about Music: Element 3 — Klankkleur (Timbre) (Deel 2)
In Deel 2 van hierdie onderwerp gaan ek voort om die faktore te noem wat die klanke van die instrumente beïnvloed, watter funksie die verskillende instrumente dien, en ek gaan u baie musikale voorbeelde gee om die punte wat ek vir u gaan aanbied, te illustreer.
Laat ons aan timbre dink as die resonansie of kwaliteit van toon waarmee ons ore die kenmerkende klank van ‘n spesifieke singstem of musiekinstrument herken en identifiseer.
Timbre word bepaal deur ‘n aantal faktore, insluitend die instrument of stem wat die klank produseer, die metode van klankproduksie, die grootte en vorm van die instrument of stemgang, en die teenwoordigheid van oortone of harmoniese in die klank.
Sommige instrumente het ‘n baie duidelike en herkenbare timbre, soos die nasale treffer van ‘n banjo of die diepe resonansie van ‘n tjello. Ander instrumente, soos sintetiseerders en elektriese kitaar, kan ‘n wye verskeidenheid timbres produseer deur die gebruik van elektroniese verwerking of effekte pedale.
Behalwe sy rol om tussen verskillende instrumente te onderskei, word timbre gebruik om emosie, stemming, of styl in musiek oor te dra. Onthou dat ons in die eerste program gesê het dat musiek ‘n kuns is wat emosies en gevoelens deur middel van klank uitdruk.
So, byvoorbeeld, ‘n helder, brassy trompetsklank kan gebruik word om ‘n sin van triomf of viering op te roep. Daarom sal u hulle by kronings hoor, of in die militêre, byvoorbeeld. Onthou ons het hulle ook in ons openingsstuk von Timbre Teil 1, “O Fortuna”, gehoor, reg aan die einde, wat die stuk na sy hoogtepunt bring.
Hier is ‘n Kroningslied, wat gespeel is tydens die Kroning van Koning Charles III op 6 Mei 2023. Dit is deur George Frederik Handel gekomponeer en is gesing en gespeel by elke kroning van ‘n Britse monarg sedert dit vir Koning George II in 1727 gekomponeer is. Dit begin met orrel en snare, maar vanaf ongeveer minuut 1:30 kan die trompette gehoor word met ander koperblaasinstrumente.
Identifiseer asseblief, terwyl u hierna luister, hoe die majestueuse klank van die snare, gemengde koor, en orkes ‘n aura van prag en omstandighede skep, hoe die keteltromme die majestueuse afdelings ondersteun en hoe die trompette die instrumente is wat die helderheid na die toon bring. Dit is veral in die finale minuut. U mag baie ooreenkomste met die O Fortuna wat ons vroer gehoor het, opmerk.
Nou, vir ‘n ander emosie, ‘n donker, humeurige tjellosklank kan gebruik word om ‘n sin van weemoed of introspeksie te skep.
Laat ons luister na ‘n donker en humeurige stuk vir tjello: die “Sonate vir Tjello en Klavier” deur die Russiese komponis Sergei Rachmaninoff. Die stuk is in 1901 gekomponeer en staan bekend vir sy skouspelagtig pragtige melodieë en ryk harmonieë. Die tjello-deel is veral uitdruklik, met lang, swepende lyne en ingewikkelde, virtuoosiese passasies.
Die tweede beweging van die sonate, gemerk “Allegro Scherzando,” is veral donker en broeierig. Die tjello begin met ‘n weemoedige melodie wat oor ‘n skaars, onheilspellende begeleiding in die klavier gespeel word. Naarmate die beweging vorder, word die musiek meer intens en dramaties, met die tjello wat lang, swepende lyne speel wat ‘n sin van verlange en wanhoop oordra. Die klavier reageer met ryk, komplekse harmonieë wat help om ‘n sin van diepte en kompleksiteit te skep.
Al hierdie woorde wat ek gebruik — donker, broeiend, weemoedig, intens, dramaties, verlange, wanhoop, diepte, kompleksiteit. U dink waarskynlik dat dit heelwat musiek moet wees. Dit is. Luister self en sien of u hierdie emosies kan identifiseer, slegs deur die toonkleur van die instrumente te gebruik.
Nou, vir ‘n kontras, gaan ek ‘n stuk speel wat u in my eerste artikel (Toonhoogte Deel 3) gehoor het. Dieselfde twee instrumente, tjello en klavier. Wat is die stemming hierdie keer?
Timbre word ook gebruik in kombinasie met ander musikale elemente, soos harmonie, melodie, en ritme, om ‘n spesifieke emosionele of stylvolle effek te skep. Byvoorbeeld, ‘n helder, vrolike hoë toonhoogte melodie wat op ‘n fluit gespeel word, kan gekombineer word met ‘n stuiterende, gesinkoppeerde ritme om ‘n sin van speelsheid of luimigheid te skep.
Een voorbeeld van ‘n helder, vrolike melodie gespeel op ‘n fluit gekombineer met ‘n stuiterende, gesinkoppeerde ritme om ‘n sin van speelsheid of luimigheid te skep, is die derde beweging van die “Fluitsonate” deur die Franse komponis Francis Poulenc.
In hierdie beweging, gemerk “Presto giocoso,” speel die fluit ‘n lewendige, opgewekte melodie wat vol karakter en persoonlikheid is. Die melodie is speels en lig, met baie spronge wat dit ‘n sin van energie en beweging gee. Die begeleiding, gespeel op die klavier, is ewe lewendig en opgewek, met ‘n gesinkoppeerde ritme wat tot die algehele sin van speelsheid en luimigheid bydra.
Naarmate die beweging vorder, betrek die fluit en klavier mekaar in ‘n lewendige, oproep-en-antwoord-dialog, met die fluit wat nuwe melodieë invoer en die klavier wat met speelse, gesinkoppeerde ritmes reageer. Die algehele effek is een van vreugde, met helder, vrolike timbre van die fluit en stuiterende, gesinkoppeerde ritmes wat ‘n sin van ligtheid en pret skep.
In sommige gevalle word timbre gebruik om ‘n sin van vertelling of drama in musiek te skep. Byvoorbeeld, ‘n skielike verskuiwing in timbre van sag en saggies na skerp en dissonant kan ‘n sin van spanning of konflik skep, terwyl ‘n geleidelike verandering in timbre van donker en broeiend na helder en opbeurend ‘n sin van oplossing of verligting kan skep.
Oor die algemeen is die gebruik van timbre in musiek ‘n komplekse en fyngevoelige kunsvorm wat sorgvuldige aandag aan die unieke eienskappe en vermoëns van elke instrument vereis, asook ‘n begrip van die emosionele en stylvolle effekte wat deur die gebruik van verskillende timbres bereik kan word. Dit is ‘n groot deel van die vaardigheid van die komponis. In werklikheid is dit wat die genie van die werker in komposisie skei.
So, ‘n bietjie verdere navorsing vir hierdie week:
Luister asseblief na die hele Carmina Burana, en lees ‘n bietjie daaroor. Ek wil hê u moet veral dink hoe Carl Orff die kleure van die instrumente in die orkes gebruik om die musiek so kleurvol te maak soos die kleure van die reënboog. Dit is werklik ‘n verbasende samestelling, as u dit nie al ken nie, maar omdat dit redelik lank is, is dit die beste as u ‘n lys van die liedjies het om te identifiseer waar u in die stuk is.
Hier is ‘n paar woorde wat ons gebruik om die konsep van timbre te verklaar: Toonkleur, Klankkwaliteit, Toon, Klank, Ring, Resonansie, Kleur, en Tonisiteit.
Nou ‘n paar woorde wat ons kan gebruik om die timbre van ‘n stuk musiek te beskryf: helder, donker, brassy, rietagtig, skerp, lawaaierig, dun, geskerp, suiwer, roetagtig, skraperig, skrillerig, sag, uitgerekt, glad, rokerig, briesend, en rof.
Om ons artikel hierdie week af te sluit, twee kort stukkies. Een vir orkes en dan dieselfde stuk vir klavier. Na my mening is hierdie die teenoorgestelde omstandigheid tot dié van die Grieg-stuk wat ons vroeër gehoor het. Grieg het sy musiek vir orkes geskryf, en die klavierversion is ‘n aanpassing. In hierdie geval is die musik vir klavier geskryf, en die orkestrale weergawe is ‘n aanpassing.
Die stuk wat ons gaan hoor is die beweging getiteld “Tuilleries”, uit die “Pictures at an Exhibition”, van Modeste Mussorgsky.
Mussorgsky het dit vir klavier geskryf, al was hy ‘n meester van orkestrasie, soos blyk uit sy musiek “Night in a Bare Mountain”. En tog vind ons geen tekort aan ander komponiste wat dink dat hulle dit beter kan doen deur dit vir orkes te herskryf.
Die bekendste daarvan is van Ravel, waarna ons eers gaan luister. So kleurryk en helder soos dit is, is dit te swaar en verloor dit die speelse ligtheid van die skildery van kinders wat in daardie beroemde Paryse openbare tuin speel en mekaar terg, wat suksesvol op die klavier vasgevang is. (In die klavierversion word die skakel vanaf die vorige stuk eers gehoor, dan volg die Tuilleries.) Baie mense sal egter nie met my saamstem nie, so beoordeel dit asseblief self. Eers die orkestrale, dan die oorspronklike vir klavier.
Wat was u besluit? Wat ook al die uitkoms, u het ervaar hoe die timbre of karakter van die klank die eienskappe van die musiek kan verander.
Enige vrae of kommentaar, u is welkom om aan my te skryf by: brian.bekker@yahoo.com
Dit is ons musiek vir vandag. Tot weersiens vir nou en baie dankie dat u saam met my was. Ek hoop u sal weer by my aansluit volgende keer, wanneer ons oor die vierde van die fundamentele eienskappe van klank, naamlik intensiteit, gesels.
Verwysings: Hierdie kennis is so fundamenteel dat enige handboek oor musiek u al die besonderhede sal gee wat u moontlik nodig het. Bronne wat beskikbaar is op die internet kan met ‘n Google-soektog gevind word.
Hier is ‘n paar gedrukte boeke wat tans beskikbaar is, en sommige hiervan kan in PDF-formaat afgelaai word.
- “Elementary Rudiments of Music” deur Barbara Wharram, Frederick Harris Musiek, 1969
Deel van die teorie-reeks van die Royal Conservatory of Music, hierdie boek stel fundamentele musiekteorie-konsepte voor, insluitend die tydsduur van note en rustekens.
2. “Music Theory for Computer Musicians” deur Michael Hewitt, Course Technology, CENGAGE Learning, 2008
Alhoewel primêr gefokus op rekenaar-musikante, dek hierdie boek verskeie musiekteorie-konsepte, insluitend tydsduur, en is geskik vir diegene wat belangstel in elektroniese musiek.
3. “ A Geometry of Music: Harmony and Counterpoint in the Extended Common Practice” deur Dmitri Tymoczko, Oxford University Press, 03 Desember 2010
Hierdie boek verken musiekteorie deur geometriese beginsels te gebruik, en gaan in op aspekte van ritme en tydsduur in die konteks van harmonie en kontrapunt.
4. “Music Notation: A Manual of Modern Practice” deur Gardner Read, Allyn and Bacon, 1969
Gardner Read se boek is ‘n omvattende gids vir musieknotasie, wat besprekings oor hoe om tydsduur effektief te noteer, insluit.
5. “Music in Theory and Practice” deur Bruce Benward en Marilyn Saker, McGraw-Hill Education, 16 Mei 2008
Hierdie wyd gebruikte handboek dek verskeie aspekte van musiekteorie, insluitend ritme en metrum, en bied ‘n soliede grondslag vir die begrip van die tydsduur van musikale elemente.
6. “The AB Guide to Music Theory” deur Eric Taylor, Uitgewer: ABRSM, 1991 (in verskeie dele).
Gepubliseer deur die Associated Board van die Royal Schools of Music, dek hierdie gids ‘n wye verskeidenheid musiekteorie-konsepte, insluitend tydsduur, en is geskik vir beide beginners en diegene wat hul begrip wil verdiep.
7. “Rhythmic Training” deur Robert Starer, Universal Music Publishing Group, Geen datum nie.
Hierdie werkboek fokus spesifiek op ritme en tydsduur, en bied oefeninge om musikante te help om hul ritmiese vaardighede te ontwikkel.
8. “Afrikaanse Verklarende Musiekwoordeboek” deur M.E. van Blerk, Vlaeberg Uitgewers, Eerste uitgawe, 1994
9. “Music. The Listener’s Art”, deur Leonard G Ratner, McGraw-Hill, Third edition, 1977
Dankie dat u hierdie artikel gelees het! As u die musiek en die inligting geniet het:
· 👏 Gee die artikel applous
· 👏 Beveel dit by u vriende en musiekstudente aan
· 🖋️ Skryf gerus kommentaar
· ✍️ Merk iets waarvan u gehou het
· 👍 Volg my, sodat u ingelig is oor komende artikels
· ❤️ Deur verspreiding bereik my artikels ’n wyer leserspubliek.
