對於演奏舒伯特作品的一些偏見
約莫在兩個月期間內，自掏腰包聽了兩場全場舒伯特的演出。礙於一些原因，所聽到的東西可能不那麼適合寫評，但我還是有一些想抱怨的事情。
首先我一定要講，本來是五人編制的東西，在兩千人大小的地方演出，本來設計好的抑揚頓挫，甚至是速度，都要因應場地的條件和需求重新適配、調整。至不濟，也要有另一雙耳朵替你們在台下確認，即使你自認為是音樂家，也不能例外。
演到晚期舒伯特了，主要（Haupt-）和次要（Seiten-）素材的對比，調性和聲的堆疊、發展和轉折，這些都是要了然於胸，做得流暢且立體，才能讓聽者理解舒伯特音樂的藝術。何謂立體？要想讓大家忍耐舒伯特音樂當中的重複性，你只能把他奏得更有趣。應該流暢的樂句，就不能過於耽溺；正在期待有機發展的模進段落，絕對不能失速。作為一個室內樂組合，每一個人對於樂句、主題、段落、樂章，各個視角下的脈搏的共識，都必須是高度凝結的。像他筆下這樣長的樂句，台上每一個人都不能閃神。反之，就容易讓聽眾感到草率。
速度關係到語氣（抑揚頓挫），也關係到一些演奏的細節。在慢板樂章，弦樂器有換弓的問題，同歌者有呼吸的需求那樣。然即使是在快板，速度選擇仍關乎品味。D. 956五重奏第一樂章，發展部的最後，以及之後情緒鬆弛下來、回歸主調C大調的一句，特別可以顯出室內樂「人性」的一面。加上一點彈性速度，即便是第一次聽到這個音樂的聽眾，也知道「啊現在要切畫面了」，因為你們把情緒轉換給演出來了。對，當然譜上並沒有要求必須換一個速度，但這個張力這麼強大的地方，你們全都堅持用一個速度過，即使是職業演奏家，把室內樂的情緒轉折奏得跟八十人大團一樣整齊，我只覺得無趣，好無趣[1]。
關於中段（Trio）。中段怎麼詮釋，是否保持一樣的速度去演奏，這個問題是從海頓四重奏就留下來的，21世紀的我們仍然各持己見。這件事情上，我頗為認同Harnoncourt的看法，舞曲（例如Menuetto）有舞步，有輕重，中段則大部分時候是歌曲。既然歌曲舞曲各有不同，也就不用在速度上強求統一。但是，最重要的就是這個但是，舒伯特的中段可是寫出來了啊（andante sost.），這麼大的情緒轉換，實在遺憾沒能聽到。
D. 944交響曲聽來好些。樂團是大船，吃水深，要改變方向不是那麼容易。在這個前提下，交響曲的彈性速度少些，還是可以接受的。但是還是想補一句，關於所謂合適的速度，還有幾個考慮方向，一個是上面講的，場地，場地是不是不允許你奏太快，另一個當然是你自己的技術極限，這兩種思考應該是要取得妥協的。作為一個稍懂指揮的聽眾來看，讓我聽出樂團的勉強來，那只能是你指揮要檢討了。
聽不同的組合奏同一首曲目，還有一些心得。從總譜出發，去看D. 956的時候，應該要特別留意大提琴的處理方式。這個聲部配置，和「傳統」的弦樂五重奏配器有什麼不同？藉此，大提琴的聲音特點應該怎麼發揮？很多著名弦樂四重奏團都在這首曲子上留下了名盤，為什麼他們所特邀合作的大提琴家，大都演奏第二大提琴[2]？在這些問題上，有一個初步的思考之後，我們應該怎麼安排兩位大提琴家的位置？不論坐位（物理），或是聲部分配，在台灣還沒有聽到真正讓人滿意的效果。
相較956，或者944來說，667號《鱒魚》是世界的另一個樣貌，是美好且讓人神往的那一端點。作曲的人，演奏的人，都展現出無憂無慮的一面，但以寫作的觀點來說，配器的層次感沒有晚期那麼清楚。多數時候，聽起來像是小提琴、鋼琴的雙協奏曲，這可能是演奏《鱒魚》最需要避免的一點。當然，你們可能會需要一位主動性強的低音提琴（而不是Zubin Mehta）。
《鱒魚》五個樂章當中，第四樂章的主題變奏，尤其考驗著器樂演奏者對「呼吸」的理解[3]。本來是唱的東西，交給五樣不同的樂器去呈現，使得這個樂章特別可以表現室內樂藝術裡面那種既「分」又「合」，每個人各自要保有個性，卻又要取得高度共識的特性。素材聽起來很通俗，但奏得不能流俗。再者，這是一首變奏曲，變奏曲在19世紀 — 甚至可以說，在舒伯特之後 — 愈見稀少，當中又有何原因呢。
哎，算算也半年沒寫了，總感覺詞不達意。總之接下來三年，我不會再在台灣聽舒伯特了，就藉著這篇，抒發一下。
[1]
句子接句子的地方都沒有鋪陳。
演得像火車，但那個時代應該只有馬車啊。
[2]
Alban Berg Quartett, Heinrich Schiff
Amadeus Quartett, William Pleeth
Artemis Quartett, Truls Mørk
Emerson Quartett, Rostropovich
Melos Quartett, Rostropovich
Et cetera, et cetera
[3]
總說弦樂沒辦法像管樂、聲樂那樣吸氣，
直到有一天你赫然發現，
鋼琴才是更自我的一方，不比還不知道。See also
- 舒伯特：C大調絃樂五重奏，本站作品淺釋
