Há mulheres que nascem com destinos condenados, por consequência de uma execrável tradição que assombram-nas há séculos.

A mutilação genital feminina (MGF), consubstancia uma realidade catastrófica para cerca de 200 milhões de meninas e mulheres que vivem hoje, de acordo com a Organização das Nações Unidas (ONU).

O procedimento consiste na remoção ritualista de parte ou de todos os órgãos genitais externos, com higiene absolutamente precária, nenhum tipo de analgesia, sendo que a talhadora (nome dado a executora da mutilação), utiliza o mesmo material — lâmina de gilete ou faca cortante — para todas as jovens presentes à cerimônia. Atentem para os riscos enormes, muitas vezes graves, tais como: hemorragias, contaminações, infecções, etc.

Existem quatro tipos de mutilação, o primeiro chamado de clitoridectomia, que significa a remoção parcial ou total do clitóris e da pele no seu entorno. Já o método conhecido como excisão, traduz a remoção parcial ou total do clitóris e dos pequenos lábios. O terceiro procedimento chama-se infibulação, onde há corte ou reposicionamento dos grandes e pequenos lábios que incluem uma costura, ficando apenas pequena abertura para passagem do fluxo menstrual e urina. O último caso de mutilação, abarca um leque de métodos como perfuração, incisão, raspagem e cauterização do clitóris ou de toda área genital externa.

As vítimas da tradição não têm escolha ou domínio de seus próprios corpos, sendo destinadas a um procedimento cruel e invasivo, que aniquilam seus direitos e deixam marcas nocivas pelo resto de suas vidas.

A tortura já se manifesta momentos antes do processo acontecer, como conta a jovem Christiana ao reportar sua experiência com a MGF, realizada aos 16 anos de idade na Serra Leoa. Christiana concedeu uma entrevista para o Plan Internacional Brasil, uma organização não-governamental com foco na promoção de igualdade de gênero, onde revelou: “Quando cheguei lá estava com tanto medo! Eu quase desmaiei durante o processo. Foi realmente muito doloroso, por isso tive tanto medo”.

Uma vez concretizada a mutilação, estaremos lamentavelmente, diante de uma irreversibilidade. Trata-se, como já relatado, de procedimentos extremamente dolorosos, com resultados nefastos à saúde física e mental dessas jovens. Não bastassem a dor aguda lancinante do corte e a exposição à riscos, já citados, muitas vezes fatais, vale lembrar de sequelas importantes no campo da sexualidade: dispareunia, diminuição ou perda da libido, anorgasmia e infertilidade; além de outros sintomas não menos importantes, tais como: dor crônica em órgãos genitais, dismenorreia (sinais e sintomas desconfortantes ligados a menstruação), distúrbios miccionais e evacuatórios.

No tocante a complicações psicológicas, também há gravidade, com expressão em doenças tais como depressão, estresse pós-traumático, desordens mentais, ansiedades semelhantes àquelas sofridas pelas jovens que foram abusadas sexualmente e até mesmo o suicídio, segundo a médica Elise Johansen do departamento de Saúde Reprodutiva da Organização Mundial.

Para acrescentar à extensa lista de riscos à saúde, é importante ressaltar também a possibilidade trágica de contaminação com o vírus HIV/AIDS.

Zara, de origem asiática, ao ser entrevistada pela Euronews, estação televisiva pan-europeia, também conta como foi sua experiência com a brutal tradição: “A ideia do meu pai era casar-me através do skype e me mutilar antes ou logo a seguir do casamento, antes de qualquer contato sexual com meu marido. Disseram-me que teria que fazer ou não era uma boa muçulmana e que podia cheirar a urina”. Após ser submetida aos procedimentos da MGF, Zara completa: “houve dias em que pensei em acabar com a minha vida”.

No Quênia, Bishar afirma em entrevista á BBC, que a mutilação genital feminina foi feita nela ao lado de outras quatro garotas e completou que o procedimento é trágico.

“Depois de alguns minutos, comecei a sentir uma dor aguda. Gritei, gritei, mas ninguém podia me ouvir. Tentei me soltar, mas meu corpo estava preso.”

Bishar também revelou que: “É um dos tipos de procedimentos médicos mais severos, e não há higiene. Eles usam o mesmo instrumento cortante em todas as garotas.”

A Organização Mundial da Saúde estima que 10% das mulheres vítimas da MGF morrem de complicações agudas e 25% mais tardiamente. A Organização também constata, que se os casos continuarem com a frequência atual nos países nos quais a prática prevalece, até 2030 haverá um número de até 68 milhões de mulheres mutiladas.

Estima-se que a mutilação genital feminina esteja concentrada em 30 países da África e do Oriente Médio e ocorra também em alguns países da América Latina. É frequente em comunidades de imigrantes, que vivem no Leste Europeu, na América do Norte, na Austrália e na Nova Zelândia, afirma a ONU.

Rituais alternativos e ativismo

Grande parte das razões apontadas para a eventual prática de mutilação, passa por aceitação social, religião, desinformação sobre higiene, um modo de “preservar a virgindade”, tornar a mulher “casável”, ampliação do prazer masculino e algumas comunidades dizem que ao retirar o “músculo do clitóris”, as mulheres teriam menos chance de trair seus maridos.

Há culturas que acreditam que o ato levaria à pureza sexual. Existem também grupos que qualificam a tradição como uma passagem de menina para a vida adulta. Cada país possui sua particularidade.

Com o enfoque em manter a tradição em alguns países, como no Quênia, a organização não-governamental “Amref Health Africa”, propôs um ritual em que haveria tão somente uma simulação da MGF e assim, contribuindo para a permanência da tradição, porém com ausência de qualquer ato invasivo. Há comunidades em que as cerimônias da mutilação genital incluem danças e diferentes celebrações culturais.

No decorrer dos anos, a MGF foi considerada ilegal em muitos dos países que tinham a prática como tradição. Embora proibida, a mutilação resiste culturalmente em muitas comunidades e ainda é adotada em larga escala.

Desde a década de 1970, existem esforços internacionais para abolir essa prática, mas o controle de fiscalização é muito difícil. Segundo a jurista britânica Charlotte Proudman, tal conduta tem crescido em bebês e crianças e é praticamente impossível de ser detectada, já que as vítimas não estão nas escolas ou não têm idade suficiente para denunciar isso.

A luta contra a MGF, ganha cada vez mais notoriedade pelo mundo. Muitas instituições como o Fundo das Nações para a Infância (Unicef), ONU e Fundo de População das Nações Unidas (UNFPA) estão à frente no combate a tradição tão cruel e instigam jovens a se juntarem ao ativismo. Foram criados também coletivos e projetos nos países em que a prática ainda persiste, como “Girl Power” na Serra Leoa.

O dia 6 de fevereiro, constitui símbolo de resistência e esperança para a luta anti-MGF. Criado pela ONU, o Dia Internacional contra a Mutilação Genital Feminina, vem para lembrarmos sobre o fato alarmante da prática e espalhar o posicionamento contra a mutilação genital pelo mundo.

Dentre as diversas lembranças que o isolamento social me deixou, a mais expressiva foi o simples e mágico ato de valorizar o tempo. Antes da quarentena, vivia uma rotina corrida e não me era permitido sentir muitas coisas, que com frequência passavam despercebidas. Ao ficar tanto tempo dentro de casa, aprendi a apreciar os mais simples prazeres da vida.

Há anos eu não sentava próximo à janela para observar o amanhecer, o céu, o sol, o entardecer e a lua, por mais deslumbrantes que estivessem. Mal me lembro da última vez que desfrutei do delicioso aroma do café das manhãs. Ter a sensação de ter feito algo novo e ver mudança nas chamadas rotinas corriqueiras. Sentar-me junto à minha família e ter longas conversas, ler um livro muito envolvente e, enfim, sentir o sabor de sensações tão sublimes.

As pequenas conquistas, por mais simples que sejam, tornam-se mais poderosas em tempos como este. É extremamente gratificante poder listar todas as coisas boas que acontecem nos meus dias. Refleti que esse conjunto de apreciações são a base para o meu bem estar. Não é sem razão que dizem “a vida é um sopro”, pois passamos rápido demais pela espiral do tempo e , portanto, temos que aproveitar ao máximo os mais singelos momentos da vida.

Ao dar o devido valor ao tempo, pude também usufruí-lo de maneira a alcançar um autoconhecimento bem significativo. Por tirar o pé do acelerador, consegui encontrar um instante para focar em mim com mais profundidade. Percebi que não adianta terceirizar as minhas responsabilidades e adaptar-me à realidade. Reclamar não adianta nada, então, fazer desse período o mais proveitoso possível já é um grande passo.

Ha sim dias infelizes, que caminham junto a saudades, angústias, inseguranças e cobrança pesada em ser produtiva, principalmente nas aulas. Embora seja um cenário catastrófico, tento vivenciá-lo da forma mais compreensível e positiva possível.

Não se pode pensar que se trata de um episódio positivo, muito pelo contrário, encontramo-nos em meio à crise mundial, que infelizmente tem deixado um número incontável de mortes. Considero-me privilegiada, pois existe uma parcela significativa da população que é muito mais vulnerável a essa pandemia. Só de pensar nas condições em que algumas pessoas estão vivendo, é inevitável a minha enorme tristeza.

O terrível inimigo invisível tem deixado muita dor ao redor do mundo, com mortes, crises financeiras com desemprego em massa e, portanto, abalando de maneira trágica a economia mundial pelos próximos anos. Mas para mim, Ana Luiza, deixa o valor do tempo.

O grupo teatral “Satyros” trouxe vida e cultura para as ruas do centro de São Paulo, mais especificamente para a praça Roosevelt. Fundado em 1989, o local deu palco para diversos espetáculos, um deles foi a montagem “Sades ou Noites com os Professores Imorais”, que levou a companhia a um reconhecimento nacional mais expressivo.

O teatro surgiu em um momento singular no Brasil, após a ditadura militar, na qual ocorriam frequentes censuras às mais variadas expressões culturais, assume a presidência da república José Sarney, em razão da morte de Tancredo Neves. Eram tempos delicados para a cultura, mas Satyros trouxe esperança.

O teatro mostra seu compromisso com a arte e apresenta uma nova forma de apreciá-la, desfrutando das plataformas online. Investe na busca de soluções criativas, explorando novos métodos performáticos.

“A Arte de Encarar o Medo” marca um avanço na pesquisa dos Satyros sobre teatro e tecnologias em geral. Tem sido uma descoberta estética e política de grande impacto para todo o coletivo dos Satyros. Uma porta de esperança teatral no meio da pandemia.”, conta o diretor e também roteirista, Rodolfo García Vázquez.

No próximo dia 13 de junho, às 21h, o excepcional Satyros irá estrear a temporada digital do espetáculo “A Arte de Encarar o Medo”, com o roteiro de Ivam Cabral e Rodolfo García Vázquez, e direção de Rodolfo García Vázquez.

O elenco traz 14 artistas veteranos na atuação, dentre eles a atriz sueca Ulrika Malmgren, que participará de todas as sessões a partir do seu próprio país; e o ator César Siqueira, que nunca teve um contato presencial com os demais atores, só os conhece virtualmente.

“A arte de Encarar o Medo” foi criada a partir de experiências e impressões da quarentena dos próprios artistas, em meio ao cenário caótico de crise política.

A obra apresentara um futuro distópico, em que as pessoas tentam construir histórias de uma vida anterior a pandemia. Após 5.555 dias em quarentena, isolados e angustiados, os personagens criam um grupo na internet para se conectar. Os amigos questionam como ainda há energia elétrica e acesso à web, porque as emissoras de televisão e os jornais deixaram de existir e as cidades foram abandonadas.

Perpassam também a solidão, a depressão, o medo do contágio, a angústia pela proximidade da morte e a decepção frente aos rotineiros ataques diários à democracia brasileira.

Ao longo de cada sessão, o público será convidado no chat da plataforma para que expressem seus maiores medos, e eles serão incorporados à cena nesta mesma apresentação, através das falas dos atores.

Certamente é uma proposta impressionante e muito criativa. Nos tempos vividos atualmente, a presença da arte se torna essencial. É magnífico desenvolverem uma peça na qual se pauta extremos de nossos longos e fatigantes dias de quarentena, principalmente quando há a interação com o público, possibilitando um contato mais próximo e realista com as angústias causadas pelo terrível inimigo invisível.

Samuel Beckett nunca decepciona e, desta vez, reafirmou seu insólito talento com a obra “Film”. Dono de uma impecável coletânea de feitos, o dramaturgo e escritor irlandês continua com sua particularidade de transmitir “uma mensagem” através de suas obras. Explorou seu primeiro, e único, trabalho como roteirista de forma admirável.

Com um teor expressivo e emotivo, “Film” impressiona por apresentar uma dualidade e metalinguística com os personagens, a grande relevância da câmera e o modo de filmagem. Beckett e Alan Schneider ,como diretor, dão ao personagem uma câmera objetiva.

Do início até o final, a obra apresenta um homem se esquivando de olhares, que o observam por onde passa. Sempre que cruza com alguém, esconde seu rosto, pois não quer ser visto, nem mesmo pela própria câmera que o persegue. Os personagens que olham para o protagonista se espantam e deixa o intrigante questionamento “do que ele está fugindo?”.

Algo interessante e que choca os espectadores, são os momentos finais do curta. O personagem se acomoda em um apartamento, após se livrar de todos os olhares, inclusive dos animais, e começa a ver uma sequência de fotos que vão desde a sua infância até a idade adulta. Ele se sente ameaçado pelo seu passado e pelo reconhecimento de si mesmo revelado nas imagens. Essas fotos parecem sustentar sua identidade. Somente nos últimos segundos, com um close-up, vê-se o rosto do personagem que se apresenta com um tapa-olho e uma expressão que realça a mesma reação de horror de todos que o olharam até então.

“Film”, assim como outras peças de teatro e televisão do autor, é dividido em três partes que se interrelacionam. A primeira e a segunda parte ocorrem, respectivamente, na rua e em uma escada, mostrando o ponto de vista do homem, enquanto a última acontece em um quarto e intercala a percepção do homem com a da câmera. O próprio personagem nota que, por mais que possa fugir de todos, não consegue fugir de si mesmo.

O filme, com duração de vinte e dois minutos, não possui áudio, somente o som “sssh!” na primeira parte. O protagonista é dividido em dois: o “homem” e a câmera-olho, surgindo assim a identificação de um personagem duplo, demonstrando a tal dualidade.

Além dos aspectos expressivos o curta metragem possui características e discursos extremamente relevantes para o estudo do fenômeno cinematográfico. As técnicas que foram escolhidas, como os tremores das filmagens e os bruscos raccords, causam um efeito de concordância entre os espectadores e o personagem.

Em resumo, a questão de ver e ser visto é recorrente na obra, pois os personagens estão sempre lidando com a percepção do outro e a “insuportável” percepção de si mesmo. A dualidade do personagem é trabalhada de forma simbólica e muito bem pensada. Como de costume, Beckett conseguiu retratar emoções estéticas e reflexões sobre a identidade, a representação, a arte e o cinema.

Abram alas para J. Cole, rapper e produtor contemporâneo que conquistou uma geração.

Como o cantor mesmo diz “1985 I arrived”, e chegou para fazer história. Jermaine Lamarr Cole nasceu em Frankfurt, na Alemanha. Aos 8 meses de idade mudou-se para Fayetteville na Carolina do Norte. Foi criado por sua mãe, tia e primo, pois seu pai deixou a família quando Cole ainda era jovem.

Com a autoral de sucesso, “4 your eyez only” (2014), Cole marcou seu estilo e deixou claro que não precisava se render às tendências musicais da época. Na obra, o artista oferece tocantes narrativas em busca de uma vida simples. São nove minutos em que narra seu passado violento, alguns de seus conflitos e indignações. Evoca um recado para sua filha e questiona “for your eyez do you understand me (Para seus olhos, você me entende?)

Dos seus trabalhos mais marcantes, o álbum KOD (2018), entrou em cena para reafirmar a independência do artista e ressaltar sua particularidade no rap atual. Jermaine destaca-se por sua resistência inabalável às obviedades do Trap e do Rap americanos: o desejo de poder, a violência, o dinheiro e, enfim, a ostentação, de um modo geral, estão longe de ser objetivos do artista.

KOD traz a sigla com três possíveis significados: Kids On Drugs (“Crianças drogadas”), King Overdosed (“Rei Overdose”) ou Kill Our Demons (“Matando nossos demônios”). Estes três nomes representam os conceitos principais apresentados por Cole ao longo do álbum.

A peça foi majoritariamente produzida pelo próprio artista, junto a alguns nomes como Mark Pelli, do Magic!, e T-Minus, famoso produtor canadense que já trabalhou com Drake e Kendrick Lamar.

Em termos de produção, o álbum foi elaborado por bases bem simples, com o maior foco na narrativa dos vocais. Cole deixa claro suas escolhas na construção de seu som, quando utiliza tonalidades mais dramáticas e sofridas, que combinam perfeitamente com as melodias.

A capa diz muito sobre o conceito e estética do disco. Nela, o próprio Cole é representado como o personagem “King Overdoz” e, sob seu manto, estão crianças usando drogas. Toda esta construção espelha a “grande mensagem” do disco, mostrando como uma sociedade é levada a glorificação das drogas, do dinheiro e a trágica influência desses fatos nos jovens e crianças.

Embora de modesta produção, seus versos nos permitem diversas reflexões. O rapper expressa críticas sociais, situação dos negros norte americanos, problemas com drogas, dores e autodestruição.

Ele se engaja ao falar sobre o cotidiano caótico na vida como vendedor de drogas, no qual descreve o fato de amigos serem hospitalizados, e a visão fatídica de uma primeira morte precoce. Explica a tentativa de sanar a dor com drogas e como sua vida era uma busca enlouquecida por dinheiro e ostentação.

O também conhecido como “Therapist King Cole”, aborda com frequência a questão da droga em sua vida e na sociedade. Ao contar sobre suas frustrações, no decorrer do disco, revela como sentia-se bem, aliviado pelas substâncias que ingeria. Na introdução do álbum, diz que “Há muitas maneiras de lidar com a dor: escolha sabiamente.”

O pessimismo se agrava em KOD, na medida que aborda problemas familiares, em grande parte por desentendimentos entre sua mãe e padrasto, e os eventuais impactos na vida do cantor. Também faz referências às suas amizades, onde o lamentável cenário de vícios e falsidades deixaram, por via de consequência, marcas profundas no jovem Cole.

Outro marco é sua crítica contundente ao nefasto racismo nos EUA, frente a triste realidade das vidas negras no país. Na música “Friends” retrata, em grande parte, o motivo dos jovens negros se drogarem tanto, seguramente em razão dos traumas vivenciados.

Como Cole recusa a curvar-se ao que é comum e mais usado no hip-hop atual, trilha o caminho em busca de identidade própria em seu trabalho. É uma aposta ousada, mas confiante. No entanto, é possível que alguns ouvintes mais apressados achem o álbum fraco e repetitivo, principalmente se não procurarem se inteirar do seu conceito. Muitos críticos dizem que peca um bocado em sua produção e deixa a desejar nas rimas de suas faixas.

Em resumo, eu diria que KOD seja, por certo, um dos melhores álbuns do hip-hop contemporâneo. O musico toca o coração do seu público por desenvolver letras tão intensas e expressivas, com aspectos pessoais e sociais, “King Cole” se superou.

Dono de uma prolífica carreira, o ator, produtor, roteirista e diretor Flávio Migliaccio fez história no cenário artístico e ideológico brasileiro.

Nascido no ano de 1934 em São Paulo, no bairro do Brás, Flávio iniciou sua trajetória atuando em peças amadoras em um teatro na periferia de sua cidade e logo após nos palcos de uma igreja. Como na época necessitava de dinheiro optou também por outras ocupações, trabalhou como balconista e mecânico.

Com o passar dos anos, o ator se especializou cada vez mais na dramaturgia, estudou teatro e deu um grande salto na sua carreira.

Teve seu primeira atuação profissional como um cadáver, na peça “Julgue você”, no recém-criado Teatro de Arena, pouco antes do período de ditadura militar. Lá atuou em clássicos da dramaturgia brasileira como “A revolução na América do Sul”, de Augusto Boal.

Aos 25 anos, estreou no filme “O Grande Momento”, de Roberto Santos que, por sua vez, foi um grande sucesso. O ator passeou por dramas, comédias e até interpretou papéis estrangeiros.

Destacou-se na série “Shazan, Xerife e Cia”, uma das mais populares dos anos 70 na TV Globo. Divertiu muitos lares ao viver o personagem de um mecânico atrapalhado e bem-humorado.

Participou, em 2009, da novela “Caminho das índias”, muito conhecida entre os telespectadores da Rede Globo. Na telenovela deu vida ao simpático “Tio Karan”, um dos muitos integrantes da família de indianos.

Migliaccio também ficou conhecido como o cômico “Seu Chalita”, na serie humorística “Tapas e Beijos”, de 2011 até 2015. Interpretou o mal-humorado dono de uma lanchonete árabe.

Em sua fase popular Flávio explorou seu talento como roteirista e produtor na obra “Aventuras com Tio Maneco”, em 1971, uma de suas maiores produções. O filme foi vendido para mais de 30 países e se tornou um fenômeno com o público infantil.

Dirigiu também “Os Trapalhões na Terra dos Monstros”, em 1989. O filme foi uma das maiores bilheterias daquele ano, no qual levou 3,2 milhões de espectadores aos cinemas.

Junto com sucesso cinematográfico, o ator recebeu recompensas e indicações por sua renomada carreira. Em 2019, ganhou o prêmio de melhor ator de televisão pela Associação Paulista dos Críticos de Arte, por sua interpretação do personagem Mamede Al Aud em “Órfão das terras”, da Rede Globo.

Conquistou também o prêmio FITA de melhor ator e espetáculo por “Confissões de um senhor de idade”. Em sua premiação subiu ao palco do Arte Sesc Flamengo e surpreendeu a todos quando recebeu o prêmio de pijama, destacando sua divertida personalidade.

Apesar de ter trabalhado como roteirista, diretor e produtor, deixou seu legado mais expressivo como ator. Flávio Migliaccio foi peça-chave para dar voz à dramaturgia escrita no País.

O ator ficou marcado por navegar entre linguagens e públicos distintos. Sua maior contribuição foi a diversidade de personagens, construídos com cuidado, estudo e pesquisa. Desenvolveu propostas estéticas diversas, que revolucionou o cenário artístico brasileiro.

Tendo deixado a vida terrena em 4 de maio (2020), sinônimo de referência para muitos artistas e querido por uma longa lista de fãs, sua falta de Migliaccio será muito sentida.