturaleza: arroyos balbuceantes, lluvia constante, pájaros matutinos.

Pero su obra acabó en su mayor parte como ruido de fondo en museos, galerías o casas de exhibición.

Sus vinilos se convirtieron en reliquias de una época anterior, tan raros, de hecho, que estaban al borde de la extinción.

Y cuando murió a los 65 años, parecía que su obra había muerto con él.

Pero en 2017 su música empezó a aparecer en un lugar inesperado: YouTube.

Hoy en día, la música de Yoshimura se ha reproducido millones de veces y sus álbumes reeditados han aparecido en Pitchfork y The Times .

Soy uno de los fans accidentales que le han ayudado a encontrar el éxito mundial que nunca hubiera creído posible en su vida.

Buscando distracción
Me topé por primera vez con la música de Yoshimura cuando estaba estudiando.

Las horas eran largas, los plazos eran ajustados y no tenía un espacio tranquilo para trabajar. Para concentrarme, recurrí a la música.

Confié en la reproducción automática de YouTube para crear una lista de reproducción interminable de música de fondo, y así fue como me topé con Yoshimura.

Me quedé perplejo por el encuentro.

Por lo general, cuando un algoritmo de recomendación hace algo inesperado, resulta un poco espeluznante, como las historias que escuchas sobre algoritmos que descubren que una mujer está embarazada antes de que su familia lo sepa .

Pero esto era diferente. Era buena música. Me volví fan.

Al desplazarme por los comentarios debajo del video, me di cuenta de que me había topado con una comunidad de personas como yo, que encontraban una especie de oasis de calma en las melodías de Yoshimura.

Al investigar más a fondo, me enteré de que la segunda vida afortunada de Yoshimura como artista se produjo en la cresta de una ola de cambio que arrasó la industria musical.

YouTube: el gigante dormido del mundo de la música
El cambio ha afectado la forma en que escuchamos música, cómo la encontramos y el papel que juega en nuestras vidas.

Y las plataformas impulsadas por algoritmos son parte de la historia.

Si bien solemos escuchar mucho sobre Spotify, YouTube es una especie de gigante dormido cuando se trata de música.

En 2017, el 47 por ciento de la música escuchada en línea fue a través de YouTube.

“Este es un archivo enorme y no sólo de música pop comercial, sino de todo tipo de estilos”, dice Ariadna Matamoros-Fernández, profesora de comunicación de medios digitales en la Universidad Tecnológica de Queensland.

Y con hasta 500 horas de contenido subidas a la plataforma cada minuto, YouTube depende de algoritmos para ordenar y organizar todo, mucho más rápido de lo que los humanos podrían hacerlo.

El Dr. Matamoros-Fernández dice que la característica clave que hace que YouTube sea popular es lo que se conoce como “algoritmos de recomendación”.

“Tiene en cuenta aspectos como dos vídeos vistos en una sesión similar o el tiempo que has visto”, explica.

“Entonces, si usas YouTube para escuchar música mientras estudias, entiende que estás interesado en eso”.

Aquí es donde entra Yoshimura.

La gente no buscaba activamente su música; después de todo, es imposible buscar algo que no sabes que existe.

Pero el algoritmo de YouTube pensó que la gente estaría interesada en escucharlo.

Sacó la música de Yoshimura de los oscuros márgenes de YouTube y la colocó en primer plano.

Su compañero fanático accidental Andy Cush escribió sobre su viaje para la revista SPIN .

“Escucho la música de Yoshimura casi todos los días, tanto porque la encuentro tremendamente conmovedora como porque YouTube no deja de reproducirla”, escribió.

La Dra. Matamoros-Fernández dice que los patrones de visualización compartidos influyen en lo que probablemente le recomienden.

“El algoritmo detecta un nuevo interés y te muestra más, preguntándote ‘oye, ¿esto fue temporal o quieres seguir investigando?’”, explica.

Incluso los usuarios que antes no habían mostrado interés en la música japonesa encontraron a Yoshimura y sus pares, incluidos Satoshi Ashikawa y Midori Takada.

A principios de este año, el periodista musical Andy Beta escribió en Vulture un extraño fenómeno: los fanáticos de la música de YouTube son redirigidos a música de Japón.

“Por razones que no están del todo claras, el algoritmo de YouTube comenzó a recomendar cada vez más música japonesa de este tipo a cualquiera que fuera lo suficientemente aventurero como para dejar que la reproducción automática pusiera en cola algunas selecciones”, escribió.

“Casi cualquier instancia en la que escuches un álbum raro de música electrónica o de jazz podría enviarte rápidamente a Oriente”.

Y para muchos, incluido yo mismo, bastaba con escucharlo.

Una “economía de la atención” donde el tiempo equivale a dinero
Cuando escucho la música de Yoshimura, a menudo termino pasando mucho tiempo en YouTube.

“Es bastante minimalista, es relajante. Te invita a pasar el tiempo”, dice la Dra. Matamoros-Fernández.

“El algoritmo de YouTube reconoce que se trata de un género popular entre las personas que permanecen mucho tiempo en la plataforma”.

El tiempo es “realmente importante” para la plataforma: más tiempo se traduce en más datos que puede recopilar de los usuarios.

Esto a su vez se convierte en parte de las ganancias de YouTube, aunque su empresa matriz, Google, es tímida respecto de cuánto gana realmente.

“Es una economía de la atención. Quieren que estés en la plataforma interactuando y siguiendo. Quieren que pases el mayor tiempo posible en la plataforma”, dice Matamoros-Fernández.

Señala que la relación funciona en ambos sentidos: los algoritmos definitivamente pueden ayudar a amplificar ciertos tipos de música, pero no se puede ignorar el elemento humano.

“Las plataformas todavía tienen mucho poder, especialmente en términos de moderación de contenidos”, afirma.

“Pero muchas veces en los medios de comunicación tradicionales hay una narrativa distópica, de que [los algoritmos] están influyendo en la forma en que pensamos.

El resurgimiento de la música japonesa clásica comenzó originalmente cuando los coleccionistas de discos usaban YouTube para eludir la estricta ley de derechos de autor japonesa que ha impedido que gran parte de la música aparezca en Spotify.

Según Vulture, el coleccionista estadounidense Spencer Doran comenzó a reunir colecciones de kankyō ongaku a principios de la década de 2010, lo que ayudó a elevar el perfil de Yoshimura y sus contemporáneos.

Pero cuando la gente quiso saber más, les resultó imposible escucharlo en otro lugar que no fuera YouTube.

El Dr. Matamoros-Fernández dice que esto es bastante común.

“YouTube llena un vacío en la colección de Spotify. Hiroshi falleció, pero esta música no está en los canales profesionales. Este es un trabajo de selección que están haciendo aficionados”, afirma.

Desde entonces, el sello independiente Light in the Attic ha estado colaborando con Doran y la viuda de Yoshimura para lanzar su álbum de 1982 Music for Nine Postcards fuera de Japón por primera vez.

Su música ahora es más accesible que nunca.

Al igual que Yoshimura, estoy luchando contra el rugido.
Me alegro de haber encontrado a Yoshimura. Hay algo en su música que quería escuchar, aunque no lo estuviera buscando específicamente.

Quizás la historia detrás del género pueda dar una pista.

El kankyō ongaku floreció en una época de enorme desarrollo económico en Japón. La música de Yoshimura fue una reacción a ello.

Un exuberante bosque de bambú verde en Japón.
La música de Yoshimura evoca paisajes naturales y relajantes. ( Getty: Alexander Spatari )
En pleno auge de la urbanización, su música era tranquila y lenta.

Al igual que la “música de muebles” de Erik Satie en la década de 1910, o la Música para aeropuertos de Brian Eno en la década de 1970, esta era una música diseñada para sentirse como una extensión del espacio en el que te encuentras.

Los artistas del ongaku kankyō como Hiroshi evocaron el mundo natural en espacios urbanos modernos. Observaron la naturaleza a través de la lente de la vida urbana.

Estos paisajes sonoros vívidos y calmantes transportaron a los oyentes ansiosos lejos de las presiones de la vida de la ciudad.

Cuando recurro a recomendaciones musicales para alejarme pasivamente del silbido de la leche humeante o de los estornudos de mis colegas, también estoy buscando un escape de las presiones de la vida moderna.

Creo que probablemente lo mismo pueda decirse de muchos otros fanáticos accidentales de Yoshimura.

El propio artista lo resume mejor en las notas del álbum Music for Nine Postcards: “Seré feliz si, cuando disfrutes de este álbum, el paisaje circundante se puede ver bajo una luz ligeramente diferente”.

Para celebrar el relanzamiento de la obra maestra de Hiroshi Yoshimura de 1986, Surround , que está siendo reeditada por el sello discográfico Temporal Drift, nos sentamos con Patrick y Yosuke del sello para charlar sobre todo lo relacionado con Yoshimura.

Light in the Attic: Felicidades por el relanzamiento de Surround . Como obra maestra innegable (en un catálogo repleto de tantas obras maestras), Surround no se parece a nada anterior ni posterior. ¿Qué es lo que te dice algo de la música de Hiroshi? ¿Por qué crees que su arte significa el mundo para tantos de nosotros?

Patrick McCarthy (Temporal Drift): Puede ser difícil señalar qué es exactamente lo que encuentro tan atractivo en la música de Hiroshi. Podría ser que su música a menudo vive en un espacio que puede ser tanto primer plano como segundo plano y, al mismo tiempo, ser completamente cautivadora en ambos aspectos. Las elecciones melódicas de Hiroshi también son tan suaves y memorables que parecen haber existido siempre. Quizás otros se conecten con su música por razones similares, pero sin duda su amplio atractivo es innegable.

Yosuke Kitazawa (Temporal Drift): Creo que Hiroshi tiene una habilidad con las melodías que lo hace único entre los músicos que trabajan en el contexto de la música ambiental o ambiental. Puede cautivarte no solo a través de hermosos paisajes sonoros y texturas abstractas, sino también con melodías familiares que suenan naturales y cuidadosamente compuestas. Hay algo muy personal en su música, pero hace que cada composición suene como si la hubiera hecho solo para ti.

Sonido envolvente — Hiroshi Yoshimura

LITA: ¿Cuál es la historia de cómo Hiroshi conoció a la constructora de viviendas Misawa Homes y terminaron trabajando juntos como parte de su serie Soundscape, que por supuesto incluía el álbum Surround ?

YK: Esto fue a mediados de los 80, en la llamada era de la burbuja, y Misawa Homes estaba interesada en la idea de incorporar “comodidades” a su negocio. Para ellos, esto significaba agregar algo que mejorara los espacios habitables que estaban creando. Hiroyoshi Shiokawa era un empleado allí en ese momento, asignado a su Oficina de Diseño de Sonido y encargado de idear lo que podría ser eso. Había conocido a Hiroshi Yoshimura unos años antes, y estaba intrigado por su enfoque de la música ambiental y el concepto de “paisajes sonoros”. Imaginó que esta “comodidad” sería un álbum de música ambiental, y que Hiroshi sería la persona perfecta para el trabajo. Surround fue el resultado, y el resto es historia. Shiokawa relata la historia de fondo del álbum con más detalle en sus notas recién escritas para esta reedición.

LITA: En el envoltorio del lanzamiento, has incluido una hermosa cita de Hiroshi sobre el álbum: “Si Surround se puede escuchar como música lo más cercana posible al aire mismo, permitiéndonos entrar en el paisaje sonoro de cada oyente, o como algo que existe dentro de una nueva perspectiva, expandiendo el punto medio entre el sonido y la música, y transformándolo en un espacio confortable, sería muy apreciado”. ¿Cuál fue la inspiración de Hiroshi para crear música con un espacio específico en mente?

YK: Esa cita es un extracto de sus notas originales para Surround . Las notas también hacen referencia a un ensayo que escribió que originalmente se incluyó en el programa de un concierto de Harold Budd, que ofrece una visión de su enfoque de la música:

“Al envolver un espacio con sonido, lo transformamos en algo próspero. Podemos llamarlo un interior hecho de sonido. No todos los interiores son visuales por naturaleza; la música como interior no es otra cosa que el interior del corazón”.

Hiroshi también fue un gran artista visual, y parece que abordaba los espacios interiores y exteriores como lienzos en blanco, o partituras en blanco sobre las que dibujaría y visualizaría sus composiciones. Esta cita, de la edición en CD de 1999 de Music For Nine Post Cards, lo resume bastante bien:

“Imágenes del movimiento de las nubes, la sombra de un árbol en verano, el sonido de la lluvia, la nieve en un pueblo, con esas imágenes sonoras más bien tranquilas, busqué agregar el tono de la pintura con tinta a las piezas”.

Música para nueve postales y verde — Hiroshi Yoshimura

LITA: Cuéntanos sobre la reciente exposición, Hiroshi Yoshimura: Ambience of Sound, Sound of Ambience , que se realizó a principios de este año en el Museo de Arte Moderno de Kamakura, Japón. ¿Cómo fue? ¿Cuándo es la gira mundial?

PM: Fue increíble visitar la exposición en Kamakura. Nunca pensé que podría ver tantas obras de Hiroshi en persona. Todo el museo vibraba con su presencia, con elementos de sus partituras gráficas aplicados como calcomanías en las ventanas exteriores del museo y su música sonando suavemente por todos los espacios. Había esculturas visuales y sonoras, incluidos algunos de sus tubos de sonido, con los que los visitantes podían interactuar. Fue realmente especial ver finalmente algo del videoarte de Hiroshi y ver impresiones a gran escala de sus increíbles partituras gráficas. Por supuesto, nos encantaría que los fanáticos fuera de Japón tuvieran la oportunidad de ver la exposición. ¡Ojalá que esto suceda pronto!

YK: La exposición mostró que Hiroshi no solo fue un músico pionero, sino también un artista visual y conceptual asombroso. Pensé que tenía una buena cantidad de conocimientos sobre las obras de Hiroshi, pero fue realmente revelador ver la vasta obra, desde composiciones que escribió cuando era estudiante de secundaria hasta piezas escultóricas gigantes de metal que se pueden tocar como un instrumento. A Hiroshi le gustaba beber cerveza y usaba las latas vacías para crear instrumentos. Mientras caminábamos por la exposición, de repente escuchamos el sonido de una fuerte lluvia que golpeaba el techo del edificio. No estábamos seguros de si se trataba de sonidos pregrabados que se reproducían o tal vez de la naturaleza que se tocaba como un instrumento. En cierto modo, ese fue el momento en el que más se sintió la presencia de Hiroshi.

Hiroshi Yoshimura: Ambiente sonoro, sonido de ambiente

LITA: ¿Puedes compartir alguna novedad sobre los próximos lanzamientos de Hiroshi?

YK: Con suerte, algún día toda la música de Hiroshi estará disponible para todos en el mundo.

AIRE ACONDICIONADO
El clásico de música ambiental doméstica del compositor japonés Hiroshi Yoshimura está cobrando una segunda vida
Por Tom Howells
21 de noviembre de 2023
Hiroshi Yoshimura en su estudio casero a finales de los años 1980
Hiroshi Yoshimura en su estudio en casa, a finales de los años 1980. Cortesía de Nuvola Yoko Yoshimura

¿Cómo suena una casa? Más bien, ¿cómo debería sonar una casa? Este fue el dilema que se le planteó a Hiroshi Yoshimura en la primavera de 1985. El difunto compositor, que murió en 2003, fue pionero de un estrato japonés de música ambiental denominado kankyō ongaku , o “música ambiental”, y fue una pregunta respondida, enfáticamente, con Surround , la obra maestra doméstica de Yoshimura, recientemente reeditada por el excelente sello de Los Ángeles Temporal Drift.

En gran parte desconocido fuera de Japón durante su vida, el trabajo de Yoshimura ha experimentado un renacimiento en los últimos años, en particular su obra de 1986, Green . En su día, el tema, poco conocido para los oyentes occidentales, resurgió gracias al algoritmo de reproducción automática de YouTube (una falla técnica que también ha dado una segunda vida a obras de artistas como Midori Takada y Ryo Fukui) y fue reeditado con gran éxito en 2020 por Light in the Attic (el sello de Seattle responsable de la compilación ganadora del Grammy Kankyō Ongaku: Japanese Ambient, Environmental and New Age Music 1980–1990 el año anterior). Surround es aún más totémico.

Escucha Surround, la obra maestra doméstica de Yoshimura, recientemente reeditada por Temporal Drift
Algunos antecedentes. Como David Toop explicó en su libro definitivo Ocean of Sound , el ambient se caracteriza por “estar a la deriva o simplemente existir en estasis… fomentando estados de ensoñación y receptividad en el oyente que sugieren (en el lado bueno del aburrimiento) un desarraigo muy positivo”. Basados ​​en la “ música de muebles “ -cinco piezas escritas para ser tocadas repetitiva e indefinidamente- del pianista impresionista francés Erik Satie y la piedra de toque pacífica Ambient 1: Music for Airports (1978) de Brian Eno, una multitud de artistas japoneses reconfiguraron el ambient en un puntillismo sonoro sereno ideal como banda sonora para la vida cotidiana.

Fue un movimiento moldeado por los años de auge de principios de la década de 1980. A medida que las arcas corporativas se hinchaban, el gobierno ofreció alivio fiscal para la inversión en las artes, por lo que las empresas minoristas y de construcción comenzaron a financiar a los músicos de ambient para crear “comodidades” para sus productos. El hambre de tecnología de última generación y recursos derrochadores hizo que fuera adoptado con abandono. Haruomi Hosono, de la Yellow Magic Orchestra, grabó bandas sonoras para las tiendas Muji, mientras que A Dream Sails Out to Sea (Get at the Wave), de Takashi Kokubo, de 1987 , se regaló con los aparatos de aire acondicionado de Sanyo. El propio Yoshimura fue prolífico: escribió música para el Museo de Arte Contemporáneo Hara ( Música para nueve postales, de 1982 ); para una exposición de moda de los grandes almacenes Seibu ( Pier & Loft , de 1984 ); y para un perfume de Shiseido ( Air in Resort , también de 1984).

Hiroshi Yoshimura habla del sonido de un hogar japonés en 1986
MIRAR

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El origen de Surround comenzó en abril de 1985, cuando Hiroyoshi Shiokawa (que había conocido a Yoshimura años antes cuando estudiaba acústica arquitectónica) empezó a trabajar en la incipiente Oficina de Diseño de Sonido de la empresa constructora Misawa Home. Su tarea inicial, explica en las notas de la reedición, fue evaluar la instalación del sonido y la absorción de impactos de los esquemas existentes de Misawa, sistematizando los datos acústicos y estableciendo lo que la empresa llamó “Amenity 21”; utilizando “viento, luz, calor y otros elementos naturales en el desarrollo de elementos que mejorarían el espacio habitable”. Un lote de kankyō ongaku fresco era una parte integral del plan.

Se acercó a Yoshimura, quien envió las demos para Surround . Coproducido con Shiokawa y lanzado en enero de 1986, se convirtió en el lanzamiento inaugural de la serie “Soundscape” de la empresa . Alrededor de la mitad de las 2000 unidades se enviaron a los distribuidores y salas de exposición de Misawa; El resto se distribuyó a través de tiendas de música, en las que Shiokawa se vio obligado a actuar como una especie de representante de ventas, dado el estatus de Surround como, efectivamente, un disco de prensa privada. El álbum se convirtió en la curiosidad de un aficionado al ambient y, hasta la intervención de Temporal Drift, eso fue todo.

Pero Surround es una revelación: una suite, escribió Yoshimura, “lo más cercano al aire mismo… y debería ubicarse en la misma familia de sonidos que la vibración de los pasos, el zumbido de un acondicionador de aire o el sonido metálico de una cuchara dentro de una taza de café”. Una mezcla orgánica de grabaciones de campo y meditaciones de sintetizador -sublimaciones microscópicas a la vez impalpables y propulsivas- podría ser la obra definitoria del canon ambiental.

Una página de Misawa Interior Items International Edition Volumen 1 publicado por el Misawa Homes Research Institute en…
Una página de Misawa Interior Items: International Edition: Volume 1 , publicado por el Misawa Homes Research Institute en 1986, el mismo año en que encargó a Surround
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Tomemos como ejemplo el tema de apertura táctil “Time After Time”, en el que los bucles arrítmicos de bloques de madera y los suspiros que parecen al amanecer dan el efecto de una entidad floreciente; mientras que el banco de tonos vaporosos y crescendos ligeros de la siguiente viñeta “Surround” fluyen y refluyen como mareas invernales. “Time Forest”, la pieza central del álbum, construye mundos con una paleta mínima , Yoshimura pinta imágenes en Technicolor con dos notas, encontrando belleza en los espacios entre las teclas oscilantes y la marimba vidriosa. El punto culminante de “Green Shower” podría ser una de las piezas de música ambiental más bonitas jamás escritas, sus ráfagas de flautas de pan sintéticas y cascadas cálidas y tonalmente resueltas de melodía y cuerdas multicapa trascendentes. Para algo tan ascético, es salvajemente matizado; Una síntesis de la propia síntesis de la música de Yoshimura, sus “recurrencias repetidas y ciclos periódicos… transforman los espacios oscuros en un paisaje sonoro lleno de amabilidad y refinamiento”.

Es tentador imaginar lo que el yuppie medio habría hecho con todo esto, pero el atractivo es imperecedero. Ya sea en el ruido de neón de los hipercapitalistas años 80, o en la tormenta de mierda maximalista y políticamente trastocada de nuestra era moderna, el kankyō ongaku se hace eco de nuestro deseo de encontrar tranquilidad e introspección en un mundo implacablemente cacofónico. La práctica de Yoshimura era la destilación perfecta de esto: música, escribió, que “impregna el aire con sonido pero nos llena de quietud. Al envolver un espacio con sonido, se transforma en algo próspero”. Cuando ese espacio es el hogar, un santuario cotidiano puede volverse sublime.

Las melodías ambientales de ‘Kankyo Ongaku’ te ayudarán a alcanzar la plena conciencia.
Una entrevista con los creadores de una nueva compilación que destaca artistas innovadores de la Nueva Era y de vanguardia anteriormente pasados ​​por alto fuera de Japón.

GRAN ESTADO DE ÁNIMO

Samuel Argyle
13 DE MARZO DE 2019 15:08 H EST



Brian Eno es el artista más asociado con la música ambiental, después de haber sido pionero en el género con su disco de 1978 Ambient 1: Music for Airports . La portada de Ambient 1 es un mapa dibujado toscamente (un paisaje beige y verde opaco atravesado por finas líneas azules que simbolizan ríos y pequeños lagos) que, sobre todo, es indicativo de cómo suena. La música ambiental de Eno normalmente hace referencia a un paisaje ambiental, y Ambient 1 sonaba como algo que uno escucharía mientras da un paseo tranquilo por un bosque frondoso.

En la década de 1980, una creciente generación de músicos japoneses siguió el ejemplo de Eno y creó música ambiental enraizada en su propio entorno. Kankyō Ongaku: Japanese Ambient, Environmental & New Age Music 1980–1990 , una colección recién publicada por Light in the Attic que recopila grabaciones realizadas entre 1980 y 1990, suena como una reacción directa al entorno urbano de Japón. En ese momento, Japón vivía una economía de burbuja, un período de gran riqueza económica donde muchos artistas encontraron recursos económicos sustanciales y respaldo para sus proyectos. Algunos artistas compusieron música para anuncios corporativos y tiendas minoristas; algunos se apegaron a la vanguardia; otros incursionaron en ambos; todos buscaron crear un espacio dentro del próspero sistema capitalista para reflexionar y crear.

©️Jean-Claude Vorgeack

Como escribe Spencer Doran, el curador de la recopilación, en las notas que acompañan al libro, estos álbumes se promocionaron como “un respiro del estrés del mundo de los negocios y la vida en la ciudad”. En 1991, la burbuja estalló y los diez años siguientes se conocieron en Japón como la “Década Perdida”. La economía decayó y los recursos para la música experimental se dispararon, lo que hace que esta colección de música de los años 80 sea especialmente única.

La colección incluye nombres que los fanáticos dedicados del ambient encontrarán familiares, como Ryuichi Sakamoto e Hiroshi Yoshimura, así como artistas que hasta ahora han sido prácticamente desconocidos en Occidente. Si bien el contexto es esencial, las variaciones sutiles en este disco ejemplifican la capacidad de la música ambiental para evocar diferentes emociones: relajante, errática, contemplativa. Las melodías juguetonas de “Apple Star”, del dúo Inoyama Land, son espaciales y psicodélicas, con un tono pastoral subyacente que el dúo heredó del krautrock. Por el contrario, “Snow” de Takashi Toyoda, que apareció en su álbum Big Bang , transpone la “biorretroalimentación” de las ondas cerebrales a la música, según las notas del álbum. Hay consuelo en su repetición New Age y el sutil trasfondo del violín, mientras que las ligeras variaciones fomentan una mayor conciencia.

En la misma línea, Haruomi Hosono, que en 1983 fichó a Inoyama Land para su sello Yen, escribió “Original BGM”, que en un principio encargó el minorista Muji para que sonara en sus tiendas. Los tonos suaves y largos de la canción invaden al público y se complementan lentamente con iteraciones sutiles que van aumentando hasta llegar a notas más agudas antes de deslizarse hacia un plano uniforme de tonos graves profundos; estoy seguro de que sus dieciséis minutos sonaron geniales durante la experiencia de compra en Muji. Mientras tanto, “Chaconne” de Toshifumi Hinata suena como la banda sonora de un drama o un thriller sobre crímenes reales. Las notas recurrentes crean un espacio para la acción y el suspenso, sacudiendo al público con una sensación aguda pero inquietante de lo que está sucediendo. La canción “A Dream Sails Out To Sea — Scene 3” de Takashi Kokubo apareció originalmente en su álbum de 1987 Get At The Wave: I’d like to live in that atmosphere, que había sido encargado por la corporación de electrónica Sanyo para promocionar su nueva línea de alta gama de aires acondicionados; las texturas de olas, los pitidos náuticos y los carillones de viento de la canción son el resultado de grabaciones reales en la playa. La diversidad de sonido dentro de este grupo de nicho es marcada, pero las primeras innovaciones de estos artistas constituyen un tesoro para cualquiera que intente aprender sobre un período fascinante de la historia de la música, o incluso para aquellos que simplemente buscan algo agradable para escuchar en el trabajo.

The Outline habló con Doran, fundador del sello discográfico Empire of Signs , que publicó el año pasado Music for Nine Postcards de Yoshimura y comisario de la compilación Kankyo Ongaku, sobre el proceso y los antecedentes detrás de la nueva colección. También hablamos con Makoto Inoue y Yasushi Yamashita de Inoyama Land sobre sus influencias, señales ambientales y sus pensamientos sobre su tan esperado reconocimiento general.

YouTube

¿De dónde surgió el título del álbum Kankyo Ongaku ?

Spencer Doran: Kankyo ongaku fue la forma en que se tradujo originalmente el término “música ambiental”. El término tiene una historia compleja y antes de eso se usaba en referencia a la música ambiental [música que se tocaba en tiendas minoristas] y al diseño espacial corporativo de edificios. Todos estos músicos que formaban parte de la escena kankyo ongaku, como Satoshi Ashikawa e Hiroshi Yoshimura, adoptaron el término y lo transformaron para que fuera algo que no era solo música ambiental, sino también una forma en que pensaban sobre el sonido que existe en el espacio: que el entorno en el que estás escuchando música es algo inseparable de la música en sí.

Es una idea influenciada por John Cage de que la música no existe como algo separado de la realidad o que estás experimentando de una manera definitiva; en cambio, es una parte de la realidad y una parte de la vida. Es algo que existe en el entorno de cualquier espacio en el que lo estés experimentando. A medida que la música ambiental se hizo más popular en los años 90 a través de su asociación con la escena de la música de club (de la misma manera que se convirtió en parte de la conciencia pública en el Reino Unido y los EE. UU.), comenzaron a usar el término real música ambiental. El término kankyo ongaku cayó en desuso y se usa más en términos de grabaciones de campo y cosas así.

Hay algunas pistas en el disco que incluyen grabaciones de campo, ¿verdad?

SD: Sí: “Praying for Mother Earth” de Akira Ito y la canción “Variation — III” de Masashi Kitamura + Phonogenix. Es algo bastante común en mucha música de esta era en Japón. [Los artistas] vivían en un entorno urbano hipercapitalista donde la cultura japonesa se distanció de su relación habitual con la naturaleza y el mundo natural. Así que puedes verlo como una forma en la que la gente puede reconectarse con estos valores tradicionales japoneses y las cosas que se han perdido en la urbanización de la cultura japonesa.

Veo que parte de esta música es contradictoria con los valores de una cultura capitalista, pero mucha de la música fue desarrollada estrictamente para emprendimientos como publicidad y Muji, ¿verdad?

SD: No creo que haya ningún tipo de disonancia cognitiva entre la música y las nociones semicapitalistas de las que surge, porque se trata más de encontrar formas dentro de las realidades de la vida cotidiana en un sistema capitalista para diseñar tu propio tipo de experiencia y tu propia paz mental, tomando el hecho de que estás en el sistema al pie de la letra y luego encontrar una manera de hacer espacios para el arte o la experiencia dentro de eso.

¿Crees que este disco aumentará la popularidad de algunos de estos artistas en Estados Unidos, un lugar donde lamentablemente han sido ignorados?

SD: Espero que sí. Parte de la intención de esta recopilación es que esta música pase a formar parte del canon de la música ambiental. Creo que esta música ha quedado trágicamente excluida de este canon hasta hace poco. Había una gran lista de “50 mejores discos de ambient de todos los tiempos” de Pitchfork y no había ningún artista japonés incluido. Eso fue una gran señal.

Esta música se está haciendo popular a través de Internet y esto es sólo una herramienta para establecer a estas personas como las figuras icónicas que creo que son. Siempre digo que si [Hiroshi] Yoshimura tuviera la distribución de su música en Occidente que tienen personas como Eno o alguien así, estaría en igualdad de condiciones con las personas que son los arquitectos de la música ambiental.

Tierra de Inoyama
¿Cómo se siente ser parte de la colección Kankyo Ongaku ?

Makoto Inoue: Cada una de las canciones de la colección se creó con diferentes propósitos y han sido escuchadas por oyentes con gustos diferentes. Cuando coloqué esas canciones una al lado de la otra, noté similitudes y peculiaridades musicales que antes no eran evidentes. El hecho de que se incluyera mi propio trabajo me permitió reexaminar mi propia posición en ese momento.

Yasushi Yamashita: Me siento encantado de poder sentarme en los márgenes de este álbum.

¿Es extraño que te reconozcan por una canción que grabaste hace 36 años?

MI: Puede sonar extraño, pero siento que las obras creadas hace 36 años y las creadas ayer existen a la misma distancia de mi estado de conciencia actual. A veces, una canción que ha sido arrojada a un cajón desordenado es sacada por alguien en algún lugar y obtiene placer de ella. Eso me hace feliz.

YY: Más que extraño, es un poco misterioso. Pero por otro lado, siento que finalmente nos están reconociendo.

¿Qué fue lo que te hizo interesarte en hacer música juntos?

MI: Todo empezó cuando un miembro de una compañía de teatro alternativo de Londres vino a Tokio para una nueva actuación llamada “Collecting Net”. Nos encargaron la creación de la música y, a partir de entonces, empezamos a hacer actuaciones improvisadas juntos.

¿Quiénes son algunas de tus influencias?

MI: Al principio, Koichi Makigami (Hikashu) se involucró mucho. Disfrutamos de las actuaciones de improvisación con el músico de tabla Kenji Sakasegawa. Quien comprendió y apoyó la música de Inoyama Land fue Kōji Ueno (compositor, ex-Guernica).

YY: Cluster, Kraftwerk, Tangerine Dream. Taj Mahal Travellers de Japón, la música gamelan de Indonesia y la música india también fueron influencias. El jazz, la música clásica, la música clásica contemporánea, las bandas sonoras de películas, la música ligera… todo tipo de música instrumental tuvo algún tipo de influencia.

¿Sentiste que Inoyama Land era parte de un movimiento más grande en 1983 cuando grabaste inicialmente “Apple Star”?

MI: En ese momento, no tenía muchos conocimientos sobre producción musical. Casi por accidente, me di cuenta de que podía crear sonidos nuevos y vibrantes con el sintetizador utilizando mi propio sistema de control de voltaje (es decir, VCO, VCF). Grabar esos sonidos era como si un pintor esbozara un fragmento de su imaginación, y nunca pensé que a otros les interesaría. No pensé que fuéramos parte de ningún movimiento.

YY: No pensé que fuéramos parte de un movimiento más grande, pero sí sentí que estábamos sentados al margen de algo que se estaba moviendo.

Tierra de Inoyama
Tierra de Inoyama ©️Yuko Kikuchi

¿Cómo crees que el auge económico del Japón de los años 80 influyó en tu música?

MI: La burbuja económica transformó el paisaje de las ciudades y la naturaleza, y cambió enormemente la forma en que los ojos percibían los colores y las formas de la vida cotidiana. Creo que eso tuvo un gran impacto en mi imaginación musical. A partir de finales de los años 80 se construyeron pabellones de exposiciones, parques temáticos, museos y estadios nacionales en todo Japón, y creo que las circunstancias que llevaron a Inoyama Land a crear música ambiental para esas instalaciones también se vieron afectadas por [la burbuja económica].

YY: Empezamos a recibir encargos de música para instalaciones públicas y empezamos a crear música con una postura diferente, pero eso no cambió la esencia de Inoyama Land. En todo caso, los diversos encargos nos abrieron una nueva puerta y se convirtieron en una gran fuente de estímulo.

¿Crees que tu trabajo seguirá siendo reconocido por un público occidental más amplio?

MI: He estado pensando que me gustaría seguir siendo consciente de mi condición de japonés. Creo que si las impresiones que recibo de mi entorno local se reflejan en mis obras, la presentación de ese entorno local en sí mismo dará como resultado una conexión global.

YY: No estoy seguro, pero tengo mucha curiosidad por saber cómo seremos reconocidos a partir de ahora.

¿Siguen haciendo música? Si es así, ¿en qué están trabajando ahora?

MI: Actualmente nos interesa comunicar a nuestra próxima generación, y a la generación que le siga, el valor de la música que nos gusta. Por eso, pensamos que la música que hacemos actualmente debe ser fiel a nuestros propios gustos musicales, incluso más que en el pasado. Las ideas que constituyen esa música, ya sean de ayer o de hace 36 años, están conectadas de la misma manera, se transforman de la misma manera y seguirán expresándose de nuevas maneras.

YY: Por supuesto que seguimos haciendo música. También seguimos tocando en vivo. Nada ha cambiado desde hace 41 años, cuando se formó Inoyama Land.

Escucha inquieta: mi año de rendición al extraño y reconfortante poder del algoritmo de YouTube
Escrito por Andy Cush |
27 de diciembre de 2018–18:17

Una noche de verano, un amigo me puso The Ghost Trade, el único álbum de 1986 de Camberwell Now , una banda de corta duración formada a partir de las cenizas de los influyentes art-punks británicos This Heat . Inmediatamente me enamoré de sus ritmos vertiginosos y su brillo sobrenatural, pero pronto descubrí que no estaba disponible en mi servicio de streaming preferido ni en ninguna de las tiendas locales que visité. Empecé a escucharlo obsesivamente en YouTube, donde hay muchas obras maestras menores y curiosidades históricas como The Ghost Trade entre ritmos de rap sin derechos de autor y versiones acústicas de Jake Paul. Mucha de esta música no está disponible en streaming, se ha subido a Internet con derechos de autor presumiblemente cuestionables y es propensa a desaparecer en cualquier momento.

Cuando The Ghost Trade terminaba de sonar, el algoritmo del sitio para recomendar videos relacionados solía iniciarse automáticamente y mostraba el último lanzamiento de un grupo muy diferente: Dwarfs of East Agouza, un trío de improvisadores libres que se formó en El Cairo en 2012. Fue un cambio sorprendente, pero los dos grupos compartían una sensibilidad exploratoria similar, y YouTube supuso astutamente que un fan de uno podría disfrutar del otro. Seguí escuchando mientras una recomendación engendraba otra: free jazz, música de órgano minimalista, conjuntos de funk francés, cantantes de soul coreanos.

Es comprensible que YouTube mantenga en secreto las mecánicas específicas de sus recomendaciones automáticas, al menos en parte porque revelarlas haría que los intentos de manipular el sistema fueran aún más generalizados y descarados de lo que ya son. Los rasgos generales que conocemos sobre el algoritmo, tal como se exponen en un documento de investigación de 2016 elaborado por varios desarrolladores de Google, no son particularmente sorprendentes, aunque puede resultar desconcertante pensar en ellos durante demasiado tiempo. YouTube genera un grupo de vídeos candidatos en función de puntos de datos que incluyen los vídeos que has visto en el pasado, el tiempo que has pasado viéndolos, si has hecho clic en Me gusta o No me gusta, los términos que has buscado y cualquier información demográfica que haya acumulado sobre ti. Finalmente, reduce ese grupo al conjunto de vídeos que cree que te mantendrán mirando (y absorbiendo clips pre-roll de los anunciantes que son sus verdaderos clientes) durante el mayor tiempo posible.

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A pesar de las reservas que pueda tener sobre ese proceso, mi encuentro inicial con The Ghost Trade cambió drásticamente mis hábitos de escucha este año. Había comenzado usando YouTube deliberadamente para llenar un vacío en la colección de Spotify, pero las recomendaciones inquietantemente perspicaces del sitio pronto tomaron el control, empujándome hacia música que tal vez nunca hubiera conocido sin ellas. Estos días, llego a la oficina y escucho una colección compilada por un fan de rarezas de Aphex Twin , o un clásico de krautrock que se perdió en la era del streaming, para escuchar mientras trabajo. No importa lo que reproduzca, es probable que el algoritmo seleccione Green , un discreto álbum de 1986 de un artista conceptual relativamente oscuro convertido en músico electrónico llamado Hiroshi Yoshimura , como el siguiente plato. Después de eso, podría elegir Soundscape 1: Surround de Yoshimura, también de 1986, o Wet Land de 1993 . Otro video podría llevarme a Air in Resort de 1984 , mi disco favorito de Yoshimura hasta ahora, cuyas líneas de teclado impresionistas se complementan con grabaciones de campo de agua corriendo y pájaros cantando. Ahora escucho la música de Yoshimura casi todos los días, tanto porque la encuentro tremendamente conmovedora como porque YouTube no deja de reproducirla.

Yoshimura, compositor japonés que trabajó de forma muy fructífera en los años 80 y murió en 2003, es en gran medida desconocido para el público estadounidense de hoy. Sus plácidas miniaturas instrumentales parecen vislumbrar un futuro utópico y duelen con el conocimiento de que nunca llegará. Para los oídos occidentales, el punto de referencia más fácil es la música ambiental de Brian Eno , que aparentemente influyó en Yoshimura en su momento. Al igual que los álbumes ambientales de Eno, los de Yoshimura son lentos, tranquilos, sobrios y sin ritmo, revelando una resonancia emocional con una escucha concentrada, pero también desvaneciéndose fácilmente en el fondo si la atención se desvía hacia otra parte. Y había una melancolía terrosa en Yoshimura que me afectó a nivel emocional, más de lo que Eno lo había hecho nunca.

En algún momento, algo llevó al software de YouTube a adivinar que yo tendría este tipo de reacción ante el trabajo de Yoshimura. Luego lo escuché y reforcé esa sospecha, aumentando la probabilidad de que YouTube me enviara de nuevo allí la próxima vez que escuchara algo vagamente similar, y así sucesivamente, creando una especie de bucle de retroalimentación algorítmica. Si la música no fuera tan buena, podría parecer una trampa. En cambio, los videos de Yoshimura son más como un oasis, sus luminosas melodías de sintetizador brindan un respiro temporal de las malas vibraciones dominantes de Internet en general. Otros oyentes han detectado la misma energía idílica. “Gracias a todos los amantes de Hiroshi”, se lee en el comentario principal de Wet Land , de un tal Vlad Chernushchenko . “Siento una especie de unidad con tanta gente en este planeta”.

Para los fanáticos de los sonidos extravagantes, el algoritmo de recomendaciones de YouTube parece especialmente preocupado por música como la de Yoshimura. Watering a Flower, una colección ambiental de 1984 de Haruomi Hosono de la legendaria banda japonesa Yellow Magic Orchestra, fue compuesta inicialmente como música de fondo para la primera tienda Muji, en Tokio. Esta música también ha disfrutado de un renacimiento reciente impulsado en parte por su popularidad en YouTube, apareciendo en guías de escucha e inspirando largos ensayos a pesar de sus orígenes desfavorables, y el hecho de que es casi imposible de encontrar fuera del sitio de transmisión de videos. Through the Looking Glass de Midori Takada , un álbum japonés igualmente minimalista de 1983, pasó de la oscuridad a convertirse en una estrella polar de la crítica después de que una peculiaridad del algoritmo comenzara a canalizar a los oyentes curiosos hacia sus pacíficos polirritmos, acumulando más de dos millones de visitas antes de que la carga original fuera eliminada por una violación de derechos de autor. El año pasado, Through the Looking Glass se convirtió en el segundo artículo más vendido en Discogs, el mercado de vinilos de segunda mano en línea. Aunque las subidas de los álbumes de Yoshimura generalmente se mantienen en cientos de miles de reproducciones, su música puede estar acercándose a un nivel similar de demanda: una copia original en vinilo de Green se vende actualmente por 1.500 dólares en Discogs, y una versión en casete se vendió el año pasado por 300 dólares.

El aumento de oyentes de Through the Looking Glass llevó a una popular reedición en vinilo del álbum en el sello suizo WRWTFWW en 2017, y un auténtico segundo acto para la propia Takada, que a principios de este año realizó una gira por los EE. UU. por primera vez a los 66 años. El álbum debut de Yoshimura, Music for Nine Postcards, fue reeditado de manera similar poco después del de Takada. Y como señaló recientemente el artista visual y diseñador de portadas de álbumes Robert Beatty en un tuit , un álbum de 1990 llamado Musica Para el Fin de los Cantos del músico ambiental ucraniano-español Iury Lech también fue reeditado en 2017 después de aparecer regularmente en la columna recomendada. “Los discos que se reeditan se están volviendo predecibles en función del algoritmo recomendado de YouTube”, escribió Beatty en ese momento. “Todo es buena música, pero un fenómeno extraño”.

A pesar de esta inquietante cualidad inhumana y del estatus de YouTube como subsidiaria de un monopolio tecnológico distópico, la desordenada mezcla alternada de asociación libre y fijación prolongada que caracteriza el descubrimiento musical en el sitio me parece más identificable que las recomendaciones comparativamente guiadas por láser de Spotify; se parece más a la experiencia de tropezarse con discos reales y comenzar a amarlos en un mundo real poblado por fanáticos entusiastas. Las obsesiones idiosincrásicas de YouTube, servidas a una gama tan amplia de oyentes, sugieren que el algoritmo tal vez no sea tan todopoderoso como tememos. (Seguramente, Yoshimura y Takada no representan el ideal platónico de la música para cada buscador de Internet). Últimamente, los sellos grandes y pequeños han producido océanos de elegantes e inofensivas canciones pop melódicas de medio tiempo nostálgicas de los 80 que podrían haber sido modificadas a la inversa para que coincidan con las “vibras” de las populares listas de reproducción oficiales de Spotify. Los efectos perceptibles del algoritmo de YouTube (nuevas audiencias, oportunidades de giras y reediciones cuidadosamente consideradas para músicos veteranos poco apreciados) parecen más benignos.

Sin embargo, mi descenso a YouTube me llevó a pensar en la difusión de contenido de teorías conspirativas de derechas en la plataforma, como lo documentan las investigaciones de Buzzfeed , el Wall Street Journal y el instituto de investigación sin fines de lucro Data & Society . (Este mes, un congresista demócrata confrontó al CEO de Google, Sundar Pichai, sobre la difusión de una teoría conspirativa, principalmente a través de YouTube, sobre un video que supuestamente muestra a Hillary Clinton arrancándole la cara a un niño y usándola como máscara). El artículo del Journal mostró cómo un clip de noticias convencional sobre un tema como el 11 de septiembre podía llevar a un espectador a una secuencia de videos recomendados con una relación cada vez más tenue con hechos verificables, de modo que “incluso… los usuarios [que] no han mostrado interés” en las teorías conspirativas podrían eventualmente recibir videos conspirativos. Para mí, el contenido es muy diferente, pero la trayectoria bastante similar, y el algoritmo es el mismo. Fue una versión personalizada (y en general menos dañina) de cómo podría sentirse ser absorbido por la madriguera de InfoWars. Vine buscando el post-punk británico y en algún momento del camino me radicalicé como fanático de la música ambiental japonesa.

Mi escucha de Yoshimura, que ocurre sobre todo en el trabajo, también me recuerda a rincones de la música en Internet que me resultan alienantes: los streams de YouTube como la radio de hip hop lofi masivamente seguida (ritmos para relajarse o estudiar) o la profusión de música de archivo seudónima tipo Muzak en las listas de reproducción ambientales de Spotify. Estos canales venden música como un flujo interminable de estado de ánimo puro, descontextualizado de cualquier sustancia, como Eno o Yoshimura sin corazón y sin sangre. Reducen la música a una función pura, diseñada no para conmoverte sino simplemente para llenar el espacio, una banda sonora para realizar el trabajo incorpóreo de la economía de la era de Internet. (O, como se insinúa en el título de la transmisión de YouTube, para ayudarte a aprobar los exámenes universitarios que te darán acceso a ese empleo más adelante). En la canción que abre The Ghost Trade, el álbum que inició mis exploraciones en YouTube en primer lugar, Charles Haywood de Camberwell Now canta repetidamente sobre “cortinas corridas mientras brilla el sol” y “ruedas de la industria girando”, mientras la música avanza a toda velocidad detrás de él. Puede haber sido una introducción más apropiada a este viaje de lo que me di cuenta en ese momento.

El lo-fi house, un subgénero de música electrónica relativamente nuevo basado en progresiones de acordes brumosos y tambores suavemente arrastrados, ejemplificado por artistas como DJ Boring y Ross From Friends , también encontró popularidad en parte a través del algoritmo de YouTube . Me parece que no es casualidad que lo mejor de esta música, al igual que la de Yoshimura, sea discreta y utilitaria en la superficie, con una melancolía inefable pero inconfundible justo debajo. En una reacción deprimente pero comprensible a la forma en que vivimos nuestras vidas hoy, esta música house no está hecha para el júbilo comunitario, como prácticamente toda la música house anterior, sino para sentarse solo, con auriculares. Canaliza tanto la promesa visionaria de la vida en línea como la soledad aguda que todas esas pantallas mediadoras en realidad traen para muchos de nosotros.

A veces, la mediación amenaza con eclipsar la música en sí misma, música que, en el caso de Yoshimura, fue grabada años antes del lanzamiento de la World Wide Web, y décadas antes de YouTube. Cuando envié un correo electrónico a un músico que ha trabajado en reediciones para artistas como Yoshimura para preguntarle si estaba interesado en ser entrevistado para este artículo, respondió con frustración. “Creo firmemente que YouTube no es la razón por la que esta obra tiene resonancia, sino la calidad y universalidad de la obra en sí misma; centrarse en el vehículo en el que te fue entregada y no en la amplia y profunda práctica artística que la creó es para mí muy trágico”, escribió en parte.

Tiene razón, hasta cierto punto. La música de Yoshimura y la de Midori Takada eran igual de hermosas antes de que, de algún modo, se convirtieran en las ideas fijas de un software muy influyente que se ejecutaba en un servidor refrigerado industrialmente en algún lugar cerca de San Francisco. Pero hay una circularidad conmovedora en el renacimiento de Yoshimura en esta plataforma en particular. Para Yoshimura, el entorno en el que se reproduciría su música era casi tan importante como la música en sí. “Seré feliz si, cuando disfrutes de este álbum, el paisaje circundante se puede ver desde una luz ligeramente diferente”, escribió en una breve nota de portada para la impresión original de 1982 de su primer álbum Music for Nine Post Cards, que originalmente había compuesto como un complemento auditivo para la arquitectura modernista del Museo de Arte Contemporáneo Hara de Tokio. Otros álbumes estaban destinados específicamente a reproducirse en desfiles de moda, en plataformas de trenes y en el interior de casas modelo. Al igual que su contemporáneo Haruomi Hosono, Yoshimura aparentemente no tuvo reparos en extender esta filosofía al mundo corporativo: My beloved Air in Resort, originalmente empaquetado en una funda de vinilo perfumada, estaba destinado a promocionar una nueva fragancia de la corporación de cosméticos Shiseido.

Obviamente, YouTube no es el espacio en el que Yoshimura pretendía que se reprodujera su música, pero para mí y para mucha otra gente, es el lugar en el que vive hoy. En lugar de ver estas circunstancias cambiantes como una perversión de la obra de Yoshimura, prefiero pensar en las pestañas en cascada de mi navegador web como pasillos que resuenan con sus acordes, las barras de desplazamiento como escaleras cuyas superficies reflejan cada nota. Pienso en Vlad Chernushchenko, el comentarista de YouTube, que habla con entusiasmo de la unidad cósmica que siente con los demás oyentes de Yoshimura, y me pregunto qué más estará haciendo mientras suena la música. ¿Estudiando? ¿Navegando distraídamente por los feeds? ¿Escribir un ensayo? Para mí, todas estas situaciones y espacios se enriquecen cuando Green or Wet Land los acompaña. Quince años después de su muerte, la obra de Yoshimura ha encontrado su camino hacia otro entorno ideal para animar y encantar: Internet mismo.

Otro mundo verde : cómo la música ambiental japonesa encontró un nuevo público
Fotografía de: Norio Sato

En los últimos años, clásicos ambient japoneses poco conocidos como Green de Hiroshi Yoshimura y Through The Looking Glass de Midori Takada han ganado popularidad. Lewis Gordon investiga el fenómeno y habla con coleccionistas y vendedores de discos de Estados Unidos, el Reino Unido y Japón que ayudaron a generar una nueva ola de interés.

En Japón, en los años 80, un grupo de artistas producía silenciosamente lo que, en 2018, podríamos reconocer como música ambiental o new age. Aléjate de los discos de ruidos de ballenas y olas rompientes, fácilmente risibles y comercializados desenfrenadamente, o de la instrumentación indígena retocada con aerógrafo de la música curativa. Hiroshi Yoshimura, Midori Takada, Satoshi Ashikawa y sus pares estaban creando hitos minimalistas perfectamente equilibrados, discos que recién ahora están ganando un reconocimiento más amplio. Mientras que artistas como Ryuichi Sakamoto y Haruomi Hosono de Yellow Magic Orchestra encontraron cierto éxito fuera de su Japón natal, estos artistas no lo hicieron. Su trabajo ganaría un pequeño y dedicado seguimiento durante los años 80 y 90, pero poco más. Con un telón de fondo de crecimiento económico sin precedentes en Japón, la música que surgió del país durante este período se beneficiaría de esta creciente riqueza al mismo tiempo que se movilizaría contra algunas de sus consecuencias.

La relativa oscuridad de estos artistas está ahora en movimiento. Tras acumular millones de reproducciones en YouTube antes de su reedición en Palto Flats, el álbum de 1983 de Midori Takada, Through The Looking Glass , ha pasado de ser una curiosidad de coleccionista a un nuevo clásico de la era algorítmica. Light in the Attic está desarrollando actualmente una serie de archivo de música japonesa , incluida una antología dedicada a la nueva era y la música ambiental del Japón de los 80. Fue comisariada por Spencer Doran de Visible Cloaks, quien, a través de una serie de mezclas aclamadas para Root Strata , ha hecho mucho para ampliar la audiencia de la música ambiental japonesa. Ahora, Doran se ha asociado con Maxwell August Croy de Root Strata para reeditar obras seleccionadas de Hiroshi Yoshimura en su sello, Empire of Signs , comenzando con el primer disco de Yoshimura, Music For Nine Post Cards .

El álbum emblemático sin ritmo de Yoshimura, Green , lanzado en 1986 en Air Records, se encuentra en el centro tanto de la música ambiental japonesa de los 80 como de su reciente resurgimiento. Al igual que Through The Looking Glass de Takada , Green ha experimentado un resurgimiento en popularidad gracias a un rip de su versión en CD alojado en YouTube. Grabado en medio del ajetreo y el bullicio de un Tokio que cambiaba rápidamente, la quietud prístina del disco ofreció un respiro al ruido de vehículos pesados, taladros neumáticos y metalurgia que habría dominado el paisaje sonoro natural de la ciudad en ese momento. Su obra de arte japonesa, una planta de interior schlumbergera bellamente fotografiada, transmite la pureza del sonido de Green al tiempo que hace que su prolongada oscuridad sea aún más incomprensible. Mientras tanto, el equilibrio del disco está muy lejos del trabajo anterior de Yoshimura como parte de la escena Tokyo Fluxus y del grupo de improvisación seminal Taj Mahal Travellers, aunque su preferencia por actuar al aire libre encontraría resonancia con los temas sonoros del trabajo solista posterior de Yoshimura.

La gente como Chee Shimizu empezó a redescubrir lentamente discos como Green de esa época. Tras una recesión en Japón hace unos diez años, Shimizu perdió su principal fuente de ingresos, el trabajo de diseño gráfico. Siguiendo el consejo de su mujer, decidió montar su propia tienda de discos online, Organic Music , y buscar discos que pudieran ayudarle a ganar algo de dinero y a desarrollar sus propias sesiones de DJ. “Nadie estaba interesado cuando empecé a pinchar new age y ambient en mis sesiones de DJ en aquella época, pero la situación cambió hace seis o siete años”, escribe Shimizu por correo electrónico. “Algunos de mis buenos amigos en Europa también estaban interesados ​​en ese tipo de música y ayudaron a introducir este material en el mundo”. Shimizu afirma que la tienda Red Light Records, con sede en Ámsterdam, y el sello Music From Memory son las organizaciones clave que ayudaron a galvanizar el interés por estos discos.

Norio Sato, propietario de la tienda de discos Rare Groove , con sede en Osaka , dice que Jamie Tiller, de Music From Memory, lo contactó directamente antes de que el interés se extendiera: “Después de eso, algunos DJ y coleccionistas europeos me enviaron su lista de deseos de música new age y ambient japonesa, pero había tantos discos que no conocía. Me hablaron de algunos discos japoneses increíbles”. Dubby, un ex colega de Shimizu en Organic Music y ahora propietario de la tienda de discos Ondas , comparte una historia similar de creciente interés en la música ambient japonesa hace unos seis o siete años.

Spencer Doran dependía de que nativos japoneses como Shimizu, Norio y Dubby encontraran estos discos y los enviaran a los Estados Unidos. El primer disco de Yoshimura que escuchó fue AIR , un álbum producido para la empresa de maquillaje y cuidado de la piel Shiseido. Estaba rociado sobre el disco y sellado en una bolsa, la música diseñada para capturar la esencia de una de las fragancias de Shiseido. “Fue solo un disco clásico de un dólar durante años”, dice Doran. “Simplemente me voló la cabeza y había un tipo del que nadie había oído hablar realmente, al menos nadie en los EE. UU., así que le dije a mi amigo: ‘Si alguna vez ves alguno de los discos de este tipo, cómpralos e intercámbialos conmigo’”. En el año Doran recibió Green , Surround y Music For Nine Postcards , discos que conforman el punto culminante de la producción creativa de Yoshimura en los 80.

El trabajo sin ritmo de Brian Eno de mediados de los años 70 es una referencia obvia para el público occidental, pero el trabajo de estos artistas japoneses difiere en aspectos cruciales. Yoshimura identificó su trabajo como “música ambiental”, la traducción japonesa de “ambiente”, pero que lo enmarcaba en un nuevo contexto. Mientras que Eno creaba música ambiental para un entorno imaginario en Music For Airports , Yoshimura y sus contemporáneos creaban música para lugares específicos y tangibles.

El álbum de Yoshimura de 1986, Surround , nació del beneficio corporativo de la corporación Misawa Home, diseñado para ser reproducido en sus casas modelo. Mientras tanto, su primer disco, Music For Nine Postcards , fue compuesto como respuesta al Museo Hara de Arte Contemporáneo. En las notas del CD, Yoshimura se pregunta: “¿Cómo sonaría este álbum si se reprodujera aquí?” En un trágico giro del destino, la última pieza musical que compuso fue para otra institución, el Museo de Arte Moderno de Kamakura & Hayama, antes de morir de cáncer en 2003. Al igual que Eno, Yoshimura basó su enfoque en el concepto de música para muebles de Erik Satie. Eno haría referencia directa al compositor francés en Discreet Music , mientras que el disco de 1983 de Satsuki Shibano, Erik Satie (Francia 1866–1925) , haría explícita la conexión en Japón.

Tanto el disco de Shibano como el primer álbum de Yoshimura formaban parte de la serie Wave Notation publicada por Sound Process, un sello creado por Satoshi Ashikawa. Inicialmente creado para publicar Music For Nine Postcards , la operación creció rápidamente hasta convertirse en una empresa de consultoría de diseño de sonido. En 1982 lanzó el propio álbum de Ashikawa, Still Way, un disco de quietud fría y hermosa. Las notas del álbum, escritas por el propio Ashikawa, se leen como un manifiesto de su visión y la de Yoshimura de la música ambiental. Basándose en el trabajo del ambientalista canadiense del sonido Murray Schafer, Ashikawa escribe: “La música de fondo, que se supone que crea ‘atmósfera’, es demasiado excesiva. En nuestra condición actual, encontramos que dentro de ciertas áreas y espacios, los aspectos del diseño visual están bien atendidos, pero el diseño de sonido se ignora por completo. Es necesario tratar el sonido y la música con el mismo nivel de necesidad diaria con el que tratamos la arquitectura, el diseño de interiores, la comida o el aire que respiramos”. Sound Process publicaría más tarde un libro sobre el colaborador y pianista de Eno, Harold Budd, consolidando aún más el vínculo entre la floreciente música ambiental occidental y sus contrapartes japonesas.

Si bien estos discos fueron diseñados para espacios particulares, también evocaban profundamente el lugar, lo que los volvía a poner en línea con el trabajo de Eno. En un documental de Arena que perfila al pionero del ambient, comentó: “Una pieza musical se vuelve real para mí cuando parece convertirse en un lugar, cuando puedo sentir cómo serían la temperatura, la luz y los colores”. Green , vivo con una rica vegetación y una gran humedad, acierta en este sentido a la perfección. Norio dice: “Estas pistas son simples: solo sintetizadores claros y hermosas melodías, pero transmiten una imagen magnífica”. También puedes ver la influencia de Eno en otros discos. El disco de Inoyama Land de 1983, Danzindan-Pojidon , presenta una portada cartográfica similar a Music For Airports y The Plateaux Of Mirror , al tiempo que comparte similitudes sonoras con el álbum de Eno de 1975, Another Green World , sus sintetizadores ingrávidos y guitarras suavemente punteadas evocan una imagen idílica.

Muchos de estos discos japoneses exudan una profunda simpatía por los elementos, una cualidad que los distingue aún más de sus homólogos europeos. Music For Nine Postcards de Yoshimura aprovechó el potencial del aire con temas como “Clouds”. Grabado con un teclado y un Fender Rhodes, Yoshimura tejió melodías ligeras como una gasa entre un lecho de sintetizadores suavemente resplandeciente. El agua es otro tema recurrente en toda su obra, sobre todo en los álbumes Pier , Loft y Surround . No fue el único en explorar este elementalismo a lo largo de su producción. Haruomi Hosono lanzó Mercuric Dance en 1985, un disco que se llenó de maderas metálicas. Al igual que Yoshimura, Hosono no se contentó con meditar sobre un elemento: a lo largo de Mercuric Dance , el metal da paso al agua antes de finalmente ser envuelto por el viento y el aire. El compositor y percusionista Yas-Kaz lanzó Jomon-Sho en 1985, otro álbum lleno de interacción de elementos, aunque con un mayor énfasis en el folclore japonés.

Para Allen Wooton, también conocido como Deadboy, es la evocación del mundo natural de Green lo que más resuena, a pesar del hecho de que Yoshimura usó el Yamaha DX7 para producir el álbum, un sintetizador más comúnmente reconocido por su artificialidad. “El DX7 no es un instrumento que suene natural en absoluto, es muy digital. La forma en que puede hacer que algo suene como si viniera de la naturaleza con ese instrumento es asombrosa”, dice. “Suena como alguien que ha estudiado el mundo natural y ha sido capaz de replicar la estética de él de alguna manera”. Wooton, a diferencia de Doran, se encontró con el disco hace unos tres años a través de Sounds of the Dawn , un influyente blog dedicado a destacar la música new age y ambiental. Descubrir a Green fue parte de un creciente interés en la música ambiental, uno que impulsaría a Wooton a establecer New Atlantis, un evento de domingo por la tarde dedicado a música más tranquila que las piezas con influencias de club que produce como Deadboy.

El naturalismo que Wooton señala en Green , así como el elementalismo de otros discos de la época, creció en parte como una reacción contra la burbuja inmobiliaria “milagrosa” de mediados y finales de los 80. El rápido desarrollo y la urbanización se produjeron en todo el país, aunque Tokio, sede de los crecientes servicios financieros, experimentó gran parte del auge. Edificios icónicos como la NEC Super Tower y el edificio del Gobierno Metropolitano de Tokio se dispararon en la capital. Spiral, otro edificio totémico de la época, fue encargado por Wacoal, un fabricante de lencería, pero era principalmente un espacio artístico diseñado para uso público, otro ejemplo del mecenazgo corporativo que experimentó el propio Yoshimura. “Una gran corriente dentro de la música japonesa de esa época es que es una especie de escape de la ciudad”, dice Doran. “La cultura japonesa tiene esta gran conexión con el mundo natural y es algo que realmente se pierde en la vida urbana contemporánea. Tokio es una ciudad muy estresante, claustrofóbica y dominante. Existe esta necesidad de un respiro de la situación y creo que esa es una razón por la que existía mucha de esta música en ese momento: era necesaria para la vida moderna”.

En Japón, el ecologismo popular evolucionó en contra del auge del desarrollo, aunque el gobierno parecía simpatizar con esas preocupaciones. Tras una crisis de contaminación industrial en los años 60 y dos crisis petroleras en los 70, el gobierno japonés se vio obligado a afrontar estos problemas de frente, aunque con un éxito discutible, y en 1971 creó la Agencia Ambiental. En 1972 se aprobó la Ley de Conservación de la Naturaleza, que promovía el bienestar del medio ambiente natural de Japón. En contraste con el hormigón y el mortero de los años 80, Green de Yoshimura surge como un producto de naturalismo desenfrenado. También podría considerarse el equivalente auditivo de shinrin-yoku o baño forestal (paseos cortos en un bosque para obtener beneficios para la salud), una iniciativa impulsada por funcionarios gubernamentales de la Agencia Forestal de Japón en 1982. Green coincide con esto, así como con el ecologismo que lo precedió, y ofrece algo que raya en el optimismo, incluso en el utopismo, capaz de trascender el polvo del Tokio contemporáneo.

“Definitivamente tiene un aire muy futurista”, dice Doran. “Es casi una versión idealizada de lo que podría ser ese tipo de música. Y está representada con tanta precisión pero gracia al mismo tiempo”. Para Wooton, el álbum evoca una imagen potente de un Japón imaginado. “Es muy simple, despojado, no hay nada innecesario. Simplemente me recuerda a los campos de bambú o cómo los imagino sin haber visto nunca uno”. Esto podría explicar en cierta medida por qué el disco está resonando entre tantos oyentes ahora. Si te lo encuentras en YouTube, te transportarás; Green ofrece un momento de absoluta quietud orgánica. Mientras el desarrollo urbano continúa sin control y la distancia entre nosotros y la naturaleza se amplía, Green resuena con un impulso primordial, permitiéndonos envolvernos en una naturaleza prístina.

Puede existir la persistente sospecha de que el público occidental fetichiza o exotiza la música ambiental japonesa. Wooton dice que Green lo pone en “un estado muy pacífico”, mientras que Doran dice: “Tiene una interacción melódica sin diluir. Es muy puro”. Pero estas opiniones son ciertas para muchos del propio Japón. Dubby dice que, al menos para sus oídos y entendimiento, Green canaliza un aspecto específico de la vida japonesa: “La cultura tradicional es extremadamente importante para nosotros, particularmente la idea de Wabi-Sabi y su idea de belleza”. Es un concepto que se centra en la estética de la impermanencia y la transitoriedad. Yoshimura, descrito por algunos como “el hombre nube” –su obra flotando en el ambiente– podría capturar esa belleza fugaz. “Su música es parte de la atmósfera”, concluye Dubby. Sin embargo, puede ser Norio quien lo exprese mejor cuando dice simplemente: “ Green me da curación, paz e infinitas posibilidades”.

Hiroshi Yoshimura y Akiko YanoHiroshi Yoshimura + Akiko Yano
SASHA FRERE-JONESSASHA FRERE-JONES
29 DE AGOSTO DE 2019AUG 29, 2019

A continuación se incluye una publicación invitada de Sadie Rebecca Starnes (cuyas pinturas también son fantásticas, así que toque ese enlace):

Hace unos años, utilicé la música de Green (1986) de Hiroshi Yoshimura para un cortometraje, suponiendo que nadie me molestaría nunca con los permisos para un músico ambiental muerto y desconocido. Esta mañana, una búsqueda en Google mostró que el LP se vendía entre 900 y 1300 dólares. Mientras los coleccionistas no sean abogados de derechos de autor, estoy bien.

El renovado interés por lo japonés y lo ochentero ( wamono ) comenzó a principios de la década de 2010. DJ y músicos como Jamie Tiller y Spencer Doran, que comerciaban con propietarios de tiendas de discos en todo Japón, comenzaron a publicar listas de reproducción de música electrónica y ambiental japonesa. La mayoría de estos artistas eran desconocidos para los oyentes occidentales, lo que desató la competencia de los buscadores de discos y, a su vez, su primer reconocimiento significativo fuera de Japón.

¿Qué importancia tiene? Sellos estadounidenses y europeos como Light in the Attic, Music From Memory y WRWTFWW están reeditando una amplia gama de música: psicodelia japonesa, proto-techno, pop urbano y ambient. Face Records, una tienda de vinilos usados ​​de Tokio que lleva 25 años en funcionamiento, ha abierto un segundo local aquí en Brooklyn y, hace apenas unos meses, la tienda de vinilos online de Chee Shimizu, Organic Music, abrió su primer local físico en Tokio.

Pero lo que me atrapó fue escuchar a Green — todo canto de pájaros y sintetizadores de cigarras — en una sesión de DJ en mi bar local.

La música minimalista Midori Takada fue una de las primeras en beneficiarse de la reciente moda del wamono . En 2018, tuve el placer de verla actuar en The Kitchen, donde me impresionó no solo su magistral y a veces acrobático trabajo de percusión, sino también su presencia física. Takada, alumna de Tadashi Suzuki, se mueve de forma gradual; su cuerpo, cuidadosamente medido y sincronizado, presagia la música. Esta teatralidad también se aportó al primer trabajo nuevo de Takada en casi 20 años, Le Renard Bleu , un EP de 20 minutos y un cortometraje creado en colaboración con el productor y cantante Lafawndah.

Ryuichi Sakamoto es famoso desde los años ochenta, pero fue recién este año que su ex compañero de banda en Yellow Magic Orchestra, Haruomi Hosono, realizó su primera gira en solitario en Estados Unidos. Recientemente entrevisté a Hosono para The Brooklyn Rail (y hablé con Ryuichi un año antes ). Hosono y yo hablamos de jazz y música exótica, así como de las obras olvidadas en su obra, incluida su colaboración con la exquisita soprano Miharu Koshi. He creado una lista de reproducción de Spotify de esta obra, pero otros álbumes esenciales que no se pueden escuchar en línea de las bandas de Hosono anteriores a YMO, como el country rock relajado de Kazemachi Roman (1971) de Happy End , han sido reeditados por Light In The Attic. También recomiendo el álbum de Hosono de 1978 con Shigeru Suzuki y Tatsuro Yamashita, Pacific . Es un álbum de verano perfecto, inundado de ritmos de Beach Boy, bajos perezosos y olas rompientes .

Akiko Yano, también de la famosa banda YMO, finalmente está recibiendo el reconocimiento que se merece en Estados Unidos. Muchos de sus primeros álbumes en solitario han sido reeditados este año por We Want Sounds, incluido el brillante debut de 1976 Japanese Girl . Yano contó con el apoyo de Little Feat en este álbum, y se rumorea que sus composiciones eran tan difíciles de mantener que la banda devolvió parte de su comisión. Increíblemente talentosa, prolífica y carismática, Yano es una de las músicas más respetadas de la música japonesa contemporánea. Aquí hay una entrevista esclarecedora con ella por Mark McNeill, transmitida recientemente en Red Bull Radio.

El movimiento ambiental japonés de finales del siglo XX Kankyō Ongaku — literalmente “música ambiental” — también ha ganado mucha atención este año. LITA y Doran lanzaron una compilación de ambient japonés en febrero, seguida por la última entrega de RVNG Intl. en la serie FRKWYS, serenitatem , una colaboración intergeneracional que une al dúo electrónico de Portland Visible Cloaks (Spencer Doran y Ryan Carlisle) con el pianista Satsuki Shibano y el productor Yoshio Ojima, figuras clave en Kankyō Ongaku .

Shibano es un reconocido intérprete de Satie y, como Satie, trata el silencio y el sonido con el mismo cuidado. Ojima, pionero en la tecnología de música generativa y DAW (y colaborador de Shibano desde hace mucho tiempo), ha estado experimentando en los límites de la música electrónica ambiental durante décadas. A principios de los noventa, Ojima llevó el ambient más allá de lo virtual para crear “ un nuevo tipo de textura musical “ que no era ni artificial ni natural. Tales síntesis se sienten en Hands Some de 1993, el manifiesto de Ojima sobre el futuro de la música en el que educadamente pide mantenerse por delante de nosotros, “solo un poco”. Los “ meta-experimentos “ del álbum , su enfoque aleatorio y aventurero de la música electrónica, fueron una inspiración temprana para Doran.

Una reciente entrevista de Bomb entre Doran y Ojima explora la profunda conexión entre estos tecnofilósofos, mientras también profundiza en proyectos pasados ​​como St. Giga , un experimento de radio ambiental de principios de los noventa. Y como señalo en Artforum , el trabajo colaborativo de Ojima con Shibano de la misma época, a saber, Rendez-Vous y Caresse, “anticipa inquietantemente el mundo sonoro de Oneohtrix Point Never y, más directamente, los Cloaks”. Fusionando su pasión compartida por Satie, la música preclásica y el software generativo, este cuarteto ha traído a Kankyō Ongaku al siglo XXI: un discreto cambio de lo ambiental a lo virtual, de en plein a en Mac Air .

El espíritu intergeneracional de serenitatem no es ciertamente exclusivo del grupo; EM Records de Japón ha estado lanzando splits como “ Shinshunfu ”, una pieza de mediados de los años 50 del intérprete de koto Kōhei Amada, reinterpretada por el músico de folk electrónico Sugai Ken. El año pasado también reclutaron un remix de Cloaks para el split de 7” de “Kajyadhi Fu Bushi” , un minyo tradicional de Ryukyu (canción folklórica de Okinawa) interpretado para televisión en 1977 por el grupo de jazz Jun Arasaki y Nine Sheep. Emocionante y sincero, este último disco es uno de los más hermosos que he escuchado, tanto en melodía como en filosofía. De hecho, estos intercambios desde ambos lados de un siglo y del mar relatan un mundo que es pequeño, curioso, abierto y comprometido. Ideas inspiradoras para hoy.