Por qué la música electrónica francesa es tan buena
Hace unos días, leyendo un artículo del New York Times sobre la música del futuro, The Blaze son mencionados, además de unos números increíblemente altos para aun no figurar en el resto de la prensa. Un dúo francés de música electrónica, los que se enfocan en entregar material visual en conjunto a sus producciones.
Al salir de mi pieza, escucho a mi mamá preguntándome desde el patio: ‘’¿Son franceses?’’ Y me quedé atónito un momento. La mujer tiene un oído excelente cuando se trata de acentos pero no había voz, no al menos en el sentido tradicional. ¿Mi mamá ha escuchado más French Touch que yo? Lo dudo, he vivido toda mi vida junto a ella, lo sabría.
The Blaze suenan franceses. No es necesario ver sus increíbles videos para detectar el resabio que deja su música. Cada canción tiene un algo que los hace reconocibles, incluso para personas sin conocimiento previo. Algo que nunca se me había pasado por la cabeza, con excepción del sonido revival de bandas como Greta Van Fleet, Miles Kane o hasta cierto punto, el Emotion de Carly Rae Jepsen con el pop de los 80s, me costaba creer que algo tan extendido como la música electrónica podía ser aislado a un país en específico.
Así surgió la duda: Por qué Francia tiene tan buena música electrónica. No solamente The Blaze, los grandes exponentes son Air, Daft Punk y en menor medida, Justice, al menos en este lado del mundo. Breakbot y Brodinski también suenan fuerte en el underground, mientras que David Guetta y Madeon se han dedicado al mundo del EDM en su circuito de festivales.
Y creo que tengo una respuesta, bastante larga.
I. Una breve lección de historia
En 1968, el partido comunista y socialista de Francia decidieron formar una coalición para sacar a Charles de Gaulle de la presidencia. Ese mismo año, el 22 de marzo, 150 estudiantes ocuparon un edificio administrativo de la Universidad de Paris X Nanterre, en forma de protesta debido a varios arrestos realizados en una marcha contra la guerra de Vietnam dos días antes.
A comienzos de mayo, la Universidad de Nanterre fue cerrada posterior a marchas antiimperialista realizadas en las dependencias. El 3 de aquel mes, las protesta se movieron a la Soborna, dejando 574 personas arrestadas. Las protestas siguieron el 6 de mayo, para dar paso a una marcha multitudinaria de 30.000 estudiantes por los Campos Eliseos al día siguiente.
El 13 de mayo, los trabajadores de distintas fábricas se unieron a la lucha de los estudiantes, huelgas que no fueron llamadas directamente por los sindicatos, sino que los mismos trabajadores las mantuvieron; haciendo así el funcionamiento de Renault, Citröen, Sud Aviation y Dassault imposible. Para el 24 de mayo, ya sumaban 10 millones de trabajadores en huelga.
Entre las reformas ganadas se encontraba: 35% aumento del sueldo mínimo, 10% de aumento en el total de los sueldos y una jornada de 40 horas laborales. Todo después de casi llegar al punto de guerra civil.
Francia no es un país ajeno al influjo revolucionario, es el lugar de nacimiento de la democracia moderna. Madre patria de importantes filósofos modernos y contemporáneos; no le teme a la sangre y el caos. Tampoco le tiene miedo a romper con los paradigmas.
II. El padre del electro
Jean-Michel Jarre es sin lugar a dudas, el gran precursor de la música electrónica de consumo masivo. Sin desmerecer el aporte y herencia de Giorgio Moroder, sobre todo con I Feel Love junto a Donna Summer. Jarre publicó dos de los discos más relevantes de los 70’s para entender el funcionamiento, explosión y reconocimiento de la música electrónica en el mundo: Oxygene (1976) y Equinoxe (1978).
En una entrevista realizada por The Big Issue en 2018, el productor francés comenta cómo los años que lo formaron se encuentran precisamente en la revolución del 68. El movimiento lo llevó a revelarse contra el establishment musical del momento: The Beatles, Marvin Gaye, The Beach Boys, Elvis Presley. Comenzó a experimentar de forma reaccionaria al panorama musical de la época.
El control y dominio de la industria musical en aquel entonces, estaba llevado por artistas y sellos anglosajones. El espacio para otro tipo de música estaba delimitado a los instrumentos, el idioma y la presentación de esta misma en vivo.
Jarre rompió con el paradigma que había crecido expotencialmente durante mediados de los 70s, considerando el influjo de música disco y el inicio del hardcore como género en Estados Unidos e Inglaterra. Además del sonido, la presentación en vivo era un problema. Al ser solo una persona, en vez de una banda, tuvo que buscar un lenguaje nuevo para presentarle al mundo el sonido que tenía en mente: Proyecciones gigantes, diapositivas en edificios, tocar en exteriores con un público gigante, usar lasers y juegos de luces.
III. Segunda lección de historia (debería ser la primera)
Pierre Schaeffer tiene los créditos de haber creado el concepto de musique concrete. Luego de haberse recibido de L’Ecole Polytechnique en París, realizó un período de internado en la RTF (Radiodiffusion — Television Francaises), lo que lo llevó a tener un empleo a tiempo completo como ingeniero y locutor.
El término Musique Concrète proviene de la idea que la música, desde los conceptos y notación pasó a sonidos. Es decir, el paradigma musical clásico cambió de la abstracción del compositor a la recopilación de sonidos concretos, tanto de orígenes naturales como mecánicos.
Uno de los cambios más importantes llevados a cabo gracias al trabajo de Schaeffer, fue que el proceso de composición ya no estaba ligado directamente a la notación musical y la teoría; la música concreta solo puede existir en grabaciones, lo que implica una desaparición de músicos e instrumentos para ser presentadas en vivo.
En 1948, Schaeffer creó su primera composición oficial titulada ‘’Etude aux chemans de fer’’. Aunque más que una composición parece un ejercicio tímido, la relevancia de esta cobra sentido al tomar en cuenta lo que supuso en su momento: La composición musical fue lograda por medio del uso de tecnología, el trabajo podía ser reproducido sin límites, no necesitaba músicos y los elementos eran concretos.
Jarre en 2007 (según Fact Mag) dijo que: ‘’En los 40’s, Schaeffer inventó el sampler y el loop. Schaeffer fue quien experimentó distorsionando sonidos, tocándolos de atrás para delante, acelerándolos y ralentizándolos. Él fue quien inventó la forma en que la música se hace actualmente’’.
IV. French Touch
Durante los 90s, cuando Inglaterra en plena fiebre de raves y acid house, incluyendo la movida de Madchester, en Francia estaban volviendo un par de décadas atrás. Los dos primeros nombres que figuran en la movida del French Touch son St Germain y Philippe Zdar de Motorbass, haciendo sonidos mucho más rudimentarios que el gran boom de finales de la misma década.
Apartado 1: El disco hómino de The Stone Roses lanzado al mercado en 1989 tiene claras referencias al Mayo del 68 francés. Desde la portada hasta la letra de Bye Bad Badman.
Los franceses tenían sus raves, al igual que durante la segunda guerra mundial se iban a escuchar Jazz a distintos antros como forma de resistencia, en los 90s pasó a ser Detroit techno y garage house. Es ahí donde surgió Daft Punk.
Thomas Bangalter junto a Guy-Manuel de Homem-Christo tenían una banda llamada Darlin’ durante 1992–1993, junto a Laurent Brancowitz, futuro guitarrista de Phoenix. El nombre del dúo surgió debido a una reseña publicada en un diario francés en que los tildaban de ‘’daft punky thrash’’. Se unieron al círculo de raves francesa y comenzaron a producir lo que sería su debut, Homework de 1997, cambiando completamente el panorama de música en Francia.
Y el mundo.
En ese pequeño círculo también surgió Cassius con su increíble disco 1999, además de Phoenix y Air que se convertirían en los referentes del sonido indie francés en la próxima década.
Volviendo a Homework: Es difícil explicar con palabras el verdadero impacto que causó el primer disco de Daft Punk. Dejando de lado que la mayoría, si es que no todos los productores y bandas de electrónica en Francia eran de clase alta con acceso a la tecnología del momento, el dúo le entregó al mundo una apreciación totalmente nueva por el sonido electrónico.
La música techno y house dejaron de ser referencias directas de raves ilegales, pasaron a ser de consumo global. El éxito estuvo en el video de Da Funk dirigido por Spike Jonze y el increíble hit que rompió con todo a su paso; Around the World con un video dirigido por Michel Gondry.
En Francia, el disco estuvo en el número 3 de los charts por 82 semanas. Para febrero de 2001 ya habían vendido dos millones de copias. Alcanzó platino en Bélgica, Canadá, Francia, Nueva Zelanda, Reino Unido y oro en Estados Unidos.
Si hay que trazar solo un punto donde la música francesa comenzó una revolución, es sin lugar a dudas, Homework. Y en ese momento aún no eran robots.
Posterior al lanzamiento de su debut, ya habían comenzado a usar máscaras en sus entrevistas y visitas a sellos. En una conversación junto a Mixmag, Bangalter le dijo al entrevistador que estaban crear un lenguaje nuevo para la música dance, la actitud de rock n’ roll no iba con ellos, ya que todo lo que estaban haciendo era completamente novedoso.
Lo peor de todo, es que aún no termino con la influencia de Daft Punk en la música actual: En 2001 lanzaron Discovery, dándole otro giro completo a la industria y cómo era vista, además de escuchada, consumida y bailada por el público. Además de reservarse completamente todo tipo de sampler utilizado en sus producciones, es un disco conceptual sobre cómo fue su época de niños-adolescentes creciendo entre 1975 y 1985. Es una placa que goza de exceletnes estructuras musicales, incluyó el uso de Vocoder, el que posteriomente comenzó a ser popular tanto en hip-hop como pop.
Por si fuese poco, durante 2001 absolutamente nada sonaba ni cercano a lo que estaba haciendo Daft Punk.
Acompañado de Interstella 555 — The 5story of the 5ecret 5tar 5ystem dirigido por Leiji Matsumoto (Captain Harlock, Galaxy Express 999 y Starzinger) un anime basado en cada una de las canciones del disco, tenía más sorpresas en el mismo. One More Time fue el single que los catapultó al estrellato nivel global, para luego dejarle espacio a Harder, Better, Faster, Stronger utilizada por Kanye West en su single Stronger de su disco Graduation (2007).
Aún falta.
En 2006, Coachella finalmente los pudo agendar para la versión de aquel año. Sin embargo, nadie sabía que iban a hacer. Aparecieron en una pirámide gigante repleta de LEDs, tantos que se demoró minutos en prender. Comenzaron a mezclar sus propios temas, dando vida al disco en vivo Alive 2007. Si bien, el documental producido por BBC titulado Daft Punk Unchained puede contar de mejor forma la influencia de aquella presentación, haré una pequeña síntesis: revolucionaron por completo la percepción del mundo al trabajo de los DJs, además de ser la piedra angular de todo el movimiento de EDM que en la siguiente década explotó en popularidad con Skrillex, Madeon, Avicii y más.
Esa es una versión resumida de la influencia de Daft Punk en el French Touch y la música actual. Y todavía queda.
Otros artistas del French Touch: Bob Sinclair, Lacquer, Ernest Saint Laurent, Motorbass, Danger, Justice, SebAstian, Gesaffelstein, Étienne de Crécy, Modjo, Alan Braxe. Y la playlist al final del post.
VI. Kitsuné Maison
Gildas Loaëc antes de fundar el sello musical y marca de ropa Kitsuné junto a Masaya Kuroki, trabajó junto a Daft Punk y Thomas Bangalter en el sello Routé. Además de tener una tienda de discos de París.
Loaëc y Kuroki se reunieron en un viaje a Japón para supervisar la producción de Interstella 555, es ahí donde dieron con el concepto de combinar música, imágenes y ropa. Además de haber trabajado con Oliver People, Peter Jensen y Shu Uemura, comenzaron a lanzar compilaciones de música.
En gran medida, Kitsuné es el eslabón perdido cuando se habla de música electrónica e indie en Europa. El primer compilado de la marca tiene a Digitalism, Exchpoptrue, Hot Chip, Metronomy y Architecture in Helsinki. En los posteriores ya aparecía Bloc Party, Boys Noize, Klaxons, Foals, Crystal Castles, Yelle, Friendly Fires y un montón de bandas que pasaron a ser la cara de sus respectivos géneros.
Las compilaciones de Kitsuné se convirtieron en el punto de partida para encontrar nuevos sonidos de muchos, sobre todo cuando se trata de música electrónica, no necesariamente francesa; pero sí ligada a ella. No obstante, en la actualidad si tienen compilaciones con ciertas restricciones, Kitsué America está dedicada a artistas norteamericanos, Kitsuné Parisien para franceses y Café Kitsuné Mixes hecha por artistas del sello.
El catálogo del sello está repleto de increíbles lanzamientos y compilaciones de los artistas más interesantes del momento. Es cosa de echarle un vistazo a la rápida a su sitio web para toparse con más de algún artista reconocido en la actualidad o nombres que sonaron fuerte en su momento, los que probablemente aparecieron ahí primero.
Considerando el panorama actual de la industria, donde los sellos musicales son una sombra de lo que solían desde 1970 a comienzos del 2000, el hecho que Kitsuné mantenga su capacidad de seguir alimentando el panorama musical francés es un mérito.
VII. Liberté, Égalité, Électronique
En un artículo de The Guardian publicado en abril de 2019, Jean-Yves Leloup se aventura a teorizar sobre por qué Francia tiene una escena tan contundente de música electrónica: ‘’Tal vez gravitamos a la música electrónica porque no es tan orientada al rock n’ roll, lo que es propiedad de los anglosajones. A los franceses siempre se les ha dicho que no pueden cantar en inglés bien o que el rock n’ roll no suena bien en francés’’.
Daft Punk en 2013, durante el lanzamiento de Random Access Memories, realizaron una entrevista junto a NPR sobre las influencias del disco. Una de las preguntas fue sobre la primera vez que escucharon Oxygene de Jarre, a la que Homem-Christo respondió que eran bebés, estaba ahí desde que nacieron.
Para las bandas y DJ que hicieron de Francia uno de los países con los exponentes más interesante de música electrónica, las bases de ello habían sido cimentados ya años antes de su nacimiento. Su vida se formó con la idea que podían hacerlo perfectamente, ya que es una parte fundamental de la nación francesa: romper los paradigmas, buscar soluciones a los problemas y dar con una respuesta que atrae al resto del mundo.
Francia, como nación tenía todos los elementos necesarios para dar con una escena particular que deslumbrara al mundo. Y así fue. En gran medida, este artículo toca de forma somera la profundidad del fenómeno, sirve de introducción para lo extenso del tema. Para mayor información con respecto a ello, French Connections: From Discotheque to Discovery de Martin James, publicado en 2003 ahonda en profundidad sobre el tópico, contando la historia de los primeros clubes franceses y con entrevistas a los participantes del género.
VII. Mise en abysme: The Blaze
Son la sensación del momento en música francesa electrónica, y con justa razón. El dúo conformado por los primos Jonathan y Guillaume Alric comenzó a dar de que hablar con el lanzamiento del video para la canción Territory. Al punto que Barry Jenkins, director de Moonlight y Romain Gavras les dieron su bendición.
En realidad, no fue un video específicamente para Territory. En una conversación con The Fader, el dúo dijo que la producción de su música tiene una relación simbiótica con los videos y viceversa, pueden comenzar a trabajar en cualquiera de los dos y le sigue el otro.
Guillaume, enamorado del reggae comenzó a producir música bajo el nombre de Mayd Hubb, mientras Jonathan estudió cine en Bruselas. Este último le pidió ayuda con el soundtrack de un video musical en el que estaba trabajando al primero y así nació The Blaze.
Posterior al lanzamiento del EP Territory, el dúo publicó Dancehall (2018), un disco que se distancia del techno y house del French Touch, pero mantiene la esencia. Sus composiciones son de índole pop, bastante minimalista pero sin ser desnudas y en gran medida, debido a la relación con sus videos, funcionan mejor como material audiovisual. Lo que no quiere decir que Dancehall no puede vivir por sí mismo en formato disco, es extraordinaria la sutileza con que dan con beats gigantes y atmosféricos, sumado a la distorción de las voces.
En 2018 pasaron por Primavera Sound, están haciendo un tour por distintos festivales europeos el presente año. Y el videoclip de Territory ya tiene casi 29 millones de visitas. Es cosa de tiempo para que se conviertan en uno de los shows de electrónica más cotizados en el mundo. Han pasado ya dos décadas desde la explosión del electro en Francia y siguen saliendo números que les hacen el peso a los grandes nombres.
