Mickey’s Parade of Villains: a “queerificação” dos vilões da Disney
Resumo: O trabalho propõe fazer um mapeamento dos elementos queer na construção dos vilões Ursula, Scar e Governador Rattcliff, com enfoque em seus números musicais em cada filme em que estes são as/os antagonistas. E, a partir desse mapeamento, questionar a presença desses elementos como componentes da vilania, em contraponto à heteronormatividade do “felizes para sempre”.
Desde o amadurecimento do seu papel para com a indústria cultural, produções audiovisuais são manifestações artísticas com a capacidade não só de emocionar e entreter seu público, mas de difundir concepções e valores do grupo proponente. No caso das animações infantis, esse caráter difusor ganha ainda mais importância a partir do reconhecimento de seu potencial educativo não-formal, apresentando ao público ‘família’ (principalmente crianças) discursos ideológicos e padrões de comportamento no que diz respeito à normatividade social.
Dentro desse cenário, a Walt Disney Studios se fundamentou como símbolo do conteúdo cinematográfico infantil, por seus longas e desenhos, assistidos no mundo inteiro. Fundada em 1923, a bilionária empresa merece destaque no que diz respeito ao seu poder enquanto instituição na mercantilização da cultura, além de formadora de opinião, reprodutora em massa de valores e visões de mundo através de suas narrativas. No panorama da cultura midiática, os filmes da Disney educam e moldam a forma com que seu público infantil concebe suas identidades, moral e valores. Entretanto, seu discurso ideológico é disfarçado pela imagem mágica e inocente, encantada e lúdica do “lugar mais feliz do mundo”.
No que diz respeito à formação ideológica quanto questões de gênero e sexualidade, o que se vê é mais do mesmo. As animações dos estúdios Disney reforçam um sistema heteronormativo, através de duas vias principais. A primeira, a construção de um padrão ideal do “felizes para sempre”, fazendo com que sejam comuns filmes centrados na busca pelo amor (branco, heterossexual, classicista) verdadeiro. São protagonizadas pelos heróis e heroínas das narrativas, cujas características físicas e comportamentais denotam performances de gênero claras, quase estereótipos, do que seria a feminilidade ou masculinidade. Em contraponto, temos a segunda via: a associação de características desviantes, fora do padrão tradicional, como identidades de gênero complexificadas aos antagonistas. E é sobre essa caracterização que esse trabalho se propõe a atentar, a partir da análise de como três clássicos vilões do universo Disney — Scar, Governador Ratcliffe e Úrsula — são construídos, principalmente em seus números musicais.
Quanto à questão da vilania em si, algumas considerações hão de ser feitas. Primeiramente, vale ressaltar que tratam-se de personagens que compõem a chamada Era da Renascença dos estúdios Disney. Iniciada pelo lançamento do longa “A Pequena Sereia” (Ron Clements e John Musker, 1989), a fase é marcada por refletir mudanças sociais que aconteceram na época, de modo que temas como multiculturalismo e a figura da mulher na sociedade tiveram maior visibilidade. Nesse período, destaca-se a construção de vilões mais complexificados, que vão além do binarismo bom/mau, que também permitem discussões quanto a questões como gênero e sexualidade (permitindo leituras queer) e que, apesar de aparecerem como antagonistas, representam minorias sociais. De modo que o embate entre a heterossexualidade normatizada dos protagonistas e a codificação desviante do antagonista ganham uma maior centralidade quando discutidas.
Segundo Sean Griffin, em seu artigo Pronoun Trouble, the queerness of animation: “Animação, uma forma de arte geralmente concebida para crianças, sempre teve um histórico de queerness.” Griffin defende que “o objetivo em se usar o termo queer é desafiar e subverter a presumida ordem natural da heterossexualidade”. Um exemplo dado pelo autor é a questão da neutralidade de gênero encontrada nas animações, como animais que nunca são vistos com os órgãos sexuais aparentes e que, “(…) sem esses significantes, os desenhos dependem das vozes e roupas para designar gênero (e também tornam possível negar a existência de qualquer sexualidade).” O autor defende que a presença dos elementos queer enquanto característica das animações visa romper barreiras heteronormativas estabelecidas pelas próprias narrativas.
Muito associado à questão ‘queer’ está o conceito de Camp. De difícil definição, o termo designaria uma sensibilidade estética, uma preferência pelo ostensivo, exagerado, artificial e esotérico. Sua associação ao queer está justamente na concepção como característica dos homossexuais, sua forma de ver o mundo em recusa a uma normalização visual e a um silenciamento através da extravagância. O estilo camp como “sensibilidade gay” está presente em muitos produtos culturais, inclusive nas animações da Disney, marcando uma crítica à narrativa heteronormativa, de modo que sua forma se opõe ao conteúdo. A partir da identificação de elementos camp e sua leitura queer que serão feitas as análises dos vilões a seguir.
Governador Ratcliffe
Pocahontas (Eric Goldberg e Mike Gabriel, 1995) conta a história da filha do chefe de uma tribo americana na época das navegações, quando embarcações inglesas chegam à sua terra, chamada “Novo Mundo”, para explorá-la atrás de ouro e outras preciosidades. Pocahontas e John Smith, um dos exploradores, se apaixonam e, quando o conflito entre seus povos parece insustentável, cabe ao seu amor restaurar a paz. Na animação, a figura do vilão é representada pelo personagem Governador Ratcliffe, sobre o qual apontamentos podem ser feitos quanto sua construção como personagem queer.
Como muitos vilões, Ratcliffe é apresentado como ganancioso, com fome de poder, cruel e manipulador. Tem muito apreço pela luxúria, mostrada em seus aposentos e vestimentas em uma paleta de cores costumeiramente lidas como femininas. Há também traços de sua aparência física, por exemplo, como a sugestão do uso de cosméticos, pelos cílios alongados, sobrancelhas arqueadas e pálpebras arroxeadas, o cabelo arrumado em duas tranças, seu físico diferenciado, com um peito volumoso e cintura fina, formando uma silhueta quase feminina.
Em seu número musical, “Mine, mine, mine”, Ratcliffe canta para os exploradores da expedição, convencendo-os a trabalhar duro para achar o ouro e pedras preciosas para o reino inglês. O ganancioso personagem canta sobre todo o prestígio que vai receber quando retornar a Londres com muitas riquezas. Conforme o número evolui, vemos uma alucinação do vilão, em que ele é visto descendo uma longa escadaria coberta por um tapete vermelho, enquanto vários servos enfileirados seguram mastros com plumas. Ratcliffe aparece usando uma roupa igual à que usa na realidade, mas toda dourada e cintilante, enquanto canta os versos “Meus rivais lá em casa/ Não que eu seja amargo/ Mas pensem como vão se contorcer/ Enquanto eu cintilo”. Em seu ápice, o número é praticamente uma grande extravaganza imaginária, enquanto os mineiros escavam de maneira coreografada, em círculos, jogando terra para o alto e explodindo canhões como se fossem efeitos visuais. Em análise, o número é recheado de elementos camp, marcado principalmente pela extravagância e luxuosidade. Além do artifício da imaginação, são usados jogos de câmera que enfatizam as coreografias e elementos cênicos que corroboram para a ostentação do luxo.
Scar
O Rei Leão (Rob Minkoff e Roger Allers, 1994) conta a história de Simba, filho do rei Mufasa e herdeiro do reino dos animais. O antagonista da história, seu tio Scar, planeja uma emboscada para o pai e o filho, com o objetivo de se tornar rei. Scar é apresentado na trama como o anti-sujeito, figura de oposição à manutenção da ordem ‘natural’ da hereditariedade (heterossexual) da manutenção do trono. Em sua caracterização física, Scar é demarcadamente diferente dos outros leões, apresentando um rosto alongado e queixo pontiagudo, sua juba é de coloração escura, fluida e com muito movimento, além de também aparentar usar cosméticos. Sua estrutura corporal é magra, suas patas são muito gesticuladas e expressivas, com longas garras sempre aparentes. Além disso, destaca-se o fato de Scar ter sido criado por Andreas Deja, desenhista abertamente gay e admitia que sua sexualidade (lê-se sensibilidade) tinha influência em seu trabalho. Scar é um personagem irônico, teatral e debochado, relembrando características estereotípicas de gays “afeminados”.
Em “Be Prepared”, Scar compartilha com suas aliadas, as hienas, seu plano de matar Simba e Mufasa para se tornar o rei. No número musical, o vilão canta sobre uma “nova era” sob seu comando, fazendo promessas de melhorias para seus súditos, de maneira muito semelhante a líderes fascistas da história. De fato, o personagem aparece retratado de maneira tirânica, planejando um golpe para assumir o poder e dar voz aos que, em sua concepção, são os diferentes, excluídos no reino de Mufasa. Durante todo o número, podem ser vistos os citados trejeitos ‘afeminados’ do leão, que caminha de maneira sinuosa e articula muito as patas. Quanto aos elementos cênicos, destaca-se a paleta de cores obscuras, associadas à vilania. Enquanto um exército de hienas se forma e marcha sob seu comando, Scar é visto em cima de uma espécie de pedestal, com sua juba esvoaçante, cantando sobre seu poder e futuros triunfos: “Se preparem para o golpe do século/ Se preparem para a trama sombria/ Bem premeditada e bem calculada/ O rei rejeitado será coroado”.
Úrsula
A Pequena Sereia conta a história de Ariel, sereia filha do rei, que se apaixona por um humano, Príncipe Eric. Após ser repreendida pelo pai, a protagonista faz um acordo com Úrsula, a vilã da trama, em que abre mão da sua voz para poder tornar-se humana e encontrar seu amor. Úrsula é uma vilã gananciosa, que durante a trama procura atrapalhar o romance entre Ariel e Eric para conseguir dominar o oceano. A personagem, que é baseada na figura da drag queen Divine, apresenta características físicas de uma identidade de gênero claramente desviante. A bruxa do mar está longe do padrão de beleza da feminilidade, apresentada como uma figura obesa, de pele arroxeada, cabelos curtos e espetados, mandíbula larga, além da forte maquiagem, unhas longas, acessórios chamativos que dão um toque dramático e extravagante à personagem. Além disso, se na parte superior de seu corpo há uma figuração semelhante à feminina, na inferior são vistos apenas tentáculos, de modo que sua não há nenhum marcador do seu gênero de fato, lhe atribuindo um caráter ambíguo.
Em seu número, “Poor Unfortunate Souls”, a vilã tenta convencer Ariel a assinar seu contrato, enquanto ensina à sereia sobre como se portar enquanto humana feminina, os estereótipos da feminilidade hegemônica. O número é todo centrado na performance de Úrsula marcadamente teatral, destacada pelo seu gestual extravagante, que mistura uma feminilidade excessiva com uma agressividade vista como masculina, caracterizando toda a performance como um número drag. A vilã é performática, em muitas cenas se movimentando como se fizesse uma performance diretamente para o público do filme, e com suas magias, cria efeitos para o próprio número, na tentativa de atrair Ariel. Ainda, destaca-se que durante toda a canção, Úrsula parece estar ridicularizando o amor (heteronormativo) e principalmente as construções da performance da masculinidade e feminilidade.
Por fim, como procurei expor durante toda a análise, conclui-se que há uma tendência no uso da ‘queerificação’ dos vilões como artifício usado na definição e reforço de uma heteronormatividade social, representada pelo “Felizes Para Sempre”. A caracterização da vilania como desviante e transgressora, no que diz respeito a identidades de gênero e sexualidades normativas, faz com que esses aspectos sejam equivocadamente associados à crueldade, egoísmo, manipulação e tirania. Dessa maneira, o que é transmitido disfarçadamente pelo discurso tido inclusivo e mágico da Walt Disney Studios é a perpetuação de uma influência muito negativa para a sociedade, especialmente para o público infantil: a ideia de que não se limitar a binaridade dos papéis de gênero feminino e masculino, assim como apresentar identidades complexas ou ambíguas faz com que o “Felizes Para Sempre” não seja merecido.
Referências bibliográficas
GRIFFIN, Sean. Tinker Belles and Evil Queens: The Walt Disney Company from the Inside Out. New York: NYU Press, 2000.
BATCHELLOR, Jenna Lynette. Representations of Camp in Disney´s 101 Dalmatians and The Little Mermaid. Wilmington, University of North Carolina, 2009.
SANTOS, Caynãa de Camargo. O Vilão Desviante: Ideologia e Heteronormatividade em Filmes de Animação Longa-Metragem dos Estudos Disney. São Paulo, 2015.
OURRI, Angelica. The Construction of Evil — The evolution of Disney Villains from the Golden to the Revival Era (2017).
BALISCEI, João Paulo, Geiva Carolina Calsa e Vinicius Stein. “‘(In)Felizes Para Sempre?’ Imagens da Disney e a Manutenção da Heteronormatividade”. In: Bagoas, nº 14, 2016.
COKELY, Carrie L. “Someday my Prince Will Come”: Disney, Heterossexual Imaginary and Animated Film. In: INGRAHAM, Chris (ed.). Thinking Straight: The Power, Promise and Paradox of Heterossexuality. 2004.
LI-VOLLMER, Meredith, LAPOINTE, Mark E. “Gender Transgression and Villany in Animated Film”. Popular Communication: The International Journal of Media and Culture, v. 1, n. 2, pp. 89–109.
