about Music: Zuhörendes Element 2 — Dauer (Teil 2)
Einführung in “about Music”: Die Kunst des Zuhörens: Element 2: Dauer (Teil 2)
In meinem letzten Beitrag endeten wir mit: In der westlichen Musik ist das am häufigsten verwendetes System zur Darstellung der Dauer die musikalische Notation. Die musikalische Notation verwendet Symbole, um die Länge jedes Klangs (Notenwerte) oder Pause (Pausenzeichens) in einem Musikstück anzuzeigen.
Am Anfang eines Musikstücks gibt es normalerweise zwei Zahlen, die Taktart, die wie ein mathematischen Bruches aussehen. Zum Beispiel eine Zahl 4 über einer anderen Zahl 4. Was die Zahl oben dem Leser der Musik mitteilt, ist, dass dieses Stück in Takte von vier Grundwerte unterteilt ist. Also würde eine 3 über einer 4 Takte von drei Grundwerte haben. Oben könnte jede Zahl stehen, aber 3 und 4 sind die häufigsten. Das Beethoven-Stück, das wir im letzten Beitrag gehört und dirigiert haben, hatte eine Zahl 2.
Warum würde ein Komponist die Musik so aufteilen? Es ist einfach eine Methode, um die Musik einfacher zu lesen und zu verstehen. Vielleicht könnten Sie dies mit Worten auf einer Seite vergleichen. Wenn die Wörter ohne Zwischenräume zusammengedrängt wären, könnten Sie sie immer noch lesen, aber es wäre schwieriger. Die Verwendung von Taktschriche oder Linien, die die Takte trennen, hilft einfach, das Auge und das Gehirn zu fokussieren. Es gibt eine visuelle Darstellung der Position der Schläge.
Und was ist mit der Zahl unten im Bruch? Diese Zahl sagt uns, welche Art von Note jeder Grundschlag ist, und unter Verwendung einer einfachen Terminologie haben wir in 4 über 4 vier Grundschläge (Beats), und jeder Grundschlag ist ein Viertel des Taktes, also könnten wir es eine Viertelnote nennen. Sie würden diese Note als ein großen schwarzen Punkt mit einem daran befestigten Stiel erkennen. Der Stiel könnte nach oben oder unten zeigen, aber es ist nicht der Typ mit einer zusätzlichen gekrümmten Linie. Nur eine einfache gerade nach oben oder unten Linie.
Es gibt andere Symbole für Noten, die doppelt so lang, viermal so lang, halb so lang, ein Viertel so lang usw. sind. In einem zukünftigen Beitrag könnten wir uns mit diesem Konzept befassen. Hier ist ein Beispiel für ein schnell bewegendes Stück in der Zeit 4 über 4. Jede Note, die Sie hören, wird als Sechzehntelnote bezeichnet, was bedeutet, dass wenn eine Viertelnote 1 Sekunde dauerte, Sie vier dieser Sechzehntelnoten pro Sekunde hören würden,. Während Sie diese schnell fließenden Melodienoten hören, beachten Sie, dass es auch andere begleitende Instrumente gibt, die den Beat in einem langsameren Tempo halten. Versuchen Sie, den Klang dieser gleichmäßig marschierenden Viertelnoten zu identifizieren, die leiser sind als die fließenden Sechzehntelnoten.
Handel: Arrival of the Queen of Sheba. (3:17)
Das ist genug über die Arithmetik der Musik. Was wir an diesem Punkt einfach verstehen müssen, ist, dass energiegeladene Musik sehr häufig mit einer Geschwindigkeit von 120 Viertelnotenschlägen pro Minute oder zwei Schlägen pro Sekunde fortschreitet. Und entspannte Musik ist oft die Hälfte davon bei 60 Schlägen pro Minute oder einem Grundschlag pro Sekunde.
Diese Geschwindigkeiten sind nicht zufällig.
Für einen gesunden Menschen liegt die gesunde Herzfrequenz auch bei etwa 60 Schlägen pro Minute in Ruhe und ab 120 Schlägen pro Minute beim Sport oder Aufregung. Oder alles dazwischen je nach Stimmung und Tätigkeit. So können Sie sich vorstellen, dass Balladen und sanfte Lieder am unteren Ende dieser Skala liegen, die zu Ihrer Herzfrequenz von etwa 60 passen, aber aktive Tanzmusik wäre etwa bei 120. DJs wissen es und sie wählen den Beat der Lieder, die sie spielen werden, je nach Herzfrequenz und Aufregungslevel, das sie erzeugen möchten.
Sie können dies auch nutzen, um Ihre Stimmung und Herzfrequenz zu beeinflussen. Wenn Sie sich beruhigen möchten, ist es nicht ungewöhnlich, dass eine Person Musik mit einem entspannenden Beat am unteren Ende des Spektrums wählt. Und wenn Sie sich energiegeladen fühlen möchten, wird dasselbe Stück das für Sie nicht tun! Jetzt möchten Sie etwas Schwungvolles. Das heißt mit einem schnelleren Beat. Dieses Konzept wird als Tempo der Musik bezeichnet.
Hier ist ein Beispiel für energiegeladene Musik mit einem schnellen Beat. Sie kennen es wahrscheinlich aus der Fernsehserie “Der Lone Ranger” oder aus einem der Dutzenden von Filmen. Es ist tatsächlich:
Rossini’s Overture to his opera “William Tell”. (3:26)
Neben den Mustern langer und kurzer Noten werden wir beim Musikhören auf einen wiederkehrenden Pulsgrundschlag (Betonungen) aufmerksam. Dies bezieht sich auf die obere Zahl dieses Bruches. Wir fangen tatsächlich an zu erkennen, wie die Schläge in Zweier-, Dreier- oder Vierergruppen fallen. Unser Ohr beginnt das Metrum der Musik zu antizipieren, und wir erwarten, dass die Musik weiterhin dem Muster folgt.
Denken Sie an einen Marsch. Links rechts, links rechts. Wir neigen dazu, das Wort Links stärker zu betonen als das Wort Rechts. Es wird zu EIN zwei, EIN zwei.
Denken Sie an einen Walzer. EIN zwei drei, EIN zwei drei, usw.
Hier ist ein energiegeladener Ungarischer Tanz von Brahms. Versuchen Sie bei diesem Stück, während Sie der Melodie zuhören, nicht auf die einzelnen Grundschläge zu achten, sondern auf den zugrunde liegenden Puls, der von Bassinstrumenten und Percussion bereitgestellt wird. Er besteht aus abwechselnden tiefen Noten, die Sie in den langsameren Abschnitten am deutlichsten hören werden. Diese Impulse unterstützen den Rhythmus, halten das Orchester zusammen und bieten dem Hörer das Fußklopfen, das dem Tanz zugrunde liegt. Oft werden Sie feststellen, dass Sie mit dem Fuß klopfen, ohne bewusst zu wissen, woher Sie den Takt aufgenommen haben. Hören Sie unter all dem Getöse genau hin, und Sie werden herausfinden, was Ihr Unterbewusstsein aufgenommen und an Ihren Fuß geschickt hat.
Brahms: Hungarian Dance number 5. (2:19)
Wir bekommen eigentlich nur den wirklichen Rhythmus, wenn es Betonungen auf den Haupttaktnoten in der Musik gibt. Wie ein Marsch, EIN zwei EIN zwei, oder LINKS rechts LINKS rechts. Wenn diese Betonungen fehlen, ist es wie das Rezitieren eines Gedichts in singender Weise ohne Ausdruck oder Variation des Tempos.
Stellen Sie sich die Überraschung vor, wenn ein Komponist das regelmäßige Metrum absichtlich für expressive Zwecke durcheinander bringt. Gershwins “I’ve got Rhythm” verwendet Synkope, was bedeutet, dass Akzente oder Betonung an unerwarteten Stellen platziert werden. In den ersten beiden Durchläufen der Melodie lässt uns Gershwin im Dunkeln. Während wir versuchen, den Beat zu finden, macht er sich über uns lustig und lässt uns raten. Dann bietet er uns einige entschieden jazzige Akkorde und schließlich gibt er uns diese Fußtipp-Basslinie, um uns dabei zu helfen, herauszufinden, wie er mit dem Rhythmus spielt, der sich als zwei Schläge herausstellt.
Gershwin: I’ve got rhythm. (1:24)
Synkope kann eine Spannung und Energie in der Musik erzeugen und ist ein häufiges Merkmal vieler Tanzrhythmen. Es erzeugt eine starke rhythmische Reaktion beim Hörer. Synkope ist die bewusste Platzierung von Akzenten oder Betonung auf Neben- oder schwachen- Schlägen in der Musik. Der Komponist verändert also das, was wir erwartet haben, indem er früher (oder später) einsetzt. Dies ist eine beliebte Technik von Komponisten wie Gershwin und Bernstein und spielt eine große Rolle im Jazz, Blues und in den meisten populären Musikstilen des 20. Jahrhunderts.
Eine weitere Überraschung ist, wenn ein Komponist einen starken Beat vermeidet und eine träumerische, schwebende Qualität erzeugt, wie in Debussys Vorspiel zum “Nachmittag eines Fauns”. Es ist wichtig zu beachten, dass der Beat immer noch vorhanden ist, sonst würde die Musik vollständig stoppen. Der Beat wird einfach nicht betont.
Was sollen wir also hören, wenn der Beat nicht betont wird? Sie können versuchen, einem Beat zu folgen, aber weitaus profitabler wäre es, sich einfach in den Luxus warmer Klänge zu verlieren, die sich wie eine Decke um Sie legen. Die schiere Schönheit eines faulen Nachmittags, als der Faun, der nach dem Aufwachen von einem Nickerchen an einem schwülen Sommernachmittag seine Begegnung mit einer Gruppe von Nymphen überdenkt. Stellen Sie sich eine verschwommene Welt irgendwo zwischen Träumen und Wachen vor.
Debussy’s Prelude to the Afternoon of a Faun (9:22)
In meinem nächsten Beitrag habe ich drei weitere faszinierende Musikstücke rund um die Geschichte von Romeo und Julia. Aber ihr Hauptzweck im Beitrag wird darin bestehen, einige komplexere und aufregendere Verwendungen von Rhythmus und Beat zu demonstrieren.
Um diesen Beitrag abzuschließen, sind hier ein paar Gedanken, die Sie vielleicht etwas genauer erforschen möchten, rein zu Ihrem eigenen Interesse. Und wie immer, bei Fragen oder Kommentaren sind Sie herzlich willkommen. In meinem nächsten Beitrag werde ich auch einige Antworten auf die Fragen geben, die ich hier stelle:
- Bitte googeln Sie “Beethoven Symphony number 5 rhythm” und folgen Sie dem Link von Encyclopedia Britannica und lesen Sie nach, wie dieses rhythmische Motiv überall in der Symphonie erscheint: https://www.britannica.com/topic/Symphony-No-5-in-C-Minor-Op-67
2. Hier ist eine interessante Möglichkeit, den Rhythmus als Ziffernblatt einer Uhr zu betrachten, in diesem Video:
3. Können Sie einen Grund für die Prominenz eines Schlagzeugs in fast allen populären Musikstilen finden? (Hinweis: Denken Sie darüber nach, warum das Schlagzeug aus verschiedenen Trommelgrößen besteht.)
4. Können Sie dann erklären, warum klassische Musik nicht stark auf das Vorhandensein von Schlagzeugen im Orchester angewiesen ist?
5. Die sehr großen Pauken, die oft im Orchester zu sehen sind, werden als Timpani bezeichnet. Aber sie haben spezielle Verwendungen, die über das Halten des Beats hinausgehen. Informieren Sie sich darüber, wie sie das abwechselnde Bassmuster unterstützen, über das wir gesprochen haben.
6. Welche Funktion hat dieses abwechselnde Bassmuster?
Referenzen: Dieses Wissen ist so grundlegend, dass Ihnen jedes Musiklehrbuch alle Details geben wird, die Sie möglicherweise benötigen. Quellen im Internet finden Sie mit einer Google-Suche.
Hier sind einige gedruckte Bücher, die derzeit verfügbar sind, und einige davon können im PDF-Format heruntergeladen werden.
- “Elementary Rudiments of Music” von Barbara Wharram, Frederick Harris Music, 1969
Teil der Theorieserie des Royal Conservatory of Music, führt dieses Buch grundlegende musiktheoretische Konzepte ein, einschließlich der Dauer von Noten und Pausen.
2. “Music Theory for Computer Musicians” von Michael Hewitt, Course Technology, CENGAGE Learning, 2008
Obwohl hauptsächlich auf Computer-Musiker ausgerichtet, behandelt dieses Buch verschiedene musiktheoretische Konzepte, einschließlich Dauer, und ist für Interessierte an elektronische Musik geeignet.
3. “A Geometry of Music: Harmony and Counterpoint in the Extended Common Practice” von Dmitri Tymoczko, Oxford University Press, 03. Dezember 2010
Dieses Buch erkundet Musiktheorie unter Verwendung geometrischer Prinzipien und geht auf Aspekte von Rhythmus und Dauer im Kontext von Harmonie und Kontrapunkt ein.
4. “Music Notation: A Manual of Modern Practice”von Gardner Read, Allyn and Bacon, 1969
Gardners Buch ist ein umfassender Leitfaden zur Musiknotation, der Diskussionen darüber enthält, wie die Dauer effektiv notiert werden kann.
5. “Music in Theory and Practice” von Bruce Benward und Marilyn Saker, McGraw-Hill Education, 16. Mai 2008
Dieses weit verbreitete Lehrbuch behandelt verschiedene Aspekte der Musiktheorie, einschließlich Rhythmus und Metrum, und bietet eine solide Grundlage für das Verständnis der Dauer musikalischer Elemente.
6. “The AB Guide to Music Theory” von Eric Taylor, Verlag: ABRSM, 1991 (in mehreren Teilen).
Veröffentlicht vom Associated Board der Royal Schools of Music, behandelt dieser Leitfaden eine Vielzahl von musiktheoretischen Konzepten, einschließlich Dauer, und ist sowohl für Anfänger als auch für diejenigen geeignet, die ihr Verständnis vertiefen möchten.
7. “Rhythmic Training” von Robert Starer, Universal Music Publishing Group, kein Datum.
Dieses Arbeitsbuch konzentriert sich speziell auf Rhythmus und Dauer und bietet Übungen, um Musikern zu helfen, ihre rhythmischen Fähigkeiten zu entwickeln.
8. ABC Musik: Allgemeine Musiklehre von Wieland Ziegenrücker, Ausgabe 2, Breitkopf & Hartel, Aug 2020.
Unzählige Schüler(innen) und Studierende haben nach dem “ABC Musik” die “Allgemeine Musiklehre” buchstabieren gelernt. Die grundlegenden Qualitäten von “ABC Musik” — umfassende Themenauswahl, durchdachter Aufbau, anschauliche Aufbereitung, leicht verständliche Sprache, praktische Übungen zur Lernkontrolle, Register mit Sachwort-Erläuterung — werden in der Neuausgabe noch stärker betont als zuvor.
Danke fürs Lesen! Wenn Ihnen die Musik und der Beitrag gefallen haben:
· 👏 Klatschen Sie und geben Sie dem Artikel Applaus. Bitte klicken und halten Sie auf das Symbol.
· 👏 Empfehlen Sie es Ihren Freunden und Musikstudenten/innen
· 🖋️ Hinterlassen Sie einen Kommentar
· ✍️ Markieren Sie etwas, das Ihnen gefallen hat
· 👍 Folgen Sie mir, damit Sie über kommende Artikel informiert sind
· ❤️ Das alles hilft diesen Artikeln, neue Leser zu finden.
