about Music: Element 3 — Klangfarbe (Timbre) (Teil 2)
Im zweiten Teil dieses Themas werde ich weiterhin die Faktoren erwähnen, die die Klänge der Instrumente beeinflussen, welche Funktion die verschiedenen Instrumente haben und Ihnen viele musikalische Beispiele geben, um die Punkte, die ich Ihnen vorstellen werde, zu verdeutlichen.
Lassen Sie uns die Klangfarbe als die Resonanz oder Qualität des Tons betrachten, anhand derer unsere Ohren den charakteristischen Klang einer bestimmten Singstimme oder eines Musikinstruments erkennen und identifizieren können.
Die Klangfarbe wird von einer Reihe von Faktoren bestimmt, darunter das Instrument oder die Stimme, das den Ton erzeugt, die Methode der Klangproduktion, die Größe und Form des Instruments oder des Vokaltrakts und das Vorhandensein von Obertönen oder Harmonien im Klang.
Einige Instrumente haben eine sehr deutliche und erkennbare Klangfarbe, wie das nasale Twang einer Banjo oder die tiefe Resonanz eines Cellos. Andere Instrumente wie Synthesizer oder E-Gitarren können durch die Verwendung elektronischer Bearbeitung oder Effektgeräte eine Vielzahl von Klangfarben erzeugen.
Neben seiner Rolle bei der Unterscheidung zwischen verschiedenen Instrumenten wird die Klangfarbe verwendet, um Emotionen, Stimmungen oder Stile in der Musik zu vermitteln. Erinnern Sie sich daran, dass wir im ersten Blog gesagt haben, dass Musik eine Kunstform ist, die Emotionen und Gefühle durch das Medium des Klangs ausdrückt.
So könnte zum Beispiel ein heller, bronzener Trompetenklang verwendet werden, um ein Gefühl von Triumph oder Feier hervorzurufen. Deshalb werden Sie sie beispielsweise bei Krönungen oder im Militär hören. Denken Sie daran, dass wir sie auch in unserem Timbre Teil 1 Eröffnungsstück “O Fortuna”, ganz am Ende, gehört haben, als sie das Stück zum Höhepunkt brachten.
Hier ist eine Krönungshymne, die bei der Krönung von König Charles III. am 6. Mai 2023 gespielt wurde. Sie wurde von George Frederik Handel komponiert und wurde bei jeder Krönung eines britischen Monarchen seit ihrer Komposition für König George II. im Jahr 1727 gesungen und gespielt. Sie beginnt mit Orgel und Streichern, aber ab etwa Minute 1:30 sind die Trompeten mit anderen Blechblasinstrumenten zu hören.
Bitte identifizieren Sie, während Sie dies hören, wie der majestätische Klang der Streicher, des massierten Chores und des Orchesters eine Aura von Prunk und Zeremonie erzeugt, wie die Pauken die majestätischen Abschnitte unterstützen und wie die Trompeten die Instrumente sind, die dem Klang Helligkeit verleihen. Dies gilt insbesondere in der letzten Minute. Sie werden viele Ähnlichkeiten zu der O Fortuna bemerken, die wir am Anfang Teil 1 gehört haben.
Für eine andere Emotion, einen dunklen, stimmungsvollen Cellosound könnte verwendet werden, um ein Gefühl von Melancholie oder Introspektion zu erzeugen.
Hören wir uns ein düsteres und stimmungsvolles Stück für Cello an: die “Sonate für Cello und Klavier” des russischen Komponisten Sergei Rachmaninoff. Das Stück wurde im Jahr 1901 komponiert und ist bekannt für seine melancholisch schönen Melodien und üppigen Harmonien. Der Cellopart ist besonders ausdrucksstark, mit langen, weitläufigen Linien und komplexen, virtuosen Passagen.
Der zweite Satz der Sonate, mit “Allegro Scherzando” markiert, ist besonders düster. Das Cello beginnt mit einer melancholischen Melodie über einer spärlichen, ominösen Begleitung am Klavier. Im Verlauf des Satzes wird die Musik intensiver und dramatischer, wobei das Cello lange, schwebende Linien spielt, die ein Gefühl von Sehnsucht und Verzweiflung vermitteln. Das Klavier antwortet mit reichen, komplexen Harmonien, die dazu beitragen, eine Tiefe und Komplexität zu schaffen. All diese Wörter, die ich verwende — dunkel, düster, melancholisch, intensiv, dramatisch, sehnsuchtsvoll, verzweifelt, Tiefe, Komplexität. Sie denken wahrscheinlich, dass dies ziemlich viel Musik sein muss. Das ist es. Hören Sie selbst und sehen Sie, ob Sie diese Emotionen anhand der Klangfarbe der Instrumente identifizieren können.
Für einen Kontrast werde ich ein Stück spielen, das Sie im Blog 1 Tonhöhe teil 3 gehört haben. Dieselben beiden Instrumente, Cello und Klavier. Welche Stimmung herrscht diesmal?
Die Klangfarbe wird auch in Kombination mit anderen musikalischen Elementen wie Harmonie, Melodie und Rhythmus verwendet, um einen spezifischen emotionalen oder stilistischen Effekt zu erzeugen. So könnte zum Beispiel eine helle, fröhliche Melodie, gespielt auf einer Flöte, mit einem schwungvollen, synkopierten Rhythmus kombiniert werden, um ein Gefühl von Verspieltheit oder Laune zu erzeugen.
Ein Beispiel für eine helle, fröhliche Melodie, gespielt auf einer Flöte, kombiniert mit einem schwungvollen, synkopierten Rhythmus, um ein Gefühl von Verspieltheit oder Laune zu erzeugen, ist der dritte Satz der “Flötensonate” des französischen Komponisten Francis Poulenc.
In diesem Satz, markiert als “Presto giocoso”, spielt die Flöte eine lebhafte, optimistische Melodie, die voller Charakter und Persönlichkeit ist. Die Melodie ist verspielt und leichtfüßig, mit vielen Sprüngen, die ihr ein Gefühl von Energie und Bewegung verleihen. Die Begleitung, gespielt auf dem Klavier, ist ebenfalls lebhaft und optimistisch, mit einem synkopierten Rhythmus, der zum insgesamt verspielten und launischen Eindruck beiträgt.
Im Verlauf des Satzes engagieren sich Flöte und Klavier in einem lebhaften Dialog, wobei die Flöte neue Melodien einführt und das Klavier mit verspielten, synkopierten Rhythmen antwortet. Der Gesamteindruck ist von Freude geprägt, wobei die helle, fröhliche Klangfarbe der Flöte und die schwungvollen, synkopierten Rhythmen ein Gefühl von Heiterkeit und Spaß erzeugen.
In einigen Fällen wird die Klangfarbe verwendet, um in der Musik eine Erzählung oder Dramatik zu erzeugen. So kann zum Beispiel ein plötzlicher Wechsel der Klangfarbe von sanft und zart zu hart und dissonant eine Spannung oder Konflikt erzeugen, während ein allmählicher Wechsel der Klangfarbe von dunkel und düster zu hell und erhebend ein Gefühl von Auflösung oder Erleichterung erzeugen kann.
Insgesamt ist die Verwendung von Klangfarbe in der Musik eine komplexe und nuancierte Kunstform, die eine sorgfältige Beachtung der einzigartigen Eigenschaften und Fähigkeiten jedes Instruments erfordert, sowie ein Verständnis der emotionalen und stilistischen Effekte, die durch die Verwendung verschiedener Klangfarben erzielt werden können. Dies ist ein großer Teil der Fähigkeit des Komponisten. Tatsächlich ist dies das, was den Genie von der Arbeit in der Komposition trennt.
Also, ein wenig weitere Recherche für diese Woche:
Bitte hören Sie sich die gesamte Carmina Burana an und lesen Sie ein wenig darüber. Ich möchte, dass Sie besonders darauf achten, wie Carl Orff die Farben der Instrumente im Orchester verwendet, um die Musik so farbenfroh wie die Farben des Regenbogens oder der Pride-Flagge zu gestalten. Dies ist wirklich eine erstaunliche Komposition, wenn Sie sie nicht bereits kennen, aber da sie recht lang ist, ist es am besten, wenn Sie eine Liste der Lieder haben, um zu identifizieren, wo Sie sich im Stück befinden.
Können Sie sich einige Begriffe vorstellen, die wir verwenden könnten, um das Konzept der Klangfarbe zu erklären: Klangfarbe, Klangqualität, Ton, Klang, Resonanz, Farbe und Tonalität.
Jetzt einige Begriffe, die wir verwenden könnten, um die Klangfarbe eines Musikstücks zu beschreiben: hell, dunkel, blechern, kantig, hart, laut, dünn, brummend, rein, kratzig, schrill, weich, angestrengt, leicht, flach, glatt, rauchig, hauchig und rau.
Um unseren Artikel dieser Woche abzuschließen, zwei kurze Stücke. Eins für Orchester und dann dasselbe Stück am Klavier. Meiner Meinung nach ist dies das Gegenteil der Umstände des Grieg-Stücks, das wir zuvor gehört haben. Grieg schrieb seine Musik für Orchester, und die Klavierversion ist eine Anordnung. In diesem Fall wurde das Stück für Klavier geschrieben, und die Orchesterfassung ist eine Anordnung.
Das Stück, das wir hören werden, ist der Satz mit dem Titel “Tuilleries” aus den “Bildern einer Ausstellung” von Modeste Mussorgsky.
Mussorgsky schrieb dies für Klavier, obwohl er ein Meister der Orchestration war, wie durch seine Komposition “Nacht auf dem kahlen Berg” belegt ist. Und doch dachte sich kein Mangel an anderen Komponisten und Arrangeuren, dass sie es besser machen könnten, indem sie es für Orchester arrangieren.
Das berühmteste Arrangement ist das von Ravel, das wir zuerst hören werden. So farbenfroh und hell es auch ist, ist es zu schwer und verpasst die verspielte Leichtigkeit des Gemäldes von spielenden und neckenden Kindern in diesem berühmten Pariser öffentlichen Garten, was erfolgreich auf dem Klavier eingefangen wird. (In der Klavierversion wird zuerst der Link aus dem vorherigen Stück gehört, dann folgen die Tuilleries.)
Viele würden jedoch nicht mit mir übereinstimmen, also urteilen Sie bitte selbst. Zuerst das Orchester, dann das Original für Klavier.
Was war Ihre Entscheidung? Wie auch immer sie ausfiel, auf jede Weise haben Sie erlebt, wie die Klangfarbe oder der Klangcharakter die Charakteristik der Musik verändern kann.
Bei Fragen oder Kommentaren können Sie mir gerne schreiben: brian.bekker@yahoo.com
Das ist unsere Musik für heute. Vielen dank dass Sie mich begleitet haben. Ich hoffe, Sie werden das nächste Mal wieder dabei sein, wenn wir uns weiter unterhalten.
Referenzen: Dieses Wissen ist so grundlegend, dass Ihnen jedes Musiklehrbuch alle Details geben wird, die Sie möglicherweise benötigen. Quellen im Internet finden Sie mit einer Google-Suche.
Hier sind einige gedruckte Bücher, die derzeit verfügbar sind, und einige davon können im PDF-Format heruntergeladen werden.
- “Elementary Rudiments of Music” von Barbara Wharram, Frederick Harris Music, 1969
Teil der Theorieserie des Royal Conservatory of Music, führt dieses Buch grundlegende musiktheoretische Konzepte ein, einschließlich der Dauer von Noten und Pausen.
2. “Music Theory for Computer Musicians” von Michael Hewitt, Course Technology, CENGAGE Learning, 2008
Obwohl hauptsächlich auf Computer-Musiker ausgerichtet, behandelt dieses Buch verschiedene musiktheoretische Konzepte, einschließlich Dauer, und ist für Interessierte an elektronische Musik geeignet.
3. “A Geometry of Music: Harmony and Counterpoint in the Extended Common Practice” von Dmitri Tymoczko, Oxford University Press, 03. Dezember 2010
Dieses Buch erkundet Musiktheorie unter Verwendung geometrischer Prinzipien und geht auf Aspekte von Rhythmus und Dauer im Kontext von Harmonie und Kontrapunkt ein.
4. “Music Notation: A Manual of Modern Practice”von Gardner Read, Allyn and Bacon, 1969
Gardners Buch ist ein umfassender Leitfaden zur Musiknotation, der Diskussionen darüber enthält, wie die Dauer effektiv notiert werden kann.
5. “Music in Theory and Practice” von Bruce Benward und Marilyn Saker, McGraw-Hill Education, 16. Mai 2008
Dieses weit verbreitete Lehrbuch behandelt verschiedene Aspekte der Musiktheorie, einschließlich Rhythmus und Metrum, und bietet eine solide Grundlage für das Verständnis der Dauer musikalischer Elemente.
6. “The AB Guide to Music Theory” von Eric Taylor, Verlag: ABRSM, 1991 (in mehreren Teilen).
Veröffentlicht vom Associated Board der Royal Schools of Music, behandelt dieser Leitfaden eine Vielzahl von musiktheoretischen Konzepten, einschließlich Dauer, und ist sowohl für Anfänger als auch für diejenigen geeignet, die ihr Verständnis vertiefen möchten.
7. “Rhythmic Training” von Robert Starer, Universal Music Publishing Group, kein Datum.
Dieses Arbeitsbuch konzentriert sich speziell auf Rhythmus und Dauer und bietet Übungen, um Musikern zu helfen, ihre rhythmischen Fähigkeiten zu entwickeln.
8. “ABC Musik: Allgemeine Musiklehre” von Wieland Ziegenrücker, Ausgabe 2, Breitkopf & Hartel, Aug 2020.
Unzählige Schüler(innen) und Studierende haben nach dem “ABC Musik” die “Allgemeine Musiklehre” buchstabieren gelernt. Die grundlegenden Qualitäten von “ABC Musik” — umfassende Themenauswahl, durchdachter Aufbau, anschauliche Aufbereitung, leicht verständliche Sprache, praktische Übungen zur Lernkontrolle, Register mit Sachwort-Erläuterung — werden in der Neuausgabe noch stärker betont als zuvor.
9. “Music. The Listener’s Art”, by Leonard G Ratner, McGraw-Hill, Third edition, 1977
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