Sound of madness

или Design thinking в проектировании… песен?

Disclaimer!

Прежде, чем я скажу хоть слово по теме, я хочу обозначить один факт: этот материал может и не принести какой-то практической ценности. Да, здесь будет описываться не совсем стандартный кейс применения Design Thinking, но давайте будем честны, вы вряд ли в своей рабочей действительности столкнётесь с необходимостью проектировать и создавать песни. Не зря я назвал своё выступление Sound of madness, ибо анализировать такое «творческое» занятие, как написание песен, могут только безумцы. Но тогда зачем я буду тратить ваше время? Все просто: угарнуть с теми кто в теме и снять с вас ментальный барьер.

Видите-ли, мы в ЕПАМ довольно часто проводим всякого рода тренинги и семинары по Design Thinking. Для менеджеров, для бизнес-аналитиков, для HR-специалистов. Но кто бы не сидел по ту сторону стола, всегда происходит приблизительно следующее. Мы говорим: «Эта методология поможет вам иначе взглянуть на проблему, понять её суть и найти лучшее решение», а нам в ответ, — «Отлично! Ну тогда мы пойдём применять». И люди уходят, пытаются натянуть сову на глобус способами, о которых они только что узнали, ничего не получается и они начинают ругать Design Thinking, как негибкий и ничем не полезный кусок… дизайнерского ремесла.

Знакомая ситуация? Когда я впервые узнал про персоны, я тоже оказался в такой ловушке. Я пихал их куда не поподя, делал по шаблону даже не осознавая зачем они нужны. Уверен я был не одинок, и сейчас люди продолжают грешить подобным. Но я уже не такой, тогда я был молод и мне нужны были деньги. Сейчас деньги мне тоже нужны, но я искупаю свои грехи проектировщика. Но сегодня речь пойдет не об этом.

Я написал статью на такую странную тему, для того, чтобы показать, что инструменты можно видоизменять, подстраивать под контекст. Более того, даже нужно это делать, чтобы повысить эффективность работы над решением.

Ну а теперь, когда все права защищены, вилы спрятаны, а помидоры съедены, я могу начать свою историю.

Kick-off

или как меня угораздило попасть в студийный проект

Буквально месяцев десять назад, а может уже и больше, мой телефон зазвонил и торжествующий голос моего брата сообщил, что они с солистом одной знаменитой в узких кругах группы решили замутить студийный проект. И, конечно, он предложил мне поучаствовать.

Наверное вы, как и я тогда, в душе не предоставляете, что такое этот студийный проект? Не переживайте, по большому счету — это очень странная группа, которая создаётся всего для одного альбома или просто по фану. Зачастую, такие формирования неполноценны, как это было у нас: всю музыку, аранжировку, сведение и мастеринг взял на себя брат, солист пел, ну а я…

Во время 15-минутного созвона задача была поставлена довольно конкретно: напиши нам пару текстов и придумай, как их положить на музыку, дай пару советов здесь, проконсультируй там, в общем — сделай нам по красоте. Как хочу. Когда смогу. Никаких встреч, и даже воркшопов, уж извините. Телефонный звонок, да три полу-готовые песни, для затравочки. Вот и весь кик-офф. В принципе, всё, как обычно и происходит у фрилансеров. И так как никаких ограничений не стояло, то я решил подойти к вопросу, как умею :)

И первым делом я определил KPI (key performance indicators), то есть метрики, которыми можно измерить успешность работы. Если вам знакомо понятие «конверсия», то это оно и есть. Но если для лендинга или сервиса мы можем измерить kpi довольно просто и объективно: количеством целевых действий или простым отношением, а-ля «показы к кликам», то с музыкой всё оказалось сложнее.

Любые данные: покупки альбомов, прослушивания или рейтинги в чартах, редко появляются у студийных проектов. И это понятно, ведь это более продвинутый аналог гаражной группы.

Потому, мои KPI не могли опираться на такие объективные данные, но определить их нужно было, иначе, как бы я узнал, что создал что-то хорошее? И так как судьей самому себе был я, то и метрики у меня получились до жути субъективные.

KPI хорошей песни (по версии Ванильного Грома):

• чтобы мурашки поднимались по телу,
• чтобы петь в машине даже спустя 15 прослушиваний,
• чтобы никто не догадался, что песню написал я,
• чтобы можно было перепутать с одним из «конкурентов».

Полдела сделано, осталась самая малость. И по всем канонам дизайнерского ремесла, я решил использовать Design Thinking. Первым делом, хотел сам убедиться в гибкости данной методологии, прежде, чем нести свет в массы. Так что дальше я буду описывать свой путь по классической модели Double Diamond. Я напомню как она выглядит:

На этапе Discovery мы собираем всю возможную информацию о проблеме, которую нужно решить или цели, которой хотим достигнуть. Define помогает нам определиться с решаемой проблемой, сузить выбор и найти «корень зла». Design, соответственно, отвечает за сам процесс разработки решения и его тестирование, а Delivery определяет как решение будет доставлено до пользователя или потребителя. Вот карта нашего путешествия на сегодняшний вечер, так не будем откладывать в долгий ящик — давайте начинать.

Discover

или заново открывая для себя мир

Я предлагаю вам вопрос: какое самое главное качество дизайнера? Каждый ответит на вопрос по своему: кто-то упомянет умение продавать решения, для кого-то это будут технические навыки, кто-то окажет внимание любознательности. И все будут правы — все качества важны, но позвольте мне поделиться одним интересным наблюдением. Проведя огромное количество интервью и пообщавшись с ещё большим числом коллег по цеху, я могу с уверенностью сказать, что отличает новичка от профессионала и проявляется во время генерации новых решений — опыт, но не тот, который пишут в трудовой или резюме, а реальный, боевой опыт: профи всегда может заранее делать прогнозы об успешности того или иного решения, так как раньше он с ним сталкивался, экономя время и быстрее генерируя новые идеи.

Те из вас, кто подумал о креативности тоже правы, ведь между опытом и креативностью есть неразрывная связь. В своей книге «Кради как художник» Остин Клеон как раз освещает этот вопрос. Видите-ли, в нашем мире ну очень редко появляется что-то новое, чаще всего, то что кажется нам революционным открытием — это удачное сочетание открытий из одного или разных доменов. Так Apple никогда не изобретала первый смартфон, лишь сделала его хорошо и продала.

Не буду грузить вас нейробиологией и процессом формирования нейронных связей, скажу лишь, что так работает наш мозг: постоянно собирает идеи, решения и факты, просто прозапас, формируя наш опыт. Даже, если мы этого не осознаём. А когда нам нужно придумать что-то «новое», мозг лишь достаёт идеи из закромов нашего подсознания, соединяет их и подсовывает как что-то свеженькое. Мы восхищаемся своей гениальностью, а мозг думает «Чувак, это ж элементарно».

Потому прежде, чем начать любой проект, будь то приложение, стул или песня, нужно провести исследование доменной области, или как я это люблю называть произвести «набивание коробочки» всей возможной информацией о проблеме.

Исследование домена

или набивание коробочки

Обычно данная активность включает в себя поиск и впитывание любой полезной информации по теме. Сюда можно отнести шэдоунг, как вид полевого исследования, когда мы из-за плеча наблюдаем, как пользователь решает свои проблемы. Если продукт уже есть — можем прокатиться по нему, используя сервис-сафари, представив себя на месте пользователя, чувствуя его боль. На край, можно инициировать дневниковые исследования или составить мудборд из рефов. Все что угодно, чтобы понять как это работает, в каком контексте используется, зачем, почему и что отличает хороший продукт от плохого.

И музыка не исключение. Только насмотренность превращается наслушаность: если обычно я шерстил сеть на предмет поиска лучших практик, то сейчас нужно было надеть мои наушники и сосредоточить внимание на слухе. Благо, такое полевое исследование я начал ещё далёком 2001, когда начал слушать альтернативу, потому база была у меня довольно обширная. Предлагаю вам тоже немного догнаться и проникнуться темой, чтобы понять, о чём я говорю:

Но слушать и слышать — разные вещи. Можно наслаждаться песней, но совсем другое — проанализировать, почему она так хороша. Потому я отобрал список самых ярких представителей альтернативной и околоальтернативной области для их планомерного препарирования. Для удобства я кластеризировал их по отличительным чертам:

Помимо того, что я по десять раз послушал все альбомы групп из списка, я также порылся в их биографиях, пытаясь найти побольше информации о том, как они подходят к созданию своих творений, но никто особо не распространяется. Зато, у меня был один интересный инсайт: кластер «забористо про разврат» состоит в основном из тех, кто позиционировал себя изначально, как «христианский рок».

Конкурентный анализ

или гнём свои ценности

После того, как домен был изучен, а коробочка набухла от загруженной информации, у меня появился свой список тех, к кому стоит присмотреться внимательнее. В продуктовом дизайне, обычно, мы называем это анализом конкурентов: если продукт не уникальный, то смотрим непосредственно на прямых соперников, ну а если уникальный и новый, то можно направить взор на косвенных конкурентов, например, представителей смежных доменов. У Coca-cola, к прямым конкурентам мы отнесём Pepsi, а к косвенным — продавцов чая.

Обычно, это выглядит следующим образом: таблица, где строки — это конкуренты, а столбцы — функции, которые нам интересны. На пересечении мы отмечаем наличествует-ли данная функция у данного конкурента или отсутствует. Так определяют набор минимальной функциональности, которая нужна, чтобы выжить на рынке. Это самый примитивный вариант подобного упражнения, ведь это просто логическая переменная — «есть» или «нет».

Если мы его немного разовьем, то можем отмечать не только наличие, но и качество функции, а также как она реализована. Так мы по крайней мере поймём не только что нам нужно, но и как это сделано у других. И при этом, даже такой подход обладает недостатками: мы все ещё ни на шаг не приблизились к пониманию, а работает-ли та или иная функция и нужна-ли она вообще. Тот факт, что кто-то что-то делает ещё ни о чём не говорит. Даже ребята из Google пилят целые продукты просто по фану, а потом думают «Куда бы их примаслить?». Но они могут себе это позволить, а мы нет.

Да и для моей задачи такая таблица мало бы что дала, ведь по большому счёту, у всех групп одинаковый набор функций: есть состав, есть тексты и музыка. А уникальные черты… Ну на то они и уникальные.

Даже если бы я провёл классический анализ — он бы просто ничего мне не дал. А делать артефакты, ради артефактов, я считаю непростительным грехом: если глядя на отчёт, персону, CJM или любой другой артефакт исследования складывается впечатление, что он был написан Капитаном Очевидность — это просто бумагомарательство. Во всём должна быть какая-то цель.

В моём случае, целью было выявить стратегии каждой из групп и понять, как я могу привнести что-то от них в нашу самодеятельность. Потому, вместо таблицы наличия, я использовал бизнес канву.

Это уже более продвинутый инструмент, который принимает в расчёт ещё и ценность для конечного потребителя. Теперь имеем дело не с таблицей, а графиком (или столбцовой диаграммой, если снобам будет угодно): по одной оси вы откладываете критерии, по которым люди принимают решение (это может быть цена, качество, популярность и т.д.), а по другой важность и ценность для людей. А дальше начинаете строить кривую ценности для каждого конкурента, рассматривая каждый критерий и определяя, насколько большую ценность по нему предоставляет испытуемый.

Великолепие этого инструмента заключается в том, что он максимально универсален: вы можете анализировать таким образом всё что угодно, стоит его немного погнуть. Так мы можем определить сильные и слабые всех участников домена, а также выстроить максимально эффективную стратегию. Главное, при этом делать свою кривую ценностей максимально непохожей на кривые ваших конкурентов.

Если бы я знал, что наши намерения распростираются масштабнее одноразового студийного проекта то использовал бы этот инструмент для анализа непосредственных конкурентов — уже существующих групп, барахтающихся в водах красного океана белоруской альтернативы. Я бы определил кривую ценности каждой из них и строил бы свою кривую максимально непохожей. Сотни групп пишут тысячи одинаковых песен на одни и те же темы, и если я хотел создать что-то действительно хорошее, нужно, чтобы оно выделялось. А выделяться нужно революцией ценности. Тем критерием, по которому вы впереди планеты всей. Хотите, называйте это фишкой или изюмом, только помните, что определить его может помочь именно бизнес канва.

Возвращаясь к моему примеру, задачи стать у руля отечественной альтернативы не стояло, скорее мы все хотели просто кайфануть. А я ещё и статейку на медиум закинуть. Потому канву я использовал не по прямому назначению. Я отобрал пятерых представителей, которые были максимально близки к тому, чтобы мне хотелось видеть в результате: Shinedown, Papa roach, Thousand foot krutch, Three Days Grace и Foo Fighters. Также, сформировал список значимых критериев:

• выразительность вокала,
• подача,
• сложность отдельных музыкальных партий,
• общее композиционное решение,
• консистентность стиля,
• постпродакшен,
• частота выхода альбомов,
• смысловая нагрузка текста,
• сложность восприятия текста,
• сжатость изложения.

Построив кривые ценностей каждого нашего «конкурента» стала понятна стратегия каждого из них. Я надеялся, выделить какой-то паттерн, серебряную пулю успеха. Но, к сожалению или счастью, этого не произошло, что подтвердило гипотезу «нет универсального рецепта». Это видно по революции ценности. Например, солист Foo Fighters не обладает таким уж сильным вокалом, но старики компенсируют это общим композиционным решением альбомов и смысловой нагрузкой. В тоже время, Papa Roach не грешит чем-то подобным, а просто хренячит альбом за альбомом, слегка меняя свой стиль, чтобы быть в тренде. Но на кого становиться похожим?

Наложив на это всё нашу собственную кривую ценности (которая, я так понимаю, была актуальной для многих студийных проектов), стало понятно, какое положение мы занимаем.

Днище. Но сдаваться рано. Причём, есть критерии, на которые повлиять у меня не получится (вряд-ли за столь короткое время у солиста поломается голос, или мы завербуем Джимми Хендрикса… он же мертв), есть абсолютно не значимые (у нас-то будет всего 1 альбом), а есть те, которые в принципе в моей власти.

Теперь, хотя бы стало понятно, каким образом я могу помочь проекту подтянуться и создать, свою революцию ценности: сосредоточиться на написание отличного текста и, работая в команде, создать атмосферное композиционное решение. Но как?

Define

или понять непонятное, объять необъятное, впихнуть невпихуемое

Нафаршировав себя самым полезным контентом по теме, переслушав сотни песен по сотне раз, докопавшись до недр доменной области и определившись с тем, что вообще нужно делать, я задался вопросом «Как я чёрт возьми это сделаю?» А значит настало время фазы Define, ведь обычно ответы приходят именно когда мы начинаем сужать область возможных решений, определять ограничения и концентрироваться на главном.

В моей повседневной работе, на этой фазе обычно происходит консолидация и уплотнение всей возможной информации: мы приходим из поля, садимся за стол и начинаем разбирать стикеры, аккуратно складывая их в кучки. Со временем, тонкие намёки данных кристаллизуются в гипотезы, слепое ощупывание домена даёт представление об ограничениях и в голове начинают зарождать предположения.

А превратить всё это в факты можно путём проверки и подтверждения качественными данными. Что я очень люблю делать с помощью ретроспективных интервью.

Ракамакафоу

или ну очень глубокие ретроспективные интервью

В принципе, что такое интервью мы все прекрасно понимаем. Это диалог между интервьюером и респондентом с целью выявить боли, проблемы, желания и потребности, мотивы и цели людей. Однако я бы хотел обратить ваше внимание на слово «ретроспективные». Оно означает, основанные на прошлом опыте людей. Только так мы можем быть уверены в достоверности пылких ремарок вашего визави.

Я не берусь утверждать, что это единственно верный способ подготовки к интервью, но обычно это происходит так:

Первым делом мы формируем цель интервью и гипотезы для проверки, то есть определяем, что именно мы хотим получить в итоге. Без этого маяка мы просто будем задавать непонятные вопросы и получать невнятные ответы, которые окажутся бесполезными.

Далее на каждую гипотезу мы составляем вопросы. Это ответственный этап ведь от формулировки вопроса практически всегда зависит ответ человека. Особенно люди, подверженные влиянию, могут просто соглашаться с вами, никак не выражая собственное мнение. Потому, важно избегать закрытых и альтернативных вопросов и не применять их без веских причин. И будьте готовы переформулировать вопросы на ходу, для этого можете сразу сделать домашние заготовочки вариантов.

После того, как вопросы составлены мы формируем из них сценарий. Это можно сравнить с собиранием истории по-кусочкам: «Сперва человек расскажет мне вот это. Затем мы плавно перейдём к этому, а здесь мы углубимся в детали.» Это необходимо, чтобы человек не чувствовал себя на допросе, а разговор ваш был похож на разговор. Дополнительно, вы можете вплести в сценарий ловушки — проверку достоверности.

Порой люди склонны фантазировать и моделировать свой опыт, строя предположения, а не апеллируя к реальным фактам. И чтобы выявить такие недоразумения, вам и нужно расставлять ловушки: делать намеренные ошибки, переспрашивать спустя какое-то время, углубиться в детали и т.д. О них очень подробно докладывала Тамара Кулинкович и я очень советую прослушать её выступление.

Сценарий готов, и сейчас мы его протестируем. То есть перед выходом в массы, вам нужно пару итераций прогнать на «кроликах»: посмотреть, все-ли формулировки понятны, какие ответы мы получаем, удовлетворяет-ли нас их качество и т.д. После пилотажа, и исправлений сценария, мы можем идти в массы и получать качественные инсайты.

Сразу скажу, что интервью можно проводить множеством способов: это могут быть хорошо спланированные методологически выверенные активности с чётким таймингом, а могут быть спонтанные разговоры возле кулера. Важно понимать цель (я почему-то не перестану это повторять).

Принимая во внимание мою цель, я вообще не делал ничего из вышеизложенного. Мне не нужно было готовить отчёт для стейкхолдеров, убеждать их в чём-то, ведь я был сам-себе заказчик и судья. Я не хотел публиковать статью в научном журнале, рецензируемом Высшей Аттестационной Комиссией, чтобы делать выводы о природе мотивов человека. Вся это методологическая точность была для меня не важна.

Что было действительно важно — это то, как люди воспринимают музыку, и что для них при этом важно. Потому я остановился только на этапе формирования списка гипотез, а дальше просто разговаривал с людьми в свободной форме, пытаясь подтвердить или опровергнуть их.

Всё оказалось совсем не так, как я предполагал. Сперва я решил сосредоточиться на написании великолепного текста и думал, что это основа любой композиции. Но оказалось всё наоборот. Всё тлен.

Текст не важен, его почти никто не слушает

Если вы всё ещё сомневаетесь в правильности данного инсайта, давайте проведём небольшой эксперимент. Всё, что вам нужно будет сделать — это достроить недостающую фразу.

You’re my heart, you’re my soul…

Явно не на такой результат рассчитывала группа Modern Talking. И подобные истории мне рассказывал практически каждый: как только не коверкали оригинальные припевы, казалось бы легендарных песен, а один человек, слушавший AC DC уже более 10 лет признался, что вообще редко понимает какое слово поёт Брайан Джонсон… но это не помешало ему наслаждаться их творчеством. Или буквально на днях, я увидел на улице мальчишку на велике с мобилкой в кармане из которой раздавался речитатив и что-то вроде «Я сегодня сдохну, ну и хорошо». Малец явно не депресовал, так что произведение явно не соответствовало его эмоциональному состоянию. Он просто слушал рэпчик не особо погружаясь в детали.

Но если всё тлен и текст не имеет значения, тогда зачем он нужен?

Текст важен для создания атмосферы

Если забыть на минутку о том, что текст несёт смысл, а рассмотреть его как выразительное средство, ноты для вокала, если хотите, то становится понятна его роль — создание атмосферы.

Будь то кричащий вокал солиста AC DC, или хрипящий тенор солиста Three Days Grace, именно текст задаёт размерности ритма, а как мы позже узнаем, и эмоциональную окраску песни.

Поиски смысла — это для экспертов

Ещё один интересный инсайт родился из интервью. И касался он ненормального распределения целевой аудитории. Видите-ли, при проектировании любого продукта существует правило ориентирования в основном на «средняков». То есть на тех пользователей, которые ориентируются в продукте и свободно пользуются его функциями без сторонней поддержки. Получается, что распределение пользователей имеет колоколообразный вид: новичков мало, так как они должны быстро переходить в средняков, обучаясь продукту, а профессионалов мало потому, как не всем нужны продвинутые возможности продукта, да и люди со временем могут просто отвалиться. Вот и получается, что основная масса располагается посередине.

Относительно нашей ситуации это не совсем верно. Возможно, из-за быстрого жизненного цикла песни, а возможно из-за того, что мы не привыкли воспринимать тексты на слух, а может из-за деградации смысла, но люди не успевают становиться середняками: они слушают на поверхностном уровне, и если их не цепляет общее композиционное решение, то просто забивают и песня для них «умирает». Те же, кто проходит на следующий уровень, тоже не вдумываются в смысл слов, они запоминают их путём механического повторения, даже неосознанно, просто слушая песню снова и снова. И только те, кто был силён или поспорил с другом что «так Rock the microphone, а не Ракамакафоу», вчитываются и воспринимают.

Но это не значит, что на смысл можно забить, истинные ценители всё-таки докопаются до него, главное не закапывайте слишком глубоко и не рассчитывайте, что его поймут все.

Важны только эмоции

И это, наверное, самый главный вывод за исследование. Как бы мне ни хотелось выявить какие-то закономерности, критерии успеха или хотя бы подсказки, как заставить волосы на руках шевелиться, всё сводиться к субъективным эмоциям. А из того, что я знаю об эмоциях… их можно моделировать.

Все эти выводы так или иначе были полезны при непосредственном дизайне, в чём мы и убедимся дальше. Но прежде чем мы двинемся дальше, пара слов об артефактах.

Артефакты не нужны

или даже положить в портфолио нечего

Во время проектирования любой системы, наступает момент консолидации, когда все инсайты, все выводы на основе данных, и даже порой непроверенные гипотезы нужно собрать в одном едином месте, чтобы в последующем, к ним можно было удобно обратиться и использовать в дальнейшей работе. Так например, все выводы о мотивах, целях, задачах, мотиваторах и рисках нашей целевой аудитории, могут собраться в архетип пользователя, или персону.

И многие, увидев подзаголовок скажут: «Возьми свои слова назад! Ты наглый выскочка! Артефакты нужны всегда!» Но только не в моём случае. Не буду сейчас открывать холивар зачем в принципе нужны артефакты, в каком виде, как их дальше использовать я не буду рассказывать. Скажу только, что эти инструменты в моём контексте принесли бы мне больше затрат, чем пользы. Было несколько причин побороть соблазн создания чего-то подобного:

1. я работал один, и мне ни с кем не нужно было делиться,
2. мне никого не нужно было убеждать,
3. я не собирался растягивать работу надолго,
4. я бы и не смог выложить работу на Dribbble.

В общем остался я без лайков, зато с пониманием того, что и как мне делать дальше.

Design

или настало время поработать головой

Ну вот, наконец-то, говорильня закончилась. Я больше не могу терпеть. Открывай Sketch. А нет, погодите. Какой Sketch, я же ещё даже ничего не спрототипировал. А ведь обычно именно с этого и начинается создание любого решения. С создания чего-то грубого и планомерного приближения к результату с тестированием и уточнением.

Я уже писал ранее о прототипировании и его связи с исследованием, но не лишним будет немного освежить в память этот процесс. В моей обыденности, мы начинаем ещё с этапа исследования: некоторые артефакты, которые мы создаём в процессе уже можно назвать прототипами. Например, User Journey Map. Эта карта описывает путь пользователя к цели, разбитый по шагам. Причём, каждый шаг рассмотрен с разных сторон: канал коммуникации, контекст, совершаемые действия, эмоциональное состояние, проблемы, идеи и т.д. По сути, это детальное описание процесса, который нам необходимо создать, а по сему, можно смело назвать его словарным прототипом.

Затем, слова ложатся на бумагу, приобретая визуальную форму. Потом переносятся в цифровую среду в виде ваерфреймов, а уже после уточняются в готовое визуальное решение. Затем уже можно вдохнуть в жизнь в ваши макетики используя анимацию и интерактив. Но с песней все иначе. Или нет?

Проектируя песню

или слепой художник

Стало понятно, что начинать нужно с прототипа, какого-то первого приближения к результату, но как к этому подступиться? Я понимал, что если просто написать текст, это все равно, что сразу броситься в визуальный дизайн. И тогда всё исследование, что я проводил, можно просто выбросить в унитаз и начать «стрелять во все стороны». А делать этого не хотелось, тем более, что я считаю это непростительным грехом дизайнера.

А если не знаешь, что делать — строй UJM. Этим я и занялся. Но вот в чём проблема, шагов, на которые я мог разделить путь слушателя было всего три: начал, слушал и закончил. Причём, на первый и последний я повлиять не мог, потому они только создавали массовку. Контекст тоже не подлежал определению, цель была всего одной, как и действия — слушать, ментальная модель здесь тоже не поможет… блин я всё вычеркнул, остался только параметр, в необходимости которого я всегда сомневался — эмоциональное состояние. Но случай был особенный.

Помните один из инсайтов интервью: важны только эмоции. А эмоции можно моделировать, важно только осознать, какого эффекта ты хочешь достигнуть. Потому, я решил создать эмоциональную карту.

Вопрос: какую часть песни вы ждёте больше всего? Скорее всего — это припев, он вызывает больше всего эмоций, ведь именно его орут, а текст куплетов просто бубнят, пока не наступит блаженное время вновь показать свой диапазон. То есть моя карта из прямой стала превращаться в кривую и картина начала проясняться. В итоге, когда я закончил, я получил что-то такое.

Почему такая рваная и неоднородная, спросите вы? А я отвечу песней. Шучу. Просто моделирование эмоций, как и визуальный дизайн, строится на контрасте. Разница только в том, что визуально вы управляете вниманием при помощи контраста цвета, формы, акцентов, стиля, а в музыке совсем другие выразительные средства: ритм, инструментальная согласованность, размерность и т.д. Но основной принцип остаётся прежним: вода течёт с горы в равнину.

Такая эмоциональная карта лишь помогает создавать такие контрасты. Если бы у нас здесь была прямая, то это был бы рэпчик.

Этот пример хорошо иллюстрирует карту, но вполне возможно, что всё изменилось с момента, когда перестал увлекаться речитативом

И да простят меня любители речитатива, но это так — контрастом их композиции не блещут, а потому очень похожи одна на одну, по крайней мере для новичков. В нашем случае, можно увидеть провалы и пики, причём одни усиливают другие. Например, если вы когда-то слышали песню Papa-roach «Born for greatness», или любую другую, где перед припевом есть небольшое затишье, то понимаете о чём речь.

Словно на слэме солист говорит всем успокоиться, присаживает рукой, чтобы потом взорвать зал прыжками и парой выбитых зубов — это усиление контраста.

Также, можно менять парадигму по ходу восприятия. Например, постепенно подключать инструменты, или первый куплет сделать акустическим, а следующий взорвать ударными и электрушкой. В общем, идеи у меня зароились.

Но помимо работы на локальном уровне, стало понятно, что нужно смотреть и выше, глубже и шире. Ведь эта карта, которую я создал может быть применима к песне любой темы и стиля. Нужно было создать согласованность, атмосферность, если хотите. Меня всегда поражали группы, которые исполняют глубокие песни под веселый мотив: как маленький Рик. В таких примерах отсутствует консистентность лейтмотива: музыка говорит одно, а текст совершенно другое.

Дабы избежать такой участи, к создании атмосферы нужно подключать не только инструментал, но ещё текст и вокал — всё должно быть согласованно, как в дизайн-системе: хочешь песню про несправедливость, изволь гневно отрубать рифы, агрессивно кричать и поднимать толпу на революцию.

Так я определил темы, которые вызывали у меня наибольший эмоциональный отклик на тот момент и решил использовать их, как основу. Но тут я вспомнил инсайт о том, что текст никто, кроме «экспертов» не слышит…

Не беда, размышления о смысле я оставил тем, кто захочет вникнуть, а для большинства припал кое-что другое. То что новички не слышат текст, не значит, что они его не слушают. Я намекаю на несколько уровней восприятия, где на самом нижнем, не нужно инвестировать внимание, вникая в смысл слов — достаточно звуков.

Как собака, или лев, которые не умеют говорить, доносят до вас, что к ним лучше не подходить? Они рычат.

Одну из песен я захотел выполнить в агрессивном стиле, но вместе с замедленным темпом, резкими и обрывистыми рифами и дерзким вокалом можно было попробовать звуковое моделирование: употребление большого числа звуков «Р», для создания угрожающей атмосферы. Честно скажу, об этом приёме я узнал на уроках литературы ещё в школе, когда мы анализировали стихи какого-то автора. Вот они, пригодились знания.

Поработав с эмоциональной картой и созданием атмосферы и смысловой нагрузкой, я был готов представить свои наработки команде.

Местный Agile

или от слов к делу и обратно

Еслу вас сложилось впечатление, что после того, как я дописал последнюю строку, отослал ребятам и начал ждать, то вы заблуждаетесь. Начался итеративный процесс постоянной притирки — оркестровка и мастеринг.

Конечно, до дизайн-спринта, с его бэклогом и скрамами нам было далеко. И при этом, я не раз и не два забраковал результат, убеждая команду ещё немного доработать мастеринг или отбалансировать звук.

Удаленная работа давала о себе знать, тем более все держалось на нашей инициативе, потому я неделями чесался в ожидании апдейтов. Ну а когда я их все-таки получал, то часами тестировал в контексте: надевал наушники или включал в машине и прогонял снова и снова, проверяя, достигается-ли правильное эмоциональное состояние.

И так как процесс был довольно долгим, ребята втихомолку записывали песни с другими авторами. И мне даже было интересно сравнить результаты. Но об этом чуть позже.

Deliver

или письмо без конверта

Знаете, я думаю мы все уже слегка подустали: вы читать, а я писать. Я заметил, как мои главы стали короче, в сравнении с первой. Да и по статистике, людям не очень нравятся лонгриды, ибо больше 15 минут они держать внимание не могут.

Также, я думаю, устают и дизайнеры в конце проектов. Сильно затягивая фазу design, они уже не могут дождаться момента, когда свалят… камень с души. Посему, халатно относятся к завершающей фазе — delivery.

А ведь именно на ней решается, как ваш труд будет доставлен до пользователя или потребителя. Мало создать что-то хорошее, нужно ещё и рассказать об этом и помочь людям начать этим пользоваться как можно проще.

Но так как моей целью не стояло делать из нас группу тысячелетия, на фазу можно было попросту забить, чего я не сделал. Мне хотелось, чтобы песни действительно объединились в альбом, хотелось показать, что их делали интересные люди, хотелось приложить ещё немного усилий для этого.

А усилия вылились в нейминг и создание нашего персонального символа. Имя наш проект взял «My favorite story», а лого представляет собой лигатуру букв «f» и «s». Таким образом я хотел намекнуть на «книжность» рассказываемых нами историй, которые заставляют задуматься. Тот же мотив нашёл отражение в обложке нашего альбома.

Все эти мелочи, хотя я потратил изрядно времени и на них, не служили прямой цели, но косвенно создавали атмосферу и помогали узнавать наши трэки среди No name. Последнее же, сродни уменьшению когнитивной нагрузки.

А по хорошему

или чего мы не сделали

То, что я сделал на фазе Delivery — это капля в море. Вспомнив практики из анализа домена, на которые я не обращал внимание за ненадобностью, можно назвать ещё много вещей, которые могли быть выполнены:

• Консистентность стиля или общая тема альбома. Можно было рассмотреть альбом, как дизайн-систему и выбирать песни под определенную тему, как это делали 30 seconds to mars или Linkin Park в последних альбомах.
• Расположение песен в альбоме тоже имеет значение. Можно было расставить песни в историю, а также использовать мотиваторы. Например, Pop evil, в конце своего альбома поставила песню Revine, как бы намекая послушать альбом ещё раз. А Papa Roach в «Who do you trust» в начале и в конце альбома поставили песни с очень похожими мелодиями, чтобы сгладить переход при зацикливании.
• Дополнительная атмосферность короткими перебивками, типа Intro или Outro. Так Shinedown в последнем альбоме Attention! используя только звуки помогает нам погрузиться в атмосферу андеграундного концерта, передавая даже волнение солиста.
• Рассказ о том, как создавался альбом и зачем. Именно благодаря этому пункту я впервые узнал о новом альбоме Foo fighters — они сняли и озвучили шедевральный ролик о том, как они работали, что вкладывали в песни и открыли несколько секретов (типа что Justin Timberlake поёт «А-а-а» в одной из песен). Это прибавило желания вслушиваться в смысл слов. Также, Shinedown проводили acoustic evenings, где играли и рассказывали о песнях и смысле в них.

Подводя итог фазы Delivery — почти ничего сделано не было, хотя это и не было нашей целью.

Заключение

или finita la comedia

От себя скажу, что по завершению проекта я все ещё собираю данные для оценки KPI.

Крипово, но как есть

Спустя почти год, в моей машине все ещё играет результат нашего труда, волосики встают дыбом, особенно от последней песни, а попутчики не верят, когда я говорю, что трэки создали мы:

В общем, свои самые субъективные нерациональные и безумные цели я выполнил. Если сравнить относительно них другие треки, записанные ребятами без моего участия, мне они откликаются меньше. Может потому, что я не приложил к ним руку? Но я и не претендую на объективность.

Да и дальше дело не пошло.

Наверное, потому, что мы объективно оцениваем свои силы на рынке отечественного шоу-бизнеса, да и мороки много.

Возвращаясь к практической стороне вопроса: я думаю, что описанный подход будет для вас бесполезен в том виде, в котором я его предоставил. Отчасти потому, что это очень редкий и специфичный случай, а с другой — вряд ли кто-то будет ещё настолько безумен, чтобы проводить все эти активности и платить за них.

И несмотря на этот факт, вы можете применить методологию ещё куда-нибудь, просто понимая как.

Создавая что-то новое

1. Изучите домен
2. Выстройте свою стратегию
3. Стройте гипотезы и подтверждайте их
4. Помните про особенности домена
5. Проектируйте итеративно
6. Проверяйте всё, что делаете
7. Помните о том, как ваше решение будет доставлено

Прежде чем ругать инструменты, лучше подумать над тем, правильно-ли вы их используете. В большинстве своём без них можно обойтись только если вы собаку съели на подобного рода вещах, но если перед вами стоит абсолютно непонятная задача и вы не знаете, как к ней подступиться, тогда самое время расчехлять наш дизайн-процесс.

Спасибо, что дочитали этот огромный лонг-рид. Я очень ценю ваше внимание и хочу пожелать вам всего самого наилучшего: счастья, здоровья и корабль любви!

Список рекомендованной литературы

1. Остин Клеон — Кради как художник;
2. Джона Лерер — Как мы принимаем решения;
3. Рене Моборн — Стратегия голубого океана;
4. Лекция Тамары Кулинкович;
5. Лекция Эркена Кагарова.

Благодарности: Никита, Федя, Макс, Антон — от души.

Напомню, что у меня есть канальчик в телеге, на котором я делюсь всякими интересностями и своим мнением о них. Только контент, хоть и не регулярный :)

Буду рад, если похлопаете, поделитесь или выскажите своё мнение в комментах. Ещё раз, спасибо.