Un paseo por la Teoría del Color a través del arte
Carlos Servent, alumno del Máster Online en Diseño Sostenible de SHIFTA, se dedicó con ahínco al estudio de la teoría de los colores a través de artistas de la talla de Charles Blanc, Delacroix, Johannes Itten, Sonia Delaunay y Kandinsky.
A continuación, hacemos junto a él un recorrido por el uso que hacen diferentes autores de los colores y cómo estos están relacionados con la psicología del color.
Asociación de colores y emociones
Como dijo Seurat, uno de los fundadores del neoimpresionismo:
“Siempre se ha asociado que, para alegría como sentimiento, el tono dominante es la luminosidad, el tinte dominante es la calidez y, de la línea, las líneas por encima de la horizontal. En cuanto a la calma como sentimiento, el tono dominante es el equilibrio entre la oscuridad y la luz, para el tono es el equilibrio entre lo cálido y lo frío, y la línea dominante es la línea horizontal. Por lo que respecta a la tristeza como sentimiento, el color dominante es la oscuridad, tonos fríos y las líneas dominantes son las líneas descendentes”.
Este escrito me cautivó, y fue el detonante que hizo interesarme por este tipo de sensibilidad y percepción, en este caso, del color.
Historia del color y sus distintos usos
El recorrido histórico del color es asombroso. Las primeras percepciones del color antes de la era medieval eran las primeras doctrinas asociadas a los cuatro elementos: tierra, aire, fuego y agua. No se había producido ninguna visión unificada de lo que estos colores eran en realidad. El arte medieval se vio influido por la expresión y no por las formas.
Las vidrieras medievales, hasta donde han sobrevivido, empleaban el color con fines simbólicos y decorativos. En los inicios de las vidrieras alemanas, como en Augsburgo (sur de Alemania, cerca de Múnich), predominaban los fondos blancos y se empleaban fuertes contrastes rojo-verde.
Poco después y posterior a la catedral de Chartres (s. XVI), conocido como el templo de la luz y localizado en Saint-Denis, París, dominaba el azul como fondo de las escenas. El azul se clasificaba conceptualmente como el color más oscuro, junto al negro.
Los primeros vidrios franceses se diseñaron para crear una oscuridad impenetrable, pero portadora de luz, análoga al Dios incognoscible de la primera teología medieval. El concepto de crear una oscuridad impenetrable pero luminosa es un concepto fascinante que marcó la era medieval.
A finales del siglo XVI, Aristóteles seguía siendo la principal autoridad en todo lo referente a la palabra natural. El filósofo peripatético había registrado tres colores en el arco iris: rojo, amarillo/verde y el púrpura. En el siglo XVII, el rojo-amarillo-azul se habían establecido como colores fundamentales entre los artistas de toda Europa. Los tres colores primarios; dos de ellos (rojo y amarillo) son cálidos y el tercero (azul) frío.
El color en el arte
Siguiendo este breve recorrido del empleo del color veremos que en el arte ha habido una evolución significativa en técnica e intención.
Los hermanos Hubert y Jan van Eyck comenzaron a construir patrones de composición en torno a los colores locales de la persona o las cosas representadas. Los colores locales se entienden como apagados y brillantes, tonos claros y oscuros que producen una imagen realista, acercándose mucho a los objetos naturales.
Piero della Francesca (1410–1492) pintó con contornos nítidos y zonas claramente expresivas, con colores complementarios equilibrados.
Leonardo da Vinci (1452–1519) rechazó la coloración fuerte. Pintaba en una gradación tonal infinitesimal organizada en el caso de su Virgen de la Adoración de San Jerónimo de Giotto. Tonos sepia de luz y sombra.
Tiziano (1477–1576) utilizaba zonas de colores homogéneos contrapuestos de forma aislada. Más tarde resolvió progresivamente dichas zonas en frías y cálidas, claras y oscuras.
El Greco (1545–1610) fue alumno de Tiziano y reconocido tardíamente en el siglo XX cuando se comenzó a apreciar el verdadero talento que tenía el pintor griego, pues utilizó el esquema de colores primarios para describir lo celestial.
Según el pintor:
“No se pueden hacer colores primarios mezclados con cualquier otro par de colores”.
Nos describe los pigmentos primarios como aquellos que sólo Dios podría hacer.
Rembrandt (1606–1669) considerado el ejemplo de los pintores del claroscuro, tras la era de Leonardo, Tiziano y El Greco, utilizó el claroscuro como medio de expresión. Sentía un concepto diferente del claroscuro, sentía el color como un material denso con tonos grises y azules o amarillos y rojos transparentes, creando el efecto de profundidad.
Todo ello fue suplantado por el Romanticismo. John Constable (1776–1837) no aplicaría un verde homogéneo al lienzo, sino que lo resolvería en una minuciosa gradación de tonos claros y oscuros, fríos y cálidos, apagados y vivos. J.M.W. Turner (1775–1851) realiza unas composiciones de color nada objetivas que justificarían su inclusión en la lista de los primeros “abstraccionistas”.
Eugène Delacroix (1798–1863) se preocupó verdaderamente de los problemas y principios de los colores durante toda su vida.
Del arte a la teoría del color
Philipp Otto Runge publicó su teoría del color utilizando la esfera como sistema de coordenadas en 1810. La principal obra de Goethe sobre el color, Teoría del color también se publica en el 1810. Schopenhauer publicó su tratado “Sobre la visión y los colores” en 1816.
El químico M.E. Chevreul (1786–1889) publicó “Los principios de armonía y contraste de los colores y sus aplicaciones a las artes”. Su obra se convirtió en la base científica de la pintura impresionista y neoimpresionista.
Los impresionistas dividieron las áreas de color en elementos de pintura, afirmaron que la mezcla de pigmentos rompe el poder de los colores. El punto de color tan puro debía mezclarse sólo en el ojo del espectador.
Paul Cézanne (1839–1906) desarrolló lógicamente la construcción del color. Aparte de sus aportaciones rítmicas y formales, en el color rechazó la técnica puntillista de las visiones. Utiliza la modulación, es decir, la variación entre lo frío y lo cálido, lo claro y lo oscuro, lo apagado y lo intenso.
Picasso, Braque y Girs, utilizaron los colores por sus valores claroscuros. Se interesaron principalmente por la forma. Analizaron las formas de los objetos en formas geométricas abstractas.
El color va cobrando importancia
Fue en el siglo XX cuando se empezó a tener cada vez más sensibilidad en el color e incluso en darle forma. Hubo una inquietud y preocupación en la relación del color con la forma. De hecho, era un significado central para la pintura de Kandinsky. La característica asignación de los colores primarios de Bauhaus. Kandinsky asignó los colores con su forma geométrica primaria.
Azul — era la redondez “descansada” más profunda para el círculo.
Amarillo — psicológicamente lleno de movimiento hacia el exterior.
Rojo — el color más importante, “asertivo”, “naturaleza contundente” y “tensión interna.
La mayoría de los encuestados estaban de acuerdo con el razonamiento de Kandinsky. Sin embargo, también hubo críticos, como Oskar Schelmer. “El rojo, y no el azul, era característico del círculo, ya que en la naturaleza (sol, fruta) era un color activo, mientras que el azul era apropiado para el cuadrado abstracto y metafísico, una forma que no existía en absoluto en la naturaleza”.
Juan Gris, pintor español (1887–1927) dando una conferencia en París (1924) habló sobre la polaridad formal primaria entre el círculo y el triángulo. Para Gris el círculo era la forma más expansiva, y por tanto correspondía a los tonos más brillantes de la paleta, el triángulo la más concentrada, y por tanto apropiada para los más oscuros. Claramente en forma abreviada, la fórmula opuesta a Kandinsky.
Carlos Servent, alumno del Máster Online en Diseño Sostenible de SHIFTA.
